Listado de obras y autores

Asignatura de Fundamentos del

Arte 2º de Bachillerato
 Las vanguardias

Las vanguardias históricas


Manet: Le déjeuner sur l'herbe (Almuerzo
sobre la hierba), 1863.
Título: Desayuno en la hierba
Autor: Édouard Manet
Fecha: 1863
Corriente: Impresionista
Técnica: Óleo
Analisis formal:
En este lienzo podemos observar cuatro figuras
humanas, dos femeninas totalmente desnudas y
dos masculinas que se encuentran vestidas. Todos
ellos se hallan tomando el almuerzo en un
pequeño claro del bosque. Es destacable que
mientras que tres de las figuras son sedentes ya
que están sentadas en la manta del almuerzo
charlando, la cuarta está tomando un baño al
fondo del lienzo. Esta última ha recibido ciertas
críticas por una cierta irrealidad de tamaño con
respecto a la supuesta perspectiva del cuadro que
la hacen parece como si estuviera “pegada”.
La gama cromática empleada en este óleo es más bien fría, ya que utiliza tonos verdosos para
la vegetación, negro para la ropa de los hombres y un toque azulado para la manta del
almuerzo. Podemos encontrar que destaca la claridad de ambas figuras femeninas en
contraste con el resto de tonos del lienzo.

Simbología:
Cuando Manet realizó este lienzo, no buscaba representar algo realista desde el punto de vista
social o político del término propio de un Daumier, si no que es una afirmación a favor de la
libertad individual. Esto queda patente en la condición de ambas figuras femeninas que se
hallan totalmente desnudas.

Una de ellas, la que se encuentra sentada, está mirando al espectador mientras los dos
hombres se encuentran absortos en su propia conversación. En mi opinión, lo que Manet
podía querer crear es un enfoque más natural de la figura femenina, de manera que la trata en
su cuadro con tal indiferencia como si estuviese vestida.

Hay que tener en cuenta que en su momento, la figura desnuda de una mujer almorzando
despreocupadamente con dos hombres totalmente vestidos, creó un gran revuelo ya que
atentaba contra la moralidad de la época.
No esta claro si se puede
adscribir a Tiziano o a
Giorgione, pero este cuadro
manierista, puede tener algo
que ver en la inspiración del
cuadro de Manet.

En el caso del cuadro perdido de

Rafael
La parte inferior derecha
tiene una similitud
increíble entre el grabado
de Rafael y el cuadro de
Manet.
Monet: Impresión, sol naciente, 1872.
 Vanguardias

Los jugadores de cartas

(Les Joueurs de cartes en el
título francés original) es
una serie de cinco cuadros
sobre el tema de la partida
de cartas, que realizó el
pintor francés Paul
Cézanne1 entre 1890 y 1895
(la comenzó estando en
Cézanne: Los jugadores de Suiza y la acabó en Aix-en-
cartas, 1895. Provence).
Pertenece a la época de madurez (década de 1890) en la que Cézanne produce sus
principales lienzos. Ejemplifica los cuadros en los que los personajes están fuertemente
anclados en su decorado.3 Es un periodo en que Cézanne fue invitado a exponer con el
grupo Les XX en Bruselas y, más tarde, celebró su primera exposición en París.
La pintura de Cézanne en esta época se caracteriza por su trabajo por
planos de color que tanto recuerdan el trabajo por planos del cubismo.
El autor quería representar lo que veía sin interpretaciones temáticas o
preocupaciones por el estilo.
Quería hacer un arte perdurable y serio naturalista un poco como el el
realismo literario de Zola.
Además la preocupación de Cezanne por representar varios puntos de
vista en un mismo cuadro anticipa el punto de vista desarrollado
posteriormente por los cubistas Picasso o Braque.
El uso de una serie para explorar todos los aspectos de un tema nos
acercan al arte contemporáneo.
En esta serie evoluciona desde un cuadro con cinco figuras a uno final con
solamente dos figuras.
La composición acaba siendo casi simétrica y con un eje horizontal que lo
divide y que casi coincide con una botella.
La sensación que producen los personajes es la de estar inmersos en su
juego y da la impresión de que les es indiferente nuestra presencia. Es
como si fuera el momento previo a una gran juagada o un momento del
juego muy delicado para ambos.
En estas imágenes podemos ver una
cierta similitud en el tratamiento de las
formas y los volúmenes entre Cézanne y
Picasso

Las montañas Saint Victoire

de Paul Cézanne 1885

Casas en la colina de Horta de

Ebro Picasso 1909
 “LA LÍNEA VERDE”. HENRI MATISSE
Esta obra, creada en el año 1905, y titulada “Línea verde” corresponde al artista
H.Matisse. La podemos enmarcar en el movimiento vanguardista, y más
concretamente, en el fauvismo.
En el año de su creación fue expuesta en el Salón de Otoño de París junto con obras de
otros autores (Derain, Marquet…), provocando todas ellas tal espanto en la crítica –
sobre todo por su uso del color-, que los autores de tales obras fueron denominados
“fauves”(fieras). De ahí nace la denominación “fauvismo”.
Es una obra realizada en óleo sobre lienzo, en un formato vertical. Su pincelada es
marcada, larga, empastada y expresiva –ligeramente recuerda al impresionismo-, y cabe
destacar el color como otro protagonista del cuadro: el pintor utilizó intensos, saturados
y diversos tonos que marcan -debido a la ausencia de blancos y negros puros- las zonas
de oscuridad y de iluminación. A pesar de la comentada utilización del color,
visualmente, hay una armonía y equilibrio de peso entre ellos. No se trata de una obra
Matisse:Retrato de
mujer franja en la que el dibujo tenga gran importancia, sino que es el color el que invade el lienzo
verde, 1905. dibujando. A su vez, el uso del color es similar al de Cézanne: arbitrario –en el rostro
hay tonalidades lilas, verdes…-
En el cuadro predomina la línea vertical que recorre el rostro, pero sin embargo también
encontramos líneas diagonales –hombros y ropa- que aportan dinamismo en la
composición.
La mujer representada es Matisse, Mme. Matisse, que aparece en la pintura en tres
cuartos, portando un gran moño y mirando al espectador –por lo que sus ojos son un
gran punto de interés-. La mitad de su rostro aparece recorrida pe una línea verde –otro
centro de interés que da título al cuadro-.
Resumiendo, esta obra rompió con el uso tradicional del color y de la representación
realista de las formas, de la luz y de la oscuridad. Por su parte, lo que el artista trató de
representar fue el interior de su mujer, alejándose, por tanto, del físico.
La habitación roja 1908
La danza Henri Matisse
 Desnudo azul
El caracol

https://historia-arte.com/obras/matisse-la-linea-verde
 Mujeres impresionistas
Mary Cassatt es una de las denominadas
“mujeres impresionistas” junto con Berthe
Morisot.
Esta denominación,está justificada por el
tratamiento que hace del color en su obra. Si
bien su temática es diferente a la de los
impresionistas pues es de espacios que expresan
la vida social y privada de las mujeres.
Esto se manifiesta en los modelos su familia más próxima, sus hijos e hijas y el
espacio de su pintura que se desenvuelve en los interiores de las viviendas.
Algunos autores consideran que esta pintura es fruto de las limitaciones
impuestas a las mujeres que dificultaron la pintura de exteriores por no estar
“bien visto” en la época, aunque como muchos impresionistas realizó apuntes
de campesinos trabajado en el campo.
Sin embargo actualmente se plantea que el uso de modelos cercanos nos habla
de un interés por expresar un mundo diferenciado en su iconografía al de los
hombres más íntimo y en el que las relaciones humanas son más importantes
que las ideas.
Mary Cassat: Little Girl in a Blue
Armchair, 1878.
Cassatt se rebeló desde joven con la idea de un aprendizaje del arte para mujeres
como simple formación de entretenimiento. Fue testigo del cambio del realismo al
impresionismo en París donde se trasladó para perfeccionar sus estudios.
después de volver de Estados Unidos en donde tuvo muchas dificultades para vender
su obra, se trasladó definitivamente Europa.
La vida profesional de Cassatt se caracterizó por su lucha porque le fuera reconocido
su arte sin la necesidad de un hombre “protector” es decir como mujer
independiente que vive de su propio trabajo. Esta actitud la hace cercana los
postulados feministas actuales y por su fe en la pintura como medio de vida.
Degas, con el que entabló una relación profesional basada en el mutuo
reconocimiento y admiración, la introdujo en el círculo de los impresionistas que la
llevaron al éxito profesional.
Mary Cassatt con Degas como modelo perfeccionó la técnica del pastel que éste
usaba con maestría.
En este cuadro estuvo implicado al parecer Degas el cual aportó también la hija de
unos amigos. Como se puede comprobar es un cuadro en el que el protagonista es el
color de los sillones de un azul verdoso que contrastan con el color rosado de la piel
de la niña jugando un tanto con el contraste entre colores complementarios. Todo el
cuadro tiene un tono medio incluso las luces de los ventanales del fondo, pero
destacan los tonos mas oscuros de los calcetines de la ropa de la niña que la cubre y
del perro del otro sofá.Como luces destaca los reflejos de la tela blanca de seda de
la ropa blanca de la niña.
La composición es compleja destacando la colocación de la niña
aproximadamente en la línea que definirán la división aurea del espacio
horizontal.
La composición tiene un cierto sentido circular atendiendo al espacio que
queda entre los sillones.
La mirada distraída de la niña nos lleva al perro descansando.
Toda la obra plantea tranquilidad, intimidad, sentimiento de seguridad
Paseo en barca
https://
www.museobilbao.com/
obras-comentadas/cassatt-
mary-91

VanGogh: El dormitorio, 1888.
Por: Sheila Ruiz
Es un cuadro realizado por Vincent Van Gogh en 1888
y se encuentra expuesto en el Museo Nacional Van
Gogh. Su estilo se corresponde con el Neo-
Impresionista y está realizado en óleo sobre lienzo.
En esta obra se abandonan las sombras y la textura
tradicional, creando superficies planas. A través de los
contornos consigue crear un gran efecto volumétrico en
los elementos presentes en la escena y los tonos
empleados son los más apreciados del artista; el
amarillo (junto con el azul son sus tonalidades
emblemáticas) y añade pequeñas pinceladas de verde y
rojo para jugar con los contrastes.
Van Gogh pretende inspirar sosiego y tranquilidad y
ésta pequeña estancia está vista en perspectiva,
marcando las líneas del suelo y las de las paredes para
crear el volumen de la habitación.
El artista creó esta obra cuando vivía en Arles y envió
un boceto del cuadro a su amigo Paul Gauguin y en una
de sus cartas explicaba la importancia del color como
elemento expresivo de la tranquilidad ya mencionada.
Todo esto a través los muros lila pálido, el suelo rojo
gastado, la mesa anaranjada, la ventana verde…
Queriendo mostrar el reposo absoluto mediante éstos
diversos tonos.
 Vemos una sencilla habitación
con dos sillas, una cama maciza
y una mesita en las que se
pueden observar los objetos para
el aseo: Una jofaina y una
palangana. Se pueden observar
varios frascos y cepillos. Al fondo
la ventana parece entreabierta y
deja traslucir una luz verdosa
que da sensación la tranquilidad
del campo.
Destaca el rojo de la manta de la
cama entre todos los demás
colores del cuadro con una cierta
tendencia a ser colores fríos.
Se ven varios cuadros que puede ser del propio artista decorando la habitación.
Dos puertas franquean la composición.
La perspectiva de todos los objetos nos llevan al fondo de la habitación a la
ventana. Van Gogh usa la perspectiva un poco como los clásicos no solo para
organizar el cuadro sino también para dirigir nuestra vista al exterior de la
ventana. El artista utiliza el impasto en la mayor parte del cuadro y sobre todo
en las zonas claras para resaltar mediante este y el color el volumen y las
texturas de las formas.
 Este cuadro fue pintado por Pablo Picasso en el año 1907. La
técnica que utilizo fue óleo sobre lienzo. Este cuadro pertenece al
movimiento conocido como Cubista y con este cuadro Picasso
inicio el camino de este movimiento, el cual consistía en plasmar la
realidad con formas geométricas. Este movimiento conocido como
cubismo surgió de la colaboración de Picasso, Georges Braque,
Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris y
Guillaume Apollinaire. Además, el cubismo es la principal
tendencia que desarrollo los demás movimientos vanguardistas. Las
Señoritas de Aviñón es el primer cuadro cubista, no solo de Picasso
sino también de este movimiento artístico.
Este cuadro tiene unas medidas de 243,9 x 233,3 cm. Marco el
Periodo africana caracterizado porque los artistas simplifican
Picasso: Las señoritas geométricamente las formas volumétricas puras teniendo como
de Avignon, 1907;
El Guernica, 1937. influencia el arte africano. Es el inicio del cubismo. Los temas
utilizados durante este periodo son los paisajes bodegones, y en el
caso de Picasso las figuras. Los cuadros tienes tonalidades cálidas.
La composición de este cuadro de Picasso es la fuertemente
geometrización, en el que predominan las líneas verticales sobre las
horizontales. El formato del cuadro corresponde al cuadrado. Tiene
mucha importancia la línea pues Picasso la aplica tanto para definir
las formas geométricas como para descomponer las figuras
humanas. Predominan los colores cálidos típicos en la fase inicial
del cubismo, aunque en el fondo hay tonos fríos y ocres. No hay
perspectiva ni profundidad.
 Cada figura humana tiene diferentes niveles de geometrización. Las
mujeres centrales representadas en el cuadro tienen cierta influencia que
recuerda a las figuras de obras antiguas, en cambio hay dos figuras
humanas cuyos rostros recuerdan a mascaras africanas, característica
muy común en
el inicio del cubismo y en algunas obras de Picasso como por ejemplo
‘Cabeza de mujer’ de 1907. Además, no todas las mujeres están
representadas de pie, hay una la cual se encuentra sentada en el margen
de la derecha en la que Picasso intenta retratar dos puntos de vista con la
cara y la espalda de la mujer. Con esto logra recomponer una cara con
cierto volumen la cual no corresponde con la realidad.
Las señoritas de Aviñón fue un cuadro el cual estuvo inspirado por una
escena en un prostíbulo de Barcelona en donde se encontraba Picasso.
Algo curioso de esta obra, es que en un principio iba a haber un
personaje más con una calavera en la mano. Picasso hizo esto en los
bocetos previos pues quería homenajear a su amigo Casagemas, el cual
había fallecido recientemente. Esto no se llevó acabo, y en la obra final
solo están representadas cinco prostitutas con un bodegón en sus pies.
No es un cuadro que narre una escena o una historia. Solo es una
representación de las prostitutas desnudas y una recreación de su entorno
en el prostíbulo.
Picasso realizaba muchísimos bocetos antes de lanzarse a realizar una obra y
esta no es una excepción en su modo de hacer.
Visión del
Apocalipsis de El
Greco 1608-14
 Naturaleza
muerta con
rejilla de
silla 1912

http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/picasso-
naturaleza-muerta-con-silla-de.html
Picasso: El Guernica, 1937.
Para este autor ir a las
presentaciones sobre
Cappiello Chéret y Mucha

Alfons Mucha: Gismonda, 1895.

 ES interesante en esta ilustración insistir en la
composición centrada que comienza con un
lectura del texto y acaba en parte más superior
con la botella. El payaso está rodeado de la
cáscara de naranja, de la que parece salir
bailando, que nos indica uno de los
componentes de la bebida y el carácter festivo
o desenfadado de ésta.
el fondo negro y uniforme resalta la figura. La
figura el animal era un recurso nemotecnia que
usaba Capiello. con ello conseguía que aunque
Leonetto Cappiello:
no se recordara el nombre del producto se
Bitter Campari, asociase a un personaje. El conejito de
1921.
Duracell es un ejemplo de este recurso
Para este autor ir a las empleado en la publicidad o las técnicas de
presentaciones n sobre imagen de marca.
Capillo Chéret y Muncha Se dice que este recurso lo hace merecedor de
ser uno de los creadores del catecismo
publicitario actual.
 Henri de Toulouse-Lautrec: Moulin
Rouge, La Goulue, 1891:

Fue el primer cartel realizado por Toulouse

Lautrec, destinado a promocionar un espectáculo
de dos bailarines en Moulin Rouge, templo de ocio
en Paris. El cartel tuvo una sensacional acogida
tanto entre el público como entre los críticos, lo
que animó a Toulouse Lautrec. El cartel consta de
dos siluetas de dos personajes en diferentes planos,
recortadas sobre un fondo plano y silueteado,
representa una escena espontanea con gran
sensación de movimiento, lo que caracteriza al
autor. El punto de vista elevado que emplea será
muy común en el artista, que toma como modelo a
Degas, pinto impresionista.
las lamas en perspectiva del suelo dan sensación
de profundidad que contrasta con el tratamiento de
figuras con olores planos. el título hace referencia
a la bailarina de Can Can la Gouloue protagonista
del cuadro detrás de la figura del sombreros.
Realizado con la técnica de la litografía en
cuatricomía 3 colores primarios más negro-
 Modernismo
La Casa Milà (también conocida como La
Pedrera, cantera en catalán) es una obra
arquitectónica del español Antonio Gaudí
(1852-1926) y fue realizada entre 1906 y
1910 en la calle Paseo de Gracia,
Barcelona.
Desde 2013 La Pedrera acoge y organiza
numerosas exposiciones y actividades y es
uno de los diez lugares más visitados de
todo Barcelona, con 20 millones de visitas
al año.

Se trata de un edificio modernista de

arquitectura civil que, Pere Milà, quien se
quedó maravillado con la belleza de la
Casa Batlló, decidió encargar a Gaudí para
su construcción. El arquitecto no trabajó
Lucia Sousa solo sino que colaboraron con él sus
ayudantes, la mayoría artesanos.
Antonio Gaudí: Casa Milá (La Esta obra es el reflejo de la plenitud
Pedrera), 1910.
artística de Gaudí, un genio que se inspiró
en la naturaleza vegetal y animal así como
 Surrealismo El Gran Masturbador es un cuadro dentro del estilo surrealista
pintado por Salvador Dalí en 1929. Este cuadro tiene las
características de toda la pintura surrealista y posee una unidad
equilibrada a pesar del gran número de elementos que presenta.
Refleja el malestar del autor que temía, incluso, perder la
cordura. Tanto el título, como el motivo central no dejan dudas
sobre las implicaciones sexuales del cuadro; el sexo era una de
las obsesiones del pintor.
Símbolo por excelencia de sus obsesiones sexuales, esta pintura
ha sido destacada incluso por su propio autor, en la más conocida
de sus obras literarias, The Secret Life of Salvador Dalí (La vida
secreta de Salvador Dalí), editada en 1942. Salvador Dalí pinta
Salvador Dalí: El gran este lienzo al final del verano de 1929, tras pasar varios días con
masturbador, 1929. Gala, que había decidido permanecer con él en Cadaqués, a pesar
de que el entonces esposo de esta, el poeta Paul Éluard, había
Por: Miguel Ángel Cortés regresado solo a París, prescindiendo de la compañía de su
todavía cónyuge. Como ha señalado Rafael Santos
Torroella, Visage du Grand Masturbateur (Rostro del Gran
Masturbador) es un cuadro eminentemente autobiográfico: la
gran cabeza del masturbador es una de las personificaciones del
propio artista, que aparece en la pintura protagonizando varias
escenas simultáneas, como reflejo de la transformación anímica y
erótica que Dalí acababa de experimentar a causa de la aparición
de Gala en su vida. Por otra parte, en esta inquietante
composición, las fantasías dalinianas alcanzan su cénit, en
especial por lo que respecta al motivo del saltamontes que
succiona el cuerpo de la gran figura metamorfoseada, ya que,
según refiere Dawn Ades, este insecto le aterrorizó siempre de
forma especial, incluso ya desde los días de su infancia.
Análisis: Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo. Presenta una factura lisa, la
pincelada apenas se nota.
El tema representado es bastante complejo. Aparece una gran masa amarillenta y
angulosa de cuyo extremo superior izquierdo( desde el punto de vista del
espectador) surge la cabeza de una mujer que se acerca a unos genitales masculinos.
La composición es estática y simétrica aunque ligeramente descompensada en
cuanto a las masas hacia la izquierda. El horizonte es amplísimo y se funde con la
línea del suelo de forma difusa.
Predomina el dibujo jugando mucho con las curvas. Los colores empleados son
brillantes y juega con la combinación entre fríos y cálidos.
Una luz fría e irreal invade toda la composición dándole un aspecto de ensoñación.
Las sombras negras inquietantes que se proyectan indican la presencia de un foco de
luz dirigido desde la izquierda (según miramos el cuadro), provocando grandes
contrastes entre las zonas iluminadas y las que se encuentran en penumbra.

El espacio se sigue entendiendo al modo clásico, se valora el volumen de las figuras

y la perspectiva lineal. Como es habitual en el autor, la visión se produce desde un
punto elevado, lo que baja la línea del horizonte y permite una larga perspectiva que
crea un ambiente, de nuevo, de fuerte extrañamiento.
Las figuras representadas son muy diferentes entre sí. Mientras que la mujer, de
líneas ondulantes, se relaciona con el prototipo de mujer modernista, el hombre al
que se acerca parece más una escultura, es algo frío, pétreo. Por otro lado, las
pequeñas figuras que aparecen debajo se asemejan a maniquíes.
La mujer que sale de donde debería estar el cuello, se acerca a los genitales del
hombre en una clara alusión sexual (potenciada por la cabeza del león, símbolo de la
sexualidad y del deseo). Los temas tabú para la sociedad del momento como la
muerte o el sexo, son los más representados por Dalí, escandalizando incluso a gente
de su núcleo pictórico.
Además están representados una cabeza de león, unos personajes que pasean
solitarios y un lirio.
El hecho de que debajo de la mujer encontremos un lirio, símbolo de pureza, ha dado
lugar a otras interpretaciones: la masturbación como forma limpia de sexualidad (y de
nuevo asociada a motivos autobiográficos, como el miedo que mantuvo durante toda
su vida a la sexualidad, que le inculcó su padre a las enfermedades venéreas)
En las figuras solitarias hay quien ha querido ver la alusión a otra de sus fobias, la
soledad, pero también a los paseos junto a Gala, su musa, por la playa (figuras
abrazadas). También son relacionadas con la idea del paseante ya presente en las
obras De Chirico, que abunda en el tema de la soledad y la visión subjetiva del
mundo a la vez que da una nueva escala a toda la escena al poner en comparación con
la figura humana, monumentalizándola.
 Su autor es Alberto Giacometti (pintor y escultor suizo, nacido en 1901).
Es una escultura realizada en el año 1931, cuando el autor tenía treinta
años. La obra pertenece a la
Vanguardia del Surrealismo. La escultura muestra una jaula abierta de
barras de hierro. En su interior se encuentra una esfera con una hendidura
y colgada de una cuerda que roza, con un vaivén, la arista afilada de una
pieza recostada en forma de media luna o de gajo de naranja.
Existen dos versiones: una realizada en madera y otra en escayola.
Esta obra inaugura la incursión de Giacometti en el universo del objeto
surrealista. Su descubrimiento causa un pequeño cataclismo en el seno de
dicha corriente artística.
El aspecto más innovador es la puesta juego del movimiento real en la
obra. Esto se debe al hecho de que la bola puede hacerse oscilar como un
Alberto Giacometti:
Bola Suspendida, péndulo, lo que determina una percepción del trabajo en su forma física
1931. concreta y objetiva y no como forma plástica.
Al poner la bola y media luna dentro de una jaula, Giacometti puede
jugar con sus dos registros espaciales; crea una separación con el resto de
las cosas que lo rodean y al mismo tiempo hace una obra en movimiento
hace que se inscriba en el espacio.
Otras obras de Giacometti
 -Esta imagen es del año 1934 se puede clasificar
tanto Surrealista por su onirismo como Dadaísta
por el uso de asociaciones al azar.
Es una de sus contribuciones en el campo de la
fotografía Esta obra es un claro ejemplo de lo que
se conoce como un fotomontaje, pues contiene en
la parte superior la pintura de Man Ray ‘Los
enamorados’ y en la inferior una fotografía de una
mujer desnuda junto a un juego de ajedrez.
Man Ray: Los enamorados,
desnudo y Con Duchamp, Picabia creó el Dadá neoyorkino,
juego de ajedrez, 1934. realizando obras experimentales que coqueteaban con
todo tipo de soportes para la creación de obra
artística. Así es como tras su instalación en París, al
ver que su obra no encontraba mercado, empezó a
crear sus famosos
“rayogramas" Que no eran otra cosa que objetos
colocados creando composiciones sobre un papel
fotográfico. Esas composiciones se iluminaban de
modo que el papel fotográfico, mediante las sombras
o reservas de luz de los objetos creaba una imagen
una vez revelado el papel fotográfico.
Existe una división horizontal del cuadro por una línea como de horizonte que
divide al cuadro en dos. Los labios de la parte superior que representan a los
enamorados, están ligeramente inclinados, lo que da sensación de que se deslizan
hacia la derecha. Esta es la parte onírica que corresponde a la fotografía de un
cuadro suyo.
La parte inferior se puede observar recortado por una mancha negra cuerpo de
una mujer y un tablero de ajedrez.
El tablero tiene una perspectiva cónica frontal que es el encargado de dar
profundidad al cuadro. Mientras que el cuerpo de la mujer hace que el
espectador deslice la mirada desde la cabeza que se rompe con el marco de la
fotografía a las sombra de la mesa en donde está el juego de ajedrez.
Puede que Man Ray con su espíritu rebelde quisiera poner al mismo nivel el juego
de ajedrez y el de los enamorados
 Otros surrealistas

Rene Magritte
Asesino amenazado
Max Ernst
Surrealistas, 1930 (izquierda a derecha)
Tristan Tzara, Paul Eluard, André Breton, Jean Arp, Salvador Dalí, Yves Tanguy, Max Ernst, René
Crevel & Man Ray
 Piel Mondrian es un pintor vanguardista
Neerlandés miembro de la vanguardia conocida
como "De Stjil" fue fundador con Theo van
Doesburg del neoplasticismo . su estilo evolucionó
desde el naturalista o el simbolismo a la
abstración.
El neoplasticismo es un estilo relacionado con el
constructivismo soviético de hecho se le denomina
a veces constructivismo holandés.
En esta obra llama la atención la ausencia de
líneas curvas y de texturas y apariencia de
profundidad. El cuadro es una retícula de formas
Mondrian: Composición en cuadradas o rectangulares formadas por líneas
rojo, amarillo, azul, intencionadamente de un trazado regular tanto en
1921.
forma como en grosor.
El blanco es usado tanto como forma como color
al igual que el negro. Mientras que los colores
primarios dan "movimiento" a la composición.
En la parte inferior tenemos un cuadrado y un
rectángulo negro que "dan peso" a la composición
mientras que el color rojo es el protagonista junto
con el azul de menos tamaño. El color amarillo y
la pequeña franja roja"nos lleva" fuera del cuadro.
La obra de Mondrian está relacionada con la búsqueda y la expresión de
ideas relacionadas con el movimiento teosófico.
Mondrian buscaba con su pintura expresar un conocimiento superior de la
naturaleza y del. universo la "retícula cósmica" que lo expresara en su
esencia.
Mondrian considera los colores primarios para él (el rojo, el azul oscuro y el
amarillo) como los colores elementales del universo.

Aunque la pintura de Mondrian es abstracta, lo que la define es la ausencia

de líneas oblicuas salvo en el formato.Esta es única la característica lo
diferencia de la obra de Theo van Doesburg de otra forma indistinguible

Son cuadros sin marco alejados del cuadro ventana. Todo "sucede" en
mismo plano algo que lo asemeja en su planteamiento al cubismo. Tampoco
usa la simetría en su obra. Es una obra profundamente racionalista. Sin
embarazo es una obra que trasmite optimismo y su forma de hacer ha sido
utilizado por otros artistas, arquitectos o en la ilustración o los estampados
de telas.
 Esta silla fue diseñada por Gerrit Rietveld en el año 1917, fue un
arquitecto, carpintero y diseñador vanguardista de los Países bajos, que
gracias a su padre aprendió el oficio y después él montó su propia
compañía de muebles mientras estudiaba arquitectura. Formó parte del
grupo “De stijl”, un movimiento cuyo objetivo era la integración de las
artes y se manifestaba a través de una revista (del mismo nombre). Esta
silla fue de las primeras exploraciones de este movimiento en las tres
dimensiones.
En cuanto a la composición de esta silla debemos destacar que este no fue
el diseño al principio sino que luego fue influenciada por el movimiento
De Stijl, del que hemos hablado antes. La silla tenía un acabado natural
que luego fue pintada por los colores primarios (considerados por la
Rietveld: Silla roja corriente antes mencionada): Negro, gris y blanco.
y azul, 1917 Sin embargo luego fue modificada para parecerse a las pinturas del
neerlandés Piet Mondrian en su Composición en rojo amarillo y azul, en
óleo sobre lienzo, por ello introdujo estos tres colores nuevos. Para ver esto
¿En qué materia está
debemos comparar las dos obras:
realizada?
¿Cómo están sujetas
Tanto como en la silla como en el lienzo podemos observar los colores que
la piezas unas con
representan la “retícula cósmica”, ideología del De Stijl, donde el negro
otras?
representa la ausencia de todos los colores, y el rojo , azul y amarillo, los
Por cierto, es
primarios, son considerados los colores elementales del universo.
increiblemte cómoda a
También se pueden apreciar la utilización de figuras geométricas como las
pesar de que todo
líneas verticales u horizontales y los cortes que se producen al cortarse. En
hace pensar lo
las imágenes se puede observar como en las dos obras se mantienen los
contrario.
ángulos de 90º creados por las formas geométricas como cuadrados y
rectángulos.
https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-75429/clasicos-de-arquitectura-casa-
rietveld-schroder-gerrit-rietveld
 Presentación base elaborada por la alumna Claudia García Díez para la clase de
Fundamentos del Arte en colaboración con otro alumnado de las clases.

Revisada por el profesor Mario Sardiñas

Imágenes autores y fechas con su época preparación prueba EBAU.

Trabajo colaborativo de las clases de 2º de Bachillerato del IES Leonardo Torres

Quevedo para la asignatura de Fundamentos del Arte

Revisado por el profesor Mario Sardiñas

IES Leonardo Torres Quevedo

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haga un uso comercial. Tampoco se puede utilizar la
obra original con finalidades comerciales.