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Impresionismo
Movimiento artístico

Claude Monet, Impression: soleil levant, 1872-1873 (París, Museo Marmottan Monet). Cuadro al
que debe su nombre el movimiento.
El impresionismo es un movimiento artístico[1] inicialmente definido para la pintura
impresionista, a partir del comentario despectivo de un crítico de arte (Louis Leroy) ante el cuadro
Impresión, sol naciente de Claude Monet, generalizable a otros expuestos en el salón de artistas
independientes de París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874 (un grupo en el que estaban
Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Alfred Sisley y Berthe
Morisot).

Aunque el adjetivo «impresionista» se ha aplicado para etiquetar productos de otras artes, como la
música (impresionismo musical —Debussy—) y la literatura (literatura del Impresionismo —
hermanos Goncourt—),[2] sus particulares rasgos definitorios (luz, color, pincelada, plenairismo)
lo hacen de muy difícil extensión, incluso para otras artes plásticas como la escultura (Rodin)[3] y
la arquitectura;[4] de tal modo que suele decirse que el impresionismo en sentido estricto solo
puede darse en pintura y quizá en fotografía (pictorialismo) y cine (cine impresionista francés o
première avant-garde: Abel Gance, Jean Renoir —hijo del pintor impresionista Auguste Renoir
—).[5]

El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en
Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar
la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la
proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban
el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. Fue clave para el desarrollo del
arte posterior, a través del posimpresionismo y las vanguardias.

Índice
Representantes Editar
Édouard Manet (1832-1883), nunca perteneció al Grupo Impresionista
Edgar Degas (1834-1917), miembro fundador e histórico del Grupo Impresionista
Paul Cézanne (1839-1906), miembro fundador e histórico del Grupo Impresionista
Claude Monet (1840-1926), miembro fundador e histórico del Grupo Impresionista
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), fundador y miembro histórico del Grupo Impresionista
Francesco Filippini (1841-1870), precursor y fundador de los impresionistas italianos
Precedentes Editar

John Ruskin, Importante teórico inglés del Romanticismo, defendía la impresión frente a la
descripción.
Paisajistas ingleses Editar
En la primera mitad del siglo XIX, en pleno romanticismo, Joseph Mallord William Turner y John
Constable —pintores paisajistas ingleses— sentarían las bases sobre las que más adelante
trabajarían los impresionistas.[cita requerida]

De Turner tomarían los impresionistas su gusto por la fugacidad, las superficies borrosas y
vaporosas y el difuminado y mezcla de amarillos y rojos intensos, así como la descripción de un
momento visual más allá de la descripción formal, en el que la luz y los colores dan lugar a una
«impresión» más poderosa. El máximo exponente de estas características lo encontramos en
Lluvia, vapor y velocidad (1844) National Gallery de Londres, un cuadro preimpresionista.[cita
requerida] Los impresionistas eliminarán el componente sublime de la obra de Turner, propio de la
pintura romántica.

Édouard Manet Editar

Édouard Manet, Almuerzo sobre la hierba (1863). Museo de Orsay.

Archivo:Edouard Manet, A Bar at implícitos Folies-Bergère.jpg
Édouard Manet, El bar del Folies-Bergère (1881-1882) Courtauld Institute of Art de Londres.
Un autor clave entre los precursores del movimiento impresionista es Édouard Manet. Dos de sus
obras son esenciales en la comprensión de su influencia sobre el grupo.

En su Almuerzo sobre la hierba Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras representadas
son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta. Esto se evidencia por
la ausencia de conexión de unos personajes con otros: tres personajes van vestidos mientras que el
cuarto está desnudo; las miradas nunca se encuentran aunque haya un personaje hablando y la
disposición en primer plano (cesta y comida), en segundo (grupo) y tercer plano (mujer en el
agua) es meramente compositiva. Este trabajo influenciará a los impresionistas en la desatención
del modelo y de la narración.

Por otra parte El bar del Folies-Bergère evidenciará el deseo de tratar los fenómenos lumínicos al
introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las grandes lámparas de
araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa y, por tanto, más difícil de
pintar, recordándonos a las escenas festivas de Renoir.

Corot y la escuela de Barbizon Editar

Camille Corot, Autorretrato

Los impresionistas habían tenido un precedente en Camille Corot y la Escuela de Barbizon. Corot
jugó un importante papel en la formulación del Impresionismo, porque renunció a muchos de los
recursos formales renacentistas prefiriendo concentrar su atención en espacios más planos, más
sencillos y en superficies más luminosas.

Y, aunque a diferencia de los impresionistas, nunca llegó a fragmentar la luz en sus componentes
cromáticos y siempre organizó y simplificó sus formas para conseguir una cierta composición
clásica, también usó con frecuencia una elevada clave tonal, así como, en términos generales, un
frescor y una espontaneidad nuevos en el Salón oficial.

Historia Editar
Inicios Editar

Millet, Les Glaneuses (1857), Museo de Orsay.

Con anterioridad al Impresionismo, el marco artístico estaba dominado por el eclecticismo, al que
respondió la generación de las rupturas estilísticas, una serie de rupturas que darán personalidad
propia al arte moderno. La primera de ellas o, si se prefiere, su preámbulo, es el Impresionismo,
un movimiento, resultado de una prolongada evolución, que coloca definitivamente al siglo XIX
bajo el signo del paisaje y que busca un lenguaje nuevo basado en un naturalismo extremo.

Tiende a usar con creciente frecuencia colores puros y sin mezcla, sobre todo los tres colores
primarios y sus complementarios, y a prescindir de negros, pardos y tonos terrosos. Aprendieron
también a manejar la pintura más libre y sueltamente, sin tratar de ocultar sus pinceladas
fragmentadas, y la luz se fue convirtiendo en el gran factor unificador de la figura y el paisaje.

Florecimiento y primera exposición Editar

Portada del catálogo para la primera exposición impresionista (1874).

Artículo principal: Exposiciones impresionistas
El año 1873 marcará un giro característico del Impresionismo: el paso de la fase preparatoria a la
fase de florecimiento. Los tanteos estaban olvidados y el trabajo adelantado. Pisarro y Monet
habían hecho en Londres estudios de edificios envueltos en nieblas; Alfred Sisley, aún más
vaporoso, se les había adelantado por ese camino; Renoir se hallaba, de momento, bajo la total
influencia de Monet; y Edgar Degas empezaba a tratar los tutús de sus bailarinas del mismo modo
que Monet o Renoir las flores del campo.

Todos los impresionistas, incluyendo a Berthe Morisot, eran ya conscientes de formar un grupo y
de tener iguales objetivos que defender. Su primera aparición pública como tal se estaba
fraguando. A fin de pesar más a los ojos del público, intentaron atraerse a otros artistas y fundaron
una Sociedad anónima de pintores, escultores y grabadores que en 1874 logró por fin organizar
una muestra en los salones del fotógrafo Nadar. En total participaron treinta y nueve pintores con
más de ciento sesenta y cinco obras, de las que diez eran de Degas, la mayor aportación individual
del grupo, y entre las que estaba la ya legendaria Impresión: sol naciente de Monet que,
burlonamente citada por un crítico, dio nombre al grupo.

La difusión Editar
El Impresionismo se difunde por toda Europa, entre otras cosas, gracias a la facilidad y rapidez.

Técnica y estética impresionista Editar

Claude Monet, Catedral de Ruan. En la entrada principal de la catedral distinguimos azul ultramar
y violeta para las sombras (colores más saturados que la parte superior, más iluminada) al igual
que naranja dentro de la misma zona de sombra para definir los reflejos en la oscuridad.
Colores puros Editar
La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones científicas y técnicas que
permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores darían nuevos colores a su
pintura, generalmente al óleo. Los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta
entonces impensables, en ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso de colores puros
o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo color es
relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de
colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos. Las sombras pasaron de estar
compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores complementarios que, a la vez,
creaban ilusión de profundidad. La característica principal es el uso de complementarios, de la luz
a la sombra y en un mismo valor, esto se denomina modulado del color. Podemos decir que,
rompiendo con la dinámica clásica del claroscuro, donde el contraste se da por valor, esto se
denomina modelado del color; el contraste entre claridad y oscuridad es la que generan la ilusión
de profundidad. Asimismo enriquecieron el lenguaje plástico separando los recursos propios del
dibujo y aplicando únicamente los recursos propios de la pintura: es decir, el color. Para definir la
forma, su riqueza de color les permitió afinar el volumen mediante más matices lumínicos,
creando luces dentro de las zonas de sombra y sombras dentro de las zonas iluminadas recurriendo
únicamente al uso del color. Un buen ejemplo del uso de los colores saturados para luces y
sombras indistintamente lo encontramos en el cuadro La catedral de Ruan de Claude Monet al
lado. Este uso de los colores tendría influencia sobre las primeras vanguardias, especialmente por
el fovismo de Matisse o Gauguin.

Pincelada gestálticaEditar

Claude Monet, Parlamento de Londres. Pinceladas lineales de colores puros dan lugar a una visión
unitaria de atmósfera y gradación de cálidos a fríos.

Seurat, La Parade. Los neoimpresionistas llevaron al extremo esta pincelada gestáltica, en este
caso en forma de puntos, dando lugar a un color y forma unitarios, movimiento denominado
divisionismo o más conocido como puntillismo.
Aunque la teoría gestáltica apareció más adelante, los pintores impresionistas mostraron
plásticamente lo que la psicología de la Gestalt vendría a demostrar psicológica y científicamente
más adelante: perceptivamente, si se dan ciertas condiciones, partes inconexas dan lugar a un todo
unitario. El uso de pequeñas pinceladas de colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las
pinceladas aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del modelo, en conjunto —al
ser percibidas global y unitariamente— adquirían la unidad necesaria para percibir un todo
definido. Este recurso fue llevado al máximo por los neoimpresionistas, también conocidos como
puntillistas como Seurat o Signac.

Forma Editar

Auguste Renoir, La Balançoire. La plasmación de la luz sobre el cuerpo es más importante que la
descripción de su forma.
La descripción de la forma, relegada a segundo plano y dejada a manos del dibujante y no del
pintor, queda subordinada a la definición de las condiciones particulares de iluminación. Por eso
los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio,
recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial —como Edgar Degas y sus bailarinas—,
la iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz pasando entre hojas de árboles— o
la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente como Claude Monet. La
pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrínseco: la luz y el color y en ningún caso a la
descripción formal del volumen heredada del clasicismo; así las formas se diluyen, se mezclan o
se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa
«impresión» que le da nombre al movimiento.

Variantes en la estética impresionista Editar

No todos los pintores del grupo fueron iguales y, ni mucho menos, fielmente ortodoxos con
respecto a la estética impresionista. Las sólidas estructuras de luz y sombra de Eduard Manet
fueron realizadas en su mayoría en interiores, después de muchos estudios preliminares, y tienen
la dicción formal del arte de estudio, no la frescura de la pintura al aire libre. La atmósfera y el
color local no eran, ni mucho menos, sus objetivos primordiales, y cuando representaba lo que
parece, a primera vista, un tema «impresionista» era capaz de cargarlo con tantas ironías y
contradicciones que llegaba a empañar toda su inmediatez.

Dejando aparte a Berthe Morisot, el pintor del grupo que más se le aproxima es Edgar Degas, con
una pintura difícil de comprender por su aguda inteligencia, sus intrigantes mezclas de categorías,
sus influencias poco convencionales y, sobre todo, su tan traída y tan llevada «frialdad», aquella
fría y precisa objetividad que fue una de las máscaras de su infatigable poder de deliberación
estética.

De hecho, ningún pintor del grupo es tan puramente impresionista como Claude Monet. En su
obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo
el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente
para establecer cierta coherencia.

Por su parte, Renoir es el pintor que nos convence de que la estética del Impresionismo fue, sobre
todo, hedonista. El placer parece la cualidad más evidente de su obra, el placer inmediato y
ardiente que produce en él la pintura. Nunca se dejó agobiar por problemas de estilo y llegó a
decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una pared y que por eso era
importante que los colores fueran agradables por sí mismos.

Sin duda, Camille Pissarro fue el menos espectacular de los impresionistas porque es un pintor
más tonal que esencialmente colorista. Pero, decano del Impresionismo, tuvo un importante papel
como conciencia moral y guía artístico.

Y, por último, trabajando a veces con Renoir y a veces con Monet, estaba Alfred Sisley, influido
por ambos. Durante toda su vida siguió fielmente las directrices de los impresionistas pero nunca
llegó a abandonar «la caza del motivo» y siempre se dejó llevar espontáneamente, con una
facultad de comunicación directa, por un Romanticismo subyacente y lleno de poesía.

La primera manifestación oficial del impresionismo fue la exposición organizada en 1874 en el

estudio del fotógrafo Nadar, al margen del Salón oficial, por un grupo de pintores (Bazille,
Cézanne, Degas, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley), cuyas obras motivaron el rechazo
generalizado de la crítica y del público. Un cuadro de Monet, Impresión, sol naciente, motivó la
denominación «impresionismo», creada con intención peyorativa por el crítico Leroy. Esta
primera muestra fue el punto de llegada de un período de formación iniciado unos quince años
antes por un grupo de artistas de la Academia Suiza (Pissarro, Cézanne, Guillaumin, Monet,
Renoir, Sisley, Bazille), quienes, interesados en romper con los planteamientos pictóricos
tradicionales y a partir de las innovaciones de Corot y de los paisajistas de la escuela de Barbizon,
se centraron en la pintura al aire libre y buscaron el plasmado cambiante de la luminosidad de los
paisajes y de las figuras humanas. Durante este período inicial fue fundamental la figura de Manet,
quien, con La merienda campestre y con Olimpia, se convirtió en el abanderado del
antiacademicismo. Tras la primera exposición, los impresionistas reunieron sus obras en siete
ocasiones más (1876, 1877 —que plasmó el momento de mayor cohesión del movimiento—,
1879, 1880, 1881, 1882 y 1886), a lo largo de las cuales dejaron de participar algunos de los
artistas pioneros (Cézanne, Monet, Renoir, Sisley) y se añadieron nuevos nombres (Cassatt,
Gauguin, Redon, Seurat, Signac). Las primeras publicaciones importantes sobre la nueva
tendencia fueron los artículos de Zola (en L'Évènement) y de Castagnary (en Le Siècle), La
nouvelle peinture (1876), de Duranti, y la Historia de los pintores impresionistas (1878), de Duret.
El impresionismo creó escuela también en otros países europeos; son de destacar Zandomeneghi
en Italia; en España, Regoyos, finales de 1915, Eugenio Hermoso, La Juma, la Rifa y sus amigas,
y 1920 por Sorolla, Claus en Bélgica, Grabar e Isaac Levitán en Rusia, Steer y Sickert en Gran
Bretaña y Sargent, Hassam y Twachtman en EE UU.

Tenemos que recordar que también implicó a los músicos impresionistas, frente al dramatismo de
los románticos, trataron de aludir más que de afirmar y se expresaron más por medio de la
disociación armónica y del timbre y del color de los instrumentos que por medio de la melodía.
Sus máximos representantes fueron C. Debussy y M. Ravel, aunque también estuvieron
influenciados por esta técnica autores como P. Dukas, F. Delius, A. Caplet, F. Schmitt o R.
Vaughan Williams.

Pintores impresionistas Editar

Frédéric Bazille
Gustave Caillebotte
Paul Cézanne (considerado impresionista, aunque más adelante dejará el grupo y se anticipará al
Cubismo)
Edgar Degas
Armand Guillaumin
Édouard Manet (considerado el precursor por excelencia de la pintura impresionista)
Claude Monet (el más prolífico y quien más definió la estética del grupo)
Camille Pissarro
Pierre-Auguste Renoir
Henri Rouart
Alfred Sisley
Marie Rosalie Bonheur
Marie Bracquemond
Mary Cassatt
Eva Gonzalès
Catherine Madox Brown
Berthe Morisot
Marianne North
Cronología Editar
Línea del tiempo de los impresionistas franceses

La pintura de la época impresionista en el resto de Europa Editar

Alemania Editar
Los criterios que se utilizan para evaluar el fenómeno estilístico internacional, llamado
Impresionismo, es la proximidad o el alejamiento respecto a la pintura francesa de este período.
Esto es válido también para los países de habla germana.[6]

Entre los precursores alemanes de la pintura al aire libre podemos mencionar: Karl Blechen (1798-
1840); Carl Gustav Carus (1789-1869); Johann Georg Dillis (1759-1841); Wilhelm Leibl (1844-
1900); Adolph von Menzel (1815-1905); Carl Schuch (1846-1903); y, Johannes Sperl (1840-
1905).

Muchos pintores impresionistas alemanes tuvieron estadías más o menos prolongadas en París,
que había desplazado a Roma como meca de la peregrinación. Este desplazamiento fue
fuertemente impulsado por el surgimiento de academias, escuelas privadas de arte y por las
exposiciones universales que se organizaron en París desde 1855.

Algunos pintores de la época, con sus obras más significativas son:

Lovis Corinth (1858-1925);

El negro "Otelo", 1884, Óleo sobre lienzo 78 x 58,5 cm
Autorretrato con esqueleto, 1896, Óleo sobre lienzo 66 x 86 cm
Desnudo acostado, 1899, Óleo sobre lienzo 75 x 120 cm
Autorretrato con su mujer y copa de champán, 1902, Óleo sobre lienzo 98,5 x 108,5 cm
En el jardín de Max Halbe, 1899, Óleo sobre lienzo 75 x 100 cm
Día del Emperador en Hamburgo, 1911, Óleo sobre tela 70 x 90,5 cm
Retrato de Juluis Meier-Graefe, 1917, Óleo sobre lienzo 90 x 70 cm
Autorretrato con sombrero de paja, 1913, Óleo sobre lienzo 98 x 66 cm
Pascua en el Walcheunsee, 1922, Óleo sobre lienzo 60,5 x 80 cm
Autorretrato con sombrero de paja, 1923, Óleo sobre cartón 68,5 x 84 cm
Ferdinand Hodler (1853-1918);
Manzano en flor, hacia 1890, Óleo sobre lienzo 26,5 x 40 cm
Retrato de Louise Delphine Duchosal, 1885, Óleo sobre lienzo 55 x 46 cm
Leo von König (1871-1944);
Gotthard Kuehl (1850-1915);
Wilhelm Leibl (1844-1900);
Walter Leistikow (1865-1908);
Puesta de sol en el Lago de Grunewald, 1898, Óleo sobre lienzo 167 x 252 cm
Max Liebermann (1874-1935);
Cervecería con jardín en Múnich, 1884, Óleo sobre lienzo. 95 x 69 cm
Las desplumadoras de gansos, hacia 1870/71, Óleo sobre lienzo. 172 x 118 cm (considerado por
los críticos berlineses como "ideal absoluto de la fealdad"
Hora de recreo en el orfelinato de Ámsterdam, hacia 1881/82, Óleo sobre lienzo. 78,5 x 107,5 cm
Mujer con cabras, 1890, Óleo sobre lienzo. 127 x 172 cm
Convento de Steven en Laiden, 1889, Óleo sobre lienzo. 78 x 100 cm
Muchachos bañándese, 1898, Óleo sobre lienzo. 122 x 151 cm
Jóvenes en la playa, 1900
El merendero "De Oude Vinck" en Leiden, 1905, Óleo sobre lienzo. 71,7 x 88 cm
El hombre de los papagayos, 1902, Óleo sobre lienzo. 102,3 x 72,3 cm
La avenida de los papagayos en el zoológico de Ámsterdam, 1902, Óleo sobre lienzo. 88 x 72,5
cm
Escena de playa en Nordwijk, 1908, Óleo sobre lienzo. 663 x 80,5 cm
Carrera de caballos en los Cascinem, 1909, Óleo sobre lienzo. 52,5 x 74 cm
Autorretrato, 1911, Óleo sobre lienzo. 81 x 65 cm
Adolf Friedrich Erdmann von Menzel (1815-1905);
Partida del Rey Guillermo I al ejercoto el 31 de julio de 1870, 1871, Óleo sobre lienzo 63 x 78 cm
Christian Rohlfs (1849-1938);
Bosque de abedules, 1907, Óleo sobre lienzo 117 x 75 cm
Max Slevogt (1868-1932);
Danza de la muerte, 1896, Óleo sobre lienzo 102 x 123 cm
El hombre de los papagayos, 1901, Óleo sobre lienzo 81,5 x 65,7 cm
Vista hacia el Alster en Hamburgo, 1905, Óleo sobre lienzo 59 x 76 cm
Jardín de flores en Neu-Cladow, 1912, Óleo sobre lienzo 66 x 83 cm
El jardín de la villa de los Steinbart en Berlín, 1911, Óleo sobre lienzo 85,5 x 105,5 cm
Retrato de la Sra. C., 1917, Óleo sobre lienzo. 71 x 52 cm
Wilhelm Trübner (1851-1917);
El restaurante en la Isla de las Mujeres, 1891, Óleo sobre lienzo 48 x 65 cm
Portal del convento de Neuburg cerca de Heidelberg, 1913, Óleo sobre lienzo 62 x 80 cm
Fritz von Uhde (1848-1911);
Hijos de pescadores en Zandvoort, 1882, Óleo sobre lienzo 60 x 80 cm. Cuadros enraizados en la
herencia del realismo.
La hermana mayor, 1885, Óleo sobre cartón 48,5 x 33 cm
Ejercicio de tambores (Tambores bávaros), 1883, Óleo sobre madera 72 x 95 cm. El pintor otorga
gran importancia al carácter aleatorio de la composición, que sin embargo concretizó después de
numerosos dibujos previos y estudios. El público tubo bastante dificultad, en apreciar esta obra, al
mismo tiempo monumental y casual.
La marcha hacia Belén (Marcha dura), hacia 1890, Óleo sobre lienzo 117 x 126 cm.
Dos hijas en el jardín, 1892, Óleo sobre lienzo 145,5 x 116,5 cm. Obra mucho más impresionista,
tanto desde el punto de vista de la temática, como desde el punto de vista del color.
En el jardín (Las hijas del artista), 1906, Óleo sobre lienzo 70 x 100 cm
Lesser Ury (1861-1931);
Walter Richard Sickert (1860-1942)
Albert Weisgerber (1878-1915);
Paseo a caballo por el Jardín Inglés de Múnich, 1910, Óleo sobre lienzo 60 x 70,5 cm
Heinrich von Zügel (1850-1941).
En general, el "hallazgo" de las nuevas tendencias de la pintura francesa, es reconocida por los
pintores alemanes, a partir de los años 90. Algunos autores consideran que estas afirmaciones
tienen por finalidad evitar que fuera puesta en duda la originalidad de la propia pintura.

Bélgica Editar
Con la proclamación del Reino de Bélgica en 1830, y a causa del creciente sentimiento
nacionalista, surgieron esfuerzos destinados a perfilar un arte belga independiente. El arte belga,
derivado de las tradiciones de los Países Bajos, y que con los pintores flamencos Peter Paul
Rubens (1577-1640) y Pieter Bruegel el Viejo (1525/30-1569) podían enorgullecerse de una
importante tradición pictórica propia, pero a mediados del siglo XIX, se encontraba bajo una
fuerte influencia de sus vecinos franceses. En los años sesenta y comienzo de los setenta fue
adquiriendo fuerza la admiración de la nueva pintura francesa, especialmente de Courbet, Millet,
Degas y Manet.[7]

Sin embargo el Impresionismo entró con vacilación y demora en la pintura belga. En esta
penetración tuvo un importante rol la llamada Escuela de Tervueren. En 1884 surgió el grupo
llamado Les XX (Los Veinte), del cual participaba, como fundador, uno de los pintores más
famosos de la época, Isidore Verheyden ( 1846-1905), quien se manifestaba escéptico respecto a
las últimas consecuencias del impresionismo, lo cual lo condujo más tarde a abandonar el
movimiento. Una de las discípulas más conocidas de Verheyden fue Anna Boch ( 1848-1936)
quien también pertenecía al “Les XX”, percibía con gran lucidez la problemática y las
tendencias del arte moderno. La pintora compró muy pronto obras de Seurat y Gauguin, y adquirió
la única pintura que Van Gogh logró vender en el transcurso de su vida. El grupo de “Les XX”
tuvo un rol fundamental en la entrada, la difusión y el conocimiento de la pintura impresionista en
Bélgica.

En el grupo de "Les XX" se encontraban, entre otros:

Georges Lemmen (1854-1930)

Autorretrato - 1890 - Óleo sobre lienzo - 43 x 38 cm (estilo puntillista)
Vista del Támesis - 1892 - Óleo sobre lienzo - 62 x 86,7 cm (estilo divisionista)

Puesta de sol sobre la nieve - Guillaume Vogels

Guillaume Vogels (1836-1896)
Alfred William Finch (1854-1930)
Los almiares de heno - 1889 - Óleo sobre lienzo - 32 x 50 cm (estilo puntillista)
Théo van Rysselberghe (1862-1926)
Grandes nubes, fiordo de Christiania - 1893 - Óleo sobre lienzo - 50,8 x 63 cm (estilo divisionista)
Retrato de Auguste Descamps, el tìo del pintor - 1894, 64 x 53 cm - (estilo divisionista)
Familia reunida en un huerto - 1890, 115,5 x 161,5 cm
Fernand Khnopff (1858-1921)
Henry van de Velde (1863-1957)
Mujer en la ventana - 1889 - Óleo sobre lienzo - 111 x 125 cm (estilo puntillista)
Sillones en la playa en Blankenberge - 1888 - Óleo sobre lienzo - 71 x 100 cm (estilo puntillista)
Para varios pintores del grupo de "Los Veinte", la manera impresionista y neoimpresionista no fue
otra cosa sino una etapa de transición hacia las corrientes simbolistas y expresionistas, fenómeno
que se ha intentado atribuir a un componente místico de la pintura flamenca.

España Editar

Niño en las rocas, de Sorolla (1905).

El gallinero, de Regoyos (1912).

La pintura española aportó una fuerte contribución al impresionismo francés. La entonación
grisácea y terrosa predominante en algunas obras de Velázquez (1599-1660), Murillo (1618-1682),
Francisco de Zurbarán (1598-1664) y Francisco de Goya (1746-1828), despertaron gran interés
entre los impresionistas franceses, especialmente en Manet, que manifestó una gran admiración
por la "Edad dorada" de la pintura española, y visitó España en 1865 una única vez, aunque su
admiración por este país es anterior a este viaje, y le llegó a través de un amigo de su padre, el
crítico de arte Charles Blanc.[8]

El impacto de la revolución del impresionismo en los pintores españoles no es algo muy claro.
Obviamente, se conocían las innovaciones técnicas y estéticas, pero su aplicación no fue ni
inmediata ni total. El uso de la pincelada suelta no tiene por qué ser una influencia impresionista
por sí, y estaba presente con anterioridad en la pintura española. El plenairismo en la pintura de
paisaje se venía empleando también. Los efectos luminosos y cromáticos son las verdaderas
novedades. No obstante, hay una genérica consideración como "impresionistas" o "pre-
impresionistas" de muchos pintores del último tercio del siglo XIX. Muchos de ellos
evolucionaron hacia el impresionismo a partir del realismo (denominación también muy
problemática). También se utiliza la etiqueta "luminista" (no menos ambigua), especialmente para
los pintores valencianos (luminismo valenciano) de entre los que destacan Joaquín Sorolla o
Teodoro Andreu. Otros nombres que se suelen asociar al impresionismo español son Darío de
Regoyos, Ignacio Pinazo, o Aureliano Beruete. Avanzado el final del siglo, especialmente en
Cataluña, cambian los presupuestos estilísticos de la pintura de vanguardia, que se redefine como
modernismo (modernismo catalán, Santiago Rusiñol, Ramon Casas).

Véase también:
Adolfo Guiard
Anselmo Guinea Ugalde
Luis Jiménez y Aranda, (1845-1928)
Martín Rico, (1833-1908)
Luis Gallardo, (1868-1937)
Marceliano Santa María, (1866-1952)
Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Impresionismo español.
Estados Unidos Editar
Artículo principal: Impresionismo americano
Véase también: Colonia artística de Old Lyme
Holanda Editar
La pintura holandesa del siglo XVII tuvo una gran influencia en los pintores impresionistas
franceses de la Escuela de Barbizon, quienes encontraban en los paisajes de Salomon van
Ruysdael (1600-1670), por ejemplo, una concepción de la naturaleza moderna que correspondía a
sus propias aspiraciones. Los impresionistas franceses también reconocieron esas cualidades y en
la década de los sesenta, los pintores Frans Hals (1585-1666) y Jan Vermeer (1632-1675)
despertaron profundo interés de aquellos artistas. En la obra de Hals apreciaban especialmente la
pincelada ancha y libre, mientras que en Vermeer admiraban la virtuosa coloración.[9]

Los pintores franceses de la época impresionista conocieron estos pintores, no solo a través de los
cuadros expuestos en el Museo del Louvre, sino que también a través de los artículos del crítico de
arte francés Théophile Thoré (1824-1869), y a través de numerosos contactos personales. Monet,
por ejemplo consideraba al holandés Johan Barthold Jongkind (1819-1869) como su maestro más
importante, junto a Boudin. En Jongkind se pone de evidencia, en forma muy especial la acción
reciproca que se dio entre los pintores holandeses y franceses, que resultaron más tarde muy
importantes para el impresionismo.

En esta línea tuvo importancia, en las décadas de los setenta y ochenta, la llamada Escuela de la
Haya, de la cual participaron, entre otros:

Floris Arntzenius (1864-1925);

Adolph Artz
Gerard Bilders
Johannes Warnardus Bilders (1811-1890);
Bernard Blommers
Hendrik Pieter Bremmer (1871-1956) (Divisionista)
Théophile de Bock
Johannes Bosboom
Paul Gabriël
Johannes Hubertus Leonardus de Haas
Jacob Hendricus (1837-1899)
Matthijs Hendricus (1837-1917)
Gerrit van Houten
Jozef Israëls (1824-1911)
Jacob Maris
Matthijs Maris
Willem Maris (1844-1910)
Anton Mauve (1844-1910)
Hendrik Willem Mesdag
Taco Mesdag
Sina Mesdag-van Houten
Albert Neuhuys
Willem Roelofs (1822-1897)
Philip Sadée
Julius van de Sande Bakhuyzen
Willem Bastiaan Tholen
Jan Theodorus Toorop (1858-1928) (Círculo Artístico de la Haya)
Johannes Hendrik Weissenbruch (1824-1903)
Willem de Zwart
Hungría Editar
La autoestima de los húngaros resultó profundamente dañada a raíz del fracaso de su sublevación
contra los Habsburgo en 1848/49. El país, caracterizado por una producción agropecuaria basada
en el latifundio, se encontraba significativamente retrasado respecto a los países de Europa
Occidental. Este hecho ha influenciado también el desarrollo de las artes en este período. Las
principales motivaciones para los artistas húngaros de este período se encontraban la
representación de la propia historia nacional, y los festejos en torno a las celebraciones del
“milenio” de la conquista del país por parte de los jinetes magiares, y el descubrimiento y
valoración de las particularidades de la vida popular y de las particularidades del paisaje.[10]

Mihály Munkácsy (1844-1900) contemporáneo de Monet y Liebermann, adquirió buena

reputación internacional en Düsseldorf y en París, donde permaneció entre 1872 y 1896. Su fama
se basó en su vigoroso realismo, pero manteniendo simultáneamente una eficaz “pintura de
salón”, utilizando una amplia gama de temas que fueron desde las escenas de la alta sociedad y
lujosas decoraciones hasta obras en torno a dramas sociales y las cruentas luchas de liberación. La
luz y el color, en las obras de Munkácsy no fueron influenciadas por la pintura al aire libre, siendo
que solamente sus estudios tenían esa frescura e impulsiva espontaneidad.

László Páal (1846-1879), amigo de Munkácsy, vivió sus pocos años creativos en una situación
muy difícil en París y Fontainebleau. Después de estudiar en Múnich, fue quien introdujo los
principios de la Escuela de Barbizon en la pintura húngara.

Los principales pintores húngaros que se adhirieron al Impresionismo son:

László Páal (1846-1879)

Camino en el bosque de Fontainebleau, 1876, Óleo sobre lienzo, 65 x 46 cm

Pradera con amapolas

Pál Szinyei Merse (1845-1920)
Globo cautivo, 1878, óleo sobre lienzo, 41,5 x 39 cm
Fiesta de mayo o Desayuno al aire libre, 1873, Óleo sobre lienzo, 123 x 161,5 cm
Pradera con amapolas, 1896, óleo sobre lienzo, 39 x 63,2 cm
Károly Ferenczy (1862-1917)
Octubre de 1903, Óleo sobre lienzo, 126 x 107 cm
Día de verano, 1906, Óleo sobre lienzo, 100 x 103,2 cm
József Rippl-Rónai (1861-1927)
Cuando se vive de los recuerdos, 1904, Óleo sobre cartón, 70,5 x 103 cm
Dama en un vestido con pintas blancas, 1889, Óleo sobre lienzo, 187 x 75 cm
Italia Editar
Artículo principal: Macchiaioli
El desarrollo que el impresionismo tuvo en Italia fue algo particular, gracias a la experiencia de
Federico Zandomeneghi y Giuseppe De Nittis, y de los Macchiaioli, más próximos, sin embargo a
la tradición del Cuatrocento del siglo XV.[11]

Se destacan en el período los pintores:

Giovanni Boldini (1842 - 1931);

Retrato de Mlle Lantelme, 1907, Óleo sobre lienzo, 227 x 118 cm
Giuseppe Abbati (1836-1868);
Paisaje de Castiglioncello, 1863, Óleo sobre madera, 10 x 30 cm
Giovanni Fattori (1825-1908);
La rotonda de Palmieri 1866, Óleo sobre lienzo, 12 x 30 cm
Almiar, después de 1872, Óleo sobre madera, 24 x 43 cm
Silvestro Lega (1826-1895);
Bajo la pérgola, 1868, óleo sobre lienzo, 75 x 93,5 cm
Mazzini moribundo, 1873, óleo sobre lienzo, 76 x 96,6 cm
La lectura, 1875, Óleo sobre lienzo, 38,5 x 22,5 cm
Serafino de Tívoli (1826-1892);
Vincenzo Cabianca (1827-1902);
Adriano Cecioni (1836-1886);
Raffaelo Sernesi (1838-1866);
Pratone alle Cascine, hacia 1860, óleo sobre cartón 12 x 19,5 cm
Telemaco Signorini (1835-1901);
El suburbio Porta Adriana en Ravenna, 1875, óleo sobre lienzo, 66 x 100 cm
La sala de dementes de San Bonifacio, Florencia, hacia 1866/67, óleo sobre lienzo, 63 x 95 cm
Gugliermo Ciardi (1842-1917);
Mies de oro, 1883, óleo sobre lienzo, 132 x 275 cm
Giuseppe De Nittis (1846-1884);
Victoria Embankment, Londres, 1875, óleo sobre lienzo, 19 x 31 cm
Desayuno en el jardín, hacia 1884, óleo sobre lienzo, 81 x 117 cm
Federico Zandomeneghi (1841-1931);
Pescando en el Sena (El Sena) 1878, óleo sobre madera, 16 x 29 cm
Le Moulin de la Galette, 1878, óleo sobre lienzo, 80 x 120 cm
Plaza de Amberes en París, 1880, óleo sobre lienzo, 100 x 135 cm
Juegos en el Parque Monceau, óleo sobre lienzo, 73 x 92 cm
Señora en la pradera, 1895, óleo sobre lienzo, 46 x 38 cm
Retrato de una muchacha joven, hacia 1893-1895, óleo sobre lienzo, 60,5 x 73,5 cm
Gaetano Previati (1852-1920);
En la pradera, 1889/90, óleo sobre lienzo, 62 x 56,5 cm
Giovanni Batista Segantini (1858-1899);
Mediodía sobre los Alpes (Día de viento), 1891, Óleo sobre lienzo, 77,5 x 71,5 cm [1]
El arado, 1890, Óleo sobre lienzo, 116 x 227 cm
Giacomo Balla (1871-1958);
La novia de Villa Borghese, 1901, Óleo sobre lienzo, 60,5 x 90 cm
Umberto Boccioni (1882-1916);
Retrato de la pintora Adriana Bisi-Fabbri, 1907, óleo sobre lienzo, 52 x 95 cm
Giuseppe Pellizza de Volpedo (1868-1907);
Ropa al sol, 1905, óleo sobre lienzo, 87 x 131 cm
Galería de imágenes Editar

Trouville, Eugène Boudin, 1864

Autorretrato. Paul Cezanne, 1864

Los castañeros de Osny, Camille Pissarro, 1873

Los bebedores de absenta, Edgar Degas, 1876

Baile en el Moulin de la Galette (Le Bal au Moulin de la Galette), Pierre-Auguste Renoir, 1876

La calle Montorgueil, Claude Monet, 1878

La primera bailarina, Edgar Degas, 1878

Almiares, Claude Monet, 1890

El valle de los naranjos, Santiago Rusiñol, 1901

Jinetes junto al mar, Max Liebermann, 1901

Paseo a orillas del mar, Joaquín Sorolla, 1909

Las terrazas de flores en el jardín de Wannsee, Max Liebermann, c. 1916

Serie: Nenúfares, Claude Monet, después de 1916

Véase tambiénEditar
Neoimpresionismo; Puntillismo y Divisionismo
Postimpresionismo
Impresionismo musical
Impresionismo literario
Lista de Pintores impresionistas
Camille Pissarro en Venezuela
Referencias Editar
↑ Étienne Souriau, Voz "impresionismo" en el Diccionario Akal de estética, 1998, pg. 677 y ss.
Guillermo Solana, El Impresionismo: la visión original : antología de la crítica de arte (1867-
1895), Siruela, 1997. Maurice Seraltz, El Impresionismo, ¿Qué sé?, 1992. Nathalia Brodskaya,
Impresionismo, Parkstone, 2011.
↑ Estela Ocampo, El impresionismo: pintura, literatura, música, 1981. "Impresionismo" en el
Diccionario Akal de Términos Literarios, 1990.
↑ Ana María Preckler, Historia del arte universal de los siglos XIX y XX, vol. 1, p. 215 :"el
Realismo va a ser el último movimiento escultórico del siglo XIX con estructuras tradicionales.
En el último tercio de siglo no habrá un estilo definido, sobresaliendo figuras independientes,
como Rosso o Rodin, que se podrían enmarcar dentro de una escultura impresionista, si bien
realmente el Impresionismo puro sólo se puede dar en pintura. Estos autores de finales de siglo
van más allá, llegando a ser precursores avanzados de la escultura contemporánea del siglo XX."
↑ El uso bibilográfico de la expresión "arquitectura impresionista" es casi nulo, y la mayor parte
de las veces se da para indicar su inexistencia.
↑ Bordwell, David. French Impressionist Cinema. New York: Arno Press, 1980. Abel, Richard.
French Cinema: The First Wave 1915-1929. New Jersey: Princeton University Press, 1984.
Fuentes citadas en en:French Impressionist Cinema.
↑ Bluhm, Andreas: "A la luz de la libertad" - El Impresionismo en Alemania Segunda parte
Capitulo 11, pp. 433 a 465 - Editor principal: Ingo F. Walter, El impresionismo, Oceano,
2003,ISBN 970-651-766-9
↑ Karin Sagner-Dûchting - "Impresionismo en Bélgica: La Búsqueda de la Luz en la Pintura" -
Capitulo 10, pp. 419 a 431 - Editor principal: Ingo F. Walter, El impresionismo, Oceano,
2003,ISBN 970-651-766-9
↑ Karin Sagner-Dûchting - "La Pintura en España en la época del Impresionismo" - Capitulo 15,
pp. 553 a 557 - Editor principal: Ingo F. Walter, El impresionismo, Oceano, 2003,ISBN 970-651-
766-9
↑ Karin Sagner-Dûchting - "Tradiciòn y Modernismo: La Escuela de la Haya y los Impresionistas
de Amsterdam" - Capitulo 10, pp. 407 a 431 - Editor principal: Ingo F. Walter, El impresionismo,
Oceano, 2003,ISBN 970-651-766-9
↑ Feist, Peter H.: "Entre la Patria y Europa: Impresionistas en Europa Central y del Sur" Capítulo
13, pp. 519-524 - Editor principal: Ingo F. Walter, El impresionismo, Océano, 2003,ISBN 970-
651-766-9
↑ Karin Sagner-Dûchting - "El Impresionismo y la Pintura Italiana en la Segunda Mitad del Siglo
XIX" - Capitulo 14, Pág. 533 a 551 - Editor principal: Ingo F. Walter, El impresionismo, Oceano,
2003,ISBN 970-651-766-9
Bibliografía Editar
En español:

Ingo F. Walter, El impresionismo, Océano, 2003, ISBN 970-651-766-9

En italiano:

Giulio Carlo Argan, L'arte moderna, 1994

Bernard Denvir, L'impressionismo, Art Dossier n° 73
Gioia Mori, Impressionismo, Van Gogh e il Giappone, Art Dossier n° 149
Maria Teresa Benedetti, Impressionismo: le origini, Art Dossier n° 159
En francés:

Sophie Monneret, L'Impressionnisme et son époque, Paris, 1979, ISBN 2-221-05222-6

Claire Barbillon, CD-Rom Les Impressionnistes, RMN/Musée d'Orsay, 1997
Pascal Bonafoux, Correspondances impressionnistes, Editions Diane de Selliers, 2008
Norbert Dremus, L'impressionnisme élémentaire, Musée d'Orsay, 2006
En inglés:

Baumann, Félix; Karabelnik, Marianne, et al. (1994). Degas Portraits. London: Merrell Holberton.
ISBN 1-85894-014-1
Denvir, Bernard (1990). The Thames and Hudson Encyclopaedia of Impressionism. London:
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Gordon, Robert; Forge, Andrew (1988). Degas. New York: Harry N. Abrams. ISBN 0-8109-1142-
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Gowing, Lawrence, with Adriani, Götz; Krumrine, Mary Louise; Lewis, Mary Tompkins; Patin,
Sylvie; Rewald, John (1988). Cézanne: The Early Years 1859-1872. New York: Harry N. Abrams.
Moskowitz, Ira; Sérullaz, Maurice (1962). French Impressionists: A Selection of Drawings of the
French 19th Century. Boston and Toronto: Little, Brown and Company. ISBN 0-316-58560-2
Rewald, John (1973). The History of Impressionism (4th, Revised Ed.). New York: The Museum
of Modern Art. ISBN 0-87070-360-9
Richardson, John (1976). Manet (3rd Ed.). Oxford: Phaidon Press Ltd. ISBN 0-7148-1743-0
Rosenblum, Robert (1989). Paintings in the Musée d'Orsay. New York: Stewart, Tabori & Chang.
ISBN 1-55670-099-7
Enlaces externos Editar
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Wikimedia Commons alberga una galería multimedia sobre impresionismo.
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Claude Monet
Pintor francés
No debe confundirse con Monnet o Manet.
Oscar-Claude Monet (París, 14 de noviembre de 1840-Giverny, 5 de diciembre de 1926) fue un
pintor francés, uno de los creadores del impresionismo. El término impresionismo deriva del título
de su obra Impresión, sol naciente (1872).[1]

Claude Monet
Claude Monet 1899 Nadar crop.jpg
Claude Monet en el año 1899
Información personal
Nombre de nacimiento
Oscar-Claude Monet
Nacimiento
14 de noviembre de 1840
París, Flag of France.svg Francia
Fallecimiento
5 de diciembre de 1926 (86 años)
Giverny, Francia
Causa de la muerte
Cáncer de pulmón Ver y modificar los datos en Wikidata
Nacionalidad
Francesa
Familia
Cónyuge
Camille Doncieux (desde 1870)
Alice Hoschedé (desde 1892) Ver y modificar los datos en Wikidata
Educación
Alma máter
Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París Ver y modificar los datos en Wikidata
Alumno de
Charles Gleyre Ver y modificar los datos en Wikidata
Información profesional
Área
Pintura
Género
Pintura del paisaje Ver y modificar los datos en Wikidata
Obras notables
Impresión, sol naciente
La terraza de Sainte-Adresse
Londres, el Parlamento Ver y modificar los datos en Wikidata
Firma
Monet autograph.png
[editar datos en Wikidata]
Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de estilo realista. Monet logró
exponer algunas en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar
obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de
arte, empeoró su situación económica a la vez que afianzó su decisión de continuar en ese azaroso
camino.

En la década de 1870 formó parte de las exposiciones impresionistas en las cuales también
participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su obra Impresión, sol naciente formó parte
del Salon des Refusés de 1874. Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero
a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de
1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado
repetidas veces con distinta iluminación. Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el famoso jardín
de su casa en Giverny con estanques de nenúfares que luego utilizó como motivo para sus
pinturas.

Vida Editar

Impresión, sol naciente, 1872. Museo Marmottan Monet, París

Claude Monet nació el 14 de noviembre de 1840 en la Rue Lafitte 45 de París. Era el segundo hijo
de Claude Adolphe Monet y su esposa Louise Justine Aubrée.[2] Su padre era propietario de un
negocio que comerciaba con especias provenientes de las colonias ultramarinas francesas. El 20 de
mayo de 1841, fue bautizado en la parroquia de la iglesia local, Notre-Dame-de-Lorette como
Oscar-Claude.[1] Para 1845 la situación del negocio había decaído a tal punto que la familia se
mudó al puerto de El Havre, en la desembocadura del Sena, donde vivía la media hermana de su
padre, Marie-Jeanne Lecadre.[3] El esposo de ésta, Jacques Lecadre, era comerciante de especies
de ultramar al por mayor y proveedor naval. Él le dio trabajo al padre de Monet en su negocio.[2]
La familia de Monet pasaba los inviernos en su casa de El Havre y los veranos en la casa de
campo de los Lecadre, en el balneario de Sainte-Adresse. Posteriormente la familia se mudó a
Baraqueville pero no permanecieron ahí mucho tiempo debido a que tuvieron que mudarse
nuevamente por razones del trabajo de Adolphe Monet.

Entre 1851 y 1857 Claude Monet asistió a la escuela secundaria en El Havre, donde recibió clases
de dibujo de Jacques-François Ochard. No le gustaba la disciplina escolar[4] y prefería estar en el
farallón o junto al mar.[5] Durante sus clases dibujaba caricaturas de sus profesores y otros
estudiantes que eran expuestas en el escaparate del único comerciante de marcos para cuadros de
El Havre. A la edad de 15 años Monet era ya conocido como caricaturista en toda la ciudad y
recibía encargos por los que cobraba hasta 20 francos.[6]

Formación Editar

Caricatura del notario Léon Marchon, 1855/1856, Art Institute of Chicago

Junto a las caricaturas de Monet en el escaparate de la marquería, eran expuestas marinas de
Eugène Boudin. A Monet no le gustaban estos cuadros y rechazó una oferta para conocer a
Boudin. Sin embargo en una ocasión, al entrar a la tienda, Monet no se percató de que Boudin se
encontraba presente y el comerciante aprovechó la oportunidad para presentarlos. El pintor alabó
el talento de Monet y le aconsejó no limitarse al dibujo y que pintara paisajes al aire libre.

Después de la muerte de su madre el 28 de enero de 1857, su tía, que era pintora aficionada y
mantenía contacto con el pintor Armand Gautier, se encargó del joven Claude Monet. Tras la
muerte de Jacques Lecadre, el padre de Claude tomó las riendas del negocio y la familia se mudó
a la casa que fuera del difunto. De estos años provienen los primeros paisajes de Monet y toma la
decisión de convertirse en pintor. El padre de Claude solicitó ante los magistrados de El Havre una
beca, la cual fue rechazada en el primer intento.[7] A pesar de ello Monet viajó a París para visitar
la exposición del Salón de París. Allí tomó contacto con los artistas Constant Troyon y Armand
Gautier, y trabajó en el atelier del pintor Charles Monginot, que era amigo de Boudin. Durante
este tiempo Monet obtuvo apoyo financiero de su padre. Además tenía a su disposición 2000
francos que había ganado con sus caricaturas y que eran manejados por su tía. A partir del año
1860 se redujo el apoyo financiero de su padre, pues Monet se oponía a matricularse en la École
des Beaux-Arts a la que su padre quería que asistiera. Monet se matriculó en cambio en la escuela
privada de pintura Academia Suiza, donde se dedicó al estudio de figuras. Monet visitó
exposiciones en la colonia de artistas de Barbizon. Los pintores de la Escuela de Barbizon
rechazaban el estilo, difundido en la época, de paisajes idealizados y preferían en su lugar paisajes
con un nuevo estilo de realismo pictórico, donde eran más importantes las impresiones de la luz.
Monet también pasaba el tiempo en el Brasserie des Martyrs, un punto de encuentro para varios
pintores y escritores modernos.

En abril de 1861 Claude Monet recibió el llamado para el servicio militar obligatorio, que duraba
siete años. Se le presentó la oportunidad de evitar el servicio militar mediante el pago de 2500
francos, pero carecía de los fondos necesarios y su familia solo le ofreció hacer el pago si
abandonaba la pintura y tomaba las riendas del negocio en El Havre. Monet se decidió por la
pintura y fue destinado a la caballería en Argelia. Debido a que enfermó de fiebre tifoidea, pudo
regresar en el verano de 1862 a El Havre. Ahí conoció al neerlandés Johan Barthold Jongkind,
junto al cual hizo estudios de paisajes al aire libre. En noviembre de 1862 fue librado de los
últimos seis años del servicio militar mediante un pago de 3000 francos hecho por su tía.[8] Su
educación pictórica fue puesta a cargo de Auguste Toulmouche, un pintor de género parisino, que
estaba casado con la prima de su tía Marie-Jeanne Lecadre. Éste le recomendó a Monet que
acudiera al atelier de Charles Gleyre, en el que también estaban inscritos Pierre-Auguste Renoir,
Alfred Sisley y Frédéric Bazille. Durante la pascua de 1863 Monet viajó junto con Bazille a
Chailly, en las cercanías de Barbizon, donde pintaron paisajes. Repitieron el viaje al año siguiente.
Continuó sus estudios en el atelier de Gleyre hasta que cerró en julio de 1864 por enfermedad del
maestro. Ese verano Monet y Bazille viajaron a la costa del Canal de la Mancha en Normandía,
seguidos más tarde por Boudin y Jongkind, para pintar. Debido a desacuerdos, la familia de Monet
lo amenazó con terminar el apoyo financiero que le daba, por lo que por primera vez pidió dinero
prestado a Bazille. Durante sus estudios, a pesar de sus dificultades económicas, Monet se
presentaba como burgués y usaba camisas finas, por lo que era tomado como un dandi por sus
compañeros.[9]

Exposiciones en el Salón de París Editar

Camille con vestido verde, 1866, Kunsthalle Bremen

En 1864 fue expuesto un bodegón de flores de Monet en una exposición de la ciudad de Ruan. Al
mismo tiempo recibió un encargo de Louis-Joseph-François Gaudibert para pintar dos retratos.
Este encargo tuvo un importante significado para Monet porque posteriormente el hijo de
Gaudibert le hizo otros encargos de retratos que le ayudaron económicamente. A fines de 1864 o
principios de 1865, Monet y Bazille establecieron un atelier conjunto en París. En el Salón de
París del año 1865, Monet pudo mostrar dos marinas. Estas pinturas fueron bien recibidas por la
crítica y dio lugar para que Monet planeara la monumental obra El desayuno para la exposición
del Salón de 1866. Sin embargo no pudo terminar la pintura a tiempo. Durante el trabajo en esta
obra, utilizó a Camille Doncieux como modelo, con la que estableció una relación amorosa.
Monet planeó la pintura en imitación a la obra Almuerzo sobre la hierba, de Édouard Manet, que
había desatado un escándalo al presentar una mujer desnuda sin un trasfondo mitológico, pero la
pintura de Monet era más bien conservadora y se ajustaba al gusto de las masas. Monet era un
admirador de la obra de Manet y a partir de 1866 tuvo contacto cercano con él. Como el cuadro
planeado para el Salón no pudo estar terminado a tiempo, Monet pintó en tan solo cuatro días la
obra Camille con vestido verde, que fue acogida de forma positiva por la crítica.

Por sus dificultades financieras fingió una ruptura con Camille para acercarse nuevamente a su
familia, de la que esperaba ayuda económica. Por esta razón pasó el verano de 1867 con su familia
en Sainte-Adresse, mientras que Camille, que se encontraba embarazada, permaneció en París y
era cuidada por Bazille. El 8 de agosto de 1867 nació el primer hijo de Monet, Jean. Debido a que
no quería dejar desamparados a su querida y a su hijo, regresó a París.[10] Ese año fue rechazada
la pintura Mujeres en el jardín por el Salón. Para apoyar económicamente a su amigo, Bazille
compró esta obra a plazos y lo tomó nuevamente en su atelier. La situación financiera de Monet
continuó siendo difícil y en 1868 vivió en Étretat y Fécamp, donde nuevamente obtuvo encargos
del naviero Gaudibert, quien además pagó la realización de unas pinturas de Monet. Al final del
año huyó nuevamente de sus acreedores hacia París. En 1870 el jurado rechazó nuevamente un
cuadro preparado para el Salón. El 26 de junio de ese año se casó con Camille Doncieux. Por su
selección de temas y estilo de pintura, Monet se distanciaba cada vez más del Salón de París y por
lo tanto del éxito económico.

Con el comienzo de la Guerra Franco-Prusiana en julio de 1870, Monet abandona Francia y se

muda a Londres para evitar ser reclutado. Sus amigos Bazille y Manet participaron en la guerra. El
28 de noviembre de 1870 Bazille murió en el frente de batalla. Durante su estancia en Londres,
Monet conoció al mercader de arte Paul Durand-Ruel, así como las obras del paisajista William
Turner, en cuyas pinturas los contornos se difuminan en la luz. El 17 de julio de 1871 muere el
padre de Claude y recibe una pequeña herencia. Al terminar la guerra, en el otoño de 1871, Monet
regresa a Francia viajando por los Países Bajos. Renta una casa con jardín en Argenteuil y gracias
a la herencia y la dote de Camille, la familia goza por primera vez de un bienestar burgués. En
1872 Durand-Ruel vende varias pinturas de Monet, quien acondiciona una barca y pinta en la
orilla del Sena.

Exposiciones impresionistas Editar

En 1873 Claude Monet conoce en Argenteuil a Gustave Caillebotte, con el que acuerda realizar
exposiciones conjuntas. Para este propósito es fundada en diciembre la Sociéte Anonyme
Coopérative d' Artistes-Peintres, -Sculpteurs, -Graveurs, etc. A esta sociedad se unieron los artistas
que más tarde formarían el núcleo del impresionismo.

La primera exposición del grupo se realizó en 1874 en el atelier del fotógrafo Nadar en el
Boulevard des Capucines de París. Inspirado por una de las obras expuestas, Impresión, sol
naciente, que Monet había pintado en 1872 en El Havre junto con otras obras, el crítico de arte
Leroy, de la revista Le Charivari, la llamó «la exposición de los impresionistas». Así fue como
nació el término impresionismo, que en un principio fue usado a manera de burla por los críticos y
que luego fue utilizado por los mismos artistas, basándose en la pintura de Monet. La exposición
no tuvo mayor resonancia y la sociedad fue disuelta al fin de ese mismo año. En 1876 se realizó
una segunda exposición impresionista en las dependencias del mercader de arte Durand-Ruel
donde Monet expuso 18 pinturas. En ese año conoció a Ernest Hoschedé, que era dueño de un
almacén y quien le encargó la pintura de unos paneles para el castillo de Rottenbourg. El 17 de
marzo de 1878 nació el segundo hijo de Monet, Michel. Ese verano la familia se mudó a Vétheuil,
donde les siguió Alice Hoschedé con sus seis hijos, después de que su marido se declarara en
bancarrota. El 5 de septiembre de 1879 murió la esposa de Monet, Camille, a la edad de 32 años, a
consecuencia de un aborto inducido fallido.[11]
En 1881 Durand-Ruel compró más pinturas de Monet y además lo apoyó económicamente para
que realizara un viaje a la costa de Normandía para pintar. En diciembre de 1881 Claude Monet y
Alice Hoschedé se mudan junto con sus hijos a Poissy.

La exposición de los impresionistas de 1882 es la última en la que Monet participa. A partir de ese
momento su alejamiento de los otros impresionistas es cada vez más marcado y lo acusan de no
apoyar al grupo por motivos egoístas. Monet intentó nuevamente exponer en el Salón de París y
una de sus pinturas fue aceptada por el jurado.

Giverny Editar

Monet en su jardín. Al fondo, se ve el puente japonés.

Paisaje en Port-Villez, 1883.

En 1883, Durand-Ruel organiza una exposición individual con pinturas de Monet. Esta exposición
tuvo una crítica favorable, sin embargo no resultó en grandes ventas. A pesar de esto, la situación
económica de Monet mejoró gracias a que el mercado de obras impresionistas se reanima a partir
del principio de la década de 1880. Monet rentó una casa en Giverny donde creó su famoso jardín.
Se mudó ahí junto a sus dos hijos y Alice Hoschedé y los suyos.

En diciembre de 1883, se fue con Renoir a la costa mediterránea. Ambos recorren la ruta de
Marsella a Génova y luego visitan a Cezanne en L'Estaque. Después de un breve regreso a
Giverny, Monet reanudó, solo en enero de 1884, el camino hacia el sur. Se fue esta vez a
Bordighera y Menton. Impresionado por la naturaleza y los paisajes salvajes, Monet pinta unas
cuarenta pinturas que representan los lugares más pintorescos como los valles de Sasso o Nervia.

En noviembre de 1884, comenzó una larga amistad con el escritor Octave Mirbeau, que a partir de
entonces se convierte en su bardo oficial y contribuye a su reconocimiento.

En 1885, con ocasión de un viaje a la costa de Normandía, en Étretat, Monet entró en un acuerdo
con el galerista Georges Petit, para que pudiera comprar y vender algunas de las obras del pintor.
Como resultado, la exclusividad que tenía Durand-Ruel hasta entonces se rompió. A final del año,
Monet anunció su deseo de tratar sólo con Petit. Por otra parte, Monet, no deseando depender
totalmente de los galeristas, se entrevista y desarrolla su red de coleccionistas.

En 1886, a pesar de la ruptura entre los dos hombres, Paul Durand-Ruel abrió las puertas del
mercado americano a Monet estableciendo vínculos con la American Art Association. El
reconocimiento oficial que obtiene al otro lado del Atlántico ayuda a desarrollar el mercado del
arte impresionista en Francia en la década de 1890.

En 1986 hace otro viaje a los Países Bajos. En el otoño de 1886 Monet pinta en Bretaña, donde
conoce a su futuro biógrafo, Gustave Geffroy. De enero hasta abril de 1888 pinta en la Costa Azul
y en el verano viaja nuevamente a Londres. Luego de su regreso a Francia, rechazó la cruz de la
Legión de Honor. Al año siguiente juntó dinero para comprar la pintura Olympia a la viuda de su
amigo Manet, que luego donaría al Louvre. En 1890 Monet compró la casa en Giverny, en la que
había vivido por varios años, gracias a que su situación económica había mejorado debido a las
ventas regulares de sus obras. Con compras adicionales de terreno expandió cada vez más su
propiedad e invirtió mucho dinero en el cuidado de su jardín. Se enfrentó con la desconfianza de
los campesinos locales que temían algún peligro para sus terrenos y ganado, ya que Monet
plantaba plantas exóticas como la tuberosa de México entre otras especies exóticas. A fines de la
década de 1880 un pequeño grupo de pintores estadounidenses visitó Giverny para conocer a
Monet. Entre ellos se encontraba Theodore Robinson, que fue uno de los primeros artistas
estadounidenses en introducir el impresionismo en su obra. Monet no mantuvo contacto cercano
con los llamados «givernistas» ya que nunca quiso asumir el rol de maestro.

En 1891 muere Ernest Hoschedé, lo que permitió que Monet y la viuda de éste, Alice, legitimaran
su relación mediante el matrimonio en julio de 1892. En ese mismo año se casó su hijastra
Suzanne con uno de los «givernistas», el pintor Theodore Butler. En 1895 Monet viaja a Noruega,
donde visitó a uno de sus hijastros.

En 1897 construyó en Giverny un segundo atelier ya que necesitaba más espacio para su trabajo.
Al mismo tiempo fueron expuestos veinte cuadros suyos en la Bienal de Venecia. Durante el
verano se casó su hijo Jean con su hermanastra, Blanche Hoschedé. Los años 1896 y 1897 van a
ser mucho más tranquilos para Monet. De hecho, se dedicó más a sus jardines de Giverny: por un
lado, continuando su desarrollo y, por otro lado, comenzando a utilizarlos como motivo de sus
pinturas (que duraron hasta el final de su vida). Además, no viajó mucho, excepto para ir a la costa
de Normandía, especialmente a Pourville y Varengeville donde pintó La Maison du pêcheur o La
Falaise en Varengeville.

En el Caso Dreyfus, Monet apoyó decididamente a Zola en 1897 y expresó su admiración por el
acusado. En particular, firmó la llamada petición "manifiesto de intelectuales" publicada en el
diario L'Aurore, pero se negó a participar en un grupo de apoyo.

En 1898, se enteró de la muerte de su amigo de adolescencia, Eugène Boudin

En enero de 1899, poco antes de morir, Alfred Sisley lo convocó a su casa de Moret-sur-Loing y le
encomendó a sus hijos. El 1 de mayo de 1899, Claude Monet organizó una venta por la Galerie
Georges Petit para beneficio de los hijos de Sisley, que fue un gran éxito por la cotización que
alcanzaron sus obras y recibió un eco en los medios de comunicación sin precedentes para Sisley.
En 1899 y 1900 Monet realizó varios viajes a Londres. Junto con su esposa Alice, viajó en
automóvil a Madrid donde estudió a los maestros españoles. En Giverny trabajó sobre todo en las
pinturas de nenúfares, en 1906 pospuso varias veces una exposición planeada por Durand-Ruel.

Últimos años y muerte Editar

En el año 1908 se evidenciaron los primeros indicios de la enfermedad de los ojos de Monet. Entre
septiembre y diciembre de ese año estuvo junto con su esposa en Venecia, donde no solamente
pintó, sino que también estudió en las iglesias y museos de la ciudad las obras de los artistas
Tiziano y Paolo Veronese. El 19 de mayo de 1911 murió su segunda esposa, Alice. Al año
siguiente su visión empeoró y se le diagnosticaron cataratas en ambos ojos. En 1912 se expusieron
sus cuadros de Venecia en la galería Bernheim-Jeune con gran éxito. Georges Clemenceau y otros
amigos le recomendaron en 1914 que donase pinturas de la serie de nenúfares al Estado francés,
pero Monet que en otras ocasiones había rechazado títulos honorarios de Estado, no fue
persuadido. Después de la muerte de su hijo, Jean Monet, la viuda de éste se encargo de los
asuntos del hogar en Giverny. En 1915 Monet hizo construir ahí un tercer atelier aún más grande
que los anteriores, donde pintó los nenúfares (ninfeas) de su jardín.

Nenúfares, c. 1899. Musee d'Orsay, París.

Al terminar la Primera Guerra Mundial con el armisticio del 11 de noviembre de 1918, Monet le
donó al Estado francés ocho de sus pinturas de la serie de los nenúfares. En 1921, deprimido por
su creciente ceguera, consideró solicitar el retorno de las pinturas. En ese mismo año se realizó
una gran exposición retrospectiva de su obra en las dependencias de Durand-Ruel. No fue hasta
1922, a instancias de su amigo Clemenceau, que Claude Monet firmó un acuerdo notarial que
legalizaba la donación, con lo que los cuadros pasaron a ser propiedad del Estado. Luego de dos
operaciones de cataratas en 1923, Monet recuperó la vista. Comenzó a pintar nuevamente sus
grandes pinturas de nenúfares, pero se vio obstaculizado por la depresión.

En sus últimos años Monet destruyó por cuenta propia varias de sus pinturas, ya que no quería que
obras sin terminar, bocetos y borradores entraran al mercado de arte, como en efecto sucedió
después de su muerte. El 5 de diciembre de 1926, Monet murió en Giverny.

Su casa fue donada por su hijo Michel, su único heredero, a la Academia Francesa de Bellas Artes
en 1966. A través de la Fundación Claude Monet, la casa y los jardines fueron abiertos al público
en 1980 luego de una restauración y es actualmente una atracción para turistas de todo el mundo
que visitan Giverny.

Obra Editar

La calle Montorgueil con banderas, 1886.

Ningún pintor del grupo fue tan puramente impresionista como Monet. En su obra el factor
dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de
la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para
establecer cierta coherencia. Por su parte, Renoir fue el pintor que nos convence de que la estética
del impresionismo fue, sobre todo, hedonista. El placer parece la cualidad más evidente de su
obra, el placer inmediato y ardiente que produce en él la pintura. Nunca se dejó agobiar por
problemas de estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una
pared y que por eso era importante que los colores fueran agradables por sí mismos.

De todos los impresionistas, Monet fue el que con más énfasis practicó el plenairismo, es decir la
práctica de la pintura al plein-air (en francés: 'aire pleno, total' y también —y ese es el significado
que aquí más nos importa— aire libre), la pintura al aire libre. Aunque existe gran cantidad de
pintores paisajistas previos a Monet, se nota en ellos que la factura de sus obras ha sido realizada
principalmente dentro del taller tras un previo esbozo. Hasta la segunda mitad de s. XIX, las
pinturas (óleo, temple) eran realizadas artesanalmente y envasadas en frascos, vejigas, etc. La
invención de los pomos (un positivo producto de la Revolución industrial), permitió a los pintores
llevar sus óleos o témperas al aire libre, bajo el sol, sin que estos elementos se secaran u oxidaran
rápidamente como había sucedido hasta entonces.

Al aire libre, bajo la luz directa del sol, pudo minuciosamente observar y plasmar casi
inmediatamente, con pinceladas libres, los efectos de la luz sobre los objetos, los cambios, las
vibraciones de esa luz; por esta razón la pintura de Monet resulta especialmente vital y llena de
armonías.

Inspirado en el ambiente de sus jardines en Giverny, inició en 1906 la serie de cuadros sobre
plantas florales acuáticas, (los cuadros de ninfeas y nenúfares que pueden admirarse actualmente
en el museo parisino de La Orangerie).

Todo puede deducirse de una simple afirmación que realizara el artista:

El motivo es para mí del todo secundario; lo que quiero representar es lo que existe entre el
motivo y yo. Claude Monet

Aunque algunos autores siguen atribuyendo a su problema en la vista su abstracción pictórica,[12]

considerando su retorno a un estilo más controlado luego de las operaciones de cataratas en 1923.

Series Editar
Étretat Editar
Monet se sintió durante muchos de los años de su carrera anterior a Giverny muy atraído por la
costa normanda y en especial por los acantilados de Étretat con su famoso arco la Porte d'Aval,
que pintó desde diferentes perspectivas y en diversas condiciones climáticas y lumínicas.

Acantilados de Étretat
Claude Monet - Étretat, (1864).jpg

Claude Monet Étretat, la Manneporte, reflets sur l'eau 15092012413.jpg

Claude Monet - Regnvær, Etretat - Google Art Project.jpg

Claude Monet-Etretat the Aval door fishing boats leaving the harbour mg 1819.jpg

Monet - Mer agitée à Etretat.jpg

Claude Monet - La Manneporte (Étretat).jpg

Claude Monet - The Manneporte near Étretat.jpg

Claude Monet The Cliffs at Etretat.jpg

Falaises à Étretat by Claude Monet, 1885.jpg

Grosse mer à Étretat - Claude Monet.jpg

'The Beach at Étretat' by Claude Monet, 1885-86, Pushkin Museum.jpg

Claude Monet-Soleil couchant à Etretat.jpg

Claude Monet - Rough weather at Étretat - Google Art Project.jpg

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Claude Monet 020.jpg

Claude Monet - Rock Arch.jpg

Claude Monet - Falaise d'Etretat Aval- Pastel v1890.jpg

La Porte d'Aval by Claude Monet.jpg

Claude Monet - The Cliff of Aval, Etrétat - Google Art Project.jpg

Monet - Sonnenaufgang bei Etretat.jpg

Claude Monet, Aiguille & Porte d’Aval, Etretat - Sunset (c.1883-85).jpg

Monet, Claude - L'Aiguille vue à travers la Porte d'Aval (1885-1886) W 1049.jpg

Étretat Philadelphia 02.JPG

Monet - Regen bei Eretat.jpg

Los Almiares (1890-1891) Editar
El año 1890 fue un año clave en la vida de Monet. Los viajes de trabajo se vuelven mucho más
raros. Llega el tiempo de la serie, un género pictórico conocido por su amigo Boudin, cuya idea se
impuso gradualmente con las estaciones de Saint-Lazare, luego por ejemplo en 1886 con las dos
versiones de figura al aire libre de la Mujer con paraguas vuelta hacia la derecha y la Mujer con
paraguas girada a la izquierda), las Rocas de Belle-Île el mismo año y especialmente La Petite
Creuse en 1889, durante su estancia en Fresselines. Este período comenzó a finales de 1890 con
Los Almiares, una serie de más de veinte versiones. Estos imponentes almiares de trigo estabán
cerca de su casa. Comenzó a pintarlos en 1888, pero el año 1890 marca realmente el comienzo de
la repetición incansable del mismo motivo en busca de diferentes efectos. Este enraizamiento es
confirmado por la compra del Clos de Giverny en el otoño de 1890 por 22.000 francos.
Sólo dos meses después, el 4 de mayo de 1891, una exposición dedicada a Monet abre sus puertas
en la galería parisina de Durand-Ruel. Con el título de obras recientes de Claude Monet, propone,
entre otras cosas, quince pinturas de Los Almiares. En el catálogo, cada uno de estos lienzos lleva
el título Almiares, pero con la indicación del momento recogido. Tanto las pinturas como este
detalle de presentación son un éxito crítico, especialmente con los periodistas.

Serie de Los Almiares

Claude Monet - Meules, milieu du jour.jpg

Monet Grainstack in the Sunlight 1891.jpg

Claude Monet - Stack of Wheat (Snow Effect, Overcast Day).jpg

Claude Monet - Haystacks, end of Summer - Google Art Project.jpg

Haystacks, Snow Effect 1891 Claude Monet NGScotland.jpg

Claude Monet, Haystack, Morning Snow Effect (Meule, Effet de Neige, le Matin), 1891, oil on
canvas, 65 x 92 cm, Museum of Fine Arts, Boston.jpg

Los Álamos Editar

En 1891, Monet siguió el curso del Epte en busca de un nuevo motivo que podría ser el tema de
una serie: Los Álamos. Trabaja allí desde finales de primavera hasta finales de otoño. El 8 de
octubre de 1891, pagó al comerciante de madera para retrasar la corta de estos árboles que estaban
en Limetz.
Inmediatamente terminada, esta serie despierta el interés de los comerciantes y galeristas: Maurice
Jouant, compra varios lienzos para la galería Boussod y Valadon; Durand-Ruel adquirió siete de
ellos por 28.000 francos y creó una exposición dedicada exclusivamente a esta serie.

Serie de Los Álamos

La catedral de Ruan (1892-1895) Editar

En 1892, Monet buscó un nuevo tema que pudiera ser objeto de una serie y que no fuera un
elemento natural. Su elección se basa en la catedral de Rouen. Sus primeros trabajos, que realiza
desde la casa de Fernand Levy, situada frente a la catedral, no resultan como él desea. Cuando
regresa a Giverny en abril, insatisfecho, se niega a mostrar los resultados a nadie, excepto a sus
amigos más fieles. Regresó a Rouen el 16 de febrero de 1893, y se trasladó a dos lugares
diferentes, siempre frente al edificio y a diferentes horas del día.

Completó las veintiocho pinturas que componían la serie de catedrales en el taller en 1894. Al
igual que la serie anterior, las catedrales están condenadas al éxito y Monet lo sabe. Por eso va a
hacer competir a sus galeristas, especialmente entre Georges Durand-Ruel y Georges Petit. Esta
estratagema le permite obtener las mejores condiciones de exhibición y una suma mayor de dinero
para la venta de estas pinturas.

Para la serie de catedrales, Durand-Ruel obtuvo la exclusividad de exhibirla (a un precio no

insignificante de 12.000 francos por cada uno de los lienzos). Esta exposición tiene lugar del 10 de
mayo al 31 de mayo de 1895, y se titula "Obras recientes". El éxito se produce de nuevo. Entre las
muchas críticas de los periodistas, la de Georges Clemenceau, titulada Revolución de las
Catedrales, se distingue particularmente por la relevancia y exactitud de su análisis.

Por último, cabe señalar que a principios de 1895, es decir, antes de la exposición dedicada en
parte a las catedrales, Monet viajó a Noruega, a Christianía, el actual Oslo. Coloca su caballete en
particular en el Lago Daeli, el Monte Kolsaas, Kirkerud o Sandviken. Pintó un total de 28 pinturas
que apenas volvió a retocar, una vez que hubo vuelto a Francia.

Serie de La catedral de Ruan

Vistas de Londres (1899-1904) Editar
En el otoño de 1899, con su esposa, hizo el primero de una serie de tres viajes a Londres para
visitar a su hijo Michel, que vivía allí desde la primavera. Durante estas tres estancias de 1899 a
1901, pintó una serie dedicada al Parlamento de Londres y cuyo tema recurrente es la niebla sobre
el Támesis. La producción de esta serie continúa con un trabajo de retoque en el estudio hasta
1904. La serie Vistas del Támesis en Londres -1900 a 1904 se exhibe en mayo y junio de 1904 y
constituye el mayor triunfo de la carrera del pintor hasta entonces.
En 1900, los impresionistas fueron expuestos en la Exposición Universal de París, un signo de
reconocimiento oficial. Sus lienzos, dos de ellos de Monet, se colocan en el Grand Palais como
parte de la exposición del Centenario.

En 1904, del 9 de mayo al 4 de junio, Monet expuso en la galería de Durand-Ruel. Presenta treinta
y siete vistas del Támesis en Londres. A pesar de obtener un éxito innegable, las voces críticas,
más receptivas a las formas geométricas impuestas por Cézanne, se manifiestan, rechazando la
disolución de las formas que Monet muestra en sus lienzos.

Serie de Vistas de Londres

Los Nenúfares Editar

Artículo principal: Nenúfares (Monet)
Después de Londres, Monet pintó principalmente la naturaleza controlada: su propio jardín, sus
nenúfares, su charca y su puente. Del 22 de noviembre al 15 de diciembre de 1900, se realizó una
nueva exposición dedicada a estos temas en la Galería Durand-Ruel. Se presentan una docena de
versiones de Les Nymphéas. La misma exposición se organizó en Nueva York en febrero de 1901,
donde fue un gran éxito.

En 1901, Monet agrandó su estanque comprando un prado en el otro lado del Ru, el río local.
Luego divide su tiempo entre el trabajo en la naturaleza y el trabajo en su estudio.

Las pinturas dedicadas a los nenúfares evolucionan según las transformaciones del jardín.
Además, Monet cambió gradualmente la estética abandonando, alrededor de 1905, cualquier hito
del límite al nivel del agua y por lo tanto de perspectiva. También cambió la forma y el tamaño de
sus lienzos de soportes rectangulares a soportes cuadrados y luego circulares.

Sin embargo, es importante señalar que estas pinturas se crean con gran dificultad: Monet, de
hecho, pasa el tiempo reanudándolas para encontrar el efecto y la impresión perfectos y, cuando
falla, no duda en destruirlos. Después de varios aplazamientos desde 1906, la exposición, llamada
Les Nymphéas, serie de paisajes de agua, se inauguró finalmente el 6 de mayo de 1909.
Comprendiendo cuarenta y ocho lienzos de 1903 a 1908, esta exposición es de nuevo un gran
éxito.

Serie de Los Nenúfares

Venecia Editar
En el otoño de 1908, Monet y su esposa se quedaron en Venecia, en el Palazzo Barbaro, en
compañía de una élite apasionada por el arte. En esta buena compañía, el pintor se distrae a
menudo y tiene alguna dificultad en su trabajo. Durante el mes de su estancia, realiza sólo unos
cuantos esbozos. Como resultado, hizo una segunda visita un año más tarde, y esta vez produjo
muchas pinturas que volvería a tomar en su estudio. Finalmente fueron entregadas en 1912 y
exhibidas en la galería de los hermanos Bernheim-Jeune.

Serie de Venecia
Importancia Editar
Significado artístico y notoriedad Editar
La obra de Monet acompasa la influencia de varias influencias estilísticas. Sus primeras obras
pertenecen al realismo pictórico, del cual se alejó cada vez más a lo largo de su carrera. Fue un
miembro destacado de los impresionistas, y algunas de sus obras se cuentan entre las más
importantes de este estilo pictórico. Sus obras tardías se componen sobre todo por series de
paisajes y jardines. Las pinturas de la serie de nenúfares que Monet donó al estado francés, se
presentaron al público el 17 de mayo de 1929 en el Museo de la Orangerie como Musée Monet,
pero la exposición despertó poco interés. En estas salas se mostró una retrospectiva de Monet en la
que las obras de periodo tardío estuvieron poco representadas. Posteriormente el museo organizó
otras exposiciones en estas mismas salas, lo que contravenía el acuerdo realizado con el artista.
Para la presentación de tapices flamencos de 1935 incluso se descolgaron los cuadros de Monet
para colocar los tapices en su lugar. La crítica valoró la obra tardía de forma negativa debido a sus
formas disueltas y colores intensos, considerando que les faltaba contacto empírico con la
naturaleza, y que contradecían de esta manera la idea de que el impresionismo daba una
representación óptica exacta de la naturaleza. Hasta la década de 1980, con pocas excepciones, en
la historia del arte se diferenciaba entre las obras impresionistas tempranas, que comprende los
cuadros creados entre 1870 y 1880, y las poco valoradas obras tardías.[13] Entre 1880 y el fin de
siglo, Monet fue visto por la crítica como un visionario. Después de 1890 sus cuadros se
encuentran entre el naturalismo y el abstraccionismo, lo que hace difícil clasificar la tendencia
estilística de sus obras tardías.

Artistas como Max Liebermann, Giovanni Giacometti y Lovis Corinth valoraban las obras
impresionistas de Monet, y fueron influenciados por él. Esta influencia de Monet, incluso después
de su muerte, se extinguió con la muerte de Pierre Bonnard en 1947, quien se llamaba a sí mismo
el “último impresionista”. Aunque los cubistas rechazaron la obra de Monet, sobre todo por la
disolución de las formas, muchos pintores extranjeros, como Wassily Kandinski, reconocieron la
importancia de Monet para la modernidad.

A finales de la década de 1940 y en la década de 1950 hubo un resurgimiento en el interés por

Monet. En 1947 Marc Chagall dijo: «Monet es para mí, el Miguel Ángel de nuestra época».[14]
Sin embargo a su juicio las obras tardías no tenían una posición especial. André Masson expresó
una opinión diferente en 1952, cuando llamó a los grandes óleos de nenúfares «la capilla Sixtina
del impresionismo».[15]

Gran parte de la creciente popularidad de Monet se debió a la pintura de posguerra en los Estados
Unidos, en la que el gesto regresa a primer plano, y en la que se impuso el anti-racionalismo. El
interés por las obras tardías de Monet resurgió con el advenimiento de la pintura abstracta. Más de
trescientos artistas norteamericanos viajaron a París en la década de 1950, donde entre otros,
estudiaron a Monet. Estos eventos fueron el impulso para las primeras grandes exposiciones
individuales en la década de 1950, que llevaron al reconocimiento internacional de la obra de
Monet. Entre éstas, la exposición impresionista en el Kunsthalle de Basilea de 1949 tiene especial
importancia. El resurgimiento en el interés por la obra de Monet también llevó a un incremento en
el número de visitantes la Orangerie.

Éxito comercial Editar

Por gran parte de su carrera artística, Monet vivió en la pobreza. Sus obras, al igual que las obras
de otros artistas que no se adherían al estilo clásico preferido por el público, fueron ignoradas por
los compradores en su momento. Con el auge económico después de la guerra franco-prusiana de
1871 los precios subieron, e incluso las obras de artistas impresionistas consiguieron precios altos
de forma sorpresiva. El mercader de arte Paul Durand-Ruel, quien conoció a Monet durante su
estadía en Londres, compró por muchos años obras de Monet y otros artistas rechazados por la
crítica. No pagaba mucho, pero esos ingresos regulares le permitieron a Monet llevar una vida
financieramente segura. A partir de 1873 Durand-Ruel tuvo que restringir su apoyo a los artistas
impresionistas debido a una fuerte crisis económica en Francia, que afectó el mercado de arte. La
caída en los precios fue especialmente fuerte en las obras de tipo impresionista.[16] Es así como
en 1874 Ernest Hoschedé pudo comprar la pintura Impresión, sol naciente por 800 francos, pero
en la subsecuente subasta forzada por la bancarrota, en 1877, la obra alcanzó tan solo un precio
200 francos. Esta subasta documenta claramente la caída en los precios de obras de los artistas
impresionistas. La situación económica de Monet empeoró nuevamente. A fines de 1878 Monet
dijo al respecto: «No soy un principiante, y es terrible a mi edad estar en esta situación, teniendo
que mendigar y molestar a los compradores».[17] La situación de Monet no mejoró hasta que se
mudó a Giverny, cuando Durand-Ruel pudo reiniciar su apoyo a los impresionistas. Las obras de
Monet ganaron en reconocimiento, y los precios de sus cuadros subieron. A mediados de la década
de 1890, los cuadros de la serie de la Catedral de Ruan alcanzaron un precio de 15 000 francos. En
su casa de Giverny fue visitado por importantes coleccionistas de arte como Matsukata Kojiro.

A fines de la década de 1980 las obras de artistas impresionistas alcanzaron precios en subasta que
no han podido ser superados hasta la fecha. Monet es la única excepción. Uno de sus cuadros de
nenúfares de 1907 alcanzó en 1989 un precio de 10,5 millones de dólares, y el mismo cuadro fue
vendido en una subasta de Christie's con una ganancia de dos millones de dólares en noviembre de
2005. Esto se debe a que muy pocas obras de Monet están disponibles en el mercado. En 2004
fueron 26, en 2005, 22 y en 2006, 28 cuadros. En junio de 2007 un cuadro de la serie de nenúfares
de 1904, valuado entre 10 a 15 millones de libras esterlinas, fue subastado en Sotheby's por 18,5
millones de libras esterlinas. El comprador fue un coleccionista asiático. Se convirtió en el cuarto
cuadro más caro de Monet, solo superado por el cuadro de nenúfares Le Bassin aux nympheas que
en 2008 alcanzó 51,7 millones de euros en la casa de subastas Christie's; el cuadro Puente de
ferrocarril en Argentuil, que se vendió en mayo de 2008 por 41,4 millones de dólares, también
subastada por Christie's; y un cuadro de nenúfares de 1900 que fue subastado en Sotheby’s en
1998 por 19,8 millones de libras esterlinas.

Influencia Editar
Las obras de Monet son usadas con frecuencia en calendarios y postales, formando de esa manera
parte de nuestra vida cotidiana. Además, Monet y su obra fueron una fuente de inspiración para
otros impresionistas.

LiteraturaEditar
El autor francés Marcel Proust se dejó inspirar por la obra de Monet. Proust era afín al
impresionismo en general y en particular admiraba las obras de Monet. Aunque no las menciona
específicamente, hay paralelismos temáticos en sus escritos con la obra de Monet.[18] Proust
describe en su novela En busca del tiempo perdido fenómenos que Monet captura en el lienzo. El
narrador da sus impresiones de las nubes y del mar en el balneario ficticio de Balbec. En Jean
Santeuil, novela fragmentaria, el mismo Proust menciona a Claude Monet varias veces cuando un
coleccionista de Ruan compra algunos de sus cuadros. El narrador describe con ese motivo los
sentimientos que en él despiertan cinco cuadros del pintor.[19]

Pintura Editar
Claude Monet fue plasmado en varios cuadros hechos por sus amigos del grupo de artistas
impresionistas. Pierre-Auguste Renoir lo retrató tres veces. El primer cuadro, del año 1872, lo
muestra sentado fumando una pipa y leyendo el periódico. En el segundo cuadro, del año 1873, se
ve a Monet pintando en su jardín. En el tercer cuadro, de 1875, se muestra a Monet de pie, con un
pincel y una paleta en las manos. También Édouard Manet retrató a Monet en un cuadro que lo
muestra con su esposa Camille, sobre la barca-atelier que usaba para pintar sobre el agua.

Claude Monet leyendo el periódico, por Pierre-Auguste Renoir, 1872

Monet pintando en su jardín de Argenteuil, por Pierre-Auguste Renoir, 1873

Retrato del pintor Claude Monet, por Pierre-Auguste Renoir, 1875

Claude Monet y su esposa sobre la barca atelier, por Edouard Manet, 1874

La influencia de Monet se puede ver en varios artistas modernos. Las gruesas texturas de color de
Jackson Pollock recuerdan las obras tardías de Monet. La serie “Flores” del artista pop, Andy
Warhol fue inspirada en la serie de cuadros de nenúfares de Monet, y puede ser vista en el Museo
de Arte Moderno de Nueva York.

Cine Editar
En la película del año 1915 del director Sacha Guitry, Ceux de chez nous, se valora la vida cultural
francesa durante la primera guerra mundial. La película se concentra sobre todo en Renoir, pero
también se contempla a Degas y a Monet, a quien se le observa mientras pinta uno de sus cuadros
de nenúfares.

El cielo en la pintura de Monet, El puente de Argenteuil (1874) es mencionado en la película

Vanilla Sky del año 2001. El protagonista vive en un mundo creado por su imaginación que se
diferencia de la realidad por tener un cielo de color vainilla, como en la obra de Monet.

Antes de esto, una de sus obras es usada como objeto en la película El Caso Thomas Crown
(1999), en donde un millonario norteamericano obsesionado con el arte roba una pintura solo por
diversión.

Cómic y novela gráfica Editar

En el 2017, se publicó una novela gráfica que narra los primeros años del pintor hasta su
establecimiento en Giverny, obra del guionista Salva Rubio y del dibujante Ricard Efa,
enteramente pintada a gouache. En Francia, en Bélgica y en los Países Bajos fue publicada por Le
Lombard, y en España, por Norma Editorial. [20]

Obras Editar
Artículo principal: Anexo:Obras de Claude Monet
Referencias Editar
↑ a b «Claude Oscar Monet Biography». Consultado el 18 de diciembre de 2013.
↑ a b Arnold, Matthias: Claude Monet, Rowohlt, Hamburgo, 1998, pág. 9.
↑ Berühmte Maler auf einen Blick – Claude Monet, DuMont, 1999, pág. 8.
↑ Arnold, Matthias: Claude Monet, Rowohlt, Hamburgo, 1998, págs. 9 y 10.
↑ Extracto de una entrevista con Monet de 1900 según Charles F. Stuckey: Claude Monet 1840-
1926, Könemann, Colonia, 1996, pág. 204 ff.
↑ Rewald, John: Die Geschichte des Impressionismus. DuMont Buchverlag, Colonia 1979. 7.ª
impresión 2001, pág. 29.
↑ Hirmer Verlag GmbH: Monet und Camille – Frauenportraits im Impressionismus. Múnich
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↑ Arnold, Matthias: Claude Monet, pág. 22.
↑ Heinrich, Christoph: Monet. Taschen, Colonia 2006, pág. 10.
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↑ Ravin, G. J. The Journal of the American Medical Association.
↑ Sagner-Düchting, Karin: Claude Monet und die Moderne. Prestel Verlag, Múnich 2001, pág.
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↑ Sagner-Düchting, Karin: Claude Monet und die Moderne. Prestel Verlag, Múnich 2001, pág.
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↑ Sagner, Karin: Claude Monet. DUMONT, Colonia 2005, pág. 23.
↑ Feist, Peter H.: Pierre-Auguste Renoir. Taschen, Colonia 2006.
↑ Heinrich, Christoph: Monet. Taschen, Colonia 2006, pág. 48.
↑ Pág. 1.
↑ Pág. 5.
↑ [1]
Bibliografía Editar
Anderson, Janice: Monet. Verlag EDITION XXL, 2005, ISBN 3-89736-332-1
Arnold, Matthias: Claude Monet. 2.ª edición. Rowohlt-Verlag, Reinbek 2003, ISBN 3-499-50402-
2
Hansen, Dorothee (editora), Wulf Herzogenrath (editor): Monet und Camille – Frauenportraits
im Impressionismus. Hirmer Verlag GmbH, Múnich 2005. ISBN 3-7774-2705-5
Heinrich, Christoph: Monet. Taschen-Verlag, Colonia 2006, ISBN 3-8228-6368-8
Sagner, Karin: Claude Monet. DuMont, Colonia 2005, ISBN 3-8321-7598-9
Sagner, Karin: Claude Monet in Giverny. 4.ª edición. Prestel-Verlag, Múnich 2006, ISBN 978-3-
7913-3438-7
Sagner, Karin: Monet. 10.ª impresión Taschen-Verlag, Colonia 2006, ISBN 3-8228-5021-7
Sagner-Düchting, Karin: Claude Monet und die Moderne. Prestel-Verlag, Múnich 2001, ISBN 3-
7913-2614-7
Wildenstein, Daniel: Monet. 4 Tomos. Taschen-Verlag, Colonia 1996, ISBN 3-8228-8725-0
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PÁGINAS RELACIONADAS
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pintor francés
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cuadro de Claude Monet
Paul Durand-Ruel
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Pierre-Auguste Renoir
Pintor francés
Pierre-Auguste Renoir (pronunciación en francés: /pjɛʁ oɡyst ʁənwaʁ/; Limoges, Alto Vienne; 25
de febrero de 1841-Cagnes-sur-Mer, Alpes Marítimos; 3 de diciembre de 1919) fue un pintor
francés impresionista, que en la segunda parte de su carrera se interesó por la pintura de cuerpos
femeninos en paisajes, inspirados a menudo en pinturas clásicas renacentistas y barrocas.[1][2][3]

Pierre-Auguste Renoir
PARenoir.jpg
Información personal
Nombre en francés
Auguste Renoir Ver y modificar los datos en Wikidata
Nacimiento
25 de febrero de 1841
Limoges, Alto Vienne, Flag of France.svg Francia
Fallecimiento
2 de diciembre de 1919 (78 años)
Cagnes-sur-Mer, Alpes Marítimos, Flag of France.svg Francia
Causa de la muerte
Neumonía Ver y modificar los datos en Wikidata
Lugar de sepultura
Essoyes Ver y modificar los datos en Wikidata
Residencia
Limoges, París y Cagnes-sur-Mer Ver y modificar los datos en Wikidata
Nacionalidad
francés
Familia
Cónyuge
Aline Renoir (1890-hasta la muerte de ella en 1915)
Pareja
Lise Tréhot (1865-1872)
Hijos
Pierre Renoir, Jean Renoir, Claude Renoir
Educación
Alma máter
Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París Ver y modificar los datos en Wikidata
Alumno de
Charles Gounod
Charles Gleyre (1862–1864) Ver y modificar los datos en Wikidata
Información profesional
Ocupación
Pintor impresionista
Géneros
Retrato pictórico, desnudo, pintura mitológica y pintura del paisaje Ver y modificar los datos en
Wikidata
Obras notables
Niñas en negro
En la terraza
El palco
Almuerzo de remeros Ver y modificar los datos en Wikidata
Rama militar
Caballería Ver y modificar los datos en Wikidata
Participó en
Guerra franco-prusiana Ver y modificar los datos en Wikidata
Miembro de
Liga de la Patria Francesa Ver y modificar los datos en Wikidata
Distinciones
Caballero de la Legión de Honor (1901)
Oficial de la Legión de Honor (1911)
Comendador de la Legión de Honor (1919) Ver y modificar los datos en Wikidata
Firma
Renoir autograph.png
[editar datos en Wikidata]
Renoir ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y
a la belleza. No suele incidir en lo más áspero de la vida moderna, como a veces hicieron Manet o
Van Gogh. Mantuvo siempre un pie en la tradición; se puso en relación con los pintores del siglo
XVIII que mostraban la sociedad galante del Rococó, como Watteau.

En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores.
Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Se le puede emparentar por
ello con Henri Matisse, a pesar de sus estilos distintos. Trató temas de flores, escenas dulces de
niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que recuerda a Rubens por las formas gruesas.
En cuanto a su estilo y técnica se nota en él un fuerte influjo de Corot.
Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial. El
palco, El columpio, Baile en el Moulin de la Galette, Almuerzo de remeros y Las grandes bañistas
son sus obras más representativas.

Biografía Editar
Infancia Editar
Nacido el 25 de febrero de 1841 en Limoges en el seno de una familia humilde, fue el sexto de los
siete hijos de Léonard Renoir y Marguerite Merlet.[4][5] Su padre era sastre y su madre, costurera.
[4] En 1844, los Renoir se trasladaron a París,[4][5] en donde el padre esperaba mejorar su
situación económica.[4] En 1848, comenzó a asistir a una escuela religiosa dirigida por los
Hermanos de las Escuelas Cristianas. Dada su gran habilidad para el solfeo, sus maestros lo
incluyeron en la coral de jóvenes varones de la iglesia de Saint-Eustache, dirigida por el
compositor Charles Gounod. En 1854, abandonó sus estudios en la escuela y fue enviado al taller
de los hermanos Lévy con el fin de que aprendiera sobre el arte de la pintura en porcelana. Según
Edmond Renoir, su hermano menor, su deseo de forjar una carrera artística era ya apreciable desde
su niñez, cuando Auguste dibujaba sobre las paredes con trozos de carbón. El aprendiz fue
tomando el gusto al oficio: al finalizar el día, cargando un cartón más grande que él, acudía a
cursos gratuitos de dibujo. Todo esto duró dos o tres años. Demostraba un rápido progreso y, tras
unos meses de aprendizaje, se le confió la realización de trabajos regularmente asignados a los
obreros experimentados, lo que le valió más de una burla. Émile Laporte, uno de los obreros de los
Lévy, practicaba por gusto la pintura al óleo y le permitió al joven hacer uso de sus telas y sus
colores.[5] Después de examinar la primera pintura al óleo de Auguste Renoir en la modesta
morada de los Renoir sobre la calle Argenteuil, Laporte aconsejó a sus padres que le permitieran
estudiar la pintura de arte, pues le auguraba un prometedor futuro como pintor.[6] Auguste Renoir
nunca vio un impedimento en sus orígenes humildes, y afirmaba que de haber nacido en un
entorno de intelectuales, habría necesitado años para despojarse de sus ideas y lograr ver las cosas
tal cual eran.[7]

En el amplio patio del Louvre, de donde los Renoir no vivían lejos, el pequeño Auguste Renoir
jugaba a policías y ladrones con otros chicos. Para él era completamente natural entrar en el
antiguo palacio real convertido en célebre museo después de la Revolución, en donde con
frecuencia ingresaba en las galerías de escultura antigua para permanecer allí durante horas. Sin
embargo, las expediciones del pequeño Renoir no se limitaban a los alrededores del Louvre. Su
sensación orgánica y casi física ―que se remontaba a su niñez― de formar parte de la ciudad
dejará una huella en su trabajo artístico. Renoir veía belleza en las angostas calles del París
medieval, en la abigarrada arquitectura gótica, en las vendedoras del mercado que nunca llevaban
corsé, y por ello mismo sufría ante la destrucción del viejo París. Su infancia y juventud
coincidieron con el comienzo de la era de la modernización y de las grandes reconstrucciones de
la ciudad.[7]

Juventud Editar
En 1858, a la edad de 17 años, pintaba abanicos y coloreaba escudos de armas para su hermano
Henri, grabador heráldico.[8] Probablemente en 1859, trabajó durante algún tiempo en la casa
Gilbert, sobre la calle Bac, donde pintaba persianas de papel traslúcido que hacían las veces de
vitrales en las rudimentarias capillas de los misioneros. Durante esos años, compró para uso
profesional el material necesario para la pintura al óleo e hizo sus primeros retratos. Entre los
archivos del Louvre, se conserva la autorización, con fecha de 1861, que le fue otorgada para
copiar cuadros en las salas del museo.[9] En 1862, Renoir aprobó el examen de ingreso a la
Escuela de Bellas Artes. Al mismo tiempo, frecuentaba un taller libre en el que enseñaba Charles
Gleyre, profesor de aquella institución.[8] [9]

Durante esta etapa, conoció en el taller de Gleyre a aquellos que serían sus mejores amigos y
compañeros en el arte a lo largo de toda su vida.[9] Allí se forjó una sólida amistad entre él,
Claude Monet, Frédéric Bazille y Alfred Sisley, que a menudo iban a pintar juntos al aire libre en
el bosque de Fontainebleau.[8] Bazille sería el primero en convocar a sus compañeros a reunirse
en un grupo. Sin embargo, esto no ocurrió sino hasta después de su muerte en combate durante la
guerra franco-prusiana, de modo que el joven Bazille nunca tuvo la oportunidad de exponer junto
al resto del grupo y recibir el título de «impresionista». Renoir contaba que había sido justamente
él quien había llevado a Sisley al taller de su maestro, aunque es posible que no estuviera en lo
cierto y que Sisley hubiese llegado allí por su cuenta. Renoir obtuvo sobresalientes resultados en
los concursos obligatorios de dibujo, de perspectiva, de anatomía y de semejanza, lo que
demostraba de modo irrefutable lo fructífero de sus años de trabajo en el taller de Gleyre.[9]

El período de estudio con Gleyre no se prolongó demasiado. En 1863, todos los miembros del
grupo se vieron obligados a dejar el taller debido a su cierre, aunque Jean Renoir, hijo de Auguste,
estima que su padre debió abandonarlo incluso antes, puesto que no tenía dinero para pagar sus
estudios. Comenzó entonces una etapa de pobreza, pero también de nuevos encuentros,
descubrimientos en la pintura y nuevas amistades.[10]

Delacroix y Manet: primeras influencias artísticasEditar

A diferencia de algunos de sus amigos, que defendían el estudio a partir de la naturaleza, Renoir
encontró una gran fuente de inspiración en el Louvre y particularmente en el trabajo de Eugène
Delacroix. La muerte de Delacroix, en 1863, hizo comprender a la joven generación de artistas
franceses la importancia que para ellos tenía la pintura del gran romántico. Renoir reconoció en el
trabajo de Delacroix algo que le resultaba especialmente cercano.[10]

En 1863, un importante acontecimiento sacudió la vida artística de la capital francesa. Por orden
de Napoleón III, se abrió, al margen del Salón de París oficial, el Salón de los Rechazados, en
donde Almuerzo sobre la hierba de Édouard Manet causó un gran impacto. A partir de entonces, su
nombre se asoció con el concepto de arte moderno. A mediados de la década de 1860, Manet
frecuentaba el Café Guerbois, sobre la calle Grande-des-Batignolles (actual avenida de Clichy). La
presencia de Manet atrajo al Guerbois a artistas, escritores y críticos simpatizantes de las ideas del
arte moderno.[10] Hasta allí llegaron también Renoir y sus amigos, que habían abandonado la
Margen Izquierda.[11]

Vida cotidiana y primeras fuentes de inspiración Editar

Retrato de Alfred Sisley (1868).
La vida en París no era fácil para el joven artista. A falta de dinero, la ayuda de sus amigos fue de
gran importancia para Renoir, quien, sin vivienda estable, en ocasiones residía en la casa de
Monet, en otras con Sisley. Bazille, de mejor posición económica que sus camaradas, arrendó un
taller en el que pudieran trabajar todos juntos.[11]

Por supuesto que en la región parisina de aquel entonces también podían encontrarse lugares para
pintar al aire libre. Renoir no viajaba demasiado lejos puesto que carecía de los medios para
hacerlo, pero en los alrededores de la capital francesa no escaseaban las fuentes de inspiración.
Tanto es así que había sido allí, en torno al pueblo de Barbizon, que surgió la escuela pictórica del
mismo nombre, de la que Renoir y otros impresionistas se sentían herederos directos. Los motivos
del bosque de Fontainebleau eran inagotables y allí se encontraban los sitios de trabajo preferidos
de Renoir y sus amigos. Monet y Renoir pintaban el río Sena, cerca del puente de Chatou, allí
donde, en medio de una multitud de islotes, en La Grenouillère, Alphonse Fournaise abrió el
restaurante que se convirtió en uno de los lugares predilectos de los futuros impresionistas. Con
frecuencia Fournaise rechazaba el pago de Renoir. En 1863, los hermanos Goncourt mencionaron
en su Diario el albergue de Marlotte con su sala vulgar pintada sin gusto, sitio que Renoir
representó luego hacia 1866 en El cabaret de la mère Anthony.[12]

Datan de la misma época El matrimonio Sisley (1868) y el Retrato de William Sisley (1864),
padre del artista. Renoir y Bazille se pintaron recíprocamente en el taller que compartían. Renoir
representaba con frecuencia a Jules le Cœur, a quien en ocasiones visitaba en Marlotte. Algunos
especialistas de la obra del impresionista consideran incluso que el personaje de pie en El cabaret
de la mère Anthony no es Sisley, como se cree habitualmente, sino Le Cœur.[13]

Lise Tréhot: su primera musa Editar

Lise cosiendo (1866), Museo de Arte de Dallas.

Le Cœur consiguió para Renoir una serie de pedidos de retratos que terminarían convirtiéndose en
su principal fuente de ingresos. Sin embargo, el que quizá haya sido el impacto más importante de
Le Cœur con respecto a la obra de Renoir consistió en que fue a través de él que el artista conoció
a su primera musa, Lise Tréhot, hermana de la amiga de Le Cœur.[13]

Lise posó para el pintor entre 1865 y 1872, se convirtió en su amiga y en el primer modelo de ese
mundo particular que el artista comenzaba a crear. Lise llegó a erigirse como el canon de belleza
femenina para el Renoir de ese entonces. Renoir debía poseer un auténtico don de la puesta en
escena ya que todos sus cuadros posteriores evocan un espectáculo teatral. Durante su juventud,
cuando Lise era su única actriz, intentó capturar en sus propios lienzos las experiencias artísticas
de todos sus maestros, desde el período clásico hasta el arte moderno. La apoteosis de esta etapa
fueran las obras pintadas con el espíritu de Delacroix. Fue justamente gracias al legado del gran
romántico que la generación de artistas a la que Renoir pertenecía asimiló las adquisiciones de sus
precursores.[13]

En 1870, pintó Odalisca (Mujer de Argel). Para ello, vistió a Lise con sedas finas y un brocado
oriental centellante de oro, cubrió su cabellera con un plumaje naranja y la rodeó de lujosos
tapices. Dos años después, en 1872, el artista retomó el tema, pero el nombre que dio a su obra
designaba su objeto con suma sinceridad: Interior de harén en Montmartre (Parisinas vestidas
como argelinas). Lise posó nuevamente para dicho cuadro, pero por última vez. El mismo año,
contrajo matrimonio con el arquitecto Georges Brière de l’Isle, amigo de Le Cœur.[14]

Antes de conocer a Lise, en 1864, había expuesto uno de sus cuadros en el Salón, en el Grand
Palais. En él se mostraba a Esmeralda, personaje de la célebre novela de Víctor Hugo Nuestra
Señora de París, bailando con su cabra alrededor de una fogata que iluminaba todo un pueblo de
pícaros. Renoir destruyó la obra inmediatamente después de la exposición. Al año siguiente, se
expusieron en el salón el Retrato de William Sisley y un paisaje. Por lo general, las obras de los
futuros impresionistas no eran admitidas en el Salón, pese a las peticiones hechas al jurado por
Camille Corot y Charles-François Daubigny, paisajistas de la vieja generación. Sin embargo,
Renoir no sentía desprecio por el Salón. En 1867, el jurado rechazó Diana cazadora. En cambio,
Lise con sombrilla fue exhibida allí en 1868. También La bañista con el grifón y Odalisca (Mujer
de Argel) se hicieron de un lugar en el Salón en años subsecuentes.[14]

Madurez Editar
Guerra franco-prusiana y la Sociedad Cooperativa Editar

Autorretrato (1876).
El 18 de julio de 1870, la tranquilidad de la vida cotidiana conoció un abrupto final: Francia entró
en guerra con Prusia. Renoir, que nada sabía sobre caballos, fue destinado a la caballería y enviado
al depósito de remonta, primero en Burdeos y luego en Tarbes. El capitán de la caballería estaba
muy satisfecho con los progresos del pintor. Su hija era una apasionada de la pintura y el artista le
daba clases y, a su vez, pintaba su retrato. Sin embargo, este idilio terminó tristemente pues Renoir
enfermó de gravedad y pasó un tiempo en el hospital de Burdeos. En marzo de 1871, fue
desmovilizado y regresó a París, al Barrio Latino, donde antes de la guerra tenía arrendado un
departamento con Bazille y luego con Edmond Maître, músico y amante de la pintura. Allí supo de
la muerte de Bazille, que le afectó más que la guerra en sí misma. La etapa del Renoir jinete
encontró una prolongación en su obra. En 1873, pintó Paseo a caballo en el bosque de Boulogne.
[14]

El Salón oficial rechazó su cuadro, que sería eventualmente expuesto en el Salón de los
Rechazados, organizado detrás del Grand Palais. Este episodio acabó con las ilusiones de Auguste
Renoir respecto de un posible compromiso con el Salón oficial, principalmente porque es en ese
período que madura en él y entre sus camaradas la convicción de la necesidad de oficializar su
pintura con una exposición propia. La unión de los artistas, con la que ya habían fantaseado
Bazille y Pissarro a fines de la década de 1860, finalmente se concretó.[15]

El persistente rechazo sufrido por Renoir y sus camaradas por parte del jurado Salón oficial les
dificultaba vender sus obras. Debían exhibir sus cuadros en algún lado, pero no tenían en dónde.
El afamado fotógrafo Gaspard-Félix Tournachon les prestó el lugar que necesitaban para exponer
en el número 35 del Bulevar de las Capuchinas. Los amigos decidieron llamar a su asociación
«Sociedad Anónima Cooperativa de Artistas, Pintores, Escultores, Grabadores, etc.». Acordaron
que cada miembro de la sociedad contribuiría con la décima parte de los ingresos obtenidos por la
venta de sus obras.[16]

La primera exposición impresionista Editar

Artículo principal: Exposiciones impresionistas#Primera exposición impresionista (1874)

El columpio (1876), óleo sobre lienzo, Museo de Orsay.

Deseaban reunir la mayor cantidad de participantes posible para la exposición. Edgar Degas envió
invitaciones a James Tissot y Alphonse Legros, ambos artistas franceses radicados en Londres,
para que expusieran con ellos. También Manet fue invitado, pero rechazaría la propuesta. De
acuerdo a cierta versión, Manet habría expresado que no expondría nunca junto a Paul Cézanne,
pero Renoir planteaba el asunto de manera algo distinta: según él, Manet no encontraba razón para
exhibir su trabajo con ellos, los jóvenes, siendo que su obra sí era aceptada en el Salón oficial.
Finalmente ni Manet, ni su amigo Fantin-Latour, ni Tissot, ni Legros participaron en la
exposición. A pesar de ello, el grupo de amigos logró convocar a veintinueve artistas, que
presentaron 165 obras.[16]

Si bien la mayoría de los críticos europeos y estadounidenses se burló de la exposición, llegando a

calificarla de «cómica» y a incriminar a sus participantes de querer declarar la guerra a la belleza,
sus repercusiones fueron particularmente reverberantes. Aunque no tuvo éxito comercial, la
imagen de cada impresionista comenzaba lentamente a perfilarse. Renoir exhibió seis cuadros y un
pastel. La bailarina, La parisina (o La dama de azul), grandes telas para las que había posado
Henriette Henriot, actriz del Odeón, y El palco ―también llamado El proscenio― captaron la
atención del público. En esta última obra, Nini se convirtió en la representación del retrato de
Renoir: ninguna alusión a su situación, a su carácter o a su humor, solo el encanto de su piel de
porcelana, de sus labios sutilmente maquillados y de su elegante vestido, en suma, de la gracia
fugitiva de la parisina.[16]

Montmartre y nuevas amistades Editar

La primera exposición de los impresionistas coincidió con el momento de afirmación de la visión
de pintor de Renoir. Esta etapa de su vida estuvo marcada por un suceso significativo: en 1873, se
mudó a Montmartre, en donde residiría hasta 1884 en el número 35 de la calle Saint-Georges. El
artista sería fiel a ese barrio hasta el fin de sus días, pues allí encontraría sus motivos al aire libre,
sus modelos e incluso su familia. También fue por esos años que Renoir forjó nuevas amistades
que conservaría por el resto de su vida. El marchante Paul Durand-Ruel fue una de ellas. Comenzó
a comprar sus obras en 1872 y, si bien en ocasiones se encontraba al borde de la quiebra, nunca
abandonó a los impresionistas a su suerte. Cuando carecía de los medios para comprar sus
cuadros, ayudaba a Renoir entregándole cierta cantidad de dinero al mes.[17]

En 1875, en una infructífera venta llevada a cabo en el Hotel Drouot en la que participaron Renoir,
Monet, Sisley y Berthe Morisot, un funcionario de la Dirección de Aduanas llamado Victor
Chocquet compró algunos cuadros de Renoir. De esta manera comenzó otra larga amistad.
Chocquet le encargó de inmediato el retrato de su esposa. El funcionario fue uno de los primeros
en percibir que Renoir y sus camaradas eran los herederos directos del arte del siglo XVIII. Por su
parte, Renoir consideraba a Chocquet el más grande coleccionista de arte de todo el país.[17]

Baile en el Moulin de la Galette (1876), Museo de Orsay, París.

Los años vividos en Montmartre, alrededor de la década de 1870, probablemente hayan sido los
más dichosos en la vida artística de Renoir. El jardincito descuidado en las cercanías de su taller
de la calle Cortot, arrendado en 1875, le proporcionó más de un motivo al aire libre que
promovieron la realización de sus mejores pinturas de esta etapa. El mismo jardín, en donde
regularmente se encontraba con algún amigo suyo, se convirtió en objeto de representación en su
cuadro El jardín de la calle Cortot en Montmartre. Allí pintó El toldo, El columpio y Baile en el
Moulin de la Galette, una de sus telas más célebres. Renoir halló su fuente de inspiración justo al
lado de su casa, sobre la misma calle Cortot, en el restaurante del Moulin de la Galette.[17]

En Montmartre el artista conoció a Anne, que se convertiría en su modelo en numerosos lienzos; a

Angèle, que lo ayudó a arrendar el jardín en el que se hallaba el columpio pintado en el cuadro del
mismo nombre; y, por último, a Margot que apareció por primera vez en Baile en el Moulin de la
Galette, en donde se la ve bailando con un español alto, Pedro Vidal de Solares y Cárdenas, otro
amigo de Renoir. Más adelante, Margot posaría para toda una serie de lienzos, entre los que sabe
destacar La taza de chocolate, aceptada en el Salón en 1878, con el título de Café. Aquejada por
una enfermedad incurable, Margot falleció en 1879 y su deceso causó un profundo impacto en el
pintor.[18]

En 1876, en ocasión de la segunda exposición de los impresionistas, Renoir exhibió

principalmente retratos, debido a que era justamente con ellos que el artista intentaba ganarse la
vida. Sus amigos le presentaban a potenciales clientes. Junto a algunos viejos aficionados a su
trabajo, comenzaron a comprar sus cuadros financieros como Henri Cernuschi y Charles Ephrussi.
Eugène Murer, dueño de un restaurante sobre el bulevar Voltaire, encargó a Renoir y a Pisarro la
tarea de pintar su sala. Cada miércoles, un gran grupo de artistas cenaba gratis en su restaurante.
[18] Asimismo, consignó a Renoir retratos, entre ellos el suyo y el de su hermana.[19]

En 1879, el pintor conoció al diplomático Paul Bérard, que también se convirtió en su amigo y
mecenas. En 1877, en la tercera exposición de los impresionistas, Renoir expuso más de veinte
obras, entre las que se encontraban paisajes pintados en París, a orillas del Sena, fuera de la ciudad
y en el jardín de Monet, estudios de rostros, de mujeres y de ramos de flores, los retratos de Sisley,
de la actriz Jeanne Samary, del escritor Alphonse Daudet y del político Eugène Spuller, El
columpio y Baile en el Moulin de la Galette. En las etiquetas de algunos de estos cuadros se podía
leer: «Propiedad de Georges Charpentier». La vinculación de Renoir con la familia Charpentier
jugó un papel determinante en su destino. El artista trabajó asiduamente para satisfacer los pedidos
de los Charpentier.[19]

Aline Charigot: su futura esposa Editar

Almuerzo de remeros. Óleo. 1881, Washington, Colección Phillips. La mujer que juega con el
perrito, es Aline Charigot, su futura esposa.
Para la séptima exposición de los impresionistas en 1882, Renoir expuso veinticinco lienzos
gracias a la iniciativa de Paul Durand-Ruel, quien le prestó sus propios cuadros. Ese mismo año, el
pintor comenzó a preocuparse por perder el éxito que había alcanzado en los Salones, pues ahora
tenía una familia que mantener. La historia de su matrimonio había comenzado alrededor del año
1880. Por esas fechas, aparece cada vez más frecuentemente en los dibujos y pinturas de Renoir el
rostro de una joven de mejillas redondas y nariz ligeramente respingada. En ocasiones, el rostro se
deja ver entre la muchedumbre de la plaza Clichy, dejando una sensación de fugaz felicidad. Otras
veces, su presencia se adivina en la imagen de la muchacha pelirroja leyendo, o bien en la flexible
silueta de una joven subiéndose a una barca. En El almuerzo de los remeros de 1881, la joven
aparece representada de perfil en la parte inferior izquierda del lienzo, con un sombrero adornado
con flores a la moda y sosteniendo un pekinés entre ambas manos.[19]

Su nombre era Aline Charigot; en 1880 tenía 21 años. Renoir la conoció en la cremería de la
señora Camille, frente a su casa, sobre la calle Saint-Georges. Aline vivía con su madre justo al
lado y se ganaba la vida como costurera. La mutua atracción entre ellos era evidente. Jean Renoir
afirmaba que su padre había comenzado a pintar a su madre mucho antes de conocerla. En efecto,
en numerosos cuadros, como La primera salida (1876-1877), su modelo era similar a Aline. A sus
cuarenta años, el artista parecía haber encontrado una nueva juventud.[19]

Viajes y reconocimiento internacional Editar

En 1881 y 1882, Renoir cambió muchas veces de lugar de trabajo, los que quedarían plasmados en
sus pinturas como paisajes. Continuaría pintando sobre las márgenes de Sena, en Chatou y en
Bougival, sitios tan apreciados por él que lo llevaron a rechazar la invitación del crítico Thédore
Duret para viajar a Inglaterra. Sin embargo, en 1881 visitó Argelia por primera vez acompañado
por Frédéric Samuel Cordey. De allí trae El campo de plátanos y La fiesta árabe. Luego, viajó a
Italia, también por primera vez, en donde conoció Milán, Venecia y Florencia. De regreso en el sur
de Francia, Renoir trabajó con Cézanne, pero contrajo gripe y neumonía en L’Estaque. Una vez
curado, regresó a Argelia en marzo de 1882. En mayo de ese año, siempre con Aline en mente,
volvió a París. Fue el comienzo de una nueva etapa en su vida. La manutención de una familia
exigía medios, pero felizmente su trabajo rendía frutos: recibía muchos encargos de retratos.[20]

Entre sus clientes figuraba su viejo amigo Paul Durand-Ruel. El marchante le consignó los retratos
de sus cinco hijos, tres paneles con el tema de la danza y murales en su residencia. En 1883, en el
bulevar de la Madeleine, Durand-Ruel montó la primera exposición exclusivamente dedicada a
Renoir, en la que se expusieron setenta obras. A pesar de no haber sido muy exitoso en la venta de
las pinturas de los impresionistas, el marchante decidió abrir una galería en Nueva York. Durante
la década de 1880, Renoir conoció al fin el éxito. Trabajó en los encargos de adinerados
financieros, entre los que se encontraban la propietaria de los Grandes Almacenes del Louvre y el
senador Étienne Goujon. Sus pinturas se exhibieron en Londres, Bruselas y en la Séptima
Exposición Internacional de Georges Petit (1886).[20]

Por aquellos años, el artista viajó mucho. Con frecuencia pintaba en las playas de Normandía.
Recorrió las islas de Guernsey y Jersey junto a Aline y Paul Lhote. En marzo de 1885, nació
Pierre, su primer hijo. Pagó al médico que asistió el parto pintando flores en las paredes de su
departamento.[20] En otoño, los Renoir partieron a Essoyes, en Champaña-Ardenas, la aldea natal
de Aline, en donde Renoir realizó varios esbozos de la madre de su hijo amamantando. Un año
más tarde, pintó a partir de ellos Maternidad (Aline y Pierre).[21]

El período ingresco Editar

Las grandes bañistas (1884-1887).

En la vida artística de Renoir, la década de 1880 resultó agitada. En sus conversaciones con
Ambroise Vollard, mencionaba aquella sensación de callejón sin salida que había surgido hacia
1883. Su insatisfacción con respecto a la antigua manera impresionista llevó al pintor a adoptar un
nuevo estilo. Sentía que no sabía ni pintar ni dibujar. Deprimido, destruyó toda una serie de
lienzos. En esta difícil etapa, Jean-Auguste-Dominique Ingres acudió en su auxilio. La obra de
Renoir durante esta década se enmarca dentro de lo que comúnmente se conoce como el «período
ingresco». Se trata de una tendencia perceptible en todos sus cuadros de esta etapa: un dibujo más
limpio y un trazado de mayor precisión, con una clara plasticidad, así como el empleo de colores
locales. De algún modo, esta tendencia se deja ver ya en El almuerzo de los remeros y aún más en
Maternidad y en Los paraguas. Este último cuadro, pintado en dos momentos distintos
―comenzado en 1881 y finalizado en 1885― atestigua la evolución del estilo del artista: suave e
impresionista en la parte derecha, duro y lacónico en la parte izquierda.[21]

En Normandía, en 1884, Renoir pintó el retrato de las tres hijas de Paul Bérard: La tarde de los
niños en Wargemont. Dejando de lado la pureza de la línea y de la forma típica de Ingres, este
lienzo posee el carácter propio del Renoir de este período. Su gama de azules y rosas remite a la
pintura rococó y al siglo XVIII. Se inspiraba en Jean-Honoré Fragonard y Antoine Watteau, cuya
pintura había admirado desde su infancia. Su gran composición En el jardín, de 1885, marcó su
despedida de la fiesta permanente de La Grenouillère y del Moulin de la Galette. Dejó atrás la
pincelada temblorosa y las vibraciones de la luz y de la sombra. En el nuevo cuadro de Renoir,
todo es sereno y estable.[21]

Matrimonio y últimos años Editar

Pierre-Auguste Renoir, ca. 1910.

El 14 de abril de 1890, el artista contrajo matrimonio con Aline en el ayuntamiento del IX Distrito
de París. Jean, el segundo hijo de la pareja, nació en 1894.[21] Gabrielle Renard, una prima de
Aline, viajó de Essoyes a la capital francesa para ayudarles con las tareas domésticas. Llegó a la
casa de los Renoir cuando Pierre ya era mayor, por lo que su principal preocupación fue Jean. Los
habitantes de Montmartre se acostumbraron a ver a Gabrielle llevando a Jean sobre su espalda.
Más adelante, se convertiría en una de las modelos predilectas del artista.[22]

El pintor nunca disfrutó de muy buena salud. En sus cartas se encuentran frecuentes menciones a
enfermedades respiratorias, que lo mantuvieron largo tiempo postrado en la cama. En 1888, en
Essoyes, tuvo su rostro parcialmente paralizado a causa de una neuralgia.[22] En aquel mismo
lugar, un día de lluvia en el verano de 1889, Renoir cayó de su bicicleta y se fracturó el brazo
derecho.[22][23] Afortunadamente, como consecuencia de una fractura anterior, el artista ya había
aprendido a pintar con la mano izquierda. Sin embargo, en esta ocasión aparecieron dolores que
dificultaban su trabajo. El médico de la familia le diagnosticó un reumatismo incurable
desencadenado por la caída. A lo largo de los últimos veinte años de su vida, Renoir debió sufrir
permanentes dolores. Así y todo, a pesar de la fragilidad de su estado, su fantástica sed de vida y
pasión creadora no se apagaban.[22]

Durante esas mismas dos décadas, Renoir vivió también algunas grandes alegrías. En 1901, nació
Claude, su tercer hijo, que tomaría el lugar de Jean, ya crecido, como modelo. En 1900, fue
nombrado Caballero de la Legión de Honor y más tarde, en 1911, Oficial. París, Londres y Nueva
York fueron escenarios de exposiciones que coronaron el triunfo de su pintura. En 1904, en la
Segunda Exposición del Salón de Otoño le fue dedicada una sala completa.[24]

Retrato de Renoir por Marie-Félix Hippolyte-Lucas (1919).

Por aquellos años, la familia viajaba del bulevar de Rochechouart en París a la costa mediterránea
y a pequeños pueblos del sur de Francia en busca de condiciones climáticas que beneficiaran la
salud del artista.[24] Finalmente, en 1903, se establecieron en Cagnes-sur-Mer. Tras haber
habitado varias residencias en el casco antiguo, Renoir compró el Domaine des Collettes, al este
de la ciudad, para salvar su viejo olivar en peligro de ser destruido por un comprador potencial.
[23] Gabrielle seguía posando para el pintor, así como otras modelos que se habían vuelto casi
parte de la familia. Una de sus últimas modelos sería una joven pelirroja llamada Andrée, con
quien Jean se casaría más tarde, tras la muerte de su padre. En los últimos años de su vida, Renoir
abrazó la idea de una gran composición hecha de desnudos. En 1887, había terminado su cuadro
Las grandes bañistas, cuyo estilo, uno poco duro a la manera de Ingres, es característico de su
trabajo en aquel momento.[24] Aparecen desnudos femeninos en Gran desnudo (Desnudo sobre
los almohadones) (1907),[25] Bañista secándose la pierna (hacia 1910),[26] Después del baño
(1912),[27] El juicio de Paris (1913-1914),[28] Las bañistas (1918-1919),[29] etc. Con los años,
se arraigó en él el gusto por una pintura decorativa, inspirada en los grandes italianos.[24]

En 1915, la muerte de Aline sumió a Renoir en la soledad. Sus hijos Pierre y Jean fueron heridos
durante la Primera Guerra Mundial. Renoir falleció víctima de una neumonía en el Domaine des
Collettes el 2 de diciembre de 1919, cuando acababa de finalizar su última naturaleza muerta.[24]
[30]

Citas Editar
Para mí, un cuadro debe ser algo amable, alegre y hermoso, sí, hermoso. Ya hay demasiadas cosas
desagradables en la vida como para que nos inventemos más.

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

Mi existencia ha sido exactamente lo contrario de lo que debería haber sido [...] Me han
representado como un revolucionario a mí, que soy el más chapado a la antigua de todos los
pintores.[31]
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)
Obras destacadas Editar
El cabaret de la mère Anthony (1866), Museo Nacional de Estocolmo (Estocolmo, Suecia)[9]
El pintor Jules Le Cœur en el bosque de Fontainebleau (1866), Museo de Arte de São Paulo (São
Paulo, Brasil)[7]
Diana cazadora (1867), Galería Nacional de Arte (Washington D. C., Estados Unidos)[32]
Lise (Mujer con sombrilla) (1867), Museo Folkwang (Essen, Alemania)[33]
El matrimonio Sisley (1868), Museo Wallraf-Richartz (Colonia, Alemania)[34]
En verano (1868)
La Grenouillère (1869), Museo Nacional de Estocolmo (Estocolmo, Suecia)[35]
La bañista con el grifón (1870), Museo de Arte de São Paulo (São Paulo, Brasil)[10]
La señora Clémentine Valensi Stora (La argelina) (1870), Museo de Bellas Artes de San Francisco
(San Francisco, Estados Unidos)[36]
Odalisca (Mujer de Argel) (1870), Galería Nacional de Arte (Washington D. C., Estados Unidos)
[37]
El paseo (1870), J. Paul Getty Museum (Los Ángeles, Estados Unidos)[38]
Interior de harén en Montmartre (Parisinas vestidas como argelinas) (1872), Museo Nacional de
Arte Occidental (Tokio, Japón)[39]
Mujer semidesnuda acostada: la rosa (hacia 1872), Museo de Orsay (París, Francia)[40]
Paseo a caballo en el bosque de Boulogne (1873), Kunsthalle de Hamburgo (Hamburgo,
Alemania)[41]
El palco (1874), Courtlaud Institute Gallery (Londres, Reino Unido)[11]
La parisina (1874), Museo Nacional de Gales (Cardiff, Reino Unido)[42]
La lectura del papel (1874-1876), Museo de Bellas Artes de Reims (Reims, Francia)[12]
Los enamorados (hacia 1875), Galería Nacional de Praga (Praga, República Checa)[43]
Mujer con gato (hacia 1875), Galería Nacional de Arte (Washington D. C., Estados Unidos)[44]
El toldo (Bajo los árboles del Moulin de la Galette) (hacia 1875), Museo Pushkin (Moscú, Rusia)
[45]
Torso, efecto de sol (1875-1876), Museo de Orsay (París, Francia)[11]
Baile en el Moulin de la Galette (1876), Museo de Orsay (París, Francia)[46]
El columpio (1876), Museo de Orsay (París, Francia)[47]
Mujer desnuda (Torso de Anna) (1876), Museo Pushkin (Moscú, Rusia)[48]
El jardín de la calle Cortot en Montmartre (1876), Carnegie Museum of Art (Pittsburgh, Estados
Unidos)[49]
El primer paso (1876), colección particular[14]
Estudios de paisajes y desnudos(hacia 1900), Museo Soumaya (Ciudad de México, México).
Mujer de negro (hacia 1876), Museo del Hermitage (San Petersburgo, Rusia)[12]
Mujer joven sentada (El pensamiento) (1876-1877), Barber Institute of Fine Arts (Birmingham,
Reino Unido)[44]
La primera salida (1876-1877), National Gallery (Londres, Reino Unido)[48]
Jeanne Samary (1877), Comédie-Française (París, Francia)[15]
La salida del conservatorio (1877), Barnes Foundation (Merion, Estados Unidos)[50]
Retrato de la actriz Jeanne Samary (1878), Museo del Hermitage (San Petersburgo, Rusia)[51]
Muchacha dormida con gato (1880), Instituto de Arte Clark (Williamstown, Estados Unidos)[16]
La plaza Clichy (hacia 1880), Museo Fitzwilliam (Cambridge, Reino Unido)[50]
El almuerzo de los remeros (1880-1881), Colección Phillips (Washington D. C., Estados Unidos)
[52]
Bañista rubia (1881), Instituto de Arte Clark (Williamstown, Estados Unidos)[53]
En la terraza (1881), Instituto de Arte de Chicago.
Los paraguas (1881-1885), National Gallery (Londres, Reino Unido)[54]
Marie-Thérèse Durand-Ruel cosiendo (1882), Instituto de Arte Clark (Williamstown, Estados
Unidos)[55]
La trenza (Suzanne Valadon) (1884-1886), Museum Langmatt (Baden, Suiza)[17]
Las grandes bañistas (1884-1887), Museo de Arte de Filadelfia (Filadelfia, Estados Unidos)[56]
Maternidad (Aline y Pierre) (1886), colección particular[57]
Mujer joven bañándose (1888), colección particular[58]
Muchacha con margaritas (1889), Museo Metropolitano de Arte (Nueva York, Estados Unidos)
[59]
Muchachas al piano (1892), Museo de Orsay (París, Francia)[60]
Yvonne y Christine Lerolle al piano (1897), Museo de la Orangerie (París, Francia)[60]
La durmiente (1897), Colección Oskar Reinhart «Am Römerholz» (Winterthur, Suiza)[19]
Gran desnudo (Desnudo sobre los almohadones) (1907), Museo de Orsay (París, Francia)[25]
Gabrielle con joyas (1910), colección particular[61]
Bañista secándose la pierna (hacia 1910), Museo de Arte de São Paulo (São Paulo, Brasil)[26]
Gabrielle con una rosa (1911), Museo de Orsay (París, Francia)[62]
Después del baño (1912), Kunstmuseum Winterthur (Winterthur, Suiza)[27]
El juicio de Paris (1913-1914), Museo de Arte de Hiroshima (Hiroshima, Japón)[28]
Las bañistas (1918-1919), Museo de Orsay (París, Francia)[29]
Busto de coco (1907-1908)[63]
Paisaje de Bretaña (1902)
El cabaret de la mère Anthony (1866) Editar
Óleo sobre lienzo, Nationalmuseum (Estocolmo, Suecia).[9] En una gran tela de dos metros de
alto, Renoir pintó una escena de la vida real. En la obra, realizada en la casa de la Mère Anthony,
se reconoce a Alfred Sisley de pie y a Camille Pissarro de espaldas. El hombre sin barba es Frank
Lamy. En el fondo, de espaldas, se puede distinguir a la señora Anthony y en primer plano a la
izquierda, a la criada Nana. Se trata de una notable composición: las figuras de la camarera y del
hombre sentado, cortadas por la lados de la tela, y el grupo de personajes que forman casi un
semicírculo, crean una sensación de espacio real. A partir de entonces, los amigos de Renoir
figurarán siempre en sus cuadros. La coloración de su pintura todavía no se ha tornado clara, al
estilo de los impresionistas, sino que más bien recuerda a los tonos betunosos de Gustave Courbet
o se asemeja a los colores parduzcos del grupo de Henri Fantin-Latour, que a su vez evocan las
viejas fotografías del siglo XIX.[13]

Paseo a caballo en el bosque de Boulogne (1873) Editar

Óleo sobre lienzo, 261 × 226 cm, Kunsthalle (Hamburgo, Alemania).[41] Fue la esposa del
capitán Darras, Madame Henriette Darras, la que posó para la figura de la bella amazona y el hijo
del arquitecto Charles Le Cœur para la del muchacho montado en el póney. Este cuadro revela dos
rasgos típicos del estilo de Renoir.[14] En primer lugar, el artista no pudo resistir el encanto de la
parisina, cuya piel no refleja la luz, con la elegancia del velo negro y de la rosa sujeta en el traje
del mismo color del velo. En segundo, una gama de colores muy claros funde las figuras del
primer plano con el paisaje en un todo armonioso.[15]

El palco (1874) Editar

Artículo principal: El palco

El palco, óleo sobre lienzo, 80 x 63,5 cm, Courtauld Institute of Art (Londres).
Óleo sobre lienzo, 80 × 63,5 cm, Courtlaud Institute Gallery (Londres, Reino Unido).[11] El
crítico de arte Philippe Burty escribió al respecto que «la figura fingida e impasible de la dama,
sus manos enguantadas de blanco, una de las cuales sostiene unos gemelos y la otra se ahoga en la
muselina del pañuelo, la cabeza y el busto del hombre que se gira, son fragmentos de pintura tan
dignos de atención como de elogio.» Renoir esparcía sobre la tela por primera vez una oleada
armoniosa y libre de color claro en una composición digna de las lecciones de los maestros
clásicos.[53] El cuadro evoca vagas reminiscencias a las composiciones de Caravaggio, pero más
aún a El balcón de Édouard Manet. Renoir había aprendido de ellos e hizo su propio camino.[17]

Baile en el Moulin de la Galette (1876) Editar

Artículo principal: Baile en el Moulin de la Galette
Óleo sobre lienzo, 131 × 175 cm, Museo de Orsay (París, Francia).[46] Como siempre, los
personajes de su cuadro son amigos cercanos. A la derecha, en la pequeña mesita, se reconoce a
Frank Lamy, Norbert Gœneutte y Georges Rivière; entre los bailarines, Lestringuez y Paul Lhote.
En el centro, en primer plano, aparecen dos hermanas, Estelle y Jeanne, que Renoir había
conocido en Montmartre al igual que la mayoría de sus modelos de esos años. El artista pintó una
escena conocida por los habitantes del barrio: la de un baile en el Moulin de la Galette. La
vivacidad de su estilo y las manchas de luz y sombra crean una atmósfera alegre y natural.[18]
Georges Rivière, en su artículo para el periódico El impresionista, abordó este lienzo desde una
perspectiva más bien inesperada:

Ciertamente Renoir tiene todo el derecho de sentirse orgulloso de su Baile: nunca había estado
mejor inspirado. Es una página de historia, un precioso monumento de la vida parisina, de una
rigurosa exactitud.

Nadie antes que él había pensado en apuntar los hechos de la vida cotidiana en una tela de tan
amplias dimensiones; es una audacia cuyo éxito recompensará como se debe. Esta obra tiene, para
el futuro, una importancia que nos vemos en la obligación de señalar: es un cuadro histórico.[18]
Paisaje de Bretaña (1902) Editar
En la obra de Renoir se confirma que viajó por el territorio galo. Es evidente que cada paisaje le
daba nuevas posibilidades de creación. Fue Bretaña, región al noroeste de Francia, antes
identificada como península Armórica o Tierra del Mar, la que inspiró a Renoir en Paisaje a
Bretaña, obra que forma parte del acervo de Museo Soumaya. En la obra el artista utiliza distintos
tonos de verde, utilizando ciertos toques de rojo vivo los cuales contrastan de manera armónica en
la composición. Su obra es un registro de lo bello de la vida cotidiana.
Véase tambiénEditar
Cuadros de Pierre-Auguste Renoir
Impresionismo
Referencias
Bibliografía Editar
Daulte, François (1974). Auguste Renoir (en francés). Plantyn/Delta/Kluwer. p. 94.
Fezzi, Elda (1985). Tout l'œuvre peint de Renoir : période impressionniste 1869-1883 (en francés).
París: Flammarion. p. 123. ISBN 9782080112224.
Renoir, Jean (1981). Pierre-Auguste Renoir, mon père (en francés). París: Éditions Gallimard. p.
506. ISBN 978-2070372928.
Bade, Patrick (2005). Renoir. Naucalpan de Juárez: Númen. p. 80. ISBN 970-718-336-5.
Enlaces externos
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Camille Pissarro
Pintor francés
Jacob Abraham Camille Pissarro, más conocido como Camille Pissarro (Saint Thomas, 10 de julio
de 1830 - París, 13 de noviembre de 1903), fue un pintor impresionista, y se le considera como
uno de los fundadores de ese movimiento.

Camille Pissarro
Camille Pissarro 040.jpg
Autorretrato, 1873
Información personal
Nombre de nacimiento
Jacob Abraham Camille Pissarro
Nacimiento
10 de julio de 1830
Bandera de Dinamarca Carlota Amalia, Saint Thomas, Dinamarca
Fallecimiento
13 de noviembre de 1903 (73 años)
Bandera de Francia París, Francia
Causa de la muerte
Hipertermia Ver y modificar los datos en Wikidata
Lugar de sepultura
Cementerio del Père-Lachaise Ver y modificar los datos en Wikidata
Nacionalidad
Danés (y sin nacionalidad francesa hasta por lo menos 1872).
Familia
Padres
Frédéric-Abraham-Gabriel Pissarro Ver y modificar los datos en Wikidata
Rachel Pissarro Ver y modificar los datos en Wikidata
Cónyuge
Julie Vellay (desde 1871) Ver y modificar los datos en Wikidata
Hijos
Lucien Pissarro
Ludovic Rodo Pissarro Ver y modificar los datos en Wikidata
Educación
Alma máter
Academia Suiza Ver y modificar los datos en Wikidata
Alumno de
François-Édouard Picot Ver y modificar los datos en Wikidata
Información profesional
Área
Pintura
Género
Pintura del paisaje Ver y modificar los datos en Wikidata
Firma
Deux femmes causant au bord de la mer, Saint Thomas (Camille Pissarro) – NGA 1985.64.30 –
Signature.jpg
[editar datos en Wikidata]
Se le conoce como uno de los "padres del impresionismo". Pintó la vida rural francesa, sobre todo
los paisajes y las escenas en los que aparecían campesinos trabajando, pero también escenas
urbanas en Montmartre. En París tuvo como discípulos a Paul Cézanne, Paul Gauguin, Jean Peské
y Henri-Martin Lamotte.

Pissarro fue asimismo un teórico de la anarquía, y frecuentó con asiduidad a los pintores de la
Nueva Atenas que pertenecían a ese movimiento. Compartió esa posición con Gauguin, con quien
luego tuvo relaciones tensas.[1]

Biografía Editar
Véase también: Camille Pissarro en Venezuela
Camille Pissarro nació el 10 de julio de 1830 en la isla de Saint Thomas en las Antillas, en ese
entonces pertenecientes a Dinamarca, donde sus padres tenían una floreciente empresa de piezas
para navíos en el puerto de Charlotte Amalie, por lo que tuvo la nacionalidad danesa, que conservó
toda su vida.[2]

Hijo de Abraham Gabriel Pissarro, un judío sefardí de origen portugués con nacionalidad francesa
y nacido en Burdeos, donde existía una importante comunidad de judíos portugueses. Su madre
fue la dominicana Rachel Manzano-Pomié. En 1847, tras concluir parte de sus estudios en
Francia, regresó a Saint Thomas para ayudar en el comercio de sus padres. En sus momentos
libres se dedicaba a dibujar.[3]

Posteriormente abandonó su hogar debido a la oposición de sus padres a que se hiciera artista.
Viajó a Venezuela (1852), acompañado de su maestro, el pintor danés Fritz Melbye.[4] En Caracas
y La Guaira se dedicó plenamente a la pintura, realizando paisajes y escenas de costumbres.

En 1855 se trasladó cerca de París, a la localidad de Passy.[5] Allí asistió a la Escuela de Bellas
Artes de marcado corte académico e influenciada por el estilo de pintores como Eugène Delacroix,
Charles-François Daubigny y sobre todo Jean-Auguste-Dominique Ingres, donde lo marcaron
Jean-François Millet por sus temas de la vida rural, por Gustave Courbet y su renuncia al pathos y
a lo pintoresco, y por la libertad y la poesía de Jean-Baptiste Corot.[6] trabajó en el taller de Anton
Melbye, hermano mayor de Fritz, pintó paisajes de la comuna de Montmorency.

Entre 1859 y 1861, frecuentó diversas academias, entre ellas la del padre Suisse, donde conoce a
Claude Monet, Ludovic Piette, Armand Guillaumin y Paul Cézanne.[7] En 1863, Cézanne y Émile
Zola visitaron su taller en La Varenne y, en 1865, pasó un periodo en La Roche-Guyon. Expuso en
los Salones de 1864 y 1865, donde se presentó como el "alumno de Melbye y de Jean-Baptiste
Corot".[8]

Monet y Pissarro coincidieron en Londres, donde conocieron a Paul Durand-Ruel, que se convirtió
a partir de ese momento en el marchante oficial del grupo. Pissarro y Monet hicieron en la capital
inglesa estudios de edificios envueltos en nieblas.

Camille Pissaro y su esposa Julie Vellay en Pontoise en 1877.

Su estilo en esta época era bastante tradicional. Se le asocia con la Escuela de Barbizon, aunque
pasado algún tiempo evolucionó hacia el impresionismo. Se le considera, junto con Monet y
Alfred Sisley, uno de los impresionistas puros, diferenciándose del grupo de los "problemáticos"
(Renoir, Degas, Cezanne).

Al volver a Francia después de su estancia en Londres, participó plenamente en las exposiciones

del grupo impresionista, del que fue cofundador. Además, fue el único junto con Berthe Morisot
que participó en las ocho exposiciones del grupo entre 1874 y 1886.

Durante la Guerra Franco-prusiana, a principios de los años 1870, volvió a residir en Inglaterra,
donde estudió el arte inglés y en especial los paisajes del pintor británico Joseph Mallord William
Turner. En los años 1880 experimentó con el puntillismo y produjo escenas rurales de ríos y
paisajes, así como escenas callejeras de París, como La calle Saint-Honoré después del mediodía
(1897, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), La Haya y Londres.

Relacionado con sus ideas socialistas y cercanas al anarquismo, se interesó por plasmar el trabajo
del campesino y pintó la vida rural francesa. También son famosas sus escenas de Montmartre.

Como profesor tuvo como alumnos a Paul Gauguin, Paul Cézanne, su hijo Lucien Pissarro y la
pintora impresionista estadounidense Mary Cassatt. Políticamente fue simpatizante del
anarquismo.

Galería Editar

Camille Pissarro, Estudio del Artista en Saint Thomas (Antillas Danesas), 1851. Colección del
BCV, Caracas

Paisaje tropical con casas rurales y palmeras, c. 1853. Galería de Arte Nacional, Caracas

Dos mujeres conversando junto al mar, Saint Thomas, Antillas Danesas, 1856. National Gallery of
Art, Washington.

Castaño en Louveciennes', c. 1870

Entrada a Voisins, 1872

Paysanne poussant une brouette

Maison Rondest, Pontoise, 1874

Techos rojos, esquina de publito, invierno

Côte de Saint-Denis, Pontoise, 1877
Primavera, ciruelos en flor, Pontoise, 1877. Musée d'Orsay, París

El jardín en Pontoise
1877

La cosecha
1882

Bulevar Montmartre, primavera

1897

Cosecha del heno, Eragny-sur-Epte, 1889. Colección privada.

Rouen, rue de l'Épicerie

1898

Place du Carrousel, 1900

Mañana, sol invernal, 1901. Imagen con el Pont-Neuf, el río Sena y el Louvre, París. Academia de
Artes, Honolulu.

Bergère rentrant des moutons (Pastora que recoge carneros) 1886, Fred Jones Jr. Museum of Art,
University of Oklahoma, Norman, Oklahoma

Referencias Editar
↑ Monneret T.I, p. 665
↑ Información en la página del Museo de Orsay.
↑ Rewald (1994), pág. 13
↑ Rewald (1994), pág. 14
↑ Duvivier et al. 2003, p. 10
↑ Rewald 1989, p. 12
↑ Duvivier et al. 2003, p. 108
↑ Rewald 1989, p. 16
Bibliografía Editar
Rewald, John (1994). Historia del impresionismo. Barcelona: Editorial Seix Barral. ISBN 84-322-
0706-3.
Sophie Monneret, L'Impressionnisme et son époque, vol. 2, t. I, París, Robert Laffont, 1987, 997
p. (ISBN 2-22105412-1)
Christophe Duvivier, Eva-Marina Froitzheim, Wolf Eiermann, Claire Durand-Ruel Snollaerts et
Janine Bailly-Hertberg, Camille Pissarro et les peintres de la vallée de l'Oise, París, Somogy
éditions d'art, 2003, 173 p. (ISBN 2850566829)
Véase también
Enlaces externos
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Edgar Degas
Pintor y escultor francés.
Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas (París, 19 de julio de 1834-
ibídem, 27 de septiembre de 1917), fue un pintor y escultor francés.

Edgar Degas
Edgar Germain Hilaire Degas 061.jpg
Autorretrato (1855)
Información personal
Nombre de nacimiento
Hilaire Germain Edgar De Gas
Nacimiento
19 de julio de 1834
París, Flag of France.svg Francia
Fallecimiento
27 de septiembre de 1917 (83 años)
París, Flag of France.svg Francia
Causa de la muerte
Aneurisma y accidente cerebrovascular Ver y modificar los datos en Wikidata
Lugar de sepultura
Cementerio de Montmartre Ver y modificar los datos en Wikidata
Residencia
Nueva Orleans Ver y modificar los datos en Wikidata
Nacionalidad
Francia
Familia
Padre
Auguste de Gas Ver y modificar los datos en Wikidata
Pareja
Mary Cassatt Ver y modificar los datos en Wikidata
Educación
Alma máter
Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París
Liceo Louis-le-Grand Ver y modificar los datos en Wikidata
Alumno de
Hippolyte Flandrin Ver y modificar los datos en Wikidata
Información profesional
Área
Pintor impresionista, escultor, dibujante
Participó en
Guerra de Corinto Ver y modificar los datos en Wikidata
Miembro de
Liga de la Patria Francesa Ver y modificar los datos en Wikidata
Firma
Degas autograph.png
[editar datos en Wikidata]
Considerado uno de los fundadores del Impresionismo, aunque él mismo rechazaba el nombre y
prefería llamarlo realismo o arte realista,[1] Degas fue uno de los grandes dibujantes de la historia
por su magistral captación de las sensaciones de vida y movimiento, especialmente en sus obras de
bailarinas, carreras de caballos y desnudos. Sus retratos son muy apreciados por la complejidad
psicológica y sensación de verdad que transmiten.[2]

Índice
Infancia y juventud Editar
Edgar Degas, 1850.
Hilaire-Germain-Edgar De Gas nació en París el 19 de julio de 1834, siendo el mayor de los cinco
hijos de Célestine Musson De Gas, hija de una familia criolla de Nueva Orleans y de Augustin De
Gas, un banquero francés.[3] Años más tarde, adoptaría una forma mucho más simplificada de su
apellido a Degas, con el cual sería conocido por el resto de su vida. Comenzó su educación a la
edad de once años en el Lycée Louis-le-Grand; dos años más tarde su madre fallece convirtiendo a
su padre y a su abuelo en sus principales influencias el resto de su juventud.

Degas comenzó a pintar a una edad temprana. Después de graduarse en el liceo en bachillerato en
literatura a los 18 años en 1853, instaló un estudio de arte en su casa. Al graduarse, Degas se
registra como copista de arte en el Museo de Louvre. Sin embargo, terminó ingresando en la
Facultad de leyes en la Universidad de París a petición de su padre en noviembre de 1853; no
obstante dedica muy poco esfuerzo a sus estudios.

En 1855, Degas conoce a Jean Auguste Dominique Ingres, de quien era gran admirador, y cuyo
consejo nunca olvidó: "Dibuje líneas y más líneas, joven, tomadas de la realidad y de la memoria,
así se convertirá en un buen artista".[4] En abril de ese mismo año, Degas es admitido a la Escuela
de Bellas Artes (“École des Beaux-Arts”), comenzando a estudiar dibujo bajo la guía de Louis
Lamothe,[5] tomando como inspiración principal el estilo de Ingres.[5] En julio de 1856, Degas
viaja a Italia, donde se establecería los siguientes tres años, comenzando los estudios para su
primera obra: La familia Bellelli. Al mismo tiempo hacía copias de obras renacentistas, de Miguel
Ángel, Rafael o Tiziano, entre otros. Sin embargo, contrariamente a las prácticas convencionales,
Degas seleccionaba detalles de los cuadros que atraían su atención, usualmente figuras
secundarias o alguna cabeza, los cuales trataba como un retrato.[6]

Carrera artística Editar

Oficina de la lonja del algodón en Nueva Orleans, 1873.

En 1859, Degas se instala en un estudio en París lo suficientemente grande como para trabajar en
el retrato de La familia Bellelli, obra que había pensado exhibir en el Salón de París; sin embargo
la pintura se mantuvo incompleta hasta 1867. Alrededor de esa época, Degas comienza a trabajar
sobre varias de sus pinturas de historia: Alejandro y Bucéfalo y La hija de Jephthah en 1859-60;
Semíramis construyendo Babilonia en 1860; y Jóvenes espartanos alrededor de 1860.[7]

En 1861 comenzó sus primeros estudios sobre caballos durante la visita que realizó a su amigo
Paul Valpincon en Normandía. Su primera exposición en el Salón parisino fue en 1865, cuando el
jurado acepta su pintura Escena de Guerra en la Edad Media que no atrajo gran atención.[8] Degas
siguió exponiendo sus obras en el Salón de manera anual; sin embargo durante los cinco años
siguientes ninguna de las obras presentadas fueron de tema histórico, y así su Steeplechase, el
jinete caído (Salón de 1866) marcó su distanciamiento con el arte tradicional. El cambio en el arte
de Degas, que pasó de las grandilocuentes pinturas de historia a retratar temas contemporáneos, se
debió principalmente a Édouard Manet, a quien Degas había conocido en 1864 cuando ambos
artistas copiaban el mismo cuadro de Velázquez en el Museo del Louvre.[9]
Al inicio de la Guerra franco-prusiana de 1870, Degas se une a la Guardia Nacional en la defensa
de París, por lo que se ve obligado a dejar de pintar por un tiempo. Durante una práctica de tiro
con rifle le fue detectado un problema en la vista. Durante el resto de su vida, la mala visión fue
una preocupación constante para él.[10]

Al terminar la guerra en 1872, Degas decide establecerse en Nueva Orleans, Luisiana, donde
vivían varios de sus familiares, incluyendo a su hermano René. Durante varios años vivió en casa
de un tío criollo en la avenida Esplanade.[11] Durante esos años en Nueva Orleans, Degas produjo
varias obras, algunas de retratos familiares; una de ellas, Una oficina en la lonja del algodón en
Nueva Orleans, llamó la atención en Francia. Fue la única de sus obras comprada por un museo
durante su vida.

Degas regresó a París en 1873 y su padre falleció al año siguiente; fue entonces cuando el pintor
descubrió que su hermano René había acumulado una enorme cantidad de deudas de negocios.
Para salvar la reputación de su familia, Degas terminó vendiendo su casa, al igual que varias
colecciones que había heredado, para pagar las deudas de su hermano, lo que motivó que por
primera vez en su vida tuviera que vivir de su arte como único ingreso. Durante estos años creó
muchas de sus grandes obras.[12]

La clase de ballet, 1871-74. Museo de Orsay, París.

Decepcionado con el Salón oficial, Degas se unió a un grupo de jóvenes artistas que comenzaban
a organizar un grupo independiente con el fin de exponer sus pinturas, rechazadas casi siempre por
los Salones. Dicho grupo fue conocido más tarde como Los impresionistas. Entre 1874 y 1886, el
grupo había montado alrededor de ocho muestras, conocidas como Exposiciones impresionistas.
Degas lideró el grupo, organizando las exposiciones donde presentó muchos de sus trabajos, a
pesar de sus constantes desacuerdos con los demás integrantes. Su desacuerdo con las pinturas al
aire libre hizo que tuviera enfrentamiento con los paisajistas del grupo, incluyendo a Claude
Monet. Conservador en cuanto a sus actitudes sociales, Degas aborrecía el escándalo que creaban
las exhibiciones, al igual que el nivel de publicidad y notoriedad que buscaban sus colegas.[1] El
mismo término Impresionismo era rechazado por Degas y le disgustaba que lo asociasen con él.
Insistía que se incluyeran obras no impresionistas dentro de las exposiciones, como las de Jean-
Louis Forain y Jean-François Raffaëlli. Estos conflictos llevaron a la disolución del grupo en
1886.[13]

A la vez que mejoraba su situación financiera, Degas fue adquiriendo obras de artistas que
admiraba, como El Greco, Manet, Pissarro, Cézanne, Gauguin e incluso Vincent van Gogh. Hubo
tres artistas en particular idolatrados por Degas cuyas obras formaron el núcleo de su colección
personal: Ingres, Delacroix y Daumier. En el inventario final de la colección particular del artista
se documentaron 20 pinturas y 88 dibujos de Ingres y 13 pinturas y alrededor de 200 dibujos de
Honoré Daumier; sin embargo no había ningún Monet.[14]

A finales de la década de 1880, Degas comenzó a desarrollar una gran pasión por la fotografía.[15]
A lo largo de su vida, Degas retrató a varios amigos, muchas veces bajo la luz de lámparas, como
en su retrato doble de Renoir y Mallarmé. También fotografió bailarinas y desnudos, los cuales
fueron utilizados como referencia para varias de sus pinturas y dibujos.[16] Conforme pasaban los
años, Degas comenzó a aislarse, siendo fiel a su creencia de que un pintor no debería tener vida
personal.[17] La controversia del Caso Dreyfus llevó el lado antisemita de Degas al extremo de
romper toda conexión con sus amigos judíos.[18] Estas creencias e ideales conservadores llevaron
a Degas a vivir un tanto aislado de la sociedad.

Degas se centró en sus obras en pastel hacia 1907 y se cree que se dedicó principalmente a sus
esculturas hasta finales de 1910. Su carrera artística terminó prácticamente en 1912, cuando deja
de trabajar y es obligado a mudarse debido a la demolición de su residencia en Victor Masse.[19]
Debido a su aislamiento social, Degas nunca estuvo casado y vivió las últimas décadas de su vida
solo, casi ciego debido a la enfermedad ocular que se le había desarrollado a través de los años,
paseando solitario por las calles de París hasta su muerte en septiembre de 1917.[20]

Estilo artístico Editar

L'Absinthe, 1876. Museo de Orsay, París.

Degas es clasificado usualmente como un artista impresionista, descripción sin embargo
insuficiente. El Impresionismo se originó entre 1860-1870 partiendo del realismo de pintores
como Courbet y Corot. Los impresionistas pintaban la realidad usando colores brillantes y
saturados, centrándose principalmente en los efectos de la luz y la atmósfera, buscando transmitir
una sensación de inmediatez.

Técnicamente, Degas difiere de los impresionistas ya que él “nunca adoptó la técnica de mancha
y color",[21] y menospreciaba la práctica de la pintura al aire libre.[22] Según la historiadora de
arte Carol Armstrong, Degas era más bien un anti-impresionista que criticaba muchas de las obras
que seguían dicho movimiento. Tal y como el mismo Degas llegó a explicar “Ningún arte fue
nunca menos espontáneo que el mío. Lo que hago es el resultado del estudio de grandes maestros;
de inspiración, espontaneidad o temperamento, yo no sé nada."[23] Sin embargo, el tipo de arte de
Degas se apega más al Impresionismo que a cualquier otro movimiento artístico. Sus escenas
sobre la vida parisina, la composición y sus experimentos con el color y la forma; sin mencionar
su cercanía con varios notables artistas impresionistas como Cassatt o Manet, relacionan
indudablemente a Degas con el movimiento impresionista.[24]

El estilo de Degas refleja el respeto que sentía hacia los maestros clásicos (fue un copista
entusiasta durante gran parte de su vida)[25] en especial hacia sus admirados Jean Auguste
Dominique Ingres y Eugène Delacroix. Degas era un gran coleccionista de grabados japoneses,
cuyos principios compositivos influyeron fuertemente en sus obras, al igual que el realismo de
ilustradores como Daumier y Gavarni. Aunque Degas es reconocido principalmente por sus
caballos y bailarinas, inició su carrera con pinturas históricas convencionales, como La hija de
Jephthah (1859-61) y Los jóvenes espartanos (1860-62), en los cuales sin embargo el tratamiento
de las figuras es notablemente anticonvencional.
Durante el inicio de su carrera, Degas dedicó gran parte de su tiempo a retratos tanto individuales
como grupales, como La familia Bellelli (1858-67) que retrata a su tía con su esposo e hijos. En
varias de estas obras Degas refleja la tensión que sentía presente entre hombres y mujeres. Dentro
de sus primeras obras, Degas ya mostraba las primeras evidencias del estilo que más tarde
desarrollaría, modificando el formato del cuadro y eligiendo puntos de vista inusuales.

A finales de la década de 1860, Degas abandona la temática historicista de sus pinturas y

comienza a dedicarse a la observación de la vida contemporánea. Las escenas de carreras de
caballos le permitieron estudiar el movimiento de caballos y jinetes dentro de un contexto
moderno. También comenzó a pintar mujeres trabajando como modistas o lavanderas. Mlle. Fiocre
en el Ballet La Souce, exhibida en el Salón de 1868, fue su primera gran obra centrada en un
nuevo tema con el que se le identificaría particularmente: las bailarinas.[26]

En varias de sus pinturas posteriores, Degas retrató bailarinas ensayando o preparándose tras el
escenario, enfatizando su estatus de profesionales haciendo su trabajo. A partir de 1870, las obras
de bailarinas aumentaron considerablemente, en parte por la necesidad de pagar las deudas de su
hermano, que habían dejado a la familia en bancarrota, ya que las pinturas de esta temática se
vendían bien.[27] Degas comenzó de igual manera a retratar escenas en cafés, como en sus obras
La absenta y Cantante con un guante. A menudo sus pinturas insinuaban un contenido narrativo de
una manera altamente ambigua; por ejemplo Interior (también llamada “La violación”), en cuya
temática los historiadores han buscado infructuosamente una referencia literaria detrás.;[28]
aunque puede representar una simple escena de prostitución.[29]

Al cambiar el tema en sus obras, Degas cambió de igual manera su técnica y estilo. La paleta de
colores opacos, que surgieron por influencia de la pintura holandesa, fue remplazada por colores
mucho más vivos y pinceladas mucho más marcadas. La falta de color en Ensayos de ballet (1876)
e Instructor de ballet señala un posible cambio en su técnica motivado por su interés en la
fotografía.[24]

Plaza de la Concordia, 1875. Museo del Hermitage, San Petersburgo.

Músicos en la orquesta, 1872. Instituto Städel, Frankfurt del Meno.

El estilo de Degas se distingue por sus zonas inacabadas, incluso en pinturas altamente detalladas.
Frecuentemente culpaba dichas faltas a sus problemas en la vista, argumento que fue refutado por
varios colegas y coleccionistas que creían poco probable que "alguien con problemas de vista
pudiera pintar de tal manera".[30]

Su interés en los retratos llevó a Degas a estudiar el comportamiento de las personas y la manera
en que estas revelan parte de su estatus a través de su fisionomía, postura, prendas y otros
atributos. En su obra Retratos en la bolsa de valores, Degas retrató un grupo de trabajadores judíos
con ciertos indicios de antisemitismo. En 1881 exhibe dos obras al pastel: Criminal
Physiognomies, donde retrataba a un grupo de jóvenes, miembros de una pandilla, que habían sido
condenados recientemente por asesinato en el llamado "Caso de la Abadía". Degas asistió al juicio
llevando consigo su cuaderno de bocetos; sus numerosos dibujos revelan el interés del pintor sobre
las ideas atávicas defendidas por los científicos del siglo XIX como evidencia de la criminalidad
innata.[31]

En sus pinturas de bailarinas y lavanderas, Degas refleja las ocupaciones de ambas no solo por su
atuendo sino por su estructura física: sus bailarinas exhiben un físico atlético y grácil, mientras
que las lavanderas poseen un cuerpo pesado y sólido.[32]

En las carreras, 1877–1880. Museo de Orsay, París.

A finales de la década de 1870, Degas dominaba tanto el óleo sobre lienzo como el pastel. El
medio seco, el cual aplicó en diversas y complejas capas y texturas, le permitía trazar las formas
con más facilidad y explotar libremente el uso de los colores. Alrededor de esos años, Degas
retoma la técnica del grabado, la cual había abandonado diez años atrás. Al principio aprendió
junto a su amigo Ludovic-Napoléon Lepic, un innovador de la técnica del grabado, y comenzó a
experimentar con la litografía y monotipia.[33] Degas tenía una fascinación particular por los
efectos que producía la monotipia y modificaba las imágenes impresas utilizando pastel.[33]
Hacia 1880 la escultura se había convertido en otro apartado más de la búsqueda de Degas por
encontrar nuevos y diferentes medios expresivos, aunque el artista únicamente mostró en público
una escultura a lo largo de su vida.

En la evolución que sufrió el estilo del arte de Degas, algunas características se mantuvieron
inmutables a lo largo de toda su vida. Primeramente, sus pinturas se realizaban en interiores
(usualmente en su estudio) utilizando como referencia la memoria, fotografías o modelos;[34] sus
pocos paisajes fueron compuestos a través de la imaginación o incluso de memoria. Era usual en
Degas el repetir un mismo tema en varias ocasiones, sin embargo siempre con alguna variación
dentro de la composición o el tratamiento. Fue un artista cuyas obras eran, como apuntó Andrew
Forge, "bien preparadas, calculadas, practicadas, y desarrolladas en etapas. Estaban compuestas de
partes. El ajuste de cada parte para crear un todo, el arreglo lineal, era la ocasión para reflexión
infinita y experimentación".[35] El mismo Degas explicó: "En arte, nada debería parecer casual".
[27]

Escultura Editar

Pequeña bailarina de catorce años, fundida en 1922. Museo de Arte Metropolitano, Nueva York.
A lo largo de su vida, Degas solo exhibió una escultura: Pequeña bailarina de catorce años (1881).
Era una escultura de cera casi a tamaño real con cabello auténtico y vestida con un tutú verdadero,
la cual provocó una fuerte reacción de críticas negativas. La mayor parte encontraban el realismo
de la escultura extraordinario, pero criticaban la fealdad de la niña.[36] En una crítica, J.K.
Huysmans escribió: "La terrible realidad de esta estatuilla evidentemente produce inquietud en los
espectadores; todas sus nociones acerca de la escultura están aquí alteradas. El hecho es que este
primer intento de Monsieur Degas ha revolucionado las tradiciones de la escultura, de igual
manera que lo hizo con la pintura."[37]
Degas creó un considerable número de esculturas en un periodo de 4 décadas; sin embargo, se
mantuvieron ocultas al público hasta 1918. Ninguna de ellas, ni siquiera la Pequeña bailarina de
catorce años fueron fundidas en bronce mientras vivió el artista.[36] Los especialistas en Degas
concuerdan que sus esculturas no fueron creadas como auxiliares de su pintura. Degas asignó el
mismo significado a sus esculturas que a sus dibujos: "Dibujar es una forma de pensar, esculpir es
otra."[27]

Tras la muerte del artista, sus herederos encontraron en su estudio alrededor de 150 esculturas de
cera, varias en mal estado de conservación. Consultaron al fundidor Adrien Hébrard, quien tras
analizar las piezas concluyó que sólo 74 de ellas podían ser fundidas en bronce. Se asume que, a
excepción de la “Pequeña bailarina de catorce años”, fueron fundidas al “surmoulage”. Un
“surmoulage” de bronce es un tanto más pequeño y muestra menos detalle en la superficie que
su molde original. La Fundición Hébrard fundió bronces de 1919 a 1936, y cerró en 1937, poco
antes de la muerte de Hébrard.

Personalidad y política Editar

Autorretrato (fotografía), c. 1895.

Degas sostenía con ahínco que las artes deben estar apartadas de la vida personal,[38] y él mismo
vivía una vida sin aparentes complicaciones. Entre la gente era reconocido por su ingenio,
considerado cruel en algunas ocasiones. En una ocasión, el novelista George Moore se refirió a
Degas como un “viejo avaro”, lo que llevó a que se le viera como un solterón misántropo.[39]

Siendo profundamente conservador en cuanto a temas políticos, se oponía a todas las reformas
sociales y mostraba un total desinterés por los avances tecnológicos como el teléfono.[38] Su
intransigencia llegaba a tales extremos que en una ocasión llegó a despedir a una modelo al
enterarse que ésta era protestante.[38] Aunque varias obras que pintó entre 1865 y 1870 muestran
temas relacionados con judíos, su antisemitismo se manifestó en 1870 en el cuadro En el Bourse,
al pintar el rostro de un banquero con un gran parecido a una caricatura francesa antisemita de la
época.

El Caso Dreyfus, que dividió París de 1890 hasta inicios de 1900, hizo que se intensificara su
antisemitismo. Hacia mediados de 1890, Degas había cortado toda relación con judíos,[18]
rechazando públicamente a sus amigos judíos y negándose a contratar a personas que pudieran ser
judías. Se mantuvo como miembro del grupo antisemita “Anti-Dreyfusards” hasta su muerte.
[40]

Reputación Editar
Durante su vida, la recepción pública de las obras de Degas osciló entre la admiración y el
rechazo. En sus inicios, durante su fase "clasicista" Degas llevó muchas obras al Salón de París
entre 1865 y 1870. Dichos trabajos fueron elogiados por Jules Antoine Castagnary.[41] Poco
después, Degas se une a los impresionistas y rechaza las reglas rígidas y el elitismo del Salón; del
mismo modo, el Salón y el público en general rechazaron su viraje al Impresionismo.
La escultura Pequeña bailarina de catorce años, exhibida en las sexta presentación impresionista
en 1881, fue probablemente su pieza más controvertida; algunos críticos describieron su “fealdad
atractiva”. La originalidad de Degas consistió en descartar las superficies lisas de la escultura
clásica y añadir cabello humano y ropaje, otorgando a la escultura cierta imagen de muñeca. Las
adiciones aumentaban la ilusión, pero llevaron a cuestionamientos en cuanto a la “realidad”
dentro del arte.[42]

Por otro lado, el conjunto de dibujos al pastel exhibidos en la octava exhibición impresionista de
1886, produjo “La mayor cantidad de opiniones críticas al artista durante el curso de su vida… la
reacción global fue positiva y elogiosa.”[43]

Reconocido como uno de los artistas más importantes de la época, Degas es considerado al
presente uno de los fundadores del Impresionismo.[44] Aunque en muchos aspectos, sobre todo en
la teoría y en ciertas técnicas, la pintura de Degas chocaba con el grupo impresionista, su sentido
del color, de las formas en movimiento, de la luz y las composiciones dinámicas no solamente
inspiraron a otros miembros del grupo, sino que de algún modo fueron una de las cimas de este
movimiento pictórico.

Las obras de Degas se conservan hoy en día en museos y colecciones privadas de todo el mundo,
y es uno de los artistas más cotizados en el mercado internacional de arte.

Galería Editar

Achille De Gas en uniforme de cadete, 1856/57, Galería de Arte Nacional, Washington D.C.

Familia Bellelli 1858–1867, Museo de Orsay, París

Jóvenes espartanos ejercitándose, c. 1860–62, Galería Nacional, Londres

Mujer sentada con jarrón de flores, 1865, óleo sobre lienzo, Museo de Arte Metropolitano, Nueva
York

L’Amateur, 1866, Museo de Arte Metropolitano, Nueva York

Édouard Manet y Mme. Manet, 1868–1869

Clase de danza, 1871, Museo Metropolitano, Nueva York

Ensayo de ballet,1873, The Fogg Art Museum, Cambridge, Massachusetts

Ensayo sobre el escenario, 1874, Museo de Orsay, París

Retrato de Miss Cassatt, 1876–1878

En el Café-concierto: la canción del perro, 1875–1877

Fin d'Arabesque, con la bailarina Rosita Mauri, 1877, Museo d'Orsay.

Cantante con el guante, 1878, The Fogg Art Museum, Cambridge, Massachusetts

Miss La La en el Cirque Fernando, 1879, Galería Nacional, Londres

Rosa Mauri, 1878

Ensayo, 1878–1879, Museo Metropolitano, Nueva York

Retrato de Ellen Andrée, 1879, pastel

La espera, pastel, 1880-82.

Antes de la carrera, 1882–84, The Walters Art Museum, Baltimore

La tienda de sombreros, 1885, Instituto de Arte de Chicago

Bailarinas en la barra, 1888, Phillips Collection, Washington DC

"'Mujer en la bañera'" 1886, Museo Hill-Stead, Farmington, Connecticut

La bañera,1886, Museo de Orsay, París

Bailarina verde, 1877-79, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Mujer inclinada 1884, Museo Pushkin, Moscú

Tres bailarinas con faldas amarillas, circa 1891, Instituto de Arte de Detroit

Después del baño, mujer secándose”, pastel, 1898, Museo de Orsay, París
Danza española, c. 1885, bronce, Ackland Art Museum, Chapel Hill, Carolina del Norte

Arlequin danse, Museo Nacional de Buenos Aires

Retrato de Diego Martelli, Museo Nacional de Buenos Aires

Danseuse debout

Danseuse en blanc

La toilette apres le bain

Referencias Editar
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hundreds of lithographs by Daumier. His contemporaries were well represented—with the
exception of Monet, by whom he had nothing." Gordon and Forge 1988, p. 37
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Enlaces externos Editar
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Degas, Sickert & Toulouse Lautrec at Tate
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Última edición hace 9 días por Enrique Cordero

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Paul Cézanne
Pintor francés
Paul Cézanne (19 de enero de 1839-22 de octubre de 1906) fue un pintor francés
postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases
de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX,
nuevo y diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en
medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895,
expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores»,[1]que la crítica y el público
ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva
generación.

Paul Cézanne
Cezanne- Bildnis Ambroise Vollard.jpg
Autorretrato, hacia 1879-1880
Información personal
Nacimiento
19 de enero de 1839
Bandera de Francia Aix-en-Provence, Reino de Francia
Fallecimiento
22 de octubre de 1906 (67 años)
Bandera de Francia Aix-en-Provence, Tercera República Francesa
Causa de la muerte
Neumonía Ver y modificar los datos en Wikidata
Nacionalidad
Francesa
Familia
Cónyuge
Marie-Hortense Fiquet (1886-1906)
Hijos
Paul
Educación
Alma máter
Universidad de Aix-Marsella
Academia Suiza Ver y modificar los datos en Wikidata
Información profesional
Área
Pintura
Obras notables
La montaña de Sainte-Victoire, vista desde Bibémus Ver y modificar los datos en Wikidata
Firma
Cezanne autograph.png
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Índice
Biografía Editar
París Editar
Se inscribió en la Academia Suiza (Académie Suisse), una academia privada en la que trabajaba
con modelos del natural, y en la que no había exámenes ni lecciones, todo ello para preparar el
examen de ingreso en la École des Beaux-Arts. En el Museo del Louvre descubrió la obra de
Caravaggio y de Velázquez, lo que marcó profundamente su evolución artística. Cuando
rechazaron su candidatura a la École des Beaux-Arts (Escuela de las bellas artes), regresó a Aix y
aceptó un empleo en el banco de su padre. Sin embargo, en 1862 decidió volver a París para
consagrarse definitivamente a la pintura, pasándole su padre una pensión de 125 francos. Reanudó
su amistad con Zola y continuó sus estudios en la Academia Suiza, donde conoció a Guillaumin y
a Camille Pissarro, pintor mayor que él aunque poco reconocido, que vivía con su numerosa
familia en una zona rural a las afueras de París. Cézanne se sintió de inmediato atraído por los
elementos más radicales del mundo artístico parisino. Admiraba sobre todo al pintor romántico
Eugène Delacroix y, entre los artistas más jóvenes, a Gustave Courbet y a Édouard Manet, que
exponían obras de estilo y temas chocantes para sus contemporáneos. La polémica entre el arte
oficial y los nuevos pintores llevó a la creación, en 1863, del Salon des Refusés donde se
mostraban obras no aceptadas por el jurado oficial del Salón de París. El Salón oficial, por su
parte, rechazó todas las obras que presentó desde 1864 hasta 1869. En 1864 pasó el verano en Aix-
en-Provence; es el mismo año en que se celebra una muestra de la obra de Delacroix, lo que
permite a Cézanne conocer su pintura en profundidad. 1869 es el año en el que conoce a la modelo
Marie-Hortense Fiquet. En 1870 el Salón rechazó su Retrato de Achille Emperaire, por entender
que era inaceptable al no respetar la perspectiva ni la corrección anatómica, juzgándolo «en el
límite de lo grotesco».

Cuando estalló la Guerra Franco-prusiana en julio de 1870, Cézanne y Hortense dejaron París para
ir a L'Estaque, cerca de Marsella, evitando así el alistamiento. Fue declarado prófugo en enero de
1871, pero la guerra acabó en febrero y la pareja volvió a París en verano. En enero del año
siguiente, 1872, tuvieron a su hijo Paul en París. Se trasladaron entonces a Auvers-sur-Oise, donde
vivió en casa del Dr. Gachet. La madre de Cézanne supo de los acontecimientos familiares, pero
no su padre, a quien no se le mencionó la existencia de Hortense por miedo de incurrir en su ira.
En Auvers profundiza su amistad con Pissarro, que vivía en Pontoise. Inicialmente, era la relación
de un maestro con su alumno, con Pissarro ejerciendo una influencia formativa sobre el artista más
joven. Durante mucho tiempo después, Cézanne se describió a sí mismo como el alumno de
Pissarro, refiriéndose a él como «Dios Padre» y diciendo «Todos nosotros provenimos de
Pissarro».[2] Bajo la tutela de Pissarro, en el corto periodo comprendido entre 1872 y 1873,
Cézanne pasó de los tonos oscuros a los colores brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de
la vida rural. A lo largo de la siguiente década, sus excursiones para pintar paisajes juntos, del
natural, en Louveciennes y Pontoise, llevaron a una relación de trabajo en colaboración entre
iguales.

Una moderna Olimpia, h. 1873-74, obra de Cézanne presentada en la primera muestra

impresionista.
Dejando a Hortense en la región de Marsella, Cézanne se movía entre París y Provenza. Gracias a
Pissarro, conoció al "tío" Tanguy en París en el año 1873. Se trataba de un comerciante de colores
que aceptaba cuadros como pago de los materiales que vendía a los pintores. Aunque parecía tener
menos dominio de la técnica que los otros impresionistas, Cézanne fue aceptado dentro del grupo.
Expuso en la primera muestra impresionista celebrada en el estudio del fotógrafo Nadar en 1874:
se expusieron Una moderna Olimpia, Paisaje de Auvers-sur-Oise y La casa del ahorcado. Estas
obras fueron objeto de burlas, pero la tercera llegó a venderse (ahora en el Museo de Orsay de
París).

La casa del ahorcado, Auvers-sur-Oise (1874).[3]

En 1875, llamó la atención del coleccionista Victor Chocquet, cuyos encargos le proporcionaron
algo de alivio financiero. Pasó el verano de 1876 en L'Estaque, lo que le dio la oportunidad de
pintar dos marinas. No intervino en la segunda muestra impresionista, pero sí en la tercera (1877)
celebrada en la calle Pelletier, con dieciséis obras, entre acuarelas, bodegones, paisajes, un cuadro
de bañistas y un retrato del coleccionista Chocquet. El éxito comercial de los impresionistas era ya
limitado de por sí y, dentro de este grupo, las obras de Cézanne tuvieron la acogida más
desfavorable. Sus pinturas provocaban hilaridad, indignación y sarcasmo. El crítico Louis Leroy
dijo del retrato de Chocquet: «Esta cabeza que parece tan peculiar, con el color de una bota vieja,
impresionaría a [una mujer embarazada] y provocaría la fiebre amarilla en el fruto de su vientre
antes de su entrada en el mundo».[4] Cézanne no volvió a exponer con el grupo.

Provenza Editar
Cézanne pasó el año 1878 en el Mediodía francés, con Hortense y su hijo. En marzo, su padre
descubrió el asunto de Hortense y amenazó con romper con él financieramente pero, en
septiembre, decidió subirle la asignación a 400 francos. En 1879-80 pasó parte del invierno en
Melun, aprovechando para pintar el paisaje cubierto de nieve. Entre las obras maestras de este
periodo está la vista del Puente de Maincy. En agosto de 1880 marchó a casa de Zola en Médan, a
orillas del Sena donde conoció a Huysmans; aprovechó para pintar al aire libre. Su padre, debido a
la vida que lleva, dejó de enviarle ayuda. En mayo de 1881, conoció a Gauguin en la casa de
Pissarro en Pontoise; en octubre regresó a Aix, donde su padre Louis-Auguste le hizo un estudio
en Jas de Bouffan. Estaba en la planta superior y se le proporcionó una gran ventana, que permitía
la entrada de la luz del norte pero interrumpiendo la línea de los aleros, lo cual aún se aprecia. La
familia Cézanne fijó definitivamente su residencia en L'Estaque, y a partir de entonces solo en
raras ocasiones abandonó Provenza. El traslado refleja una nueva independencia respecto a los
impresionistas, centrados en París, y la preferencia del pintor por el sur, su tierra natal.

En L'Estaque recibió la visita de Renoir (1882), quien quedó impresionado con la belleza del
paisaje. Ese año fue la única vez que pudo exponer en el Salón de París, gracias a la intervención
de su amigo y artista Antoine Guillemet, Retrato de Louis-Auguste Cézanne, padre del artista,
leyendo 'l'Evénement, 1866 (National Gallery, Washington).[5] Escaso es el reconocimiento que
obtiene por la crítica oficial. Por entonces, dejó de trabajar en estrecha relación con Pissarro.
Había conocido al pintor Monticelli en Marsella en los años 1860, y entre 1878 y 1884 los dos
artistas a menudo pintaron paisajes juntos, recorriendo en una ocasión durante un mes el campo de
Aix. En 1883 murió Manet, noticia que afectó a Cézanne. En diciembre se reunieron con él en
L'Estaque Monet y Renoir.

El año 1886 fue crucial: se casó con Hortense y, en octubre, murió su padre. Le dejó en herencia la
finca que había adquirido en 1859. Cézanne tenía 47 años de edad y por fin consiguió la
independencia económica, gracias a la gran herencia que recibió,[6] aunque siguió manteniendo el
aislamiento social. Es el año de su ruptura con Émile Zola, después de que este le usara, en gran
medida, como modelo para el artista fracasado y trágico Claude Lantier, en La obra. Cézanne
sintió que la novela era indecorosa y una traición por parte de su amigo de la infancia, por lo que
rompieron su amistad y no volvieron a verse.

Para el año 1888 la familia estaba en la anterior mansión, Jas de Bouffan, un sólido edificio y
terrenos con edificaciones anejas. Actualmente es propiedad de la ciudad, aunque con menos
terreno, y está abierta al público de manera limitada. En 1889 muestra La casa del ahorcado en la
Exposición Universal. Al año siguiente, expone en Bruselas con los XX, un grupo de pintores muy
activos. No obstante, su periodo idílico en Jas de Bouffan fue solo temporal. Desde 1890 hasta su
muerte, se sucedieron acontecimientos perturbadores que le hicieron aislarse más, dedicándose en
exclusiva a la pintura. Entre 1887 y 1893, solo recibe la visita de unos pocos iniciados, como los
marchantes de arte J. Tanguy y Ambroise Vollard.

Los problemas comenzaron con el comienzo de la diabetes en 1890, desestabilizando su

personalidad hasta el punto de que las relaciones con otros quedaron de nuevo afectadas. Viajó a
Suiza, con Hortense y su hijo, quizá esperando restaurar su relación. Cézanne, sin embargo,
regresó a vivir a Provenza; Hortense y Paul el joven, a París. Las necesidades financieras
obligaron a Hortense a volver a Provenza pero en viviendas separadas. Cézanne se trasladó con su
madre y su hermana.

Bodegón con cortina (1895) ilustra la creciente tendencia de Cézanne hacia la compresión tersa de
formas y tensión dinámica entre figuras geométricas.

Botella, garrafa, jarro y limones (1902-1906) Paul Cézanne. Museo Thyssen-Bornemisza

En 1891 volvió al catolicismo, aunque las imágenes religiosas fueron escasas en su obra tardía.
Cézanne sostenía que «Cuando juzgo el arte, cojo mi cuadro y lo pongo junto a un objeto obra de
Dios como un árbol o una flor. Si desentona, no es arte».[7]

En 1895 se celebró su primera exposición individual, organizada por Vollard, con 100 lienzos.
Este marchante promocionó la obra de Cézanne con gran éxito durante los años siguientes,
logrando que subiera su cotización, como se comprueba al ver los precios de las ventas Duret y
Tanguy (1894)[8] y la venta Chocquet de 1899.[9]

En 1897 murió su madre, lo que le permitió reconciliarse con su mujer. Vendió Jas de Bouffan y
alquiló un lugar en Rue Boulegon, donde construyó un estudio. También alquiló una habitación en
el Château Noir, cerca de Aix, donde se prepara un pequeño estudio. Pasó una temporada en Le
Tholonet, en la ladera de la montaña Sainte-Victoire, haciendo de ella objeto de su pintura, lo
mismo que la cantera de Bibémus.

Sus pinturas se hicieron bien conocidas y buscadas y obtuvo el respeto de una nueva generación
de pintores. A pesar del creciente reconocimiento público y éxito financiero, Cézanne prefirió
trabajar en el aislamiento artístico, normalmente pintando en Provenza. En 1900 tres de sus
lienzos se incluyen en la Exposición Universal y trece en una exposición organizada por Paul
Cassirer en Berlín, ocasión en la que el poeta Rainer Maria Rilke vio su obra por vez primera. En
1901 expone en el Salón de los Independientes. Ese mismo año, Maurice Denis presenta su
Homenaje a Cézanne, cuadro en el que puede verse a un grupo de artistas (Redon, Vuillard,
Bonnard y Denis) alrededor de un bodegón pintado por Cézanne y que había sido propiedad de
Gauguin.[1]

La relación entre Cézanne y su mujer siguió siendo tormentosa. Necesitaba un lugar en el que
estar él solo. En 1901 compró algo de tierra a lo largo del Chemin des Lauves («Camino de
Lauves»), una carretera aislada en la colina de Lauves, y encargó que le hicieran allí un estudio (el
atelier, actualmente abierto al público), en donde aún puede verse el atrezzo de sus obras, tal como
las dejó. Desde allí se ve la montaña Sainte-Victoire. Allí pintó hasta su muerte. Mientras tanto, en
1902, hizo un borrador de testamento excluyendo a su esposa de su herencia y dejándoselo todo a
su hijo. Aparentemente la relación estaba de nuevo rota; se dice que ella quemó los recuerdos de
su madre.

En 1903 culmina el reconocimiento de su obra, apareciendo en diversas exposiciones. Así, el

Salón de Otoño expone 33 lienzos suyos. También se incluyen obras de Cézanne en la Secesión
vienesa y en la de Berlín.

Émile Bernard, que ya en 1892 había dedicado un artículo a Cézanne, estuvo trabajando con él
durante todo un mes en 1904.[10] Ese mismo año, el Salón de Otoño le dedicó toda una sala, con
30 cuadros y dos dibujos. En 1905 Vollard presentó las acuarelas de Cézanne. Era ya un pintor de
prestigio. Se sucedían exposiciones retrospectivas. Muchos pintores jóvenes viajaron hasta Aix-
en-Provence para verle trabajar y pedirle consejo durante los últimos años de su vida. Sin
embargo, tanto su estilo como sus teorías continúan siendo misteriosas y crípticas; para unos era
un pintor primitivo ingenuo y para otros un complicado maestro en los procedimientos técnicos.

Muerte de Cézanne Editar

Un día, Cézanne se vio atrapado por una tormenta mientras trabajaba en el campo.[11] Solo
después de haber trabajado durante dos horas bajo el aguacero decidió regresar a casa; pero en el
camino se desmayó. Lo llevó a casa un conductor que pasaba por allí.[11] Su ama de llaves le
frotó los brazos y las piernas para restaurar la circulación; como resultado, recuperó la
consciencia.[11] Al día siguiente, pretendía seguir trabajando, pero más tarde se desmayó; el
modelo pidió ayuda; le metieron en la cama, en Lauves, de donde no volvió a salir.[11] Murió
unos pocos días después, el 22 de octubre de 1906.[11] Murió de neumonía y fue enterrado en el
antiguo cementerio en su amada ciudad natal de Aix-en-Provence.[12]

Después de su muerte, su estudio en Aix se convirtió en un monumento, Atelier Paul Cézanne, o

les Lauves.

Estilo Editar
Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal
y el orden pictórico. Al igual que Zola con el realismo literario, Cézanne manifestó un interés
progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se
presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo.
Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto
de representarlo en pintura que podía encontrar. Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo
que veía en formas simples y planos de color. Su afirmación «Quiero hacer del impresionismo
algo sólido y perdurable como el arte de los museos»,[13] subraya su deseo de unir la observación
de la naturaleza con la permanencia de la composición clásica. Ello queda en evidencia
igualmente con su pretensión de «revivir a Poussin del natural» (Vivifier Poussin sur nature).[14]

La montaña Sainte-Victoire, 1905.

Son muy características y fácilmente reconocibles sus pinceladas, a menudo repetitivas, sensibles
y exploratorias. Estas pequeñas pinceladas y planos de color se conjugaban para formar campos
complejos, expresando al mismo tiempo las sensaciones del ojo que observa y una abstracción de
la naturaleza observada.

Cézanne se esforzó por comprender y reflejar la complejidad de la percepción visual humana.

Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para ello observa los objetos desde distintos
puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas diferentes simultáneamente. La
obra de madurez de Cézanne muestra el desarrollo de un estilo de pintura solificado, casi
arquitectónico. La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva,
indican que, a pesar de la frecuente desesperación del propio artista, había sintetizado los
elementos básicos de representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal.

Estaba interesado en la simplificación de las formas que ocurrían naturalmente a sus esencia
geométrica:

Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender a pintar
sobre la base de estas figuras simples; después se podrá hacer todo lo que se quiera. Cézanne,
1904.

Por ejemplo, un tronco de árbol puede concebirse como un cilindro, una cabeza humana como una
esfera. Además, la atención concentrada con la que había registrado sus observaciones de la
naturaleza dieron como resultado una profunda exploración de la visión binocular, que resulta de
dos percepciones visuales simultáneas y ligeramente diferentes, y nos proporciona una percepción
de la profundidad y un conocimiento complejo de las relaciones espaciales. Vemos dos puntos de
vista simultáneamente; Cézanne empleó este aspecto de la percepción visual en su pintura en
grados diferentes. La observación de este hecho, junto con el deseo de Cézanne de capturar la
verdad de su propia percepción, a menudo le llevó a presentar los perfiles de formas para al mismo
tiempo intentar mostrar los puntos de vista distintivamente diferentes de tanto el ojo izquierdo
como el derecho.

Periodos Editar
Se han descrito varios periodos en la vida y obra de Cézanne.[15]

El periodo oscuro, París, 1861-1870 Editar

Se trata de un periodo caracterizado por colores oscuros y un intenso uso del negro, con pigmentos
espesos, muy empastado. Su obra difiere grandemente de sus anteriores acuarelas y esbozos de la
École Spéciale de dessin de Aix-en-Provence en 1859, o de sus obras posteriores. A menudo se
usan para estas obras los términos antisocial o violento, o también eróticas o macabras.[16] Su
temática es la figura en el paisaje y comprende muchas pinturas de grupos de figuras grandes y
pesadas en el paisaje, pintadas imaginativamente. A este periodo pertenecen:

El asesinato, h. 1870.
El padre del artista (1866), National Gallery de Londres.
Copia por Cézanne en el museo del Louvre de Comida en casa de Simón de Veronés 1860-1870
Panes y huevos (1865), Museo de Arte de Cincinnati.
Retrato del tío Dominique (1866), Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
El rapto (1867), Museo Fitzwilliam, Cambridge.
Retrato de Achille Emperaire (1867-1868), Museo de Orsay, París.
La orgía (1867-1872), colección particular.
Reloj de mármol negro (1869-1870), colección particular.
Pastoral (1870), M.º de Orsay, París.
El asesinato (h. 1870), Walker Art Gallery, Liverpool.
Periodo impresionista, Provenza y París, 1870-1878 Editar
Cuando Cézanne marchó a L'Estaque en 1870, cambió sus temas para dedicarse principalmente al
paisaje. Al instalarse en 1872, en Auvers (Val-d'Oise), comenzó su estrecha relación de trabajo con
Pissarro, quien vivía en la cercana Pontoise. Junto con Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir y
unos pocos pintores más, Pissarro había desarrollado un estilo para trabajar al aire libre (en plein
air) de forma rápida y a escala reducida, que consistía en utilizar pequeños toques de colores
puros, sin recurrir a bocetos preliminares ni a dibujos. Pretendían atrapar de ese modo los efectos
lumínicos fugaces así como su interpretación visual, también efímera, de la naturaleza. Bajo la
influencia de Pissarro, Cézanne comenzó a abandonar las normas académicas y la paleta sombría
y fuertemente empastada que le caracterizaba. Sus lienzos se hicieron mucho más brillantes, con
colores claros, eligiendo los colores primarios y sus complementarios, además de forzarle a
observar atentamente la realidad. Su tema favorito son paisajes. Trabajó a partir de la observación
directa y gradualmente desarrolló un estilo de pintura aéreo y ligero.

Vista de Auvers (h. 1873).

La casa del ahorcado, 1872-73, M.º de Orsay, París.
Vista de Auvers, h. 1873, Art Institute of Chicago.
Una moderna Olimpia, 1873-74, M.º de Orsay, París.
Bañistas, 1874-1875, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Señora Cézanne en la butaca roja, 1877, Museo de Bellas Artes (Boston).
Naturaleza muerta de la sopera h. 1877, M.º de Orsay, París.
Naturaleza muerta del jarrón y de las frutas, h. 1877, M.º Metropolitano de Arte, Nueva York.
Periodo de madurez, Provenza, 1878-1890 Editar

El puente de Maincy, 1879-1880.

Cuando Cézanne fijó su residencia definitivamente en Provenza, a principios de los años 1880, se
independizó de los impresionistas, centrados en París, y demostró su preferencia por el sur, su país
natal y su paisaje. El aislamiento y la concentración, así como la singularidad de su búsqueda,
podrían señalarse como los responsables de la increíble evolución que sufrió su estilo durante las
décadas de 1880 y 1890. El hermano de Hortense tenía una casa desde la que se veía la montaña
Sainte-Victoire en Estaque. Una serie de pinturas de esta montaña de 1880-1883 y otras de
Gardanne de 1885-1888, a veces son conocidas como el «Periodo constructivo». De 1888 a 1890
se interesó por la figura humana, pintando una serie de cuadros con personajes de la Comedia del
arte, pasando, a partir de 1890, a otra serie sobre Jugadores de cartas, posiblemente inspirado por
la obra sobre el mismo tema de Louis Le Nain.

El puente de Maincy (1879-1880), M.º de Orsay, París.

Tres bañistas (1879-1882), Museo del Petit Palais, París.
Rocas en L'Estaque (1882-1885), Museo de Arte de São Paulo.
La montaña de Sainte Victoire (1885-1887), M.º Metropolitano de Arte, Nueva York.
Vista del pueblo de Gardanne (1886), Barnes Foundation, Merion.
Martes de Carnaval (1888), Museo Pushkin, Moscú.
Arlequín (1889-1890), Galería Nacional de Arte (Washington).
Periodo final, Provenza, 1890-1905 Editar

Los jugadores de naipes (1892-95).[17] Courtauld Institute of Art, London. 4ª versión del mismo
tema.

Bodegón con manzanas y naranjas, 1895-1900.

Las grandes bañistas, 1906, Philadelphia Museum of Art: el triunfo del equilibrio geométrico y la
estabilidad a la manera de Poussin.
En 1895 hizo una visita germinal a las canteras de Bibémus y ascendió la montaña Sainte-Victoire.
El paisaje laberíntico de las canteras debieron impresionarle particularmente, pues alquiló una
cabaña allí en 1897. Se cree que estas formas inspiraron el estilo cubista en embrión. Cézanne se
concentró en unos pocos géneros, en los que era hábil por igual: bodegones, retratos (y
autorretratos), paisajes y estudios de bañistas (desnudos en el paisaje). Respecto al último,
Cézanne se vio obligado a dibujar a partir de su imaginación, debido a la falta de modelos
desnudos disponibles. Como sus paisajes, sus retratos se pintaban a partir de lo que era familiar, de
manera que no solo su esposa e hijo, sino también campesinos locales, niños, y su marchante,
sirvieron de modelos.

Cézanne continuó pintando directamente del natural con brillante colorido de tipo impresionista,
pero fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura hasta el punto de que parecía
lograr expresar el volumen con solo unas cuantas pinceladas de color yuxtapuestas. Más adelante
los expertos llegarían a afirmar que Cézanne había descubierto un modo de representar tanto la luz
como las formas de la naturaleza simplemente mediante el color. Parecía reintroducir una
estructura formal que los impresionistas habían abandonado, sin sacrificar por ello la sensación y
vivacidad lumínica lograda por ellos. El propio Cézanne hablaba de modular el color en lugar de
modelar el claroscuro de la pintura tradicional. Con ello se refería a que suplantaba las
convenciones artificiales de representación (modelar) por un sistema más expresivo (modular) que
se hallaba aún más próximo a la naturaleza o, como decía el propio artista, "paralelo a la
naturaleza". Para Cézanne la solución a todos los problemas técnicos del impresionismo radicaba
en utilizar el color de un modo más ordenado y expresivo que el de sus compañeros
impresionistas.

Cézanne consideraba que nunca llegaba a alcanzar plenamente su objetivo, por lo que dejó la
mayor parte de sus obras sin acabar y destruyó muchas otras. Se lamentaba de su fracaso a la hora
de representar la figura humana y, efectivamente, las grandes obras con figuras humanas de sus
últimos años revelan unas distorsiones curiosas que parecen dictadas por el rigor del sistema de
modulación cromática que él mismo impuso sobre sus propias representaciones. Ejemplo de ello
son toda la serie de pinturas dedicadas al tema de los y las bañistas.

Los jugadores de naipes (Les Joueurs de cartes) (5 versiones entre 1890 y 1895), M.º de Orsay,
París.[17]
Mujer con cafetera (La Femme à la cafetière) (h. 1890-1895), M.º de Orsay, París.
Naturaleza muerta con manzanas y naranjas (h. 1895-1900), M.º de Orsay, París.
Bodegón con cebollas (h. 1895-1900), M.º de Orsay, París
La montaña de Sainte-Victoire, vista desde Bibémus (h. 1898-1900), Museo de Arte de Baltimore.
Las grandes bañistas (1904-1906), National Gallery, Londres.
La Montagne Sainte-Victoire et le Château Noir, (1904-1906).
Campesino sentado, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.
Las grandes bañistas (1906), Philadelphia Museum of Art, Filadelfia.
Legado Editar

Billete de banco (frente), 100 FF, con el retrato de Paul Cézanne, y la pintura El mar en el Estaque.

Billete de banco (frente), 100 FF, con dos pinturas de Paul Cézanne: Manzanas y Galletas, y Los
jugadores de cartas.
Puede decirse que Cézanne crea el puente entre el impresionismo del siglo XIX y el nuevo estilo
de principios del siglo XX, el cubismo.

Durante muchos años la obra de Cézanne solo fue conocida por sus antiguos colegas
impresionistas y por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del postimpresionismo,
entre los que se incluían Vincent van Gogh y Paul Gauguin. Esta generación posterior aceptó
prácticamente todas las rarezas de Cézanne.

La retrospectiva de Cézanne de 1907 en el Salón de Otoño impactó grandemente la dirección que

tomó la vanguardia parisina, dando crédito a su posición como uno de los artistas más influyentes
del siglo XIX y al advenimiento del Cubismo. Fueron las exploraciones de Cézanne de
simplificación geométrica y fenómenos ópticos las que inspiraron a Picasso, Braque, Gris, y otros
para experimentar con múltiples visiones aún más complejas del mismo tema, y, con el tiempo, a
la fractura de la forma. Hay una frase, atribuida tanto Matisse como a Picasso, según la cual
«'Cézanne es el padre de todos nosotros». Matisse admiraba su utilización del color y Picasso
desarrolló la estructura de la composición plana de Cézanne para crear el estilo cubista.

Uno de los cuadros de su serie Los jugadores de cartas se convirtió en 2012 en la obra de arte
vendida públicamente por más dinero, al comprarla la familia real quatarí por más de 250 millones
de dólares.[cita requerida]

Véase tambiénEditar
Montaña Sainte-Victoire (Cézanne)
Cuadros de Cézanne
Impresionismo
Postimpresionismo
Notas y referencias Editar
↑ a b De Baraño, Kosme: «Cézanne: la soledad del corredor de fondo», en "Cézanne", Los
grandes genios del arte, n.º 19, Eileen Romano (dir.), Unidad Editorial, S.A., 2005, ISBN 84-
89780-71-4.
↑ Brion, 1974, p. 26
↑ La casa del ahorcado, Auvers-sur-Oise Musée d'Orsay. Consultado el 7 de abril de 2103.
↑ Brion, 1974, p. 34.
↑ Gowing, 1988, p. 110
↑ «Paul Cézanne Biography (1839-1906)». Biography.com. Consultado el 17 de febrero de 2007.
↑ «Paul Cezanne quotes». ThinkExist.com Quotations. Consultado el 17 de febrero de 2007.
↑ La venta Tanguy fue la subasta de los cuadros que conservaba en su tienda el "tío" Tanguy,
entre los que había numerosos cézanne que se vendieron con precios entre 45 y 215 francos.
↑ La venta Chocquet se produjo tras la muerte en 1899 de la esposa de Chocquet, lo que dio lugar
a la venta de su colección de arte.
↑ De la relación entre É. Bernard y Cézanne queda un libro, Una conversación con Cézanne, en
la que se exponen las ideas del pintor respecto a su trabajo.
↑ a b c d e Vollard The Last Years, p.113-114
↑ «Paul Cezanne 1839-1906». MyStudios.com. Consultado el 18 de febrero de 2007.
↑ Paul Cézanne, Cartas, editadas por John Rewald, 1984.
↑ Julián Gállego, «La pintura europea del siglo XIX. El posimpresionismo. Los avanzados del
siglo XX» en Summa Artis, Antología IX, Espasa, pág. 106, ISBN 84-670-1360-5.
↑ Aquí se sigue, esencialmente, el orden de la Enciclopedia Británica. Se mencionan algunos
nombres alternativos. Globalmente las diferentes clasificaciones tienden a coincidir.
↑ Algunos prefieren llamarlo «Periodo romántico», pero Cézanne no estaba ante todo interesado
en el Romanticismo. El término se refiere aquí a una disposición personal, más que a una
conexión con ese movimiento histórico.
↑ a b Martínez Jiménez, José Antonio; Muñoz Marquina, Francisco; Sarrión Mora, Miguel Ángel
(2011). «La descripción (II)». Lengua Castellana y Literatura (Akal edición). Madrid: Akal
Sociedad Anónima. p. 141. ISBN 9788446033677.
Bibliografía Editar
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Fédier, François. Regarder Voir, Les Belles Lettres / Archimbaud, Paris, 1995.
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10725645.
Enlaces externos Editar
Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Paul Cézanne.
Cézanne en el WebMuseum (en inglés).
École Spéciale de dessin Cuando Cézanne era alumno a la escuela de dibujo de Aix-en-Provence
(1859) primeras obras, acuarelas, lavado, dibujos de la escuela y antecedentes...
Paul Cezanne. pinturas y la biografía

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Alfred Sisley
Pintor francés
Alfred Sisley en 1882.
Alfred Sisley (París, 30 de octubre de 1839 - Moret-sur-Loing 29 de enero de 1899) fue un pintor
impresionista francobritánico.

Índice
Biografía Editar
Juventud y formación (1839-1871)Editar

Bazille. Portrait d'Alfred Sisley, 1867.

Sisley nació en París en el nº 19 de la Rue des Trois-Bornes el 30 de octubre de 1839 de padres
comerciantes ingleses, establecidos en la capital francesa. Su padre, William Sisley (1799-1879),
de origen francés, dirige un negocio de importación relacionado con el negocio familiar con sede
en Londres. Su madre, Felicia Sell (1808-1866), es atraída por la música y la vida de la sociedad.

Fue bautizado el 31 de octubre de 1840 por el pastor Athanase Coquerel en la Iglesia Reformada
de París presumiblemente en el templo protestante del Oratorio del Louvre.

En 1857, sus padres lo enviaron a Londres, a la edad de dieciocho años, para ser destinado a la
carrera comercial. Durante estos años de aprendizaje (1857-1860), pasó más tiempo visitando
museos que en su formación comercial, y particularmente admiró las obras de Constable y Turner.
Regresando a Francia en 1860, obtuvo el permiso de sus padres para abandonar el negocio y poder
dedicarse al arte.

Durante su juventud, asistió a los conciertos de Pasdeloup que comenzaron en octubre de 1861. Le
dijo a Arsène Alexandre que el trío del scherzo del Septeto de Beethoven (Op. 20 en mi bemol
mayor) le había encantado desde hacía mucho: "tan conmovedor -me dijo-, me parece que desde
la primera vez que lo he oído, es parte de mí mismo, pues responde a todo lo que siempre ha
estado en mi corazón. Lo canto todo el tiempo. Me zumba mientras trabajo. Nunca me
abandona ... ".

En octubre de 1862 entró en el estudio de Charles Gleyre, profesor de la Escuela de Bellas Artes
de París. Se introdujo en la práctica del dibujo y conoció a Renoir, Monet y Bazille. Muy pronto,
se hacen amigos. El diseño del paisaje de Gleyre difiere demasiado de su percepción y los cuatro
amigos abandonan el estudio del maestro en marzo de 1863 para trabajar al aire libre y plantar sus
caballetes en el bosque de Fontainebleau en Chailly-en Beer, Barbizon o Marlotte, lo que lo lleva
más cerca del grupo de Marlotte. Este primer experimento de trabajo de grupo, renovado en
particular en julio de 1865, soldó a los cuatro artistas, los estimuló y anunció, en el mismo año en
que se inauguró el primer Salon des refusés, su próxima batalla por la nueva pintura impresionista.
Su pintura de paisajes está influenciada por Jean-Baptiste Camille Corot y Charles-François
Daubigny.

Pierre-Auguste Renoir. Portait de Sisley, 1868.

A partir de 1865, pintó Los caminos de castaños en La Celle-Saint-Cloud con Bazille, realizando
sus primeros cuadros sobre el motivo en los bosques de La Celle-Saint-Cloud. Frédéric Bazille
hizo su retrato durante el invierno de 1867-1868.

Conoció a Marie-Louise Adélaïde-Eugénie Lescouezec, una joven parisina de Toul, en Meurthe,

en 1866, una unión que disgustó a su padre que lo desheredó. Renoir pinta en 1869 Les Fiancés -
La casa de Sisley, para representar Sisley y su esposa (museo de Wallraf Richartz, Colonia). Marie
Bracquemond los pinta en 1880: El paseo en bote. Sisley y su esposa y Under the Lamp: la pareja
Sisley cenando en el Bracquemond en Sevres. Sus hijos Pierre (nacido en 1867, se convirtió en
decorador y anticuario, permaneció solo, murió en París en 1929, también fue mencionado como
inventor, y quería casarse con Germaine Hoschedé, que estaba relacionada con la familia de
Claude Monet, que se oponía por su profesión), Jeanne (nacida en 1869 para convertirse en Mme
Diets, pintora y acuarelista, murió el 4 de febrero de 1919 en París) y Jacques nacido en 1871
murió el mismo año. En 1871, Sisley pintó a sus dos hijos en un salón, tal vez su único retrato.
Instalado con su compañera en París, divide su tiempo entre el trabajo en el taller y las reuniones
informales en el Café Guerbois, presidido por Édouard Manet, líder de la generación más joven de
pintores, donde críticos y periodistas como Louis Edmond Duranty, o Émile Zola. Esta vibrante
vida y emulación parisiense, que Zola describirá muy bien en su novela La Obra, voluntariamente
inspirada en la vida de los impresionistas.

A finales de la década de 1860, se instaló con su familia en Bougival. Hasta 1870 pintó en su
estudio de París, dibujando temas en la capital y sus alrededores. Presenta dos paisajes del canal
Saint-Martin en el Salón de 1870 en París.

Al comienzo de la ocupación prusiana de 1870, logró huir de Bougival a París, pero regresó a la
región para instalarse en Louveciennes. Pintó la primera nieve en Louveciennes, representando la
Rue de Voisins. También produjo una serie de pinturas a lo largo de la costa de Coeur-Volant.

Dejó París en marzo de 1871 para establecerse en Louveciennes cerca de la casa de la familia de
Renoir, donde alquiló una casa y se quedó, teniendo que atender las necesidades de su familia por
medio de su arte, después de la muerte de su padre, arruinado por la guerra. Sisley llevó a cabo un
gran número de paisajes de Louveciennes, Marly le Roi y Bougival, donde no había rastro de la
guerra.

Sisley et madame, por Renoir-1868

Cuando volvió a establecerse en la primavera de 1871 en la aldea de Voisins en Louveciennes,
descubrió que su taller habría sido devastado por los prusianos. Esto explica el bajo número de
pinturas antes de 1871 que han llegado hasta nosotros. En enero de 1872, Sisley se reunió con
Paul Durand-Ruel a través de Monet y Pissarro, que lo conocían desde su estancia en Londres
durante la guerra. Durand-Ruel compró cerca de 400 obras de Sisley durante al menos 25 años.

En esa época pinta sobre todo el bosque de Marly-le-Roi en compañía de Renoir. Del 15 de abril
al 15 de mayo de 1874 participó en la primera exposición de pintores impresionistas, donde
presentó 6 pinturas, entre ellas 5 obras del catálogo: N ° 161 Ruta de Saint-Germain (al señor
Durand-Ruel) - N ° 162 Île de La Loge (al señor Durand-Ruel) - N ° 163 El Sena en Port-Marly -
N ° 164 Huerto - N ° 165 Port-Marly, noche de invierno y uno fuera catálogo. François Daulte
sugiere que La Máquina de Marly es una de sus seis pinturas. Los críticos, entre ellos Ernest
Chesneau, lo elogiaron.

Se instaló en Londres, donde fue gracias al mecenazgo de Jean-Baptiste Faure de julio a octubre
de 1874 y ejecutó cerca de veinte cuadros alrededor de Molesey y Hampton Court.

Vue de Montmartre, depuis la Cité des Fleurs aux Batignolles. 1869.

Permaneció en Louveciennes hasta finales del invierno de 1874-1875, pintando muchos paisajes
nevados, dando reflejos rosados, amarillos y azules a la nieve. En 1875, se estableció en Marly-le-
Roi en una casa cerca del Abreuvoir, permaneciendo hasta finales del invierno 1877-1878,
pintando otros paisajes nevados. Entre sus temas favoritos se encuentran l'Abreuvoir de Marly-le-
Roi, los caminos fugaces, las orillas del Sena y la Marly Machine. De las inundaciones de 1876 en
Port-Marly, hizo aparecer un tema de los efectos de la superficie brillante y el cielo barrido por el
viento.

De todos los impresionistas, Sisley fue el que permaneció durante más tiempo en el meandro del
Sena, y el que pintó el mayor número de imágenes de allí.

En 1874 con Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Edgar Degas y Berthe Morisot,
fundó la sociedad anónima de pintores, escultores y grabadores, y participó en las tres primeras de
las ocho exposiciones impresionistas. En la primera exposición de pintores impresionistas que
tiene lugar en las instalaciones del fotógrafo Nadar en 1874, en la segunda Segunda exposición de
los impresionistas en 1876 y la tercera en 1877. Fuera de la séptima en 1882, no participará en las
siguientes.

En 1878, dejó Marly-le-Roi para Sèvres, donde residió hasta 1879, antes de establecerse en la
región de Moret-sur-Loing.

Sisley. La Seine a Argenteuil. 1872.

Período de Independencia y Reconocimiento (1880-1895) Editar
En 1880 Sisley se estableció no lejos de Moret-sur-Loing, conquistado por este pacífico y verde
campo al que permanecerá fiel hasta el final de su vida. El pintor australiano John Peter Russell
pintó un retrato de la señora Sisley en las orillas del Loing en 1887. Durante este período el grupo
de los impresionistas se dispersó después de la salida de Renoir, Sisley, Cézanne y Monet en 1880
de las exposiciones impresionistas. Todos estaban tratando de trazar su propio camino a partir de
entonces. Las exposiciones personales siguen siendo el medio privilegiado para que estos pintores
sean reconocidos. Sisley aceptó su primera exposición personal en 1881 en La Vie Moderne con
14 pinturas y otra en 1883 en la galería de Durand-Ruel después de las sucesivas exposiciones de
Monet, Renoir y Pissarro. Pero el éxito todavía no le acompaña y los envíos de Durand-Ruel de
sus obras a Londres, Boston, Berlín o Róterdam son apenas más fructíferos.

Alfred Sisley. Vue du Canal St. Martin. 1870.

En 1882 se encuentra en la séptima exposición impresionista, con la excepcional reagrupación del
grupo impresionista original (Monet, Renoir, Sisley, Pissarro ...). Pero este encuentro de pintores
es el último. De hecho, la última y octava exposición impresionista tiene lugar sin la presencia de
Sisley, Monet, Renoir y Cézanne.

Después de oponerse a dos exposiciones de Durand-Ruel, Sisley, obligado por sus preocupaciones
financieras, le pidió ayuda en 1885 y le dio su confianza para dos exposiciones colectivas
organizadas en Nueva York en 1886. Estas exposiciones serán las primeras señales de advertencia
del reconocimiento tardío de los impresionistas. Durand-Ruel incluso le ofreció una exposición
especial en Nueva York a principios de 1889 en su galería que abrió al otro lado del Atlántico. Al
mismo tiempo, Sisley se abrió a otros comerciantes como Georges Petit, con quien colaboró en
1886, siguiendo a Monet, Boussod y Valladon desde 1893. Sus pinturas tuvieron éxito en la
segunda exposición internacional de pintura y escultura de Georges Petit. En 1890 Sisley fue
admitido como miembro asociado de la Sociedad Nacional de Bellas Artes. Esta entrada entonces
le aseguró un puesto para que mostrará sus trabajos allí cada año hasta el final de su vida con la
excepción de 1895 y 1896.

En el Salon de Champ-de-Mars en 1892 fue duramente criticado por Octave Mirbeau en su

crónica del Figaro del 25 de mayo de 1892, a la que contestaría, subrayando la malicia del crítico
de arte hacia él. Adolfo Tavernier, un amigo periodista, lo declaró como uno de los maestros del
paisaje del siglo XIX. En 1894, recibió a Gustave Geffroy en su casa, quien más tarde contó en su
libro sus recuerdos e impresiones de ese día: dijo que había adivinado "tristeza bajo la apariencia
de resignación y alegres palabras (...) ese día perfecto la hospitalidad y la amistad han
permanecido para mí impreso en este sentimiento adivinado por el artista envejecido que parecía
sentir que en su vida un rayo de gloria no brillaría en su arte. De hecho Sisley no conoce el éxito
junto con impresionistas como Renoir o Monet o Degas. Pissarro escribió a su hijo Lucien en una
carta de 1895: "Me quedo, con Sisley, como una cola del impresionismo".[1]

Fin de su vida (1896-1899) Editar

Moret Maison Sisley

Durante los últimos años de su vida (1897-1899) la salud de Sisley declinó: sufrió de ataques muy
dolorosos de reumatismo. En diciembre de 1896 Georges Petit organizó una gran retrospectiva de
la obra de Sisley en su galería de la rue de Sèze. El artista trabajó para reunir tantas obras de
colecciones de aficionados como sea posible. En total, la exposición abrirá con 46 pinturas y seis
pasteles. Solo Arsène Alexandre y Adolphe Tavernier hablarán de la exposición y no se venderá
ningún lienzo. La experiencia es dolorosa para Sisley.

Louveciennes, hauteurs de Marly, Sisley. 1873.

En 1897 fue invitado a Inglaterra en Londres y luego a Penarth cerca de Cardiff. Durante su
estancia en Cardiff el 5 de agosto, fue el último momento de gran creación artística: pintó
acantilados, enormes rocas, olas ... Volviendo a Moret en noviembre de 1897, deseaba la
nacionalidad francesa, y pide su ayuda a su amigo Adolphe Tavernier. Pero la pérdida de ciertos
documentos oficiales no le permitió realizar rápidamente su deseo de convertirse en ciudadano
francés. Paradójicamente, el impresionista que mejor pintó los paisajes del Sena, el Loing y el
gentil Angevin iba a extinguirse como inglés.

Vive al borde de la pobreza. Su esposa cae enferma y muere el 8 de octubre de 1898. Se ve

afectado y nada eclipsa su desánimo. Alcanzado por un cáncer de garganta, su condición empeora.
Demuestra una forma de coraje en su renuncia. Las cartas a su médico permiten volver al final de
su vida día tras día. Escribe el 13 de enero: "Estoy roto por el dolor ... Ya no tengo la energía para
luchar ...". Convocó a su amigo Monet, que ya era famoso y rico, le recomendó a sus hijos y le
despidió. Murió el 29 de enero de 1899 en su casa de Moret-sur-Loing sin haber podido adquirir la
nacionalidad francesa.

Fue enterrado en el cementerio de Moret el 1 de febrero en un día gris y frío. Renoir, Monet,
Adolphe Tavernier y Arsène Alexandre vinieron de París. Jean-Charles Cazin pronunció un
discurso para la Sociedad Nacional de Bellas Artes. Adolphe Tavernier pronunció una oración
fúnebre rindiendo homenaje a "un mago de la luz, un poeta de los cielos, las aguas, los árboles, en
una palabra, uno de los paisajistas más notables de nuestro tiempo". Es enterrado con su esposa.
En sus tumbas se alza como un epitafio una cita de Sisley: "Es necesario que los objetos estén
envueltos en la luz, como están en la naturaleza.".

Después de su muerte Editar

El éxito, que no tuvo durante su vida, ocurrirá poco después de su muerte. La galería Bernheim-
Jeune exhibió 14 de sus pinturas en febrero de 1899. En marzo, Durand-Ruel exhibió 28 pinturas
de Sisley en Nueva York. El 1 de mayo, Claude Monet organizó una venta por la Galerie Georges
Petit para beneficio de sus hijos, que recibió un eco en los medios de comunicación sin
precedentes para Sisley.

En marzo de 1900, un año después de su muerte en el momento de la venta de Adolphe Tavernier,

el conde Isaac de Camondo compró La inundación en Marly por una suma considerable en ese
momento de 43.000 francos. La obra había sido vendida por el artista en origen por 180 francos

En 1911 fue el primer artista impresionista en recibir el homenaje de un monumento

conmemorativo en su ciudad de Moret-sur-Loing.

Hizo 960 óleos sobre lienzo, 100 pasteles y muchos otros dibujos, que fueron producidos por
Sisley aunque sólo había vivido 59 años. Se han descubierto un número impresionante de falsos
Sisley. Además de sus falsificaciones, las obras de su hija Jeanne, hacia 1895, llevan
legítimamente la firma Sisley.

El Arte de Sisley Editar

Sisley fue eminentemente un pintor paisajista, que se distinguió de sus colegas impresionistas por
la decisiva intervención en sus cuadros de los elementos más imponderables: el agua, la nieve, el
cielo, la niebla, de tal forma que ha sido considerado, junto a Monet, como uno de los
impresionistas más puros. Entre 1872 y 1880 realizó lo mejor de su producción: paisajes de gran
espontaneidad de los alrededores de París, de Marly, Louveciennes, Bougival, Sèvres, Saint-Cloud
o Meudon. Paisajes soleados que contrastan con sus célebres inundaciones de Marly, en las que no
pierde igualmente su connotación intimista y poética.

Sisley es ahora considerado como el impresionista en si: la esencia de su inspiración es el paisaje.

Las figuras en sus pinturas son solamente siluetas; además, los retratos de sus parientes cercanos
(mujer y niños) y las pocas naturalezas muertas son raros.

Según Gustave Geffroy, uno de sus primeros historiógrafos, Sisley tenía un amor instintivo por el
paisaje. Para él no había nada feo en la naturaleza cuando se trataba de la relación entre el cielo y
la tierra. Sisley escribió: "Todas las cosas respiran y florecen en una rica y fértil atmósfera que
distribuye y equilibra la luz, establece la armonía". Para el crítico de arte Raymond Cogniat, "el
espacio de Sisley reúne tres dimensiones y la tercera, que expresa la fuga en la distancia, lo que
sugiere extensiones a derecha e izquierda, así crea bien esa impresión de ventana abierta mediante
la cual hemos definido el impresionismo ".

Inspiración Editar
Sisley eligió el cielo y el agua con implacables reflejos de luz en sus paisajes alrededor de París, la
región de Louveciennes y Marly-le-Roi. En particular, la región de Moret-sur-Loing tuvo un
impacto particular en el trabajo de Sisley, como lo atestigua Una noche en Moret. Fin de octubre,
pintado en 1888. Está en la línea de Constable, Bonington y Turner. Es influenciado por Monet,
pero se aleja de su amigo por su voluntad de construir que le hace respetar la estructura de las
formas.

Al mostrarse sensible al paso de las estaciones, le encantaba traducir la primavera con huertos en
flor; pero era el invierno y el campo nevado lo que atrajo particularmente Sisley cuyo
temperamento reservado prefería el misterio y el silencio a la brillantez de los paisajes soleados de
Renoir.

Place du Chenil à Marly, effet de neige

Influencia del arte japonés Editar
En algunas de las pinturas de Alfred Sisley, se puede percibir una influencia marcada por el arte
japonés. Richard Shone hace derivar la Place du Chenil a Marly, efecto nieve de Sisley de Snow
Night a Kambara de Hiroshige.

Las perspectivas de sus pinturas muestran la influencia de Hokusai, que descubrió gracias a
Claude Monet. Por lo tanto, un puente se dobla en el Pont de Villeneuve-la-Garenne, un
campanario se eleva en un cielo lluvioso en la Grand-Rue en Argenteuil y un camino en una
ciudad en el Chemin de la Machine, Louveciennes.
Intenciones Artísticas Editar
Gustave Geffroy, en particular, parece admitir que Sisley gozó de reconocimiento como pintor
impresionista al día siguiente de su desaparición: "El día en que la muerte de Sisley fue anunciada
después de tantos sufrimientos voluntariamente ocultos, causó emoción en todo el público
informado. Los lienzos que esperaban comprador en el mundo, por los caprichos de los
aficionados, fueron inmediatamente buscados."

Hiroshige noche de nieve en Kambara

Hoy en día algunos historiadores coinciden en que el artista es el más puro representante del
impresionismo en espíritu y forma, por su elección del paisaje, su tratamiento de las variaciones
atmosféricas, la delicadeza de sus toques y sus colores. Pero al mismo tiempo se le reprocha su
falta de evolución en su pintura y sus investigaciones y motivos pictóricos.

Para François Daulte, que es el autor de su catálogo razonado, esta fácil crítica de la aparente
monotonía de las pinturas esconde la característica esencial de Sisley: "Sisley ha visto la
naturaleza más profunda que en la superficie ... siempre ha considerado que la expresión espacial
era la parte esencial del programa pictórico, la parte que le pertenece por derecho propio y que no
debe apartarse de ella. Es por esta razón, sin duda, Sisley no se ha cansado de pintar senderos
arbolados a lo largo de su carrera, que desaparecen poco a poco a lo lejos ". Así los caminos y los
ríos que huyen son sus motivos favoritos que repite al infinito.

El Cielo es otro componente esencial de su arte que trata con la misma preocupación por la verdad
espacial. Ocupa casi siempre las tres cuartas partes del lienzo. Sisley, de hecho, lo considera como
algo "que no puede ser sino un fondo. Por el contrario, contribuye no sólo a dar profundidad a sus
planos (porque el cielo tiene planos como la tierra), sino que también da movimiento por su forma,
por su disposición en relación con el efecto o la composición de la pintura". Para Sisley, un buen
artista impresionista, no descuida el momento y el movimiento querido por todos sus colegas. Le
gustaba pintar las estaciones, las variaciones atmosféricas, las horas del día ...[2]

Pintor de los caminos, es aún más pintor de agua, ríos con muelles tranquilos y bancos con hojas
en movimiento. A menudo es una impresión de calma y serenidad la que emerge de sus obras.
Geffroy resumió lo siguiente: "Sisley vivió la vida desinteresada y profunda del paisajista amante
de la naturaleza, lejos de la vida social. Y a pesar de las penas y tristezas que tuvo que soportar, es
de esperar que tuviera el puro gozo del olvido en las horas de trabajo, que conociera la serenidad y
la felicidad expresadas por su obra de verdad y luz."

Evolución artística Editar

Obras juveniles Editar

Alfred Sisley. Rocas de Langland.

Pinta un pequeño número de pinturas en una gama oscura hecha de marrones y de verdes
profundos. Sisley revela su admiración por Camille Corot o Gustave Courbet, sus primeros
maestros, al afirmar un gusto por los valores y el espacio. Es a partir de 1870 que su paleta se
aclara sobre todo en sus numerosos paisajes que representan las orillas del Sena y los canales
parisienses. Este patrón de los bordes del agua será uno de los temas favoritos de Sisley hasta el
final de su vida.

Las seriesEditar
Desde comienzos de la década de 1890, Sisley comenzó una serie de pinturas que representan el
mismo tema en diferentes épocas (las antiguas casas de Saint-Mammès, los caminos de los
Sablons, los callejones del Loing ...). Es su manera de afirmarse y expandirse a expensas de una
visión menos espontánea, sin embargo en las palabras de Claude Roger-Marx "se encuentra el
timbre angelical de la antigüedad. Insistiendo en lo que él llamó con ternura "el rincón amado de
la imagen"."

Fin de carrera Editar

Su estancia en Penarth en Gales desde julio de 1897 le dio la oportunidad de representar una
naturaleza grandiosa en varias marinas, estudiando especialmente los efectos de la luz sobre la
arena y el agua. Pinta los acantilados de Langland, las enormes rocas contra las que se aplastan las
olas verdes de espumas espumosas.

Obras en museos y colecciones públicas Editar

Alfred Sisley. Une rue a Marly.

En Argelia
Argel, musée des beaux-arts : Le Canal de loing
En Alemanía
Mannheim, Kunsthalle : Une rue à Marly, 1876
Múnich, Neue Pinakothek : Le Chemin vers Hampton Court, 1874
En Bélgica
Bruselas, musées royaux des beaux-arts de Belgique : Route de Louveciennes, 1873-1874
En Dinamarca

Alfred Sisley. La machine de Marly.

Copenhague, Ny Carlsberg Glyptotek : La Machine de Marly, 1873
En España

Vista de Saint-Mammès, MNAC de Barcelona

En Estados-Unidos

Alfred Sisley. La Seine à Pont de Marly, les piles de sable.

L'Abreuvoir à Marly-Le-Roi, gelée blanche.

Chicago, Institut d'art de Chicago : La Seine à Port-Marly - Les piles de sable, 1875
New York, Metropolitan Museum of Art :
Le Pont à Villeneuve-la-Garenne , 1872, huile sur toile, 49,5 × 65,4 cm
La Seine à Bougival, 1876
Pittsburgh, Carnegie Museum of Art : Vue de Saint-Mammès, 1881
Richmond, musée des beaux-arts de Virginie : L'Abreuvoir à Marly-Le-Roi, gelée blanche, 1875
Toledo, musée d'art de Toledo : L'Aqueduc de Marly (1874)
Washington, National Gallery of Art : Les Berges de l'Oise, 1877-1878
En Francia

Alfred Sisley - Aqueduct at Marly

Alfred Sisley. Les Berges de l'Oise

Agen, musée des beaux-arts : Matinée de septembre, 1887, huile sur toile
Aix-les-Bains, musée Faure : La Seine à Argenteuil, 1872
Avignon, musée Calvet : L'Église de Moret, 1894
Dijon, musée des beaux-arts de Dijon : Saint-Mammès sur le Loing, 1886, huile sur toile, 54 x 73
cm
Grenoble, musée de Grenoble : Vue de Montmartre, depuis la Cité des Fleurs aux Batignolles,
1869
Le Havre , musée d'art moderne André-Malraux :
La Seine au point du jour, 1877
Le Loing à Saint-Mammès, 1885
Le Pont de Moret, effet d’orage, 1887
Lille, palais des beaux-arts :
Port Marly, gelée blanche, 1872
En hiver, effet de neige, 1876
Après la débâcle, la Seine au pont de Suresnes, 1880
Lyon, musée des beaux-arts : La Seine à Marly, 1876
Paris, musée de l'orangerie : Le Chemin de Montbuisson à Louveciennes, 1875, huile sur toile
Paris, musée d'Orsay :[3]
Vue du canal Saint-Martin, 1870
Le Canal Saint-Martin, 1872
Passerelle d'Argenteuil, 1872
Rue de la Chaussée à Argenteuil, 1872
Louveciennes. Sentier de la Mi-côte, 1873
Le Chemin de la Machine, Louveciennes, 1873
Les Régates à Moseley, 1874
Village de Voisins, 1874
La Forge à Marly-le-Roi, 1875
La Neige à Louveciennes, 1875
L'Inondation à Port-Marly, 1876
Le Repos au bord d'un ruisseau. Lisière de bois, 1878
Allée de peupliers aux environs de Moret-sur-Loing, 1890
Paris, Musée du Petit Palais : Allée de châtaigniers à La Celle-Saint-Cloud, 1865
Rouen, musée des beaux-arts : La Place du Chenil à Marly, effet de neige, 1876
En la República Checa
Prague, Galerie nationale de Prague : Pont de Sèvres, 1877, huile sur toile
En el Reino Unido
Inglaterra
Londres, National Gallery : Les Petits Prés au printemps, 1880-1881
Escocia
Glasgow, Burrell Collection (en), L'Église de Noisy-le-Roi, effet d'automne, 1874
En Suiza
Winterthour, musée des beaux-arts : Sous le pont de Hampton Court, 1874
Galería Editar

Inundación en Port-Marly, 1876, óleo sobre lienzo, 50,5 x 61 cm, Museo de Orsay, París.

Avenida de castaños cerca de La Celle-Saint-Cloud, 1865

Puente en Villeneuve-la-Garenne 1872

Puente en Hampton Court, 1874

Presa de Molesey - mañana, 1874

Regata en Hampton Court, 1874

Regata en Molesey, 1874

Pradera, 1875

Inundación en Port-Marly, 1876. Museo de Orsay

Vista de Saint-Mammès, (circa 1880). Museo Walters.

La terraza de Saint-Germain en primavera, 1875, Museo Walters.

Véase tambiénEditar
Impresionismo
Enlaces externo Editar
Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Alfred Sisley.
El impresionismo de Sisley
https://www.wikiart.org/en/alfred-sisley/all-works
Referencias Editar
↑ Shone, Richard (1999). Sisley. Phaidon Press Ld. ISBN 9780714838922.
↑ «Aix-en-Provence : rétrospective d'Alfred Sisley, "le plus paysagiste des impressionnistes"».
Franceinfo (en fr-FR). 11 de junio de 2017. Consultado el 5 de septiembre de 2017.
↑ «Musée d'Orsay: Notice d'Oeuvre». www.musee-orsay.fr (en francés). Consultado el 5 de
septiembre de 2017.

Última edición hace 2 meses por Alpinu

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Berthe Morisot
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Pintora
Berthe Morisot (Bourges, 14 de enero de 1841-París, 2 de marzo de 1895) fue una pintora
impresionista francesa.

Berthe Morisot
Edouard Manet - Berthe Morisot With a Bouquet of Violets - Google Art Project.jpg
Retrato de Berthe Morisot por Édouard Manet, 1872 (Museo de Orsay), París.
Información personal
Nacimiento
14 de enero de 1841
Bandera de Francia Bourges, Cher, Francia
Fallecimiento
2 de marzo de 1895 (54)
París
Lugar de sepultura
Cementerio de Passy Ver y modificar los datos en Wikidata
Nacionalidad
francesa
Familia
Cónyuge
Eugène Manet
Hijos
Julie Manet Ver y modificar los datos en Wikidata
Educación
Alumna de
Camille Corot Ver y modificar los datos en Wikidata
Información profesional
Área
Pintura
Obras notables
La cuna Ver y modificar los datos en Wikidata
[editar datos en Wikidata]
Índice
Biografía Editar

Berthe Morisot au soulier rose, por Édouard Manet en 1872, Hiroshima Museum of Art.

Edma Morisot lisant, por Berthe Morisot en 1867, Cleveland Museum of Art.

Madame Théodore Gobillard, nacida Yves Morisot, por Edgar Degas en 1869, Metropolitan
Museum of Art.
Nacida en el seno de una familia burguesa, fue precisamente su familia quien animó a Berthe y a
su hermana Edma a iniciarse en el arte. Morisot demostró las posibilidades de las mujeres en las
artes a fines del siglo XIX.

A la edad de 20 años, Berthe Morisot conoció a Camille Corot, importante paisajista de la Escuela
de Barbizon, quien la admitió como su discípula y la introdujo en los círculos artísticos.

Morisot decidió ser una artista a pesar de su condición de gran dama, de mujer burguesa, urbana e
interesada por la moda y la activa vida cultural de la época, no dedicándose de forma aficionada
como otras damas de su época sino adoptando una postura muy radical que la vincularía al grupo
de artistas impresionistas, la vanguardia del momento.
Pronto adquirió la técnica impresionista de pintar al aire libre, donde creaba pequeños cuadros y
esbozos para grandes obras que terminaba en el estudio. Su primera participación en el Salón de
París fue en 1864 con dos paisajes y continuó exhibiendo continuamente en el Salón hasta 1874,
año de la primera exposición impresionista, en la que participó con La cuna.

En 1868, conoció a Édouard Manet y en 1874 se casó con el hermano de este, Eugène Manet. Ella
fue la que convenció al maestro de pintar al aire libre y lo atrajo al grupo de pintores que serían
posteriormente los impresionistas. Manet, sin embargo, nunca se consideró impresionista, ni
estuvo de acuerdo con exhibir sus obras junto al grupo.

Morisot, junto a Camille Pissarro, fueron los dos únicos pintores que tuvieron cuadros en todas las
exposiciones impresionistas originales. Asimismo, fue la modelo de Manet tanto en diversos e
importantes retratos como en su obra de gran formato El Balcón, donde el pintor francés da cuenta
de su admiración por la obra de Goya, tratanto el mismo tema de su Majas en el balcón obra
menos conocida en España pues se encuentra en una colección privada suiza.

Al igual que Mary Cassatt, Eva Gonzalès o Marie Bracquemond, Berthe Morisot fue relegada a la
categoría de artistas femeninas por su temática de la vida cotidiana (mujeres, niños y escenas
domésticas). Sin embargo, como mandaba la doctrina impresionista, Morisot pintaba la
inmediatez, lo que veía en su vida normal. Como una mujer de la alta burguesía, estaba habituada
a escenas domésticas, deportes campestres y un amplio círculo de mujeres y niños, ya que el
mundo masculino les estaba vetado.

Sin excepción, sus cuadros muestran unos temas equivalentes al de sus colegas masculinos. Edgar
Degas, también de clase burguesa, pintaba ensayos de ballet, carreras de caballos, desnudos
femeninos y a la propia Berthe durante su etapa de formación, pasada como "copista" de los
grandes maestros en el Louvre. Claude Monet pintaba los nenúfares de su jardín, a sus hijos, etc.
Las mujeres impresionistas pintaban su entorno social bajo el enfoque impresionista. A pesar de
esto, la figura de Berthe Morisot, junto a las de otras maestras de la pintura, quedó ensombrecida
por el conjunto del movimiento y en especial de los pintores masculinos. La técnica que desarrolla
Morisot se basa en un tratamiento de pinceladas suaves desde un principio hasta que evoluciona a
un impresionismo más expresado en la pincelada, en concreto a partir de 1873, cuando el
tratamiento más libre de las pinceladas rápidas y planas y la atmósfera más tratada con el color
permitían reflejar una estética más de índole impresionista. Mallarmé la definía como "polvo
volátil": una pintura etérea, con figuras muy introspectivas y melancólicas pero que al mismo
tiempo transmiten una alegría de vivir que produce satisfacción a quien las contempla, una pintura
de gran delicadeza.

A partir de 1880, la influencia de Renoir se refleja en su obra. La frescura luminosa de su paleta, la

factura libre y vigorosa, así como, la atmósfera poética de sus lienzos, son reconocidas y
admiradas. En 1892 la galería Boussod-Valadon le dedica una exposición que tuvo un gran éxito.

La vida de Berthe Morisot se vio ensombrecida por la muerte de Édouard Manet en 1883, la de su
esposo, Eugène Manet, en 1892, y la de su hermana Yves (1893). Educó sola a su única hija, Julie
Manet, con quien mantuvo siempre lazos muy fuertes. Al morir a los cincuenta y cuatro años,
confió su hija a sus amigos, Edgar Degas y Stéphane Mallarmé.

Murió el 2 de marzo de 1895 en París y está enterrada en el cementerio de Passy en París.

En la actualidad, sus pinturas pueden alcanzar cifras de más de 4 millones de dólares.[cita

requerida]

Galería Editar

En el balcón (1873); Instituto de Arte de Chicago

Eugène Manet en la isla de Wight (1875); Museo Marmottan de París

En el comedor (1875); Galería Nacional de Arte de Washington

Invierno o Mujer con manguito (1880); Museo de Arte de Dallas

En los trigales de Gennevilliers (1875); Museo de Orsay de París

La lectura (1869-70); Galería Nacional de Arte de Washington

Un día de verano (1879); National Gallery de Londres

La cuna (1872); Museo de Orsay de París

Bateaux sur la Seine, 1898

Véase tambiénEditar
Impresionismo
Enlaces externos Editar
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