Impresionismo

Impresionismo
Claude Monet, Impression: soleil levant, 1872–1873. Cuadro al que debe su nombre el
movimiento.Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como música
y literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura
impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda
mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes
rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en
la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas
con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que
subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con
ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo
diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo
del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.
Precedentes [editar]1- Definición: Aunque el término Impresionismo se aplica en
diferentes artes como música y literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la
precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se
desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en
Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la
«impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba.
Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el
momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue
bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro
de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica,
su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del
postimpresionismo y las vanguardias.
2-características: Las características principales pueden ser las siguientes: es una pintura
naturalista, que pretende captar el instante, el movimiento, lo fugaz. Cada obra tiene una
paleta de colores limitada, que se logran por yuxtaposición de trazos, y en donde no se
utliza el negro.
3-artistas representativos: Joseph Mallord, William Turner , John Constable, Édouard

Manet, Jean-Baptiste, Camille Corot, Alfred Sisley, Hilaire Germain Edgar Degas,
Berthe Morisot, Felipe Morales.
Paisajistas ingleses [editar]

John Ruskin, Importante teórico inglés del Romanticismo, defendía la impresión frente a
la descripciónEn la primera mitad del siglo XIX, en pleno Romanticismo, Joseph Mallord
William Turner y John Constable —pintores paisajistas ingleses— sentarían las bases
sobre las que más adelante trabajarían los impresionistas.
De Turner los impresionistas tomarían su gusto por la fugacidad, sus superficies borrosas
y vaporosas y el difuminado y mezcla de colores intensos. Así como la descripción de un
momento visual más allá de la descripción formal, en el que la luz y los colores dan lugar
a una «impresión» más poderosa. El máximo exponente de estas características lo
encontramos en Lluvia, vapor y velocidad (1844) National Gallery de Londres, cuadro
que podríamos considerar ya preimpresionista. Los impresionistas eliminarán el
componente sublime de la obra de Turner, propio de la pintura romántica.
Édouard Manet [editar]

Édouard Manet, Le Déjeuner sur l'Herbe (1863). Museo de Orsay
Édouard Manet, El bar del Folies-Bergère (1881–1882) Courtauld Institute de LondresSi
hay un autor clave entre los precursores del movimiento impresionista, éste es Édouard
Manet. Dos trabajos son esenciales en la comprensión de su influencia sobre el grupo.
En su Almuerzo sobre la hierba Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras
representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza
muerta. Esto se evidencia por la ausencia de conexión de unos personajes con otros, tres
personajes van vestidos mientras que el cuarto está desnudo; las miradas nunca se
encuentran aunque haya un personaje hablando y la disposición en primer (cesta y
comida), segundo (grupo) y tercer término (mujer en el agua) es meramente compositiva.
Este trabajo influenciará a los impresionistas en la desatención del modelo y de la
narración.
Por otra parte El bar del Folies-Bergère evidenciará el deseo de tratar los fenómenos
lumínicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las
grandes lámparas de araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa
y, por tanto, más difícil de pintar, recordándonos a las escenas festivas de Renoir.
Corot y la escuela de Barbizon [editar]

Camille Corot, AutorretratoLos impresionistas habían tenido un precedente en Camille
Corot y en la Escuela de Barbizon. Corot tuvo un importante papel en la formulación del
Impresionismo, porque renunció a muchos de los recursos formales renacentistas
prefiriendo concentrar su atención en espacios más planos, más sencillos y en superficies
más luminosas. Y, aunque a diferencia de los impresionistas nunca llegó a fragmentar la
luz en sus componentes cromáticos y siempre organizó y simplificó sus formas para
conseguir una cierta composición clásica, también usó con frecuencia una elevada clave
tonal así como, en términos generales, un frescor y una espontaneidad nuevos en el Salón
oficial. Por su parte, una vez que la Escuela de Barbizon y, en particular, Rousseau.
Historia [editar]
Millet, Les Glaneuses (1857), Museo de Orsay.
Inicios [editar]Con anterioridad al Impresionismo, el marco artístico, era dominado por
un eclecticismo, al que respondió la generación de las rupturas estilísticas, una serie de
rupturas que darán personalidad propia al arte moderno. La primera de ellas o, si se
prefiere, su preámbulo, es el Impresionismo, un movimiento, resultado de una prolongada
evolución, que coloca definitivamente al siglo XIX bajo el signo del paisaje y que busca
un lenguaje nuevo basado en un naturalismo extremo.
Tiende a usar con creciente frecuencia colores puros y sin mezcla, sobre todo los tres
colores primarios y sus complementarios, y a prescindir de negros, pardos y tonos
terrosos. Aprendieron también a manejar la pintura más libre y sueltamente, sin tratar de
ocultar sus pinceladas fragmentadas y la luz se fue convirtiendo en el gran factor
unificador de la figura y el paisaje.
Nadar, Autorretrato
Florecimiento y primera exposición [editar]El año 1873 marcará un giro característico
del Impresionismo: el paso de la fase preparatoria a la fase de florecimiento. Los tanteos
estaban olvidados y el trabajo adelantado. Pisarro y Monet habían hecho en Londres
estudios de edificios envueltos en nieblas; Alfred Sisley, aún más vaporoso, se les había
adelantado por ese camino; Renoir se hallaba, de momento, bajo la total influencia de
Monet; y Edgar Degas empezaba a tratar los tutús de sus bailarinas del mismo modo que
Monet o Renoir las flores del campo.
Todos los impresionistas, incluyendo a Berthe Morisot, eran ya conscientes de formar un

grupo y de tener iguales objetivos que defender. Su primera aparición pública como tal se
estaba fraguando. A fin de pesar más a los ojos del público intentaron atraerse a otros
artistas y fundaron una Sociedad anónima de pintores, escultores y grabadores que, por
fin, en 1874, logró organizar una muestra en los salones del fotógrafo Nadar. En total
participaron treinta y nueve pintores con más de ciento sesenta y cinco obras de las que
diez eran de Degas, la mayor aportación individual del grupo, y entre las que estaba la ya
legendaria Impresión: sol naciente de Monet que, burlonamente citada por un crítico, dio
nombre al grupo.
Técnica y estética impresionista [editar]

Colores puros [editar]
Claude Monet, Catedral de Ruán. En la entrada principal de la catedral distinguimos azul
ultramar y violeta para las sombras (colores más saturados que la parte superior, más
iluminada) al igual que naranja dentro de la misma zona de sombra para definir los
reflejos en la oscuridad.La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes
evoluciones científicas y técnicas que permitieron la creación de nuevos pigmentos con
los que los pintores darían nuevos colores a su pintura, generalmente al óleo. Los pintores
consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables, en ocasiones,
con productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas
dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo color es relativo a los colores
que le rodean», y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de colores
puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos. Las sombras pasaron de estar
compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores fríos o desaturados que, a
la vez, creaban ilusión de profundidad. Del mismo modo, las luces pasaron de ser claras a
ser saturadas y cálidas, resaltando del fondo. Podemos decir que, rompiendo con la
dinámica clásica del claroscuro, más propio del dibujo, una sombra podría ser más
intensa, clara y saturada que una luz y, sin embargo, seguir creando ilusión de sombra y
profundidad. Asimismo enriquecieron el lenguaje plástico separando los recursos propios
del dibujo y aplicando únicamente los recursos propios de la pintura: es decir, el color.
Para definir la forma, su riqueza de color les permitió afinar el volumen mediante más
matices lumínicos, creando luces dentro de las zonas de sombra y sombras dentro de las
zonas iluminadas recurriendo únicamente al uso del color. Un buen ejemplo del uso de
los colores saturados para luces y sombras indistintamente lo encontramos en el cuadro
La catedral de Ruán de Claude Monet al lado. Este uso de los colores sería absorbido
después por las primeras vanguardias, especialmente por el fauvismo de Matisse o
Gauguin.
Pincelada gestáltica [editar]

Claude Monet, Parlamento de Londres. Pinceladas lineales de colores puros dan lugar a
una visión unitaria de atmósfera y gradación de cálidos a fríos.
Seurat, La Parade. Los neoimpresionistas llevaron al extremo esta pincelada gestáltica, en
este caso en forma de puntos, dando lugar a un color y forma unitarios.Aunque la teoría
gestáltica apareció más adelante, los pintores impresionistas mostraron plásticamente lo
que la psicología de la Gestalt vendría a demostrar psicológica y científicamente más
adelante: perceptivamente, si se dan ciertas condiciones, partes inconexas dan lugar a un
todo unitario. El uso de pequeñas pinceladas de colores puros resultó en un todo vibrante;
y, aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del
modelo, en conjunto —al ser percibidas global y unitariamente— adquirían la unidad
necesaria para percibir un todo definido. Este recurso fue llevado al máximo por los
neoimpresionistas, también conocidos como puntillistas como Seurat o Signac.
Forma [editar]
Auguste Renoir, La Balançoire. La plasmación de la luz sobre el cuerpo es más
importante que la descripción de su forma.La descripción de la forma, relegada a segundo
plano y dejada a manos del dibujante y no del pintor queda subordinada a la definición de
las condiciones particulares de iluminación. Por eso los artistas impresionistas buscarán
condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio, recurriendo a
iluminaciones de interior por luz artificial —como Edgar Degas y sus bailarinas—, a
iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz pasando entre hojas de
árboles— o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente como
Claude Monet. La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrínseco: la luz y el color
y en ningún caso a la descripción formal del volumen heredada del clasicismo; Así las
formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la
que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da nombre al movimiento.
Variantes en la estética impresionista [editar]No todos los pintores del grupo fueron
iguales y, ni mucho menos, fielmente ortodoxos con respecto a la estética impresionista.
Las sólidas estructuras de luz y sombra de Eduard Manet fueron realizadas en su mayoría
en interiores, después de muchos estudios preliminares, y tienen la dicción formal del arte
de estudio, no la frescura de la pintura al aire libre. La atmósfera y el color local no eran,
ni mucho menos, sus objetivos primordiales, y cuando representaba lo que parece, a
primera vista, un tema «impresionista» era capaz de cargarlo con tantas ironías y
contradicciones que llegaba a empañar toda su inmediatez.
Dejando aparte a Berthe Morisot, el pintor del grupo que más se le aproxima es Edgar
Degas, con una pintura difícil de comprender por su aguda inteligencia, sus intrigantes
mezclas de categorías, sus influencias poco convencionales y, sobre todo, su tan traída y
tan llevada «frialdad», aquella fría y precisa objetividad que fue una de las máscaras de
su infatigable poder de deliberación estética.
De hecho, ningún pintor del grupo es tan puramente impresionista como Claude Monet.
En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de
visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y
superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia.
Por su parte, Renoir es el pintor que nos convence de que la estética del Impresionismo
fue, sobre todo, hedonista. El placer parece la cualidad más evidente de su obra, el placer
inmediato y ardiente que produce en él la pintura. Nunca se dejó agobiar por problemas
de estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una
pared y que por eso era importante que los colores fueran agradables por sí mismos.
Sin duda, Camille Pisarro fue el menos espectacular de los impresionistas porque es un
pintor más tonal que esencialmente colorista. Pero, decano del Impresionismo, tuvo un
importante papel como conciencia moral y guía artístico.
Y, por último, trabajando a veces con Renoir y a veces con Monet, estaba Alfred Sisley,
influido por ambos. Durante toda su vida siguió fielmente las directrices de los
impresionistas pero nunca llegó a abandonar «la caza del motivo» y siempre se dejó
llevar espontáneamente, con una facultad de comunicación directa, por un Romanticismo
subyacente y lleno de poesía.
Recordando siempre que la primera manifestación oficial del impresionismo fue la

exposición organizada en 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar, al margen del Salón
oficial, por un grupo de pintores (Bazille, Cézanne, Degas, Monet, Morisot, Pissarro,
Renoir, Sisley), cuyas obras motivaron el rechazo generalizado de la crítica y del público.
Un cuadro de Monet, Impresión, sol naciente, motivó la denominación «impresionismo»,
creada con intención peyorativa por el crítico Leroy. Esta primera muestra fue el punto de
llegada de un período de formación iniciado unos quince años antes por un grupo de
artistas de la Academia Suiza (Pissarro, Cézanne, Guillaumin, Monet, Renoir, Sisley,
Bazille), quienes, interesados en romper con los planteamientos pictóricos tradicionales y
a partir de las innovaciones de Corot y de los paisajistas de la escuela de Barbizon, se
centraron en la pintura al aire libre y buscaron el plasmado cambiante de la luminosidad
de los paisajes y de las figuras humanas. Durante este período inicial fue fundamental la
figura de Manet, quien, con La merienda campestre y con Olimpia, se convirtió en el
abanderado del antiacademicismo. Tras la primera exposición, los impresionistas
reunieron sus obras en siete ocasiones más (1876, 1877 —que plasmó el momento de
mayor cohesión del movimiento—, 1879, 1880, 1881, 1882 y 1886), a lo largo de las
cuales dejaron de participar algunos de los artistas pioneros (Cézanne, Monet, Renoir,
Sisley) y se añadieron nuevos nombres (Cassatt, Gauguin, Redon, Seurat, Signac). Las
primeras publicaciones importantes sobre la nueva tendencia fueron los artículos de Zola
(en L'Évènement) y de Castagnary (en Le Siècle), La nouvelle peinture (1876), de
Duranti, y la Historia de los pintores impresionistas (1878), de Duret. El impresionismo
creó escuela también en otros países europeos; son de destacar Zandomeneghi en Italia;
en España, Regoyos, finales de 1915, Eugenio Hermoso, La Juma, la Rifa y sus amigas, y
1920 por Sorolla y por último, mucho más tarde y tímidamente en 1988, con el pintor
Estéfano Viu; Claus en Bélgica, Grabar e Isaac Levitán en Rusia, Steer y Sickert en Gran
Bretaña y Sargent, Hassam y Twachtman en EE UU.
Tenemos que recordar que también implicó a los músicos impresionistas, frente al
dramatismo de los románticos, trataron de aludir más que de afirmar y se expresaron más
por medio de la disociación armónica y del timbre y del color de los instrumentos que por
medio de la melodía. Sus máximos representantes fueron C. Debussy y M. Ravel, aunque
también estuvieron influenciados por esta técnica autores como P. Dukas, F. Delius, A.
Caplet, F. Schmitt o R. Vaughan Williams.
Lista de autores [editar]

Grupo impresionista [editar]Frédéric Bazille
Gustave Caillebotte
Mary Cassatt
Paul Cézanne (Considerado impresionista, aunque más adelante dejará el grupo y se
anticipará al constructivismo)
Edgar Degas
Armand Guillaumin
Édouard Manet (aunque podría considerarse pre-impresionista, se le suele introducir en el
grupo)
Claude Monet (el más prolífico y quien más definió la estética del grupo)
Berthe Morisot
Camille Pissarro
Pierre-Auguste Renoir
Alfred Sisley
Frédéric Bazille
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Autorretrato (1865-1866)(Jean) Frédéric Bazille (6 de diciembre de 1841 - 28 de

noviembre de 1870) fue un pintor francés impresionista conocido por sus pinturas de
retratos. Nacido en Montpellier, Hérault, Francia, en el seno de una familia protestante de
clase media, se interesó por la pintura tras ver algunas de las obras de Eugène Delacroix.
Su familia consintió en permitirle estudiar bellas artesBazille con la condición de que
estudiara también medicina.
Fréderic empezó a estudiar medicina en 1859 y se trasladó a París en 1862 para continuar
los estudios. Allí conoció a Pierre-Auguste Renoir, quedó cautivado por el impresionismo
y empezó a asistir a clases en el estudio de Charles Gleyre. Al suspender sus exámenes
médicos en 1864, comenzó a pintar a tiempo completo. Entre sus amigos más cercanos
estaban Claude Monet, Alfred Sisley y Édouard Manet.
Su posición en una familia acomodada le ayudó a apoyar a algunos de estos artistas

ofreciéndoles espacio en su estudio y materiales para pintar.
Bazille tenía solamente veintitrés años cuando pintó varias de sus más famosas obras,
entre ellas El vestido rosa. Su obra más conocida es Reunión familiar (1867 - 1868).
Fréderic Bazille se unió a un regimiento Zuavo en agosto de 1870, un mes después del
estallido de la Guerra Franco-prusiana y murió en combate el mismo año en Beaune-la-
Rolande cuando sólo contaba veintinueve años.
Obras principales [editar]

Reunión familiarLa Robe rose, (1864) - 147 x 110 cm, Musée d'Orsay, Paris
Atelier de la rue Furstenberg, - 80 x 65 cm, Musée Fabre, Montpellier
Aigues-Mortes, - 46 x 55 cm, Musée Fabre, Montpellier
Autportrait, (1865) - 109x72 cm, The Art Institute, Chicago
Réunion de Famille, (1867) - 152 x 230 cm, Musée d'Orsay, Paris
Le Pécheur à l'épervier, (1868) - 134 x 83 cm, Fondation Rau pour le tiers-monde, Zürich
Vue de village, (1868) - 130 x 89 cm, Musée Fabre, Montpellier
Scène d'été, 1869 - 158 x 158 cm, Cambridge, Harvard University
La Toilette, (1870) - 132 x 127 cm., Musée Fabre, Montpellier
L'Atelier de la rue Condamine, (1870) - 98 x 128.5 cm, Musée d'Orsay, Paris
Paysage au bord du Lez, (1870) - 137.8 x 202.5 cm, The Minneapolis Institute of Arts,
Minneapolis
Gustave Caillebotte
Gustave Caillebotte (Autorretrato - 1892)Gustave Caillebotte (París, 19 de agosto de
1848 - Gennevilliers, 21 de febrero de 1894), fue un pintor francés, coleccionista,
mecenas y organizador de exposiciones. Falleció a la edad de 45 años. Está enterrado en
el cementerio de Père Lachaise, en París.
Biografía [editar]Después de empezar estudios de derecho, entró en el taller del pintor

académico Léon Bonnat. En el año 1873, consigue el examen de entrada en la Escuela de
Bellas Artes. Es de una familia de industriales, y hereda a la muerte de su padre, en 1874
una propiedad en Yerres (Essonne- Francia) una fortuna bastante importante para
permitirle consagrarse a su pasión por la pintura. También utiliza su fortuna para hacer de
mecenas de sus amigos pintores, entre los cuales están Renoir, Degas o Monet. Financia
también la organización de exposiciones impresionistas. En el año 1875, su cuadro Los
acuchilladores del parqué (Les Raboteurs de parquet) fue rechazado por el Salón. Los
años siguientes, expondrá en el curso de las diferentes exposiciones impresionistas.
Compra también cuadros a Paul Cézanne, a Edgar Degas, a Édouard Manet y a Camille
Pissarro. Pero quedará siempre un poco aparte, privilegiando la fibra naturalista frente a
la emoción.
Obras [editar]Femme à sa toilette (1873), colección privada

Les Jardiniers (1875-1877)
Les Raboteurs de parquet (1875), Museo de Orsay, París
Le pont de l'Europe (1876), Musée du Petit Palais en Genève
La Place de l'Europe, temps de pluie (1877), Art Institute en Chicago
Les Perissoires (1877), National Gallery of Art en Washington
Canotiers (1877), Colección privada, Francia
La Partie de bateau (1877), Colección privada, París
La Gare Saint Lazare (1877), M. Orsay
Vue de toits, effet de neige (1878), M. Orsay
Les Orangers (1878), Museum of Fine Arts à Houston
Canotiers ramant sur l'Yerres (1879)
La Partie de besigue (1880), Colección privada
L'Homme au balcon, boulevard Haussmann (1880), vendida por 14 306 000 $ por
Christie's en mayo de 2000
Dans un café (1890), Museo de Bellas Artes de Ruán- Francia
Gustave Caillebotte, autoportrait (1892)
Arbre en fleurs, petit Gennevilliers, vendida por 1 046 583 € en junio de 2004
Los acuchilladores del parqué (Les raboteurs de parquet) (1875)

Museo de Orsay - Paris
La Place de l?Europe en París, bajo la lluvia (La Place de l'Europe, temps de pluie)
(1877)
Art Institute - Chicago
Gustave Caillebotte
Gustave Caillebotte (Autorretrato - 1892)Gustave Caillebotte (París, 19 de agosto de

1848 - Gennevilliers, 21 de febrero de 1894), fue un pintor francés, coleccionista,
mecenas y organizador de exposiciones. Falleció a la edad de 45 años. Está enterrado en
el cementerio de Père Lachaise, en París.
Biografía [editar]Después de empezar estudios de derecho, entró en el taller del pintor

académico Léon Bonnat. En el año 1873, consigue el examen de entrada en la Escuela de
Bellas Artes. Es de una familia de industriales, y hereda a la muerte de su padre, en 1874
una propiedad en Yerres (Essonne- Francia) una fortuna bastante importante para
permitirle consagrarse a su pasión por la pintura. También utiliza su fortuna para hacer de
mecenas de sus amigos pintores, entre los cuales están Renoir, Degas o Monet. Financia
también la organización de exposiciones impresionistas. En el año 1875, su cuadro Los
acuchilladores del parqué (Les Raboteurs de parquet) fue rechazado por el Salón. Los
años siguientes, expondrá en el curso de las diferentes exposiciones impresionistas.
Compra también cuadros a Paul Cézanne, a Edgar Degas, a Édouard Manet y a Camille
Pissarro. Pero quedará siempre un poco aparte, privilegiando la fibra naturalista frente a
la emoción.
Obras [editar]Femme à sa toilette (1873), colección privada

Les Jardiniers (1875-1877)
Les Raboteurs de parquet (1875), Museo de Orsay, París
Le pont de l'Europe (1876), Musée du Petit Palais en Genève
La Place de l'Europe, temps de pluie (1877), Art Institute en Chicago
Les Perissoires (1877), National Gallery of Art en Washington
Canotiers (1877), Colección privada, Francia
La Partie de bateau (1877), Colección privada, París
La Gare Saint Lazare (1877), M. Orsay
Vue de toits, effet de neige (1878), M. Orsay
Les Orangers (1878), Museum of Fine Arts à Houston
Canotiers ramant sur l'Yerres (1879)
La Partie de besigue (1880), Colección privada
L'Homme au balcon, boulevard Haussmann (1880), vendida por 14 306 000 $ por
Christie's en mayo de 2000
Dans un café (1890), Museo de Bellas Artes de Ruán- Francia
Gustave Caillebotte, autoportrait (1892)
Arbre en fleurs, petit Gennevilliers, vendida por 1 046 583 € en junio de 2004
Los acuchilladores del parqué (Les raboteurs de parquet) (1875)

Museo de Orsay - Paris
La Place de l?Europe en París, bajo la lluvia (La Place de l'Europe, temps de pluie)
(1877)
Art Institute - Chicago
L'homme au balcon, boulevard Haussmann (1880)
Mary Cassatt
Autorretrato. Metropolitan Museum of Art, Nueva York.

Niñas jugando en la playa (Children on the Beach), 1884, óleo sobre lienzo, 97,6 x 74,2
cm, Galería Nacional de Arte, Washington DCMary Stevenson Cassatt (Allegheny City,
Pennsylvania, 22 de mayo de 1844 – Château de Beaufresne, en las cercanías de París, 14
de junio de 1926). Pintora estadounidense.
Nació en Allegheny City, ciudad que actualmente forma parte de Pittsburgh. Perteneció a
una familia acomodada en donde la educación era muy valorada. Su padre era un
importante hombre de negocios que pensaba que viajar era el mejor modo de aprender,
por lo cual antes de cumplir los diez años, ya había visitado las principales capitales
europeas.
Inició sus estudios de pintura en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania (1861-

1865), a pesar de no contar con la aprobación de sus padres. En 1866 cansada de la
actitud condescendiente de los profesores y alumnos, así como del desarrollo lento de los
cursos, decidió estudiar a los maestros del arte por sí misma y se mudó a París.
Al iniciarse la guerra Franco-Prusiana regreso a los Estados Unidos, a su pequeño pueblo

donde vivió nuevamente con su familia. Su padre aun continuabe resistiéndose a aceptar
su vocación por lo que la ayudaba solo con sus necesidades básicas y no con materiales
artísticos, los cuales además eran muy difíciles de conseguir. En 1871 fue comisionada
por el arzobispo de Pittsburg a realizar unas copias de pinturas en Italia, luego de lo cual
viajó por toda Europa.
En 1872, observamos una maduración en su estilo debido en parte al estudio de los

maestros en los más importantes museos europeos y a las indicaciones de su maestro
Camille Pisarro. Ese mismo año una de sus pinturas fue aceptada por el jurado para
ingresar en el Salon de Paris. Los críticos dijeron que sus colores eran muy brillantes y
que sus retratos demasiado fieles para favorecer al modelo.
Después de ver la obra al pastel de Edgar Degas en la ventana de una galería de arte, supo
que no estaba sola en su rebelión. En una carta a un amigo encontramos los siguiente:
"Solía aplastar mi nariz contra las ventanas para absorber todo lo que podía de su
arte...Cambió mi vida, desde entonces pude ver al arte del modo que siempre quise
verlo".
En 1874 conoció a Edgar Degas quien la invitó a exhibir su trabajo con los
impresionistas, lo que finalmente ocurrió en 1879. Poco después de su triunfo con los
impresionistas, Cassat dejo la pintura para hacerse cargo de su madre y hermana quienes
enfermaron luego de mudarse a París en 1877. Su hermana murió en 1882 pero su madre
recupero la salud luego de lo cual Cassat retomó la pintura a mediados de 1880.
Permaneció unida a este círculo hasta 1886, sin embargo su amistad con Degas y Berthe
Morisot no se disolvió.
El paseo en barca (The Boating Party), pintura de Mary Cassat, h. 1893-1894, óleo sobre
lienzo, 90 x 117 cm, Galería Nacional de Arte, Washington DCEl estilo de Cassat
continuó en evolución, por lo que dejó el impresionismo y se acercó más hacia una
honesta y simple copia de la realidad. Hacia 1886, ya no se identificaba con éste ni con
ningún otro movimiento artístico y empezó a experimentar con varias técnicas. En su
trabajo podemos observar que casi un tercio de sus pinturas nos muestran escenas
domésticas y retratos de madres e hijos en íntima relación.
La década de 1890 fue la época más creativa de Cassat, incluso se convirtió en modelo a
seguir para jóvenes artistas americanas, entre estas destacan Lucy A. Bacon, a quien
Cassat le presento Camille Pisarro. Al iniciarce el nuevo siglo, trabajo como consejera en
varias colecciones de arte donde dejó estipulado que eventualmete donarían sus ventas a
los Museos de Arte Norteamericanos. Sin embargo, el reconocimiento de su arte llego
tardíamente a los Estados Unidos.
En 1891, exhibió una serie de coloridas pinturas entre las cuales estaban Mujer tomando
un baño y El salón de belleza, cuadros inspirados en el arte japonés que fueron exhibidos
en París un año antes.
Como la mayoría de los pintores de su época, Cassatt tiene escasa presencia en los
museos de España. Existe un ejemplo de notable importancia, el lienzo "Maternidad", en
el Museo de Bellas Artes de Bilbao.
Paul Cézanne
Paul Cézanne
Paul Cézanne, hacia 1861
Nacimiento 19 de enero de 1839

Aix-en-Provence, Francia
Defunción 22 de octubre de 1906) (67)
Aix-en-Provence, Francia
Nacionalidad Francesa
Área Pintura
Movimiento Postimpresionismo
Obras destacadas Mujer con cafetera (h. 1890-1895)
La montaña de Sainte-Victoire, vista desde Bibémus (hacia 1898)
Grandes bañistas (1906)
Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 19 de enero de 1839 - ídem, 22 de octubre de 1906),
pintor francés postimpresionista, considerado el padre del arte moderno, cuya obra
estableció las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el
mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras
vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento.
Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma
ocasional. Fue un «pintor de pintores»,[1] que la crítica y el público ignoraban, siendo
apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación
(los nabis o la escuela de Pont-Aven).
Biografía [editar]
Familia y primeros años [editar]Cézanne nació el 19 de enero de 1839 en la ciudad de
Aix-en-Provence, en el sur de Francia.[2] El 22 de febrero, fue bautizado en la iglesia
parroquial, con su abuela y su tío Louis como padrinos.[2] El apellido «Cézanne» parece
proceder de la localidad actualmente italiana de Cesana en los Valles Valdenses o
Piamonte Occidental, y se ha asumido que en último término eran de origen italiano.[3]
Su padre, Louis-Auguste Cézanne (28 de julio de 1798 - 23 de octubre de 1886),[4] era
sombrerero, convirtiéndose en banquero en 1847, como uno de los socios fundadores de
la firma «Cézanne y Chabanel», que prosperó a lo largo de la vida del artista, lo que le
permitió una seguridad financiera inalcanzable para la mayoría de sus contemporáneos.
Por otro lado, su madre, Anne-Elisabeth Honorine Aubert (24 de septiembre de 1814 – 25
de octubre de 1897),[5] era vivaz y romántica, pero se ofendía fácilmente.[6] De ella
heredó Paul su concepto y visión de la vida.[6] Tenía también dos hermanas menores,
Marie y Rose.[2] [7]
Muchacha al piano (La obertura de Tannhäuser), h. 1869, en la que están representadas la

hermana y la madre de Cézanne.En 1852 comenzó sus estudios en el colegio Bourbon
(actualmente, Colegio Mignet) de su ciudad natal, donde entabló relación con Émile
Zola, que estaba en una clase inferior.[8] [7] Permaneció allí durante seis años, aunque en
los dos últimos fue alumno externo.[9] En 1857 se inscribió en la Escuela de Dibujo de
Aix, asistiendo a los cursos de Joseph Gibert, director de la escuela y del museo de bellas
artes de la ciudad.[10]
Desde 1859 hasta 1861 estuvo matriculado, por influencia paterna, en la facultad de
Derecho de la Universidad de Aix, mientras seguía recibiendo lecciones de dibujo.[11]
Pronto comprendió que su verdadera vocación era la pintura. Instaló su primer estudio en
Jas de Bouffan, la casa de campo de su padre. La decoró con temas referentes a Las
cuatro estaciones (1860), que firma, con ironía, como «Ingres».[10] En 1861, después de
una serie de encarnizadas discusiones familiares, recibió una pequeña asignación y
marchó a estudiar arte a París. Le animó mucho a adoptar esta decisión Zola, quien vivía
en la capital desde 1858.
París [editar]Se inscribió en la Academia Suiza (Académie Suisse), una academia
privada en la que trabajaba con modelos del natural, y en la que no había exámenes ni
lecciones[10] , todo ello para preparar el examen de ingreso en la École des Beaux-Arts.
En el Museo del Louvre descubrió la obra de Caravaggio y de Velázquez, lo que marcó
profundamente su evolución artística. Cuando rechazaron su candidatura a la École des
Beaux-Arts, regresó a Aix y aceptó un empleo en el banco de su padre. Sin embargo, en
1862 decidió volver a París para consagrarse definitivamente a la pintura, pasándole su
padre una pensión de 125 francos.[10] Reanudó su amistad con Zola y continuó sus
estudios en la Academia Suiza, donde conoció a Guillaumin y a Camille Pissarro, pintor
mayor que él aunque poco reconocido, que vivía con su numerosa familia en una zona
rural a las afueras de París. Cézanne se sintió de inmediato atraído por los elementos más
radicales del mundo artístico parisino. Admiraba sobre todo al pintor romántico Eugène
Delacroix y, entre los artistas más jóvenes, a Gustave Courbet y a Édouard Manet, que
exponían obras de estilo y temas chocantes para sus contemporáneos. La polémica entre
el arte oficial y los nuevos pintores llevó a la creación, en 1863, del Salon des Refusés
donde se mostraban obras no aceptadas por el jurado oficial del Salón de París. El Salón
oficial, por su parte, rechazó todas las obras que presentó desde 1864 hasta 1869. En
1864 pasó el verano en Aix-en-Provence; es el mismo año en que se celebra una muestra
de la obra de Delacroix, lo que permite a Cézanne conocer su pintura en profundidad.
1869 es el año en el que conoce a la modelo Marie-Hortense Fiquet. En 1870 el Salón
rechazó su Retrato de Achille Emperaire, por entender que era inaceptable al no respetar
la perspectiva ni la corrección anatómica, juzgándolo «en el límite de lo grotesco».[10]
Cuando estalló la Guerra Franco-prusiana en julio de 1870, Cézanne y Hortense dejaron

París para ir a L'Estaque, cerca de Marsella, evitando así el alistamiento. Fue declarado
prófugo en enero de 1871, pero la guerra acabó en febrero y la pareja volvió a París en
verano. En enero del año siguiente, 1872, tuvieron a su hijo Paul en París. Se trasladaron
entonces a Auvers-sur-Oise, donde vivió en casa del Dr. Gachet. La madre de Cézanne
supo de los acontecimientos familiares, pero no su padre, a quien no se le mencionó la
existencia de Hortense por miedo de incurrir en su ira. En Auvers profundiza su amistad
con Pissarro, que vivía en Pontoise. Inicialmente, era la relación de un maestro con su
alumno, con Pissarro ejerciendo una influencia formativa sobre el artista más joven.
Durante mucho tiempo después, Cézanne se describió a sí mismo como el alumno de
Pissarro, refiriéndose a él como «Dios Padre» y diciendo «Todos nosotros provenimos de
Pissarro».[12] Bajo la tutela de Pissarro, en el corto periodo comprendido entre 1872 y
1873, Cézanne pasó de los tonos oscuros a los colores brillantes y comenzó a
concentrarse en escenas de la vida rural. A lo largo de la siguiente década, sus
excursiones para pintar paisajes juntos, del natural, en Louveciennes y Pontoise, llevaron
a una relación de trabajo en colaboración entre iguales.
Una moderna Olimpia, h. 1873-74, obra de Cézanne presentada en la primera muestra

impresionista.Dejando a Hortense en la región de Marsella, Cézanne se movía entre París
y Provenza. Gracias a Pissarro, conoció al "tío" Tanguy en París en el año 1873. Se
trataba de un comerciante de colores que aceptaba cuadros como pago de los materiales
que vendía a los pintores. Aunque parecía tener menos dominio de la técnica que los
otros impresionistas, Cézanne fue aceptado dentro del grupo. Expuso en la primera
muestra impresionista celebrada en el estudio del fotógrafo Nadar en 1874: se expusieron
Una moderna Olimpia, Paisaje de Auvers-sur-Oise y La casa del colgado. Fue objeto de
burlas. En 1875, llamó la atención del coleccionista Victor Chocquet, cuyos encargos le
proporcionaron algo de alivio financiero. Pasó el verano de 1876 en L'Estaque, lo que le
dio la oportunidad de pintar dos marinas. No intervino en la segunda muestra
impresionista, pero sí en la tercera (1877) celebrada en la calle Pelletier, con dieciséis
obras, entre acuarelas, bodegones, paisajes, un cuadro de bañistas y un retrato del
coleccionista Chocquet). El éxito comercial de los impresionistas era ya limitado de por
sí y, dentro de este grupo, las obras de Cézanne tuvieron la acogida más desfavorable.
Sus pinturas provocaban hilaridad, indignación y sarcasmo. El crítico Louis Leroy dijo
del retrato de Chocquet: «Esta cabeza que parece tan peculiar, el color de una bota vieja
impresionaría a [una mujer embarazada] y provocaría la fiebre amarilla en el fruto de su
vientre antes de su entrada en el mundo».[13] Cézanne no volvió a exponer con el grupo.
Provenza [editar]Cézanne pasó el año 1878 en el Mediodía, con Hortense y su hijo. En

marzo, su padre descubrió el asunto de Hortense y amenazó con romper con él
financieramente pero, en septiembre, decidió subirle la asignación a 400 francos. En
1879-80 pasó parte del invierno en Melun, aprovechando para pintar el paisaje cubierto
de nieve. Entre las obras maestras de este periodo está la vista del Puente de Maincy. En
agosto de 1880 marchó a casa de Zola en Médan, a orillas del Sena donde conoció a
Huysmans; aprovechó para pintar al aire libre. Su padre, debido a la vida que lleva, dejó
de enviarle ayuda. En mayo de 1881, conoció a Gauguin en la casa de Pissarro en
Pontoise; en octubre regresó a Aix, donde su padre Louis-Auguste le hizo un estudio en
Jas de Bouffan.[10] Estaba en la planta superior y se le proporcionó una gran ventana,
que permitía la entrada de la luz del norte pero interrumpiendo la línea de los aleros, lo
cual aún se aprecia. La familia Cézanne fijó definitivamente su residencia en L'Estaque, y
a partir de entonces sólo en raras ocasiones abandonó Provenza. El traslado refleja una
nueva independencia respecto a los impresionistas, centrados en París, y la preferencia
del pintor por el sur, su tierra natal.
En L'Estaque recibió la visita de Renoir (1882), quien quedó impresionado con la belleza
del paisaje. Ese año fue la única vez que pudo exponer en el Salón de París, gracias a la
intervención de su amigo y artista Antoine Guillemet, Retrato de Louis-Auguste
Cézanne, padre del artista, leyendo 'l'Evénement', 1866 (National Gallery, Washington).
[14] Escaso es el reconocimiento que obtiene por la crítica oficial. Por entonces, dejó de
trabajar en estrecha relación con Pissarro. Había conocido al pintor Monticelli en
Marsella en los años 1860, y entre 1878 y 1884 los dos artistas a menudo pintaron
paisajes juntos, recorriendo en una ocasión durante un mes el campo de Aix. En 1883
murió Manet, noticia que afectó a Cézanne. En diciembre se reunieron con él en
L'Estaque Monet y Renoir.
El año 1886 fue crucial: se casó con Hortense y, en octubre, murió su padre. Le dejó en
herencia la finca que había adquirido en 1859. Cézanne tenía 47 años de edad y por fin
consiguió la independencia económica, gracias a la gran herencia que recibió,[8] aunque
siguió manteniendo el aislamiento social. Es el año de su ruptura con Émile Zola, después
de que este le usara, en gran medida, como modelo para el artista fracasado y trágico
Claude Lantier, en La obra. Cézanne sintió que la novela era indecorosa y una traición
por parte de su amigo de la infancia, por lo que rompieron su amistad y no volvieron a
verse.
Para el año 1888 la familia estaba en la anterior mansión, Jas de Bouffan, un sólido
edificio y terrenos con edificaciones anejas. Actualmente es propiedad de la ciudad,
aunque con menos terreno, y está abierta al público de manera limitada. En 1889 muestra
La casa del ahorcado en la Exposición Universal. Al año siguiente, expone en Bruselas
con los XX, un grupo de pintores muy activos.[10] No obstante, su periodo idílico en Jas
de Bouffan fue sólo temporal. Desde 1890 hasta su muerte, se sucedieron
acontecimientos perturbadores que le hicieron aislarse más dedicándose en exclusiva a la
pintura. Entre 1887 y 1893, sólo recibe la visita de unos pocos iniciados, como los
marchantes de arte J. Tanguy y Ambroise Vollard.
Los problemas comenzaron con el comienzo de la diabetes en 1890, desestabilizando su

personalidad hasta el punto de que las relaciones con otros quedaron de nuevo afectadas.
Viajó a Suiza, con Hortense y su hijo, quizá esperando restaurar su relación. Cézanne, sin
embargo, regresó a vivir a Provenza; Hortense y Paul el joven, a París. Las necesidades
financieras obligaron a Hortense a volver a Provenza pero en viviendas separadas.
Cézanne se trasladó con su madre y su hermana.
Bodegón con cortina (1895) ilustra la creciente tendencia de Cézanne hacia la

compresión tersa de formas y tensión dinámica entre figuras geométricas.En 1891 volvió
al catolicismo, aunque las imágenes religiosas fueron escasas en su obra tardía. Cézanne
sostenía que «Cuando juzgo el arte, cojo mi cuadro y lo pongo junto a un objeto obra de
Dios como un árbol o una flor. Si desentona, no es arte».[15]
En 1895 se celebró su primera exposición individual, organizada por Vollard, con 100
lienzos. Este marchante promocionó la obra de Cézanne con gran éxito durante los años
siguientes, logrando que subiera su cotización, como se comprueba al ver los precios de
las ventas Duret y Tanguy (1894)[16] [10] y la venta Chocquet de 1899.[17]
En 1897 murió su madre, lo que le permitió reconciliarse con su mujer. Vendió Jas de
Bouffan y alquiló un lugar en Rue Boulegon, donde construyó un estudio. También
alquiló una habitación en el Château Noir, cerca de Aix, donde se prepara un pequeño
estudio. Pasó una temporada en Le Tholonet, en la ladera de la montaña Sainte-Victoire,
haciendo de ella objeto de su pintura, lo mismo que la cantera de Bibémus.[10]
Sus pinturas se hicieron bien conocidas y buscadas y obtuvo el respeto de una nueva
generación de pintores. A pesar del creciente reconocimiento público y éxito financiero,
Cézanne prefirió trabajar en el aislamiento artístico, normalmente pintando en Provenza.
En 1900 tres de sus lienzos se incluyen en la Exposición Universal y trece en una
exposición organizada por Paul Cassirer en Berlín, ocasión en la que el poeta Rainer
Maria Rilke vio su obra por vez primera.[10] En 1901 expone en el Salón de los
Independientes. Ese mismo año, Maurice Denis presenta su Homenaje a Cézanne, cuadro
en el que puede verse a un grupo de artistas (Redon, Vuillard, Bonnard y Denis)
alrededor de un bodegón pintado por Cézanne y que había sido propiedad de Gauguin.[1]
La relación entre Cézanne y su mujer siguió siendo tormentosa. Necesitaba un lugar en el

que estar él solo. En 1901 compró algo de tierra a lo largo del Chemin des Lauves
(«Camino de Lauves»), una carretera aislada en la colina de Lauves, y encargó que le
hicieran allí un estudio (el atelier, actualmente abierto al público), en donde aún puede
verse el atrezzo de sus obras, tal como las dejó. Desde allí se ve la montaña Sainte-
Victoire. Allí pintó hasta su muerte. Mientras tanto, en 1902, hizo un borrador de
testamento excluyendo a su esposa de su herencia y dejándoselo todo a su hijo.
Aparentemente la relación estaba de nuevo rota; se dice que ella quemó los recuerdos de
su madre.
En 1903 culmina el reconocimiento de su obra, apareciendo en diversas exposiciones.

Así, el Salón de Otoño expone 33 lienzos suyos. También se incluyen obras de Cézanne
en la Secesión vienesa y en la de Berlín.
Émile Bernard, que ya en 1892 había dedicado un artículo a Cézanne, estuvo trabajando
con él durante todo un mes en 1904.[18] [10] Ese mismo año, el Salón de Otoño le
dedicó toda una sala, con 30 cuadros y dos dibujos. En 1905 Vollard presentó las
acuarelas de Cézanne. Era ya un pintor de prestigio. Se sucedían exposiciones
retrospectivas. Muchos pintores jóvenes viajaron hasta Aix-en-Provence para verle
trabajar y pedirle consejo durante los últimos años de su vida. Sin embargo, tanto su
estilo como sus teorías continúan siendo misteriosas y crípticas; para unos era un pintor
primitivo ingenuo y para otros un complicado maestro en los procedimientos técnicos.
Muerte de Cézanne [editar]Un día, Cézanne se vio atrapado por una tormenta mientras
trabajaba en el campo.[19] Sólo después de haber trabajado durante dos horas bajo el
aguacero decidió regresar a casa; pero en el camino se desmayó. Lo llevó a casa un
conductor que pasaba.[19] Su ama de llaves le frotó los brazos y las piernas para restaurar
la circulación; como resultado, recuperó la consciencia.[19] Al día siguiente, pretendía
seguir trabajando, pero más tarde se desmayó; el modelo pidió ayuda; le metieron en la
cama, en Lauves, de donde no volvió a salir.[19] Murió unos pocos días después, el 22 de
octubre de 1906.[19] Murió de neumonía y fue enterrado en el antiguo cementerio en su
amada ciudad natal de Aix-en-Provence.[20]
Después de su muerte, su estudio en Aix se convirtió en un monumento, Atelier Paul

Cézanne, o les Lauves.
Estilo [editar]Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación
naturalista, la expresión personal y el orden pictórico. Al igual que Zola con el realismo
literario, Cézanne manifestó un interés progresivo en la representación de la vida
contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse
de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. Luchó por desarrollar una
observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo
en pintura que podía encontrar. Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía
en formas simples y planos de color. Su afirmación «Quiero hacer del impresionismo
algo sólido y perdurable como el arte de los museos»,[21] subraya su deseo de unir la
observación de la naturaleza con la permanencia de la composición clásica. Ello queda en
evidencia igualmente con su pretensión de «revivir a Poussin del natural» (Vivifier
Poussin sur nature)..[22]
La montaña Sainte-Victoire, 1905Son muy características y fácilmente reconocibles sus

pinceladas, a menudo repetitivas, sensibles y exploratorias. Estas pequeñas pinceladas y
planos de color se conjugaban para formar campos complejos, expresando al mismo
tiempo las sensaciones del ojo que observa y una abstracción de la naturaleza observada.
Cézanne se esforzó por comprender y reflejar la complejidad de la percepción visual

humana. Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para ello observa los objetos
desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas
diferentes simultáneamente.[10] La obra de madurez de Cézanne muestra el desarrollo de
un estilo de pintura solificado, casi arquitectónico. La intensidad de sus colores, unida al
aparente rigor de la estructura compositiva, indican que, a pesar de la frecuente
desesperación del propio artista, había sintetizado los elementos básicos de
representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal.
Estaba interesado en la simplificación de las formas que ocurrían naturalmente a sus

esencia geométrica:
Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender a
pintar sobre la base de estas figuras simples; después se podrá hacer todo lo que se
quiera. Cézanne, 1904.[10]
Por ejemplo, un tronco de árbol puede concebirse como un cilindro, una cabeza humana
como una esfera. Además, la atención concentrada con la que había registrado sus
observaciones de la naturaleza dieron como resultado una profunda exploración de la
visión binocular, que resulta de dos percepciones visuales simultáneas y ligeramente
diferentes, y nos proporciona una percepción de la profundidad y un conocimiento
complejo de las relaciones espaciales. Vemos dos puntos de vista simultáneamente;
Cézanne empleó este aspecto de la percepción visual en su pintura en grados diferentes.
La observación de este hecho, junto con el deseo de Cézanne de capturar la verdad de su
propia percepción, a menudo le llevó a presentar los perfiles de formas para al mismo
tiempo intentar mostrar los puntos de vista distintivamente diferentes de tanto el ojo
izquierdo como el derecho.
Periodos [editar]Se han descrito varios periodos en la vida y obra de Cézanne.[23]
El periodo oscuro, París, 1861-1870 [editar]Se trata de un periodo caracterizado por

colores oscuros y un intenso uso del negro, con pigmentos espesos, muy empastado. Su
obra difiere grandemente de sus anteriores acuarelas y esbozos de la École Spéciale de
dessin de Aix-en-Provence en 1859, o de sus obras posteriores. A menudo se usan para
estas obras los términos antisocial o violento, o también eróticas o macabras.[24] Su
temática es la figura en el paisaje y comprende muchas pinturas de grupos de figuras
grandes y pesadas en el paisaje, pintadas imaginativamente. A este periodo pertenecen:
El asesinato, h. 1870El padre del artista (1860-1863), National Gallery de Londres.

Copia por Cézanne en el museo del Louvre de Comida en casa de Simón de Veronés
1860-1870
Panes y huevos (1865), Museo de Arte de Cincinnati.
Retrato del tío Dominique (1866), Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
El rapto (1867), Museo Fitzwilliam, Cambridge.
Retrato de Achille Emperaire (1867-1868), Museo de Orsay, París.
La orgía (1867-1872), colección particular.
Reloj de mármol negro (1869-1870), colección particular.
Pastoral (1870), M.º de Orsay, París.
El asesinato (h. 1870), Walker Art Gallery, Liverpool.
Periodo impresionista, Provenza y París, 1870-1878 [editar]

La casa del ahorcado, 1872-1873.Cuando Cézanne marchó a L'Estaque en 1870, cambió
sus temas para dedicarse principalmente al paisaje. Al instalarse en 1872, en Auvers
(Val-d'Oise), comenzó su estrecha relación de trabajo con Pissarro, quien vivía en la
cercana Pontoise. Junto con Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir y unos pocos pintores
más, Pissarro había desarrollado un estilo para trabajar al aire libre (en plein air) de forma
rápida y a escala reducida, que consistía en utilizar pequeños toques de colores puros, sin
recurrir a bocetos preliminares ni a dibujos. Pretendían atrapar de ese modo los efectos
lumínicos fugaces así como su interpretación visual, también efímera, de la naturaleza.
Bajo la influencia de Pissarro, Cézanne comenzó a abandonar las normas académicas y la
paleta sombría y fuertemente empastada que le caracterizaba. Sus lienzos se hicieron
mucho más brillantes, con colores claros, eligiendo los colores primarios y sus
complementarios, además de forzarle a observar atentamente la realidad.[10] Su tema
favorito son paisajes. Trabajó a partir de la observación directa y gradualmente desarrolló
un estilo de pintura aéreo y ligero.
La casa del ahorcado, 1872-73, M.º de Orsay, París.

Vista de Auvers, h. 1873, Art Institute of Chicago.
Una moderna Olimpia, 1873-74, M.º de Orsay, París.
Bañistas, 1874-1875, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Señora Cézanne en la butaca roja, 1877, Museo de Bellas Artes (Boston).
Naturaleza muerta de la sopera h. 1877, M.º de Orsay, París.
Naturaleza muerta del jarrón y de las frutas, h. 1877, M.º Metropolitano de Arte, Nueva
York.
Periodo de madurez, Provenza, 1878-1890 [editar]

El puente de Maincy, 1879-1880.Cuando Cézanne fijó su residencia definitivamente en
Provenza, a principios de los años 1880, se independizó de los impresionistas, centrados
en París, y demostró su preferencia por el sur, su país natal y su paisaje. El aislamiento y
la concentración, así como la singularidad de su búsqueda, podrían señalarse como los
responsables de la increíble evolución que sufrió su estilo durante las décadas de 1880 y
1890. El hermano de Hortense tenía una casa desde la que se veía la montaña Sainte-
Victoire en Estaque. Una serie de pinturas de esta montaña de 1880-1883 y otras de
Gardanne de 1885-1888, a veces son conocidas como el «Periodo constructivo». De 1888
a 1890 se interesó por la figura humana, pintando una serie de cuadros con personajes de
la Comedia del arte, pasando, a partir de 1890, a otra serie sobre Jugadores de cartas,
posiblemente inspirado por la obra sobre el mismo tema de Louis Le Nain.
El puente de Maincy (1879-1880), M.º de Orsay, París.

Tres bañistas (1879-1882), Museo del Petit Palais, París.
Rocas en L'Estaque (1882-1885), Museo de Arte de Sao Paulo.
La montaña de Sainte Victoire (1885-1887), M.º Metropolitano de Arte, Nueva York.
Vista del pueblo de Gardanne (1886), Barnes Foundation, Merion.
Martes de carnaval (1888), Museo Pushkin, Moscú.
Arlequín (1889-1890), Galería Nacional de Arte (Washington).
Periodo final, Provenza, 1890-1905 [editar]

Los jugadores de naipes (1892).
Bodegón con manzanas y naranjas, 1895-1900.
Las grandes bañistas, 1906, Philadelphia Museum of Art: el triunfo del equilibrio
geométrico y la estabilidad a la manera de Poussin.En 1895 hizo una visita germinal a las
canteras de Bibémus y ascendió la montaña Sainte-Victoire. El paisaje laberíntico de las
canteras debieron impresionarle particularmente, pues alquiló una cabaña allí en 1897. Se
cree que estas formas inspiraron el estilo cubista en embrión. Cézanne se concentró en
unos pocos géneros, en los que era hábil por igual: bodegones, retratos (y autorretratos),
paisajes y estudios de bañistas (desnudos en el paisaje).[10] Respecto al último, Cézanne
se vio obligado a dibujar a partir de su imaginación, debido a la falta de modelos
desnudos disponibles. Como sus paisajes, sus retratos se pintaban a partir de lo que era
familiar, de manera que no sólo su esposa e hijo, sino también campesinos locales, niños,
y su marchante, sirvieron de modelos.
Cézanne continuó pintando directamente del natural con brillante colorido de tipo
impresionista, pero fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura hasta el
punto de que parecía lograr expresar el volumen con sólo unas cuantas pinceladas de
color yuxtapuestas. Más adelante los expertos llegarían a afirmar que Cézanne había
descubierto un modo de representar tanto la luz como las formas de la naturaleza
simplemente mediante el color. Parecía reintroducir una estructura formal que los
impresionistas habían abandonado, sin sacrificar por ello la sensación y vivacidad
lumínica lograda por ellos. El propio Cézanne hablaba de modular el color en lugar de
modelar el claroscuro de la pintura tradicional. Con ello se refería a que suplantaba las
convenciones artificiales de representación (modelar) por un sistema más expresivo
(modular) que se hallaba aún más próximo a la naturaleza o, como decía el propio artista,
"paralelo a la naturaleza". Para Cézanne la solución a todos los problemas técnicos del
impresionismo radicaba en utilizar el color de un modo más ordenado y expresivo que el
de sus compañeros impresionistas.
Cézanne consideraba que nunca llegaba a alcanzar plenamente su objetivo, por lo que
dejó la mayor parte de sus obras sin acabar y destruyó muchas otras. Se lamentaba de su
fracaso a la hora de representar la figura humana y, efectivamente, las grandes obras con
figuras humanas de sus últimos años revelan unas distorsiones curiosas que parecen
dictadas por el rigor del sistema de modulación cromática que él mismo impuso sobre sus
propias representaciones. Ejemplo de ello son toda la serie de pinturas dedicadas al tema
de los y las bañistas.
Los jugadores de naipes (Les Joueurs de cartes) (1890-1892), M.º de Orsay, París
Mujer con cafetera (La Femme à la cafetière) (h. 1890-1895), M.º de Orsay, París
Naturaleza muerta con manzanas y naranjas (h. 1895-1900), M.º de Orsay, París
Bodegón con cebollas (h. 1895-1900), M.º de Orsay, París
La montaña de Sainte-Victoire, vista desde Bibémus (h. 1898-1900), Museo de Arte de
Baltimore
Las grandes bañistas (1904-1906), National Gallery, Londres
La Montagne Sainte-Victoire et le Château Noir, (1904-1906)
Campesino sentado, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Las grandes bañistas (1906), Philadelphia Museum of Art, Filadelfia
Legado [editar]Puede decirse que Cézanne crea el puente entre el impresionismo del
XIX y el nuevo estilo de principios del siglo XX, el cubismo.
Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue conocida por sus antiguos colegas
impresionistas y por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del
postimpresionismo, entre los que se incluían Vincent van Gogh y Paul Gauguin. Esta
generación posterior aceptó prácticamente todas las rarezas de Cézanne.
La retrospectiva de Cézanne de 1907 en el Salón de Otoño impactó grandemente la

dirección que tomó la vanguardia parisina, dando crédito a su posición como uno de los
artistas más influyentes del siglo XIX y al advenimiento del Cubismo. Fueron las
exploraciones de Cézanne de simplificación geométrica y fenómenos ópticos las que
inspiraron a Picasso, Braque, Gris, y otros para experimentar con múltiples visiones aún
más complejas del mismo tema, y, con el tiempo, a la fractura de la forma. Hay una frase,
atribuida tanto Matisse[10] como a Picasso, según la cual «Cézanne es el padre de todos
nosotros». Matisse admiraba su utilización del color y Picasso desarrolló la estructura de
la composición plana de Cézanne para crear el estilo cubista.
Véase también [editar]Cuadros de Cézanne
Impresionismo
Postimpresionismo
Fuentes [editar]
Notas [editar]↑ a b Kosme de Baraño, «Cézanne: la soledad del corredor de fondo», en
"Cézanne", Los grandes genios del arte, n.º 19, Eileen Romano (dir.), Unidad Editorial,
S.A., 2005, ISBN 84-89780-71-4
↑ a b c J. Lindsay Cezanne; his life and art, p.6
↑ J. Lindsay Cezanne; his life and art, p.3
↑ Louis Auguste Cézanne. Guarda-Mor, Edição de Publicações Multimédia Lda..
Consultado el 2007-02-27.
↑ Louis Auguste Cézanne. Guarda-Mor, Edição de Publicações Multimédia Lda..
Consultado el 2007-02-27.
↑ a b A. Vollard First Impressions, p.16
↑ a b A. Vollard, First Impressions, p.14
↑ a b Paul Cézanne Biography (1839-1906). Biography.com. Consultado el 2007-02-17.
↑ J. Lindsay Cezanne; his life and art, p.12
↑ a b c d e f g h i j k l m n ñ o «La vida y el arte», pp. 27-70, en "Cézanne", Los grandes
genios del arte, n.º 19, Eileen Romano (dir.), Unidad Editorial, S.A., 2005, ISBN 84-
89780-71-4
↑ P. Cézanne Paul Cézanne, letters, p.10
↑ Brion, 1974, p. 26
↑ Brion, 1974, p. 34
↑ Gowing, 1988, p. 110
↑ Paul Cezanne quotes. ThinkExist.com Quotations. Consultado el 2007-02-17.
↑ La venta Tanguy fue la subasta de los cuadros que conservaba en su tienda el "tío"
Tanguy, entre los que había numerosos cézanne que se vendieron con precios entre 45 y
215 francos.
↑ La venta Chocquet se produjo tras la muerte en 1899 de la esposa de Chocquet, lo que
dio lugar a la venta de su colección de arte.
↑ De la relación entre É. Bernard y Cézanne queda un libro, Una conversación con
Cézanne, en la que se exponen las ideas del pintor respecto a su trabajo.
↑ a b c d e Vollard The Last Years, p.113-114
↑ Paul Cezanne 1839-1906. MyStudios.com. Consultado el 2007-02-18.
↑ Paul Cézanne, Cartas, editadas por John Rewald, 1984.
↑ Julián Gállego, «La pintura europea del siglo XIX. El posimpresionismo. Los
avanzados del siglo XX» en Summa Artis, Antología IX, Espasa, pág. 106, ISBN 84-670-
1360-5.
↑ Aquí se sigue, esencialmente, el orden de la Enciclopedia Británica. Se mencionan
algunos nombres alternativos. Globalmente las diferentes clasificaciones tienden a
coincidir.
↑ Algunos prefieren llamarlo «Periodo romántico», pero Cézanne no estaba ante todo
interesado en el Romanticismo. El término se refiere aquí a una disposición personal, más
que a una conexión con ese movimiento histórico.
Referencias [editar]Brion, Marcel (1974). Cézanne, Thames and Hudson. ISBN 0-500-
86004-1
Cézanne, Paul, John Rewald, Emile Zola, y Marguerite Kay [1941]. Paul Cézanne,
letters. Londres: B. Cassirer. Consultado el 28 de febrero de 2007.
Chun, Young-Paik (2006), "Melancholia and Cézanne's Portraits: Faces beyond the
mirror". En: Griselda Pollock (ed.), Psychoanalysis and the Image. Londres: Routledge.
ISBN 1-4051-3463-5
Gowing, Lawrence, con Adriani, Götz; Krumrine, Mary Louise; Lewis, Mary Tompkins;
Patin, Sylvie; Rewald, John (1988). Cezanne: The Early Years 1859-1872. Nueva York:
Harry N. Abrams.
Klingsor, Tristan [1923]. Cézanne. París: Rieder.
Lindsay, Jack [1969]. Cezanne; his life and art. Estados Unidos: New York Graphic
Society. Consultado el 28 de febrero de 2007.
Machotka, Pavel [1996]. Cezanne: Landscape into Art. Estados Unidos: Yale University
Press. Consultado el 18 de febrero de 2007.
Pissarro, Joachim (2005). Cezanne & Pissarro Pioneering Modern Painting: 1865-1885.
Nueva York: The Museum of Modern Art.
Vollard, Ambroise [1984]. Cézanne. Inglaterra: Courier Dover Publications. Consultado
el 17 de febrero de 2007
Edgar Degas
Hilaire Germain Edgar de Gas
Autorretrato (1855)
Nacimiento: 19 de julio de 1834

París, Francia
Fallecimiento: 27 de septiembre de 1917 (83)
París, Francia
Ocupación: Pintor impresionista, escultor, dibujante
Clase de baile
El ajenjo
La estrella, h. 1878Hilaire Germain Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas
(París, 19 de julio de 1834 - † 27 de septiembre de 1917), maestro de origen francés se
destacó como pintor y escultor. Es conocido por su visión particular sobre el mundo del
ballet, capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel.
Armand Guillaumin
Armand Guillaumin. Puesta de sol en Ivry (Soleil couchant à Ivry). 1873. 81 cm x 65 cm.
Óleo sobre lienzo. Museo de Orsay.
Armand Guillaumin. La Place Valhubert. 1875.Armand Guillaumin (16 de febrero de
1841 – 26 de junio de 1927), fue un pintor y litógrafo francés de estilo impresionista.
Nació como Jean-Baptiste Armand Guillaumin en París (Francia), y trabajó en la

mercería de su tío al mismo tiempo que recibía clases de dibujo. También trabajó para un
ferrocarril del gobierno francés antes de estudiar en la Academia Suiza en 1861. Allí
conoció a Paul Cézanne y Camille Pissarro con quienes mantuvo una larga amistad.
Aunque nunca alcanzó la altura de estos dos, su influencia en la obra de ellos fue
significativa. Cézanne intentó su primer grabado basándose en pinturas de Guillaumin de
barcazas en el río Sena. Guillaumin expuso en el Salon des Refusés en 1863 y más tarde
se hizo amigo de Vincent van Gogh cuyo hermano, Theo vendió algunas de sus obras.
Conocido por sus colores intensos, los principales museos del mundo muestran obras de
Guillaumin. Se le conoce sobre todo por sus paisajes de París, el departamento de Creuse,
y la región alrededor de Les Adrets-de-l'Estérel cerca de la costa mediterránea en la
región francesa de Provenza-Alpes-Costa Azul.
Falleció en 1927 en Orly, Val-de-Marne justo al sur de París Vida [editar]Nacido en el

seno de una familia de abolengo, Manet pronto dejó la carrera naval para dedicarse a la
pintura.
Su carrera artística comenzó hacia 1850 en el estudio de Thomas Couture, un pintor en

absoluto estrecho de miras como profesor. Allí estuvo durante casi seis años y, al mismo
tiempo, pudo copiar en el Louvre cuadros no sólo de Tiziano, Rembrandt y Velázquez,
sino también de Goya, Delacroix, Courbet y Daumier.
De Couture aprendió que para ser un gran maestro hay que escuchar las enseñanzas de
los que lo han sido en el pasado, por ejemplo, pero, por desgracia, el profesor era un
antirrealista fanático y convencido.
Enfurecido por las mofas que Manet hacía con respecto al Premio de Roma, Couture le
dijo que nunca llegaría a ser otra cosa que el Théodore Rousseau de su época. Después de
esto, Manet hizo su propia síntesis personal de la historia de la pintura y de lo que podía
aprender viendo grabados japoneses. Y es que el pintor fue siempre un extraño ecléctico.
En este sentido, Bownes se muestra bastante convincente al demostrar que, de joven, sin
llegar a considerarse un innovador, Manet sí trataba de hacer algo nuevo: Buscaba crear
un tipo libre de composición que estaría, sin embargo, tan herméticamente organizada en
su superficie como los cuadros de Velázquez.
Desde 1853 hasta 1856 Manet se dedicó a viajar por Italia, los Países Bajos, Alemania y
Austria, copiando a los grandes maestros.
En 1859 presentó por primera vez al Salón su Bebedor de ajenjo, un cuadro que permitía
sin problemas adivinar su adoración por Frans Hals, pero que provocó una turbulenta
reacción en el público y en el jurado, inexplicable sin duda para un Manet que durante
toda su vida lo único que buscó fue el éxito dentro de la respetabilidad.
En los años sesenta, sin embargo, su pintura de tema español, tan de moda por entonces
en Francia, fue bastante bien acogida y en 1861 el Salón acepta por primera vez un
cuadro suyo, el Guitarrista español.
En realidad, Manet nunca fue un impresionista en el sentido estricto de la palabra. Por

ejemplo, jamás expuso con el grupo y nunca dejó de acudir a los Salones oficiales,
aunque le rechazaran. Sus objetivos no eran compatibles con los de los impresionistas,
por mucho que se respetaran mutuamente.
Le déjeuner sur l'herbe (El almuerzo sobre la hierba), 1863El tono general de la obra de
Manet no es el de un pintor radical del campo únicamente preocupado por el mundo
visual. Él es un sofisticado habitante de la ciudad, un caballero que se ajusta en todo al
concepto decimonónico de dandi: un observador distante, refinado, que contempla desde
una elegante distancia el espectáculo que le rodea. Desde este punto de vista, Manet
concluye el que será, sin duda, uno de sus cuadros más escandalosos, rechazado en el
Salón de 1863 y expuesto en el de los Rechazados, Almuerzo sobre la hierba.
El reto lo planteaba una realidad contemporánea, los bañistas del Sena, y la escena estaba
reformulada en el lenguaje de los viejos maestros (el cuadro está claramente inspirado en
la Fiesta campestre del Giorgione), compitiendo con ellos y, al mismo tiempo,
subrayando las diferencias. Las escenas con el tema del ocio en el campo estaban ya muy
enraizadas en el arte occidental y abundaban tanto en las ilustraciones populares como en
el arte académico, pero el cuadro de Manet pertenece a un orden distinto, desconcertante
por la evidente inmediatez con que se enfrenta al espectador.
Este cuadro obtuvo la repulsa unánime del público y la crítica. Sólo lo aceptaron y
comprendieron sus compañeros los jóvenes pintores del momento. Lo que escandalizó no
fue el desnudo en sí, sino el modo de presentación con vestimentas modernas y un cuerpo
femenino vulgar, lejos de la perfección. Los críticos de hoy dicen que con esta actitud "se
hizo evidente la hipocresía moral de la época." El crítico Ernest Chesneau (que años
después sería el mayor entusiasta de la obra de Manet) escribió lo siguiente:
"El señor Manet tendrá talento el día en que aprenda dibujo y perspectiva; tendrá gusto el
día en que renuncie a los temas que escoge con miras al escándalo... No podemos
considerar como una obra perfectamente casta el sentar en el bosque, rodeada de
estudiantes con boina y gabán, una joven vestida solamente con la sombra de las hojas...
El señor Manet quiere alcanzar la celebridad asombrando a los burgueses."
Sin embargo, pese a la aparente unidad del grupo, cada figura es una entidad separada,
absorta en su propia actitud o meditación, de manera que ningún tipo de conexión
narrativa puede explicar el conjunto. Y esta sensación de ruptura hace que el cuadro
parezca desintegrarse en una especie de collage de partes independientes que sólo por un
instante se agrupan gracias a su parecido, prestado, con el orden renacentista.
Olympia, 1863Pero más escandalosa todavía fue la Olympia, pintada en 1863 pero no
presentada al Salón hasta 1865, donde naturalmente fue rechazada. Entre las razones por
las que este cuadro iba a resultar chocante no son las menos importantes el hecho no sólo
de que es una clara parodia de una obra renacentista (la Venus de Urbino del Tiziano),
sino también una flagrante descripción de los hábitos sexuales modernos.
Manet sustituye en él a una diosa veneciana del amor y la belleza por una refinada
prostituta parisina. Pero lo que realmente desconcertó a los críticos de la época es que
Manet no la sentimentaliza ni la idealiza, y Olimpia no parece ni avergonzada ni
insatisfecha con su trabajo. No es una figura exótica o pintoresca. Es una mujer de carne
y hueso, presentada con una iluminación deslumbrante y frontal, sobre la que el pintor
muestra un perturbador distanciamiento que no le permite moralizar sobre ella.
Ambas obras entusiasmaron a los pintores más jóvenes por lo que suponían de
observación directa de la vida contemporánea, por su naturalidad y por su emancipación
técnica, y Manet se convirtió así, casi sin quererlo, en el personaje principal del grupo
que se reunía en el Café Guerbois, la cuna del Impresionismo.
En 1867, hacia la época de la Segunda Exposición Universal en París, Manet, muy

desalentado por su mal recibimiento en el Salón oficial, decidió seguir el ejemplo de
Courbet unos años antes y dispuso, con su propio dinero, un pabellón donde presentó
cerca de cincuenta obras sin, desde luego, ningún éxito público.
Retrato de Emile Zola por

Edouard ManetEn el prólogo del catálogo es muy probable que le ayudara su amigo el
novelista Zola porque, de hecho, para su pintura durante toda la década de 1860, Manet
contó con el apoyo escrito de Zola desde su puesto de crítico de arte para la revista
semanal L'Evenement. Bajo estas circunstancias Manet pintó de él en 1867-68, un retrato
a la vez extraño y programático.
Ningún pintor del grupo impresionista ha sido tan discutido como Manet. Para algunos,
fue el pintor más puro que haya habido jamás, por completo indiferente ante los objetos
que pintaba, salvo como excusas neutras para situar un contraste de líneas y sombras.
Para otros, construyó simbólicos criptogramas en los que todo puede ser descifrado según
una clave secreta, pero inteligible. Para algunos, Manet fue el primer pintor
genuinamente moderno, que liberó al arte de sus miméticas tareas. Para otros, fue el
último gran pintor de los viejos maestros, demasiado enraizado en una multitud de
referencias histórico-artísticas.
Algunos creen todavía que fue un pintor de deficiente técnica, incapaz completamente de
conseguir una coherencia espacial o compositiva. Otros piensan, por fin, que fueron
precisamente estos "defectos" los que constituyeron su deliberada contribución a las
drásticas y enormemente fructíferas transformaciones que introdujo en la estructura
pictórica.
Obras [editar]La música en las Tullerías (La Musique aux Tuileries ), 1862, 76 x 118
cm, National Gallery (Londres)
Olympia, 1863, 130,5 x 190 cm, Museo de Orsay (París)
Desayuno sobre la hierba (Le Déjeuner sur l'herbe), 1863, 208 x 264,5 cm, Museo de
Orsay (Paris). También conocida por Almuerzo campestre
El pífano (Le Joueur de fifre), 1866, 161 x 97 cm, Museo de Orsay (París)
La ejecución del emperador Maximiliano (L'Exécution de Maximilien), 1868, 252 x 305
cm, Städtische Kunsthalle (Mannheim)
Retrato de Émile Zola (Portrait d'Émile Zola) 1868, 146 x 114 cm, Museo de Orsay
(París)
El almuerzo 1868, 118 x 154 cm, Neue Pinakothek, (Múnich)
El balcón hacia 1868, 170 x 124,5 cm, Museo de Orsay, (París)
Monet en su barca a orillas del Sena (Claude Monet peignant dans son atelier) 1874, 50 x
64 cm, Neue Pinakothek, (Múnich)
Argenteuil 1874, 149 x 115 cm, Museo de Bellas Artes (Tournai)
El bar del Folies Bergère (Un bar aux Folies Bergère) 1882, 96 x 130 cm, Courtauld
Institute (Londres)
Claveles y clemátides en un jarro de cristal 1882, 55 × 34 cm, Museo de Orsay (París)
Amazona de frente, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
La música en las Tullerías
El pífano
La ejecución del emperador Maximiliano
Monet en su barca a orillas del Sena
El bar del Folies Bergère
Claveles y clemátides en un jarro de cristal

Fuentes [editar]Basado en textos de Sagrario Aznar Almazán.
Véase también [editar]Victorine Meurent

Impresionismo
Escuela de Barbizon
Biografía [editar]Claude Oscar Monet nace el 14 de noviembre de 1840 en el 45 de la

rue Lafitte, en el seno de una familia de comerciantes. Su padre se llamaba Claude
Adolphe y su madre Louise Justine Aubrée, siendo el segundo hijo del matrimonio. Los
problemas económicos que atravesaba el padre del futuro artista motivaron el traslado a
Le Havre, ya que allí podía participar en el próspero negocio de su cuñado.
Monet recibió sus primeras lecciones artísticas en la escuela, de la mano de François-

Charles Ochard, alumno del pintor neoclásico Jacques-Louis David. En estos momentos
estaría más interesado por los dibujos graciosos y caricaturas que por adquirir una
formación artística. A los 15 años ya tenía relativa fama como caricaturista, realizando un
buen número de caricaturas de ciudadanos de Le Havre por las que cobraba entre 10 y 20
francos, consiguiendo una pequeña fortuna de 2.000 francos. Cuando Monet tiene 17
años fallece su madre, la única persona con cierto talento artístico de la familia. La
pérdida supuso un duro golpe para el joven quien establecerá una estrecha relación con su
tía, Marie-Jeanne Lecadre, interesada por la pintura, pintora aficionada y compañera -tras
enviudar- del pintor parisino Armand Gautier. Este mismo año, Claude decide abandonar
el instituto para dedicarse a la pintura. Ha conocido a Boudin, con quien se inicia en el
paisaje y la pintura al aire libre. El padre no admite la decisión de su hijo pero, gracias a
la persuasión de la tía Marie-Jeanne, acepta a regañadientes. Para que la formación del
joven en París no signifique un peso para la economía familiar solicita en dos ocasiones
una beca al ayuntamiento de Le Havre, pero Monet emplea sus ahorros para marchar a la
capital, a pesar de la negativa paterna.
A principios de abril de 1859 llega a París donde visita a Constant Troyon quien le
aconseja que tome lecciones de dibujo y que acuda a copiar al Louvre. También le
recomendó acudir al taller de Thomas Coiture, pero el joven artista eludió la enseñanza
académica y acudió a la Académie Suisse, taller propiedad del alumno de David, Charles
Suisse, quien ofrecía a sus alumnos absoluta libertad para trabajar ante modelos vivos.
Aquí conocería a Pissarro, entablando ambos una estrecha amistad. Durante esta estancia
empieza a tomar contacto con los realistas en la "Brasserie des Martyrs" donde Monet
acude a realizar caricaturas para ganarse la vida. Se interesará por Courbet, al que poco
después conocerá, sin renunciar a las enseñanzas de Delacroix o Daubigny.
En 1861 le toca hacer el servicio militar en Argelia, en la legión africana, durante un

periodo de un año. La delicada salud del joven -enfermó de tifus a comienzos de 1862-
motivó su regreso a Le Havre por un periodo de seis meses. En esta temporada continuó
trabajando con Boudin y conoció a Jongkind. Su tía Marie-Jeanne exoneró al joven del
servicio militar al pagar 3.000 francos pero le puso como condición continuar sus
estudios pictóricos en París. En el otoño de 1862 Monet regresaba a París, acudiendo al
taller de Auguste Toulmouche por indicación de la familia. Este le aconsejó que acudiera
al estudio de Charles Gleyre donde permaneció hasta 1864 cuando el maestro cerró su
taller por una dolencia ocular. Aquí conoció Monet a tres compañeros con los que entabló
estrecha amistad: Renoir, Sisley y Bazille, intimando especialmente con este último.
Junto con sus compañeros de estudios se dedicará a la pintura al aire libre en Chailly, en
el bosque de Fontainebleau. Tras una estancia en Normandía junto con Bazille, en el
verano de 1864 visita a su familia en Saint-Adresse, se ve desprovisto de la manutención.
El éxito obtenido por Manet en el Salón de los Rechazados con su Desayuno en la hierba
motiva al joven Monet a realizar una obra con temática similar pero realizada al aire
libre. No llegó a concluir esta empresa pero trabajó en diversos estudios donde aparece
Camille Doncieux, una joven de 19 años con la que empieza a mantener relaciones. Envía
sus primeras obras al Salón oficial, realizadas al aire libre, siendo recibidos con simpatía
por la crítica. Sin embargo, su próxima experiencia en el Salón será negativa. En 1867
envía Mujeres en el jardín que será rechazado y criticado negativamente por Manet. A
esta decepción tiene que añadir Monet el embarazo de Camille por lo que se traslada a
Saint-Adresse para comunicárselo a su familia, que recibe la noticia con disgusto -a pesar
de que el padre del pintor tenía un hijo de una relación con su criada-. Durante este
verano, Camille tendrá a su primer hijo, Jean, el 8 de agosto de 1867. Los problemas
económicos serán una constante durante buena parte de la vida de Monet. En 1868
intenta suicidarse sin éxito por esta razón pero en verano las cosas parecen ir mejor y se
traslada a la costa normanda con Camille y Jean, tomando parte en una exposición en Le
Havre. Al año siguiente la penuria económica continuó y durante la estancia en Bougival
no tenían dinero para calefacción, luz o alimentos para el bebé. Renoir, que vivía en los
alrededores les ayudaba como podía. Curiosamente, esta época de penuria será en la que
ambos artistas trabajen con mayor placidez, trabajando con una pincelada impresionista
que descompone el objeto en manchas y trazos de color. El 28 de marzo de 1870 se casan
Camille Doncieux y Monet, contando con la presencia de Courbet como testigo. Para
evitar ser llamado a filas ante la inminente guerra que se avecina se traslada a Trouville,
desde donde partieron a Inglaterra al estallar la Guerra Franco-Prusiana. En Londres
apenas estuvieron seis meses, interesándose más por visitar los museos -donde pudo
contemplar las obras de Turner y Constable- que por pintar. Durante su estancia
londinense pasará a formar parte de los artistas protegidos del galerista Paul Durand-
Ruel.
"Monet es el "ojo cabrón", el maravilloso ojo, de acuerdo con su pintura. Yo me quito el

sombrero ante él. Es el mejor Impresionista. Es el "ojo" único, la mano única, el único al
que obedece el crepúsculo con sus diáfanos matices y sus colores bien ajustados, sin que,
en cambio, sus cuadros parezcan obedecer a un método" Paul Cézanne (pintor francés
considerado el padre del arte moderno) a Ambroise Vollard.
1871-72 pinta los márgenes del Sena desde una sencilla barca transformada en 'atellier',
la zona que desde ella retrata es en particular la de Argenteuil. En 1874 junto a Renoir
efectúa la primera exposición extraacadémica, en el estudio del fotógrafo Nadar, la
reacción de la prensa es acre y sarcástica. Se destacaba el cuadro de Monet llamado
'Impresión: Sol Naciente' (realizado en 1871; actualmente está en el museo Marmottan de
París). Muere el 5 de diciembre de 1926 a los 86 años en Giverny, 80 kilómetros al oeste
de París.
Obra [editar]Ningún pintor del grupo fue tan puramente impresionista como Monet. En
su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión,
sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y
superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia. Por su parte, Renoir fue el
pintor que nos convence de que la estética del Impresionismo fue, sobre todo, hedonista.
El placer parece la cualidad más evidente de su obra, el placer inmediato y ardiente que
produce en él la pintura. Nunca se dejó agobiar por problemas de estilo y llegó a decir
que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una pared y que por eso era
importante que los colores fueran agradables por sí mismos.
De todos los impresionistas, Monet fue el que con más énfasis practicó el pleinerismo, es
decir la práctica de la pintura al plein-air (en francés: 'aire pleno, total' y también - y ese
es el significado que aquí más nos importa-: AIRE LIBRE). La pintura al aire libre.
Aunque existe gran cantidad de pintores paisajistas previos a Monet, se nota en ellos que
la factura de sus obras ha sido realizada principalmente dentro del taller tras un previo
esbozo. Hasta la segunda mitad de S.XIX, las pinturas (óleo, temple) eran realizadas
artesanalmente y envasadas en frascos, vejigas, etc. La invención de los pomos (un
positivo producto de la Revolución Industrial), permitió a los pintores llevar sus óleos o
temperas al aire libre, bajo el sol, sin que estos elementos se secaran u oxidaran
rápidamente como había sucedido hasta entonces. Bien que este aporte industrial no
bastó: se requirió de genios, y un genio para la pintura al plein-air (y para la pintura
universal) nos ha resultado Monet.
Al aire libre, bajo la luz solar, pudo minuciosamente observar y plasmar casi
inmediatamente, a "brochazos", a plena macchia, Monet los efectos de la luz sobre los
objetos, los cambios, las vibraciones de esa luz; es por tal razón que la pintura de Monet
nos resulta especialmente vital, aunque su vitalidad sea una serena vitalidad, llena de
armonías.
En 1890 se estableció en Giverny, pueblo cercano a París y, sin embargo, a salvo del
tráfago urbano; allí en torno a su casa construyó una suerte de "jardín japonés", en el que
se destaca el estanque con ninfeas, y nenúfares. Inspirado en ese ambiente, aunque
estuviera casi ciego ya, inició en 1906 la serie de cuadros que tienen por tema a tales
plantas florales acuáticas (los cuadros de ninfeas y nenúfares pueden admirarse
actualmente en el museo parisino de La Orangerie).
Todo puede deducirse de una simple afirmación que Monet hizo en diversas ocasiones:
El motivo es para mí del todo secundario; lo que quiero representar es lo que existe entre
el motivo y yo.
Murió con 86 años en 1926.

Lista de sus cuadros principales [editar]1860: La mère au chapeau
1861: Un coin du studio
1866: Camille
1865: La Charrette
1865: Le Chêne, forêt de Fontainebleau
1865: Merienda campestre (Le Déjeuner sur l'herbe), Museo Pushkin de Moscú y Museo
de Orsay de París
1865: Plage à Honfleur
1867: Mujeres en el jardín (Femmes au jardin), Museo de Orsay, París
1867: La playa de Sainte-Adresse (La Plage de Sainte-Adresse), Chicago
1867: Le Jardin des princesses
1867: La vista de la iglesia de Saint-Germain-l'Auxerrois (L'Église Saint-Germain
L'auxerrois), Museos de Berlín
1868: La urraca (La Pie), Museo de Orsay, París
1868: Le Déjeuner
1868: Au bord de l'eau
1868: Portrait de Bazille , Museo Fabre, Montpellier
1869: La Grenoulli'ere (Bain à la Grenouillère), Museo Metropolitano de Arte, Nueva
York
1869: La Seine à Bougival le soir
1869-1870: La playa en Trouville (Plage à Trouville), Tate de Londres y Museo
Marmottan-Monet de París
1870: Hôtel des Roches Noires, Trouville
1871: La Liseuse
1871: La Tamise à Westminster
1872: Sol ixent. Impressió
1873: Impresión, sol naciente (Impression soleil levant), Museo Marmottan-Monet, Paris
1873: Le Déjeuner
1873: Les Coquelicots
1873: Boulevard des Capucines
Amapolas en Argenteuil, 1873, óleo sobre lienzo, 50 × 65 cm, Museo de Orsay,

París1874: Bateaux quittant le port, Le Havre
1874: Le Pont à Argenteuil
1875: Regatas en Argenteuil (Régates à Argenteuil)
1875: Femme à l'ombrelle
1875: La Promenade
1875: Train dans la neige
1875: Femme au métier
1875: Veleros rojos en Argenteuil, Museo de Arte Fogg, Universidad de Harvard,
Cambridge (Massachusetts)
1876: Le Bateau atelier
1876: La Japonaise
1877: La estación de Saint-Lazare (La Gare Saint-Lazare), Museo de Orsay, París
1877: Pont de l'Europe, estación de Saint-Lazare, Museo Marmottan-Monet, París
1877: Coeur au soleil
El puente de Europa, estación de Saint-Lazare, 1877, óleo sobre lienzo, 60 × 80 cm,

Museo Marmottan-Monet, París1878: La Seine à Vétheuil, Museo de las Bellas Artes
André Malraux, Le Havre
1878: La Rue Montorgueil
1880: Les Falaises des Petites Dalles, Museum of Fine Arts - Boston
1881: Jardin de l'artiste à Vétheuil
1883: La Collégiale Notre-Dame Vernon
1883: L'Arche d'Étretat
1884: Les Falaises des Petites Dalles, Kreeger Museum - Washington DC
1884: La Corniche de Monaco
1884: La Route rouge près de Menton
1884: Les Villas à Bordighera
1885: The Cliffs at Etretat
1886: Autoportrait
1886: Belle-Île
1886: Les Pyramides de Port Coton, Belle-Île-en-Mer
1886: Les Rochers de Belle-Ile
1886: Rochers à Port-Goulphar, Belle-Île-en-Mer
1886: Tempête, côte de Belle-Ile
1886: Essai de figure en plein-air: Femme à l'ombrelle tournée vers la droite
1886: Essai de figure en plein-air: Femme à l'ombrelle tournée vers la gauche
1887: La Barque, Museo Marmottan-Monet, París
1890: Meules, fin de l'été
1890: La catedral de Ruán (Cathédrale de Rouen)
1891: Peupliers longeant l'Epte, Automne
1891: Meules à Chailly
1891: Meules, fin de l'été
1892: La Cathédrale de Rouen. Le portail, temps gris
1892: La Cathédrale de Rouen. Le portail vu de face
1893: La Cathédrale de Rouen. Le portail, soleil matinal
1893: La Cathédrale de Rouen. Le portail et la tour Saint-Romain, plein soleil
1893: La Cathédrale de Rouen. Le portail et la tour Saint-Romain, effet du matin
1894: Cathédrale de Rouen
1897: Les Falaises à Varengeville, Musée Malraux, Le Havre
1897: Branch of the Seine Near Giverny
1898: Nymphéas, effet du soir
1899: Nymphéas, harmonie verte
Nenúfares, 18991900: El estanque de las ninfeas y el puente japonés, Museo de Bellas

Artes, Boston
1903: Nymphéas
1903: Maison du parlement au coucher du soleil, Musée Malraux, Le Havre
1903: Waterloo Bridge, le soleil dans le brouillard
1904: El Parlamento de Londres (Londres, Le Parlement, trouée de soleil dans le
brouillard), Museo de Orsay, París
1905: Maisons du parlement, Londres, Museo Marmottan-Monet, París
1905: Les Nénuphars
1907: Still Life with Eggs
1908: Palace de Mula à Venise
1910: Palais des Doges
1913: les arceaux de roses, Giverny vendido por 17,789 millones de euros en junio de
2007
Hacia 1916-1921: Ninfeas (reflejos verdes), Museo de la Orangerie, París
1917: Autoportrait
1918: Le Pont japonais
1920: Les Agapanthes
1920-1926: Nenúfares
Waterloo bridge, temps couvert vendido por 26,5 millones de euros en junio de 2007.
1920: Nenufrages 2
Biografía [editar]Nacida en Bourges, en el seno de una familia burguesa, fue

precisamente su familia quien animó a Berthe y a su hermana Edma a iniciarse en el arte.
Morisot demostró la posibilidades de las mujeres en las artes a fines del siglo XIX.
A la edad de 20 años, Berthe Morisot conoció a Camille Corot, importante paisajista de la

Escuela de Barbizon. Éste la admitió como su discípula y la introdujo en los círculos
artísticos.
Pronto adquirió la técnica impresionista de pintar al aire libre, donde creaba pequeños
cuadros y esbozos para grandes obras que terminaba en el estudio. Su primera
participación en el Salón de París fue en 1864 con dos paisajes y continuó exhibiendo
continuamente en el Salón hasta 1874, año de la primera exposición impresionista.
En 1868, conoció a Édouard Manet y en 1874 se casó con Eugène Manet, su hermano
menor. Ella fue la que convenció al maestro de pintar al aire libre y lo atrajo al grupo de
pintores que sería posteriormente los impresionistas. Manet sin embargo, nunca se
consideró como impresionista, ni estuvo de acuerdo con exhibir junto al grupo.
Morisot, junto a Camille Pissarro, fueron los dos únicos pintores que tuvieron cuadros en
todas las exposiciones impresionistas originales.
Al igual que Mary Cassatt, Eva Gonzalès o Marie Bracquemond, Berthe Morisot fue
relegada a la categoría de "artistas femeninas" por su temática de la vida cotidiana
(mujeres, niños y escenas domésticas). Sin embargo, como mandaba la doctrina
impresionista, Morisot pintaba la inmediatez, lo que veía en su vida normal. Como una
mujer de la alta burguesía, estaba habituada a escenas domésticas, deportes campestres y
un amplio círculo de mujeres y niños, ya que el mundo masculino les estaba vetado.
Sin excepción, sus cuadros muestran unos temas equivalentes al de sus colegas
masculinos. Edgar Degas, también de clase burguesa, pintaba ensayos de ballet, carreras
de caballos y desnudos femeninos. Claude Monet pintaba su jardín, sus hijos, etc. Las
mujeres impresionistas pintaban su entorno social bajo el enfoque impresionista. A pesar
de esto, la figura de Berthe Morisot, junto a las de otras maestras de la pintura, quedó
ensombrecida por el conjunto del movimiento y en especial de los pintores masculinos.
A partir de 1880, la influencia de Renoir se refleja en su obra. La frescura luminosa de su

paleta, la factura libre y vigorosa, así como, la atmósfera poética de sus lienzos, son
reconocidas y admiradas. En 1892 la galería Boussod-Valadon le dedica una exposición
que tuvo un gran éxito.
La vida de Berthe Morisot se vio ensombrecida por la muerte de Édouard Manet en 1883,
la de su esposo, Eugène Manet, en 1892, y la de su hermana. Educó sola a su hija, Julie
Manet, con quien mantuvo siempre lazos muy fuertes. Al morir a los cincuenta y cuatro
años, confió su hija a sus amigos, Edgar Degas y Stéphane Mallarmé.
Berthe Morisot murió en 2 de marzo de 1895 en París y está enterrada en el cementerio

de Passy en París.
En la actualidad, sus pinturas pueden alcanzar cifras de más de 4 millones de dólares.
Galería de su obra [editar]

En el balcón 1873; Instituto de arte de Chicago, (Chicago)
Eugène Manet en la isla de Wight 1875; Museo Marmottan (París)
En el comedor 1875; Galería nacional de arte (Washington)
Invierno (Mujer con manguito) 1880; Museo de Arte de Dallas (Dallas)
En los trigales de Gennevilliers 1875; Museo de Orsay (París)
La lectura 1869-70; Galería nacional de arte (Washington)
Un día de verano 1879; National Gallery (Londres)
La cuna 1872; Museo de Orsay (París)

Camille Pissarro
Camille Pissarro (* Saint Thomas, 10 de julio de 1830 - † París, 13 de noviembre de
1903). Pintor impresionista.
Camille Pisarro fue el menos espectacular de los impresionistas al ser un pintor más tonal
que colorista. Pero como decano del Impresionismo tuvo un importante papel de
conciencia moral y guía artístico.
Biografía [editar]
El Jardín de Pontoise (1877).Antes de establecerse en Francia, viaja a Caracas (1852),
acompañado de su maestro el pintor danés Fritz Melbye, dedicándose plenamente a la
pintura, realizando paisajes y escenas de costumbres. Pero regresa a Santo Tomás para
ayudar en el comercio de sus padres.
En 1855 se trasladó a París, donde asistió a la Escuela de Bellas Artes y a la Academia de

Jules Suisse. Estudió con el paisajista francés Camille Corot y trabó amistad con Claude
Monet, Cézanne y Guillaumin.
Claude Monet y Pisarro coincidieron en Londres, donde conocieron a Durand-Ruel

(1831-1922), quien se convirtió a partir de ese momento en el marchante "oficial" del
grupo. Pisarro y Monet hicieron en Londres estudios de edificios envueltos en nieblas.
Su estilo en esta época es bastante tradicional. Se le asocia con la Escuela de Barbizon,

aunque pasado algún tiempo decidió integrase en el impresionismo.
Al volver a Francia después de su estancia en Londres participó plenamente en el

movimiento impresionista, siendo cofundador del mismo y el único que participó en las
ocho exposiciones del grupo (1874-1886).
Durante la Guerra Franco-prusiana, (1870-1871), volvió a residir en Inglaterra, donde

estudió el arte inglés y en especial los paisajes de William Turner. En los años 80
experimentó con el Puntillismo. Produce escenas rurales de ríos y paisajes; escenas
callejeras en París como La calle Saint-Honoré después del mediodía, efecto de lluvia
(1897, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), Le Havre y Londres.
Atraído por la tierra, pintó la vida rural francesa, en particular paisajes y escenas
representando personas trabajando en el campo. Del período llamado de Pontoise (1872-
1884, aproximadamente) datan sus mejores obras inspiradas en Monet y Cézanne: La
siega en Montfoucault (1876), Los tejados rojos (1877), Primavera en Pontoise (1877).
Tras un período neoimpresionista, volvió al lirismo y al esplendor cromático del
impresionismo. También son famosas sus escenas de Montmartre.
En 1895, un empeoramiento de la enfermedad ocular que padecía le obligó a pintar

paisajes urbanos de París desde la ventana de su casa: Avenida de la Ópera, Jardín de las
Tullerías y Efecto de nieve.
La obra de Pissarro, que abarca todos los géneros, está representada en el Museo de
Orsay de París y en casi todos los museos de arte moderno del mundo. Como profesor
tuvo como alumnos a Paul Gauguin, Paul Cézanne, su hijo Lucien Pissarro y la pintora
impresionista estadounidense Mary Cassatt. Políticamente fue simpatizante del
anarquismo.
Véase también [editar]
Biografía [editar]
Auguste RenoirAuguste Renoir nació en Limoges en febrero de 1841. En 1845, Renoir y
su familia se mudaron a París. Allí, Pierre-Auguste continuó sus estudios hasta la edad de
13 años. Ya como adolescente, trabajó en el taller de los hermanos Lévy donde pintó
arreglos florales sobre porcelana hasta los 17 años. En 1858, Renoir realiza pintura sobre
abanicos. En esa actividad adquirió el gusto por las piezas de gran luminosidad y de
pinceladas rápidas.
En 1862, Renoir, al captar atención por las pinturas que tuvo que hacer en unas misiones
religiosas, postuló a la Escuela de Bellas Artes y entró al taller de Gleyre, donde conoció
a Monet, Bazille y Sisley. Sus primeros cuadros de estilo clásico, romántico y realista no
fueron inicialmente bien criticados. Sin embargo, la primera obra que expone en la
galería l’Esméralda en 1864 recibió una muy buena acogida, pero después de la
exposición la destruyó. Pintó gran cantidad de paisajes y de cuerpos humanos,
principalmente femeninos (sobre todo el de Lise Tréhot quien fue su amante). Esta joven
tuvo una importancia vital en la obra del pintor, dado que al romperse la relación, hubo
un cambio en el estilo del autor. La carrera de Renoir realmente se inicia en 1867 con la
exposición de la Lise à l’ombrelle.
El almuerzo de los remeros. Óleo. 1881, Washington, Colección Phillips.El período

impresionista de Renoir dura entre 1870 y 1883. Pinta gran cantidad de paisajes pero sus
obras más características tiene por tema la vida social urbana. En todos sus temas el
énfasis lo pone en la juventud y la vitalidad. Su más grande obra durante este período es
Déjeuner des canotiers. De esta época data su Retrato de Madame Charpentier con sus
hijos, aún impresionista. Le fue encargado por el editor Charpentier, quien le ayudó en
años difíciles. Gracias a él, fue convocado a colaborar en las ilustraciones para un libro
de Émile Zola.
Entre 1883 y 1890, Renoir entra en su período ingresco. Luego de su viaje a Italia, decide
revisar su estilo. Los contornos de sus personajes se vuelven más precisos. Dibuja las
formas con gran precisión, los colores se vuelven más fríos. Al convertirse en padre por
primera vez deja la pintura por un tiempo. Al regresar al trabajo realiza la más importante
obra de este período Grandes baigneuses, cuadro que tardó tres años en completar.
Le Bal au Moulin de la Galette, Museo de Orsay, ParísDe 1890 a 1900, Renoir cambia
nuevamente su estilo. Ahora es una mezcla de sus estilos impresionista e ingresco.
Mantiene los temas Ingres pero con la fluidez en las pinceladas de su período
impresionista. Su primera obre de este período Jeunes filles au piano, es adquirida por el
estado francés para ser expuesta en el Museo de Luxemburgo. En 1894, Renoir es padre
por segunda vez. La niñera de sus hijos, Gabrielle Renard, se convierte en uno de sus
modelos preferidos.
Entre 1900 y 1919, Renoir entra en su período de Cagnes. En esta época sufre graves
crisis de reumatismo. Con el nacimiento de su tercer hijo en 1901 su pintura toma una
nuevo matiz. En varias ocasiones pinta en compañía de la niñera, quien también se
convertirá en modelo para sus obras.
Al morir su esposa Aline en 1915, Renoir, ya en silla de ruedas, continúa pintando para
ahogar su pena. Vuelto a Cagnes continuó pintando hasta terminar su composición
"Descanso tras el baño", y una naturaleza con manzanas. Pierre-Auguste Renoir moriría
el 3 de diciembre de 1919 luego de visitar por última vez el Louvre donde ya se exponían
sus pinturas, recién pasada una fuerte pulmonía, y sería enterrado a los tres días en
Essoyes junto a su esposa. También cabe recordar que fue padre del destacado cineasta
francés Jean Renoir ("La gran ilusión", "La regla del juego"), que comenzó practicando el
naturalismo cinematográfico y terminó depurando su estilo hasta alcanzar el
impresionismo en algunos films ("La comida sobre la hierba").
Como los restantes impresionistas, fue un autor ausente de los museos españoles hasta la
apertura del Museo Thyssen-Bornemisza. La Colección Carmen Thyssen-Bornemisza,
expuesta en una ampliación del mismo museo, cuenta también con ejemplos suyos. La
Casa de Alba cuenta con un "Busto de mujer con sombrero de cerezas" (Palacio de Liria,
Madrid) que fue adquirido por la actual duquesa en su juventud.
Obras principales [editar]paletas amarillas y naranjas
Pierre-Auguste Renoir pintó a lo largo de más de sesenta años. Pintor prolífico, ha dejado
una obra considerable: más de 4.000 pinturas, un número superior a las obras de Manet,
Cézanne y Degas juntas. De ellas, pueden citarse:
Au concert dans une loge à l'Opéra (1880), Williamstown, EE. UU., Clark Art Institute
Jeune fille au chapeau de paille, (v. 1884)
La baigneuse endormie, (1897)Portrait de la mère de Renoir, (1860), colección particular
Portrait de Romaine Lacaux, (1864), The Cleveland Museum of Art
Portrait de Sisley, (1864)
Clairière dans les bois, (1865, Institut of Arts, Detroit, anuncia los coquelicots de La
Partie champêtre.
Cabaret de la mère Anthony, (1866), Nationalmuseum, Estocolmo
Jules le Cœur et ses chiens, (1866), Museo de Arte, São Paulo
Portrait de Frédéric Bazille, (1867)
Lise à l'ombrelle (1867), Galería Nacional de Arte, Washington
Clown au cirque, (1868), Rijksmuseum Kröller-Müller, Otterlo
El matrimonio Sisley (Les Fiancés, llamado Le Ménage Sisley) (1868), Museo Wallraf-
Richartz, Colonia
La Grenouillère (1869, Estocolmo)
La Baigneuse au griffon, (1870), Museo de Arte, Sao Paulo
Claude Monet lisant, (1872), Museo Marmottan-Monet, París
Buste de femme, (1872-1875), The Barnes Foundation, Merion, Pensilvania
Monet peignant son jardin à Argenteuil, (1873), Wadsworth Atheneum, Hartford
Allée cavalière au bois de Boulogne, (1873), Fondation Barnes Kunstalle, Hamburgo
Mare aux canards (1873, Dallas) en dos ejemplares
Les Moissonneurs, (1873, colección privada, Suiza
La Loge, (1874), Courtauld Institute Galleries, Londres
La Femme en bleu (1874), colección privada
Jeune fille lisant, (1874-1876), Museo de Orsay, París
Femme vue de dos, (v. 1875-1879), Museo de las Bellas Artes André Malraux, Le Havre
Chemin montant dans les hautes herbes (h. 1875), Museo de Orsay, París
La Cueillette des fleurs, (1875), National Gallery de Washington
Les Amoureux, (1875), Museo Nacional, Praga
Autoportrait, (1875),
Portrait de Claude Monet, (1875),
Le Moulin de la Galette, (1876), Museo de Orsay, París
Premiers pas, (1876), colección particular
La Sortie du conservatoire, (1876, The Barnes Foundation, Merion, Pensilvania
Femme au piano, (1876), Instituto de Arte de Chicago
Portrait de Monsieur Chocquet, (1876), Fundación Oskar Reinhart, Winterthur
Sur la balançoire, (1876), Museo de Orsay, París
Au jardin, (1876), Museo Pushkin, Moscú
Portrait de Nini Lopez, (1876), Museo de Bellas Artes Andrés Malraux, Le Havre
Retrato de Madame Charpentier con sus hijos (1878), Metropolitan Museum, Nueva
York
La primera salida, (hacia 1876-1877), Tate, Londres
Portrait de Jeanne Samary, (1877), Museo Pushkin, Moscú
La Couseuse, (1879),
La Fille du déjeuner, (1879),
Les Canotiers à Chatou, (1879), Galería Nacional de Arte, Washington, DC
Le Déjeuner, (1879),
La Jeune fille au chat, (1879)
Paysage à Wargemont, (1879, Toledo, Ohio
Au concert dans une loge à l'Opéra, (1880), Clark Art Institute, Williamstown
Près du lac, (1880)
Place Clichy, (1880)
Mademoiselle Irène Cahen, d'Anvers, (1880), Colección E.G. Bührle
Almuerzo de remeros (Le Déjeuner des canotiers), (1880-1881), Colección Phillips,
Washington DC
Mère et enfant (1881), The Barnes Foundation, Merion, Pensilvania
Baie de Salernes ou Paysage du Midi, (1881), Museo de Bellas Artes Andrés Malraux, Le
Havre
Baie de Naples au matin, (1881, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
Le Jardin d'essai (1881, MGM Mirage, Las Vegas)
En la terraza, (1881), Instituto de Arte de Chicago
Vague, (1882, Dixon Gallery and Gardens, Memphis, Tennessee)
Danse à la ville, (1883), M.º Orsay, París
Femme nue dans un paysage, (1883), Museo de la Orangerie, París
Jeune fille au chapeau de paille, (h. 1884)
Las grandes bañistas (Les Grandes Baigneuses), (1884-1887), Museo de Arte de
Filadelfia
Jeune baigneuse, (1892), Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
Jean jouant avec Gabrielle, (1894),
Gabrielle et Jean, (1895), M.º de la Orangerie, París
Bañista de cabellos rubios sueltos, (1895), Kunsthistorisches Museum, Viena
La Famille de l'artiste (ou Les enfants de Monsieur Caillebotte) (1896) The Barnes
Foundation, Merion, Pensilvania
La Baigneuse endormie, (1897),
Femme nue en plein air, (1900),
Femme nue couchée, (1906), M.º de la Orangerie, París
La Dame à l'éventail, (1908), Colección Durand-Ruel, Nueva York
Jeune fille à la mandoline (1918), Col. Durand-Ruel, Nueva York
Pins à Cagnes, (h. 1919), M.º de Bellas Artes André Malraux, Le Havre
La Baigneuse
Die Kleine Irene Cahen Danvers
Alfred Sisley
Alfred Sisley (París, 30 de octubre de 1839 - Moret-sur-Loing 29 de enero de 1899)
pintor francobritánico
De padres ingleses, fue enviado a Inglaterra para aprender el idioma y realizar estudios de
comercio, contrarios a sus deseos artísticos. Empieza a pintar como aficionado e ingresa
en el estudio de Charles Gleyre donde conoce a Pierre-Auguste Renoir y Frédéric Bazille.
La guerra franco-prusiana de 1870 arruinó a su familia y obligó a Sisley a marchar a
Londres. Decide entonces ser pintor. En 1874 expuso en la primera exposición de los
impresionistas y lo continuaría haciendo en 1876, 1877 y 1882.
Sisley fue eminentemente un pintor paisajista, que se distinguió de sus colegas

impresionistas por la decisiva intervención en sus cuadros de los elementos más
imponderables: el agua, la nieve, el cielo, la niebla, de tal forma que ha sido considerado,
junto a Monet, como uno de los impresionistas más puros. Entre 1872 y 1880 realizó lo
mejor de su producción: paisajes de gran espontaneidad de los alrededores de París, de
Marly, Louveciennes, Bougival, Sèvres, Saint-Cloud o Meudon.
Sisley nunca alcanzó el renombre de la mayor parte de sus compañeros impresionistas y
vivió en la miseria a partir del momento en que dejó de recibir la ayuda económica de su
acomodada familia. Esta situación se produjo a causa del hundimiento del negocio
familiar en 1871. Falleció como había vivido, en la pobreza, antes de poder contemplar
como sus cuadros, que en angustiosos momentos de penuria había vendido a precios
irrisorios, al poco de su muerte comenzaban a ser apreciados por la crítica y el público y
alcanzaban elevadas cotizaciones en el mercado artístico.
Obras [editar]Vue du canal Saint-Martin, 1870, Musée d'Orsay, París

Le canal Saint-Martin, 1872, Musée d'Orsay, París
Passerelle d'Argenteuil, 1872, Musée d'Orsay, París
Rue de la Chaussée à Argenteuil, 1872, Musée d'Orsay, París
Les régates à Moseley, 1874, Musée d'Orsay, París
Sous le pont de Hampton Court, 1874, Kuntsmuseum de Winterthour, Winterthour
Village de Voisins, 1874, Musée d'Orsay, París
La Seine à Port-Marly - Les piles de sable, 1875, Art Institute of Chicago, Chicago
Inundación en Port-Marly (L'inondation à Port-Marly), 1876, Museo de Orsay, París
Les berges de l'Oise, 1877-1878, National Gallery of Art, Washington, DC
Le repos au bord d'un ruisseau. Lisière de bois, 1878, Musée d'Orsay, París
Les Petits Prés au printemps, 1880-1881, National Gallery, Londres
Le Loing à Saint-Mammès, 1885, Musée Malraux, Le Havre
Inundación en Port-Marly, 1876, óleo sobre lienzo, 50,5 x 61 cm, Museo de Orsay, París
Véase también [editar]
Colegio Agustiniano
Norte
Francisco Mendez
Trujillo
Artes Plasticas
6C
20
2008

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3-artistas representativos: Joseph Mallord, William Turner , John Constable, Édouard

Paisajistas ingleses [editar]

Édouard Manet [editar]

Corot y la escuela de Barbizon [editar]

Todos los impresionistas, incluyendo a Berthe Morisot, eran ya conscientes de formar un

Técnica y estética impresionista [editar]

Pincelada gestáltica [editar]

Recordando siempre que la primera manifestación oficial del impresionismo fue la

Lista de autores [editar]

Autorretrato (1865-1866)(Jean) Frédéric Bazille (6 de diciembre de 1841 - 28 de

Su posición en una familia acomodada le ayudó a apoyar a algunos de estos artistas

Obras principales [editar]

Biografía [editar]Después de empezar estudios de derecho, entró en el taller del pintor

Obras [editar]Femme à sa toilette (1873), colección privada

Los acuchilladores del parqué (Les raboteurs de parquet) (1875)

Gustave Caillebotte (Autorretrato - 1892)Gustave Caillebotte (París, 19 de agosto de

Biografía [editar]Después de empezar estudios de derecho, entró en el taller del pintor

Obras [editar]Femme à sa toilette (1873), colección privada

Los acuchilladores del parqué (Les raboteurs de parquet) (1875)

L'homme au balcon, boulevard Haussmann (1880)

Autorretrato. Metropolitan Museum of Art, Nueva York.

Inició sus estudios de pintura en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania (1861-

Al iniciarse la guerra Franco-Prusiana regreso a los Estados Unidos, a su pequeño pueblo

En 1872, observamos una maduración en su estilo debido en parte al estudio de los

Paul Cézanne, hacia 1861

Nacimiento 19 de enero de 1839

Muchacha al piano (La obertura de Tannhäuser), h. 1869, en la que están representadas la

Cuando estalló la Guerra Franco-prusiana en julio de 1870, Cézanne y Hortense dejaron

Una moderna Olimpia, h. 1873-74, obra de Cézanne presentada en la primera muestra

Provenza [editar]Cézanne pasó el año 1878 en el Mediodía, con Hortense y su hijo. En

Los problemas comenzaron con el comienzo de la diabetes en 1890, desestabilizando su

Bodegón con cortina (1895) ilustra la creciente tendencia de Cézanne hacia la

La relación entre Cézanne y su mujer siguió siendo tormentosa. Necesitaba un lugar en el

En 1903 culmina el reconocimiento de su obra, apareciendo en diversas exposiciones.

Después de su muerte, su estudio en Aix se convirtió en un monumento, Atelier Paul

La montaña Sainte-Victoire, 1905Son muy características y fácilmente reconocibles sus

Cézanne se esforzó por comprender y reflejar la complejidad de la percepción visual

Estaba interesado en la simplificación de las formas que ocurrían naturalmente a sus

El periodo oscuro, París, 1861-1870 [editar]Se trata de un periodo caracterizado por

El asesinato, h. 1870El padre del artista (1860-1863), National Gallery de Londres.

Periodo impresionista, Provenza y París, 1870-1878 [editar]

La casa del ahorcado, 1872-73, M.º de Orsay, París.

Periodo de madurez, Provenza, 1878-1890 [editar]

El puente de Maincy (1879-1880), M.º de Orsay, París.

Periodo final, Provenza, 1890-1905 [editar]

La retrospectiva de Cézanne de 1907 en el Salón de Otoño impactó grandemente la

Nacimiento: 19 de julio de 1834

Nació como Jean-Baptiste Armand Guillaumin en París (Francia), y trabajó en la

Falleció en 1927 en Orly, Val-de-Marne justo al sur de París Vida [editar]Nacido en el

Su carrera artística comenzó hacia 1850 en el estudio de Thomas Couture, un pintor en

En realidad, Manet nunca fue un impresionista en el sentido estricto de la palabra. Por

En 1867, hacia la época de la Segunda Exposición Universal en París, Manet, muy

Retrato de Emile Zola por

La música en las Tullerías

La ejecución del emperador Maximiliano

Monet en su barca a orillas del Sena

El bar del Folies Bergère

Claveles y clemátides en un jarro de cristal

Véase también [editar]Victorine Meurent

Biografía [editar]Claude Oscar Monet nace el 14 de noviembre de 1840 en el 45 de la

Monet recibió sus primeras lecciones artísticas en la escuela, de la mano de François-

En 1861 le toca hacer el servicio militar en Argelia, en la legión africana, durante un

"Monet es el "ojo cabrón", el maravilloso ojo, de acuerdo con su pintura. Yo me quito el