Libro Apreciación Arte Final Pub. 2018 1

Capítulo 1
Humanidades y apreciación del arte: una introducción

“ La apreciación de las obras de arte requiere
organización
esfuerzo y estudio sistemático”
Dr. Arbert C. Barnes
OBJETIVOS DE APRENDIZAJE
Al final de este capítulo, los estudiantes deberían poder:
1. comprender la importancia de las Humanidades y la Apreciación del Arte en la vida de

cada individuo;
2. adquirir un conocimiento general de la creación y funciones de las artes; y
3. Reconocer la finalidad determinada del arte así como su clasificación y discutir sus
características.
Trampolín
Como actividad preliminar al tema, el docente planteará a los estudiantes las siguientes
preguntas:
1. ¿Te consideras una persona creativa? Si lo haces, ¿por qué? Si no lo haces, ¿por qué no?
2. ¿Eres más creativo y productivo cuando te sientes feliz? ¿Sufres si no lo eres?
3. ¿Cómo se determina si un arte en particular es una obra original de un artista?
4. ¿Qué talento/s te gustaría mejorar como persona? ¿Por qué?
Aporte
Significado e importancia de las humanidades
m
Timológicamente , el término “Humanidades” proviene de la palabra latina humanus
que significa educado. Se refiere al aprendizaje de artes como arquitectura, danza,
literatura, música, pintura, teatro y escultura (Sanches, 2011). Son ramas del
conocimiento que se centran en las opiniones y relaciones humanas (Machlis, 2003).
Como rama del aprendizaje, la obra de arte es considerada el objeto material mientras que su
creatividad y apreciación es el objeto formal (Menoy, 2009& Marcos, et al., 2010).
Asimismo, Humanidades se preocupa más por cómo una persona expresa sus sentimientos.
Estos sentimientos pueden manifestarse en manifestaciones faciales o movimientos corporales.
Reír, llorar, apretar los puños, curvar los dedos de los pies, estirar los dedos y cruzar los brazos
son representaciones de humanidades (Menoy, 2009).
Apreciación del Arte para el Nuevo Currículo de Educación General Página | 1

Como rama del conocimiento, las Humanidades exploran las condiciones humanas mediante
el uso de métodos analíticos, críticos o teóricos. Estos métodos se presentan en forma de ideas y
palabras que ayudan a que nuestra vida sea más significativa. Además, las Humanidades
también pueden ser el estudio de cómo un individuo documenta y procesa sus experiencias,
particularmente al conectarse con otros (Universidad de Stanford, 2016). Impartir humanidades
como una ciencia académica está diseñado para permitir que nuestros estudiantes
(particularmente las nuevas generaciones) convertirse en individuos creativos y artísticos. Las
humanidades ayudan a los estudiantes a conectarse con la comunidad a través de la exposición
artística como salidas a museos, conciertos, representaciones teatrales, etc. (Marcos, 2010).
Descripción de la apreciación del arte
Cuando miramos a nuestro alrededor, vemos muchas cosas relacionadas con el arte. El arte
puede presentarse en forma de muchos elementos, como carteles, pinturas, retratos, portadas y
más. Las personas ven el arte con diferentes ideas sobre las que quieren saber más o que pueden
estar estudiando. El arte puede mostrar ideas sobre el pasado, lo que está sucediendo actualmente
y lo que puede suceder en el futuro. También puede mostrar significado, amor, aburrimiento y
creatividad (Ramos, 2012). El arte puede ser significativo debido a los colores, formas y
representaciones que puede crear.
La apreciación del arte es una forma de motivar ideas y permite a las personas ilustrar sus
sentimientos cuando ven una obra de arte. Ayuda a desarrollar habilidades críticas e innovadoras
en el pensamiento y enseña cualidades esenciales para escuchar, observar y responder a múltiples
puntos de vista. También requiere la capacidad de diferenciar lo que es aparente y lo que no lo es
(Gargaro & Jilg, 2016 y Sanger, 2012).
La creación de las artes
En nuestra vida, experimentamos mucha fragmentación de nuestros pensamientos y

sentimientos. Pero, al crear arte, vuelve a unir las cosas. Simplemente hacemos arte por muchas
razones y disfrutamos el proceso.
La palabra "arte" proviene del latín arti , que significa artesanía, inventiva, dominio de la
forma, habilidad. Incluye literatura, música, pintura, fotografía, escultura, etc. Sirve como un
registro original de las necesidades y logros humanos. Suele referirse a las llamadas “bellas
artes” (p. ej., gráfica, plástica y de la construcción) y a las llamadas “artes menores” (artes
cotidianas, útiles, aplicadas y decorativas). Es el proceso de utilizar nuestros sentidos y
emociones para realizar actividades creativas (Marcos, 2010). Es una capacidad humana para
hacer cosas hermosas (por ejemplo, edificios, ilustración, diseño, pintura, escultura y fotografía)
a través de la producción de su imaginación dependiendo de la preparación, el tema, el medio y
los valores utilizados.
Significativamente, la palabra artista proviene de la palabra francesa artista y del español

artista , que significa “intérprete”. Es alguien que crea arte que no son más que oficios y
profesiones con los que diferentes personas se ganan la vida (Goines, 2004).

Artista suele referirse a aquellos que crean dentro de un contexto de bellas artes como
actuación, danza, dibujo, cine, pintura, escultura, escritura, fotografía y música. Son aquellos
que utilizan la imaginación y la habilidad para construir obras que pueden considerarse de
importancia estética. La creatividad es una característica de un artista que progresó en la medida
de su vida para expresar sentimientos. Todos estos se procesan en tres fases importantes, a
saber: Creación de formularios; Creación de Ideas; y Creación de los Materiales (Sánchez,
2011).
a. Las Creaciones de ideas . Los artistas suelen ser personas impresionables. Utilizaron sus
experiencias como base para crear una danza, un cuadro, un poema, una obra de teatro o
una canción. Por ejemplo, un compositor puede escribir una canción sobre el romance en
desarrollo entre un hombre y una mujer, o sobre los dolores de un corazón roto.
b. Las Creaciones de los Materiales . El artista utiliza diferentes materiales o medios para
dar forma a una idea. Por ejemplo, un pintor utiliza pigmentos; un escultor utiliza
madera, metal o piedra; un autor usa palabras; y un compositor que utiliza sonidos
musicales para determinar las notas.
c. Las creaciones de las formas . Existen diversas formas utilizadas por los artistas para
expresar sus ideas. Es un medio de expresión artística reconocido como bellas artes.
Esta forma se utiliza para explicar la naturaleza física de la obra de arte, como en una
escultura de metal, una pintura al óleo, etc.
Funciones de las artes
Desde el principio, las artes han sido parte de la historia de la humanidad. Describió, definió
y profundizó la experiencia humana. En el período Prehistórico, por ejemplo, los pueblos
interpretaban canciones y danzas para complacer a sus antepasados. Asimismo, los cazadores
pintaron diferentes figuras en las paredes de las cuevas para representar sus experiencias del día
a día. Las artes también cumplen varias funciones que son resultado de su propósito (Menoy,
2009), a saber:
1. Función Individual - Los artistas realizan artes debido a la pasión de sus respectivas
formas de arte. Un cantante presenta un concierto gratis por su defensa y amor al canto.
Por ejemplo, Regine Velaquez (Asia's Songbird) es conocida por poseer un amplio rango
vocal.
2. Función social : el hombre se asocia con los demás a través de su actuación artística que
despierta la conciencia social. Ejemplos de esta asociación son el canto coral, el baile
grupal, las exhibiciones de arte público y otras prácticas.
3. Funciones económicas : las artes están surgiendo como una fuerza potente en la vida
económica de las personas y asume un papel esencial como contribuyente directo e
indirecto a las economías estatales. Un ejemplo de esto es generar vitalidad económica
en regiones de bajo rendimiento a través de la artesanía, el turismo y las atracciones
culturales.

4. Funciones políticas : el arte proporciona un foro para ideas que conducirán al empleo,
prestigio, estatus y poder. Durante el período electoral, por ejemplo, los candidatos
crearon sus obras de arte (pósteres) que expresan su propaganda, agendas y puntos de
vista políticos sobre cómo lograr una sociedad estable.
5. Funciones históricas : el arte es una técnica esencial para registrar y preservar la

información. Sirve para documentar o reconstruir personajes y acontecimientos
históricos. La mayoría de las obras de arte que se encuentran en los museos, por ejemplo,
están llenas de historias asombrosas sobre las personas más excelentes y creativas del
mundo que nos trajeron los tesoros. Al observar los colores, materiales y simbolismo de
una obra de arte, podemos aprender sobre la historia y la cultura que la produjo en el
pasado.
6. Funciones Culturales - El arte es una articulación y transmisión de nueva información y

valores. Por ejemplo, cuando piensas en Manila, probablemente piensas en el Fuerte
Santiago, el Parque Luneta y sus iglesias de renombre mundial, o los famosos Intramuros.
7. Funciones físicas : los edificios están diseñados y construidos artísticamente para

proteger a sus ocupantes y hacer que su vida en el interior sea más significativa.
Arquitectos, diseñadores industriales y gráficos y decoradores de interiores comparten la
responsabilidad de crear entornos que equilibren formas y funciones.
8. Funciones estéticas : cualquier obra de arte significa belleza. Es un condimento visual

para interiores elegantemente adornados y puede resaltar las características más elegantes
de diferentes elementos decorativos. Reprodujo razonablemente imágenes visuales que
se comunican a través de persuasiones fantásticas y palabras significativas.
Propósito del arte
La creatividad o la imaginación es la base principal del arte. El arte se crea cuando un artista
produce una experiencia estimulante que su audiencia considera que tiene mérito artístico. La
obra de arte es la expresión visual de una idea o experiencia de un artista, mediante el uso de un
medio (Frank, 2011). Permite la expresión de la individualidad del artista. A través de esfuerzos
artísticos, podemos compartir lo que es importante para nosotros con los demás y podemos
aprender sobre los valores de los sentimientos de quienes comparten el arte con nosotros.
Algunos propósitos del arte son los siguientes (Marcos et al., 2011).
1. Crear belleza : el arte es una expresión de nuestros pensamientos, emociones e

intuiciones. Es la comunicación de conceptos que no pueden representarse fielmente sólo
con palabras. El Artista ha considerado la naturaleza como estándar de belleza. El ejemplo
de belleza puede estar en una escena de montaña nevada, y el arte es la fotografía que se
muestra a la familia.

2. Proporcionar decoración : las obras de arte se utilizan para crear un ambiente agradable.
Su objetivo es embellecer las cosas para complacer y divertir a los espectadores a través
de sus colores y patrones.
3. Revelar la verdad : las obras de arte ayudaron a buscar la verdad e intentaron revelar
cómo funciona el mundo. Es un tipo de lenguaje que permite a los artistas enviar un
mensaje al alma de los destinatarios que ayuda a cambiar sus actitudes, su sensibilidad y
su ética.
4. Expresar valores : las artes pueden iluminar nuestra vida interior y enriquecer nuestro
mundo emocional. A través de las artes, se alentará al artista a desarrollar su creatividad,
desafío y habilidades de comunicación. También promueve la autoestima y el bienestar.
6. Conmemorar la experiencia: el arte sirve para transmitir las experiencias personales de un
artista y registrar su impresión en su obra.
7. Crear armonía : un artista hace uso de la composición para poner orden en el contenido
diverso de su obra.
Clasificaciones de arte
Durante el período moderno temprano se produjeron muchos cambios en las artes. Su

clasificación puede basarse en muchas características, incluida la forma, la función, el uso o el
contexto social. Las obras de arte se clasifican de muchas formas diferentes, a saber:
1. Artes visuales : estas artes son aquellas formas que crean obras que son principalmente
visuales (formas percibidas por los ojos). El hombre puede captar la belleza de la
naturaleza a través de un trozo de papel para que otras personas se tomen un tiempo
apreciando la imagen captada. Ejemplos de estas artes incluyen:
a. Pintura: esta forma de arte visual tiene como objetivo evocar una emoción en los
espectadores. Se practica aplicando colores u otros medios a una superficie con un
pincel u otros objetos.
b. Escultura : esta forma de artes visuales se caracteriza como el arte de representar
objetos imaginados u observados en materiales duros como vidrio, metales o madera
en tres dimensiones.
c. Arquitectura : esta forma de arte nos proporciona la estructura física en la que
vivimos. Es una expresión profunda de la cultura humana en un período particular, y
perdurará y nos sobrevivirá en forma de monumentos que las generaciones futuras
estudiarán y se esforzarán por comprender.
d. Dibujo : esta forma de arte mejora la forma en que vemos el mundo que nos rodea y
nos condiciona para capturar sus detalles en un medio bidimensional. Este ha sido un
elemento crítico del arte a lo largo de la historia y en el mundo del arte
contemporáneo.
e. Fotografía : esta forma de arte es un proceso de creación de retratos mediante el
registro de la radiación en un medio sensible a la radiación, como sensores de imagen
electrónicos o películas fotográficas.
2. Artes Escénicas - Estas artes son aquellas formas en las que el artista utiliza su propio
cuerpo, rostro y presencia como medio. Ejemplos de estas artes son los siguientes:

a. Teatro (Drama) : esta forma de arte utiliza artistas para presentar la experiencia de un
evento real o imaginario ante una audiencia en vivo en un lugar y tiempo específicos.
b. Música : esta forma de arte ayuda a expresar nuestro estado de ánimo y sentir el
camino a través de nuestras emociones e ideas. Según un estudio, diferentes tipos de
música pueden ser adecuados para diferentes estados de ánimo, aunque la música
clásica todavía se recomienda como la opción musical más relajante.
C. Danza : esta forma de arte se expresa a través del movimiento corporal que implica
interacción social o se presenta en un entorno espiritual o escénico.
d. Cine : esta forma de arte nos permite explorar las complejidades de la situación
humana. Esto se utiliza para resolver nuestras emociones, para hacer que la historia
cobre vida, se explique la ciencia y las obras literarias cobren vida.
mi. Arte de Instalación - La naturaleza fundamental de esta forma de arte es la
participación de los espectadores. En esta obra de arte, los espectadores se vuelven
activos y navegan por la obra en un entorno que pueden experimentar visualmente.
También tiene la capacidad de transmitir información particular sobre cualquier evento
significativo alrededor del mundo y representa de manera interactiva temas
documentales.
F. Ópera : esta forma de arte ayuda a contar historias a través de la música. Esto también
se realiza con una orquesta completa compuesta por las distintas secciones de
instrumentos musicales. En esta forma de arte, cantantes y músicos realizan una obra
dramática combinando texto (llamado libreto ) y partitura musical.
gramo. Arte escénico : esta forma de arte es un aspecto técnico de la producción teatral.
Esto incluye la construcción y disposición de la escenografía, la colocación y el
enfoque de la iluminación, el diseño de vestuario, el maquillaje y la adquisición de
accesorios, la dirección del escenario y la grabación y mezcla de sonido.
3. Artes literarias : estas artes se centraron en la escritura creativa y otros procesos de

composición destinados a la lectura. Estos incluyen prosa y poesía (por ejemplo, novelas,
cuentos, sonetos, baladas, epopeyas y ensayos).
El valor de las artes en el sistema educativo
Conocer y practicar las disciplinas artísticas son fundamentales para el desarrollo de la mente
y el espíritu de los estudiantes (Asociación Nacional de Educación Artística, 1994). Las artes
son inseparables de la educación. Cuando los primeros humanos dibujaban imágenes en las
paredes de las cuevas, las obras de arte eran el medio para registrar las experiencias humanas y
dar sentido al mundo. Nos educa sobre cómo vivían y sobrevivían las personas primitivas. Por
lo tanto, sin las habilidades artísticas, nadie puede afirmar que tiene una formación profesional.
Hay varias razones para incluir las artes en un sistema educativo. Es evidente que se ha
demostrado que la participación en las artes ayuda a los estudiantes en su desarrollo académico,
personal y social. A continuación se enumeran otros detalles de esta afirmación.
1. Vale la pena estudiar las artes porque sirvió para conectar nuestra imaginación con las
cuestiones más profundas de la existencia humana.

2. Las artes siempre se utilizan porque ayudan a presentar temas e ideas para enseñar,
persuadir y entretener a las personas.
3. Las artes son parte integral de la vida diaria de cada persona porque ayudan a dar forma
a nuestro entorno espiritual, político, económico, cultural y social.
4. Las artes son refrescantes porque ofrecen fuentes únicas de disfrute e investigan las
relaciones entre el pensamiento y las acciones.
5. Las artes desarrollan actitudes en los estudiantes porque enseñan autodisciplina,
refuerzan la autoestima, fomentan las habilidades de pensamiento y la creatividad y valoran
la importancia del trabajo en equipo y la cooperación.
Actividades de clase
a. Trazos musicales
1. Divida la clase en cuatro grupos y hable sobre cómo la música puede evocar sentimientos
a través del arte.
2. Deje que los estudiantes escuchen una melodía en particular. Pregunte qué sentimientos
creen los estudiantes que el músico intentaba transmitir. Indíqueles que dibujen o esbocen
en un papel las emociones que escuchan en la música. Permítales elegir diferentes colores
al hacer su arte y hable sobre por qué los estudiantes hicieron las selecciones que
hicieron.
3. Como clase, permita que los estudiantes compartan sus obras de arte. Es interesante ver
cómo los estudiantes perciben el significado de la música y cómo manifiestan sus
sentimientos en el arte.
b. Lemas artísticos pegadizos y creativos
Los Art-Slogans son poderosas herramientas de marketing que pueden motivar a sus clientes
a apoyar su marca. Es un eslogan o frase publicitaria que los anunciantes crean para expresar
visualmente la importancia y los beneficios de su producto.
Deje que los estudiantes hagan su arte creativo para publicidad. Permítales usar un tamaño
de cartón o cartulina para hacer el lema artístico. A continuación se muestran ejemplos de un
eslogan atractivo de producto o empresa:

Elija cualquiera de los siguientes lemas que se enumeran a continuación y cree un logotipo
artístico con él.
1. Addidas - “Nada Imposible”

2. Disneyland : "El lugar más feliz de la Tierra"
3. IBM - “Solución para un planeta pequeño”
4. FedEx Corporation - "Cuando no haya mañana".
5. Volkswagen - “Piensa en pequeño”
6. Canon EOS : “Lo que queremos decir es lo que ves”
7. Nikon : “En el corazón de la imagen”
8. Energizer - "Sigue y sigue y sigue"
9. Vaqueros Diesel - “Sé estúpido”
10. Jaguar - "Gracia, espacio, ritmo"
11. AT&T - “Extiende la mano y toca a alguien”
12. m&m - “Se derrite en la boca, no en las manos”
13. Coca-Cola - “Refresco con tapa giratoria”
14. Visa : "Está donde quieras"
15. Burger King : "Hazlo a tu manera"
16. Kentucky Fried Chicken (KFC) – “Para chuparse los dedos”
17. Sony - “Conectando personas”
18. NOKIA- “Conectando personas”
19. Nike : "simplemente hazlo"
20. Hallmark : "Cuando te preocupas lo suficiente como para enviar lo mejor"

PRUEBA DEL CAPÍTULO
Nombre: _____________________________________ Puntuación: ________________

Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Ensayo : Responda las siguientes preguntas de forma breve pero precisa.
1. ¿Te consideras un artista? Justifica tu respuesta.

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___________________________________________________________________
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2. ¿Cuál es la importancia de las Humanidades como ciencia del Arte?

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____________________________________________________________________
3. ¿Cómo produce una obra de arte un artista? Discuta el proceso de producción.

_____________________________________________________________________
_____________________________________________________________________
_____________________________________________________________________
4. ¿A cuál de las siguientes clasificaciones de arte (visual, escénica, literaria) crees que
perteneces? ¿Por qué?
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______________________________________________________________________
5. ¿Por qué el arte también se denomina “alta cultura”?

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______________________________________________________________________
______________________________________________________________________

Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Tipo de concordancia : haga coincidir la columna A con la columna B. Escriba la letra de la

respuesta correcta en el cuadro provisto antes de cada elemento.
Columna A Columna B
1. Es el proceso de organizar elementos de manera que usted a. Piedra
pueda utilizar sus sentidos y emociones.
2. Una ciencia que se ocupa del pensamiento, los sentimientos b. Creación de ideas
y las relaciones humanas.
3. Está compuesto de minerales y puede clasificarse en tipos C. Cultural
de materiales según cómo se formaron.
4. Es una característica del artista desarrollada a lo largo de su d. Fotografía
vida para expresar sus sentimientos.
5. Significa "artesanía". mi. creacion de materiales
6. Se refiere a una persona que participa en una o más de F. Escultura
cualquiera de un amplio espectro de actividades relacionadas
con la creación de arte.
7. Un proceso artístico en el que un pintor pinta un cuadro a gramo. Creación de
partir de una escena donde la mayoría de la gente no cree que formularios
exista la belleza.

8. Una fase de la creación de arte en la que el artista utiliza h. Creatividad
materiales para dar forma a su idea.
9. Es un medio de comunicación hacia lo desconocido creado i. Humanidades
y realizado por los pueblos antiguos.
10. Es donde los artistas han desarrollado diferentes formas de j. Bailar
expresar las ideas que tienen en su trabajo.
11. Es un tipo de arte que marca un medio bidimensional. k. Artista
12. Es un tipo de arte que significa una obra de arte l. Dibujo
tridimensional.
13. Es una forma artística de movimiento rítmico del cuerpo. metro. artí
14. Función del arte que expresa ideas y valores. norte. Adoración
15. Es un arte de crear imágenes registrando la radiación en un o. Arte
medio sensible a la radiación.

Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Evaluación : En sus propias palabras, analice brevemente los siguientes conceptos que se
enumeran a continuación.
1. Humanidades
______________________________________________________________________________
____________________________________________________________________________
2. Arte
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
3. Arte escénico
______________________________________________________________________________
____________________________________________________________________________

4. Creación de Arte
______________________________________________________________________________
____________________________________________________________________________
5. Objeto del arte

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
__
6. Arte visual
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
7. Las artes escénicas

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
8. Artes literarias
______________________________________________________________________________
____________________________________________________________________________
9. Educación artística
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
10. Artes creativas

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
Capitulo 2
Artes y Oficios Estéticos

“Lo bello está en la naturaleza y se encuentra en las más
diversas formas de la realidad. Una vez encontrado,
pertenece al arte, o mejor dicho, al artista que lo descubre”.
-Gustave Courbet
1. explicar la diferencia entre artes y oficios estéticos;

2. identificar los tipos de artes y oficios;
3. discutir los principios para comprender la composición artística; y
4. enumerar las funciones motivadas del art.

preguntas:
1. ¿Cuál es la relación entre Arte y Artesanía?

2. ¿Es el arte un reflejo de nuestros valores? Apoye su respuesta.
3. ¿La habilidad artística se aprende o es natural?
4. ¿Por qué se considera el Arte como un “carácter diferenciado y reflejo de la sociedad”?
5. ¿Cuáles crees que son los materiales necesarios para crear una obra de arte funcional?
Explicar.
Aporte
La diferencia entre artes estéticas y manualidades
A
estética proviene de la palabra griega eisthesis que significa "percepción". Es una
rama de la filosofía dedicada al estudio del arte y la belleza utilizada durante el siglo
XVIII
por Alexander Baumgarten, filósofo alemán. Este término también se refiere a
los principios que rigen la naturaleza y apreciación de la belleza, especialmente en las
artes visuales (Rader, 1979).
Por otro lado, el término “artesanía” proviene de una palabra alemana Kraft que significa
“poder” o “habilidad”. Suele emplearse en ramas de las artes decorativas o prácticas artísticas
asociadas. También implica la aplicación de habilidades humanas mediante el uso de una mano.
Tiende a producir cosas para diversos propósitos humanos y tiende a exhibir su belleza en torno
a un objetivo externo al objeto mismo (Dutton, 1990).
Arts and Crafts comenzó durante el siglo XIX en Europa como una reforma del diseño y como
un movimiento social motivado por William Morris. Se trata de actividades relacionadas con la
fabricación de cosas que requieren una combinación de habilidad, velocidad y paciencia.
William Morris, que nació el 24 de marzo de 1834 en Walthamstow,

Inglaterra, era conocido por sus diseños de patrones, particularmente en
telas y papeles pintados. Como defensor de los ideales socialistas, Morris
creía que un diseñador debería tener la habilidad de cualquier medio para
producir diseños con intrincados patrones entrelazados de frutas, flores y
follaje. Murió el 3 de octubre de 1896, a la edad de 62 años en Londres,
Inglaterra.
Tipos de artes y oficios
Los artistas pueden tener habilidades y capacidades perceptivas Figura 1. William Morris (1834-1896)
únicas, pero también son personas con necesidades y la motivación para
satisfacer esas necesidades. Crear diferentes obras de arte que sean aceptadas por el público
puede conducir a la aceptación y reconocimiento social de un artista. Sus obras de arte se han

utilizado para crear ambientes agradables. Las artes y artesanías tienen diferentes tipos, a saber:
artesanías textiles de madera, metal, papel o lienzo y artesanías vegetales.
Artesanía Textil . La palabra textil proviene de la frase latina texere que significa "trenzar"
o "construir". Estos también se refieren a cualquier artesanía en la que se trabaje con tela, hilo o
diseño de superficies. Utiliza fibras vegetales o sintéticas para crear objetos prácticos o
decorativos. Estos incluyen lo siguiente:
1. Punto de cruz : el punto de cruz también puede ser una forma de alivio natural del dolor.
Es una forma popular de bordado con hilos contados en el que se utilizan puntadas en
forma de X en un patrón de mosaico en forma de trama para formar una imagen.
2. Crocket : es un proceso de creación de tela a partir de hilo, hilo u otros hilos de material
utilizando un ganchillo.
3. Costura - Es la artesanía de sujetar o sujetar objetos mediante puntadas realizadas con
aguja e hilo.
4. Tejido : es un método de producción de telas en el que los hilos se entrelazan en ángulos
rectos para formar una tela o tela.
5. Frivolité: es una técnica artesanal, especialmente para hacer encajes duraderos que se
construyen mediante una serie de nudos y bucles.
6. Zapatería- Es el proceso de elaboración del calzado.
7. Encaje- Es una tela calada, estampada con agujeros abiertos en la labor, confeccionada a
máquina o a mano.
8. Macramé: es una forma de fabricación textil que requiere muy pocas herramientas y solo
algunos conocimientos básicos de anudado.
9. Millinery- Es el diseño y fabricación de sombreros.
10. Arte con cuerdas : es una disposición de hilos de colores ensartados entre puntos para
formar un diseño geométrico abstracto.
Artesanías en madera. Estos se refieren a una habilidad que pertenece al bosque,

especialmente para abrirse camino a través del bosque o para cazar, atrapar, etc. También se
relaciona con estilos de vida de subsistencia con implicaciones de caza-recolección (Horace,
1906). Estos incluyen lo siguiente:
1. Carpintería- Es un oficio especializado en el corte, conformado e instalación de

materiales de construcción durante la construcción de edificios.
2. Marquetería - Es el arte y artesanía de aplicar piezas de chapa (rebanadas finas de
madera) a una estructura para formar diseños decorativos.
3. Torneado de madera : es una forma de carpintería que se utiliza para crear objetos de
madera.
4. Tallado en madera : es una forma de trabajar la madera para formar una figura u objetos
de madera utilizando un cuchillo o un cincel.
5. Gabinetes - Es la habilidad de fabricar un mueble en forma de caja con puertas y cajones
para guardar diversos objetos.
6. Tapicería - Es el trabajo de construcción de cojines y fundas para muebles.

Artesanía en metal . Estos se refieren al arte de ejecutar diseños artísticos en metal con fines
tanto prácticos como estéticos. Estas artes están diseñadas para elementos decorativos u objetos
funcionales que sean beneficiosos y útiles para todos nosotros. Estas obras son de bronce, plata,
oro, estaño, cobre, plomo, latón y hierro. Estos incluyen lo siguiente:
1. Joyería- Es una forma de adorno personal, como broches, anillos, collares, aretes
y pulseras.
2. Fundición de metales : es un proceso mediante el cual un material líquido (bronce,
cobre, vidrio, aluminio y hierro) se vierte en un molde, que contiene una cavidad hueca
de la forma deseada, y luego se deja solidificar.
3. Escultura soldada : es una forma de arte en la que la estatua se hace mediante técnicas
de soldadura.
Manualidades con papel o lienzo . Se refiere a un tejido liso extremadamente duradero que se
utiliza para fabricar mochilas, tiendas de campaña, carpas y otros artículos sostenibles. Estos
incluyen lo siguiente:
1. Encuadernación : es el proceso de ensamblar físicamente un libro a partir de algunas

hojas de papel u otro material dobladas o desplegadas.
2. Elaboración de tarjetas: es una técnica artesanal para producir tarjetas de felicitación.
3. Collage : es una técnica en la que la obra de arte se realiza a partir de un ensamblaje de
diferentes formas, creando así un todo nuevo.
4. Origami: es un arte cultural japonés de doblar papel.
5. Papel-Mache- Es un material compuesto formado por trozos de papel o pulpa, a veces
reforzado con textiles, unidos con un adhesivo.
6. Álbum de recortes : se refiere a un método para organizar, preservar y presentar la historia
personal y familiar en forma de libro.
7. Estampado de caucho : es una artesanía en la que se aplica algún tipo de tinta hecha de
tinte o pigmento a una imagen o patrón que se talla, moldea, graba con láser o vulcaniza
sobre una lámina de caucho.
Manualidades con plantas : se refieren a habilidades que utilizan partes de plantas como medio.
Estos incluyen lo siguiente:
1. Fabricación de plataformas rodantes para maíz : se relaciona con la fabricación de

formas y figuras (conocidas como 'carretillas') a partir de paja (como cebada, avena y
trigo).
2 . Diseño Floral - Es el arte de utilizar materiales vegetales y flores para crear una
composición agradable y equilibrada.
3. Manualidad con flores prensadas : consiste en secar los pétalos y las hojas de las flores
en una prensa de flores para aplanarlos y excluir la luz y la humedad.
Principios para comprender el diseño y la composición artísticos
Los principios del arte se crean combinando elementos artísticos. Los artistas utilizan
principios organizativos para desarrollar formas que informan. Entre los principios

fundamentales del arte se encuentran la armonía, la variedad, el equilibrio, el movimiento, el
énfasis, la proporción y el ritmo . Ya sea analizando o componiendo obras de arte, uno debe
tener una comprensión completa de cómo se crean los principios del arte (Elsen, 1981).
El Principio de Armonía . Cuando todos los elementos del arte interactúan bien en una obra de
arte, se logra la armonía visual. Esto se logra mediante el uso de tipos similares de formas
geométricas, líneas o colores dentro de una obra de arte para crear una composición unificada.
Asimismo, utilizar varios colores fríos o cálidos ayudaría a producir una obra de arte armoniosa.
El principio de variedad . Una composición estable también demostrará el principio de variedad.

Se logra mediante el uso de diferentes colores, líneas y formas dentro de una obra de arte para
resaltar áreas clave. Los artistas pueden utilizar esta idea para dirigir la mirada del espectador
hacia un lugar dentro del arte que quiera enfatizar.
El Principio del Equilibrio . Se refiere a la simetría de fuerzas visuales opuestas. Se crea en una
obra de arte cuando se combinan armoniosamente colores, formas, formas o texturas.
El principio del movimiento . Es la forma en que se mueve un ojo a lo largo de una obra de arte.
En esta obra de arte, nuestra vista sube a través del patrón en la superficie ondulada del agua
hasta los dos remeros. Un artista crea un movimiento visual para llevar la vista al punto focal de
la obra de arte.
Principio de Énfasis . Se refiere a la necesidad que tiene un artista de crear un punto focal dentro
de una obra de arte. Este punto artístico es una parte esencial de una obra de arte, y la atención
del espectador debe dirigirse a esa zona.
Principios de Proporción . Este principio se crea cuando los tamaños de los elementos de una
obra de arte se combinan armoniosamente. El artista normalmente intenta hacer que todas las
partes de una composición se relacionen lógicamente entre sí para representar la forma humana
dentro de la proporción adecuada.
Principio de Ritmo . Se refiere al uso de patrones visuales dentro de una obra de arte. Los
modelos dentro de una obra de arte se crean repitiendo ciertos colores, líneas o formas en áreas
específicas. También se puede utilizar para formar una variedad de texturas dentro de una obra
de arte.
Funciones motivadas del arte
Los propósitos motivados del arte son acciones intencionales y conscientes por parte del
artista. El arte puede traer cambios políticos o comentar sobre la vida en una sociedad. También
puede transmitir propaganda específica o simplemente como una forma de comunicación (Holly,
2002). Las funciones motivadas primarias de las artes son las siguientes:

a. Arte para actuar. El arte puede perseguir provocar una determinada emoción, relajar o
entretener al espectador.
b. Arte para curar . El arte es utilizado por arteterapeutas, psicoterapeutas y psicólogos
clínicos como arteterapia. El producto final es un método de curación, a través de actos
creativos.
c. Arte para el cambio político. Una de las funciones esenciales del arte de principios del
siglo XX ha sido utilizar imágenes visuales para provocar modificaciones legislativas.
d. Arte para la propaganda (Comercialismo ). El arte se utiliza para influir delicadamente
en las ideas o estados de ánimo populares.
e. Arte para la comunicación . El arte tiene un objetivo, dirigido hacia otro individuo. Por
ejemplo, la gráfica es una forma de arte de comunicación en la que el artista expresa sus
emociones, sentimientos y estados de ánimo.
_____________________
a. Concurso de talentos
En este espectáculo, los estudiantes descubrirán varias actividades creativas y deliberarán

sobre cómo se puede utilizar el arte como forma de comunicación y como medio para expresar
pensamientos y sentimientos.
Instrucciones :
1. Preparar a los estudiantes para que muestren sus talentos (ya sea en baile, canto, poesía o
cualquier cosa que se les ocurra). Los concursos de talentos tienen como objetivo mostrar
algo de lo que los estudiantes estén orgullosos.
2. Decir a los estudiantes que la presentación del talento puede ser de forma individual, en pareja
o en grupo.
3. Proporcionar un rol alternativo para quienes no deseen actuar, como estar a cargo de los
efectos musicales y de sonido, ser locutor o utilero.
3. Deles tiempo suficiente para el ensayo. Prepare música y accesorios según sea necesario.
Establezca reglas con respecto a los disfraces apropiados según sea necesario.
4. Presente a cada intérprete y su talento por su nombre antes de que suban al escenario. Si los
estudiantes actúan como locutores, ayúdelos en la medida de lo posible.
Nota: El profesor debe preparar debates de seguimiento con los estudiantes durante la próxima
reunión .
Preguntas guía para debatir y compartir :
1. ¿Cómo te sentiste al actuar en el escenario? ¿Qué salió bien?

2. ¿Te hizo sentir bien el show de talentos? ¿Por qué y por qué no?
3. ¿Qué harías diferente la próxima vez? ¿Volverías a actuar?

4. ¿Cuál fue tu parte favorita de actuar en el programa de talentos?
5. ¿Qué aprendiste al ser parte del concurso de talentos?
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b. Obra de arte
Deje que los estudiantes traigan a la clase cualquier obra de arte (como pintura, dibujo,
composición literaria, escultura y otras) y pídales que expliquen de qué se trata ese arte. Como
clase, discutan sobre lo importante que es el talento en la vida de cada ser humano.
__________________
C. Artesanía de flores prensadas
Materiales necesarios
1. Palillos de dientes
2. Pegamento de madera
3. Recipiente para contener el pegamento.
4. Flores prensadas (cualquier prensa casera o comprada de secado al aire; prensas para
microondas; o método tradicional de prensado en libros)
Instrucciones
1. Dispuso las flores prensadas sobre el papel, pero no pegue nada.

2. Vierta una pequeña cantidad de pegamento en un plato o recipiente poco profundo para
facilitar el acceso.
3. Comienza a pegar las flores en la capa inferior del arreglo.
4. Voltee la flor prensada para que el pegamento quede hacia abajo y coloque con cuidado la flor
sobre el papel.
5. Aplique presión sobre la flor y manténgala presionada durante unos segundos. Repita el
proceso hasta que todas las flores estén arregladas.

Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Ensayo : Responda brevemente las siguientes preguntas.
1. ¿Todas las artes expresan belleza? Justifica tu respuesta.

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2. ¿Cuándo se puede decir que una artesanía se elabora con la aplicación de la inteligencia
humana?
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3. ¿Cómo comenzaron el Arte y la Artesanía durante el siglo XIX ? Explicar.

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4. ¿Necesitamos asistir a una escuela formal para convertirnos en artistas profesionales? ¿Por qué
o por qué no?
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5. ¿Cuál es la contribución de William Morris en el ámbito de las artes y oficios?

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Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Identificación: Identifique las siguientes preguntas en la columna B. Escriba su respuesta en el

espacio en blanco proporcionado en la columna A.
Columna A Columna B
1. Fue un filósofo alemán que utilizó por primera vez la palabra
“estética” durante el siglo XVIII en Europa.
2. Desarrolló Arts and Crafts como una reforma del diseño y un
movimiento social durante el siglo XIX .
3. Se refiere al uso de la repetición visual dentro de una obra de arte.
4. Es el proceso de elaboración del calzado.
5. Es un método de producción de telas en el que se entrelazan dos
conjuntos distintos de hilos en ángulo recto para formar una tela.
6. Es un arte tradicional japonés de doblar papel.
7. Se refiere a recuerdos típicos que incluyen fotografías, medios
impresos y obras de arte.
8. Un principio que se relaciona con el equilibrio de fuerzas visuales
opuestas.
9. Es una forma de carpintería que se utiliza para crear objetos de
madera en una máquina herramienta conocida como torno .
10. Es un diseño artístico que utiliza materiales vegetales y flores para
crear una composición agradable y equilibrada.
Capítulo 3
La historia del arte occidental

“La historia del arte analiza las obras de arte
y las personas que las crearon” .
Susan Vreeland
1. describir la historia del Arte en la Civilización Prehistórica;

2. discutir las artes medievales en Europa;
3. identificar a los artistas famosos de Europa occidental; y
4. Analiza las pinturas más comunes del griego clásico.
Como actividad preliminar al tema, el profesor preguntará a los estudiantes sobre su

percepción sobre la siguiente imagen.
h
Históricamente hablando, el instinto humano de crear arte es universal. El arte es un
enfoque del ser humano para comunicar sus creencias y expresar ideas sobre sus
experiencias. También proporciona información valiosa sobre el pasado y las culturas
existentes. Nos ayuda a comprender cómo han vivido otros y qué valoraban
(Fundación Annenberg, 2017).
La historia del arte refleja los restos de la civilización, el estudio de las obras de arte y las
vidas de los artistas iluminan mucho sobre nuestro pasado compartido. Nos ayuda a descubrir,
autenticar quién hizo un objeto de arte en particular (Meyer, 2009). También nos ayudó a
apreciar el desarrollo estilístico y reconocido de las prácticas artísticas a gran escala y dentro de
una mirada histórica amplia.

La historia del arte abarca también toda la historia de la humanidad desde la prehistoria. El
arte es producto de la conexión emocional e intelectual del hombre con el mundo. También
pretendía producir un mensaje que provocara una conciencia inexplicable en los corazones de
sus espectadores o incitara sabiduría entre las mentes curiosas. Leroi-Gourhan (1967) enumera
tres dominios principales de la expresión del sentimiento asociados a los primeros períodos de la
humanidad que pueden contribuir a nuestra comprensión de los inicios del arte, como las
impresiones psicofisiológicas ; Mágico-religioso ; y tecnoeconómico .
El arte en la civilización prehistórica
El término "prehistórico" se refiere al tiempo anterior a la historia escrita. Específicamente,

la escritura se desarrolló en la antigua Mesopotamia antes del 3000 a.C., por lo que este período
incluye la cultura visual (pinturas, esculturas y arquitectura) realizada antes de esa fecha (Zucker,
2015). Las formas de arte decorativas más antiguas reconocidas provienen de África y se
remontan al año 100.000 a.C.
El arte prehistórico tiene cuatro períodos principales: Edad de Piedra, Neolítico, Edad del
Bronce y Edad del Hierro. Los artefactos restantes de este período son pequeñas esculturas y
pinturas rupestres. Durante estos primeros tiempos se crearon y realizaron diferentes formas de
arte como signo de comunicación o adoración a la deidad. Esta práctica muestra cómo los
factores culturales y religiosos influyeron poco en el desarrollo de las formas de arte que hicieron
tan famosa a la sociedad antigua hasta ahora.
Los pueblos antiguos a menudo representaban sus visiones del mundo y creencias a través de
imágenes visuales. El arte surgió con la aparición y dispersión de pueblos enteramente modernos
por África, Asia, Australia, América y Europa. Las pinturas, esculturas, grabados y cerámicas
son expresiones de belleza y sistemas sociales y espirituales complejos. El arte prehistórico,
como los animales, es el tema favorito de cazadores, pastores y criadores.
El arte prehistórico es un sistema simbólico que es parte integral de la cultura que lo crea
(Honour et al., 2005). Muchos arqueólogos han identificado el arte de la Edad de Piedra, a saber:
petroglifos (grabados y grabados rupestres); pictografías (imágenes gráficas, símbolos);
escultura antigua (estatuas totémicas, tallas de marfil); y artes megalíticas (realizaciones o
cualquier otro trabajo asociado a la formación de piedras).
El arte rupestre europeo más antiguo es la Cueva de El

Castillo (Cueva del Castillo) en España. Esta cueva fue
descubierta en 1903 por Hermilio Alcalde del Río, un
arqueólogo español. Algunos arqueólogos sostienen que las
obras de arte que se encuentran dentro de esta cueva son
probablemente una creación del Homo neanderthalensis.
Se encontraron plantillas de mano, claviformes ( formas de
mazas ) y discos hechos soplando pintura sobre la pared de
la cueva de El Castillo que datan de al menos 40.800 años,
lo que los hace más antiguos que los de la cueva Chauvet en el centro de Francia, que data de

alrededor de 39.000 años ( Kwong, 2012). Otros sitios antiguos de pinturas rupestres en Francia
incluyen Lascaux, Grotte de Cussac, Pech Merle, Cueva de Niaux y Font-de-Gaume.
Herramientas de piedra para la creación artística
La piedra se forma en función de la composición de los minerales que contiene. Se

clasificó como de crecimiento mineral, sedimentario, metamórfico y volcánico. Rocas
sedimentarias formadas mediante la deposición y compresión de partículas. Por otro lado, las
rocas metamórficas cambiaron como resultado de
temperaturas y presiones extremas. Las rocas volcánicas
provienen de magma ígneo fundido (Prindle, 1994).
Las herramientas hechas de tono fueron los instrumentos mediante los cuales el hombre
primitivo se desarrolló y progresó. Toda la cultura humana se basó en el ingenio y la capacidad
intelectual de nuestros primeros antepasados para crear herramientas sofisticadas que les
permitieran sobrevivir. Las primeras herramientas de piedra ( eolitos , que ahora se cree que se
produjeron de forma natural mediante procesos geológicos como la glaciación) y otros tipos de
materiales orgánicos ( madera, hueso, marfil y asta ) aparecieron hace unos dos millones de
años. Las herramientas humanas más antiguas eran un simple picador de piedras, como los
desenterrados en Olduvai George en Tanzania. Muchos paleoantropólogos (personas que
estudian los orígenes y predecesores de la especie humana actual) confirmaron que el Hombre
Paleolítico produjo cuatro tipos de herramientas para crear un arte, a saber: herramientas de
guijarros (con un solo filo afilado para cortar o picar): herramientas bifaciales (mano ejes);
Herramientas en escamas ; y herramientas de hoja .
Pebble Tools (picador de guijarros). Es un primer dispositivo de corte y se considera el tipo de

herramienta más antigua fabricada por el hombre. La herramienta contiene una piedra
redondeada. Se dieron algunos golpes con una piedra similar utilizada como martillo, lo que creó
una cresta dentada que sirvió como hoja cortante.
Herramientas bifaciales . Es un hacha de mano, herramienta de piedra prehistórica en lascas

con dos caras o lados. Estas herramientas pueden tener forma ovalada, triangular o almendrada y
caracterizarse por simetría axial. El filo puede ser recto o dentado y se utiliza como cuchillo,
pico, raspador o arma.La técnica era distintiva de la tradición del hacha de mano del Paleolítico
inferior y de la cultura achelense.
Herramientas en escamas . Son herramientas manuales utilizadas durante la Edad de Piedra.

Por lo general, se forman triturando un fragmento pequeño o grande que luego se utiliza como
herramienta. Tanto los núcleos como las lascas podrían servir como herramientas de piedra. Las
escamas nuevas eran muy afiladas, pero rápidamente se desafilaban durante el uso y había que
afilarlas nuevamente mediante más escamas, un proceso llamado "retoque".
Herramientas de cuchilla . Se trata de una herramienta de piedra creada golpeando una lasca
larga y estrecha de un núcleo de piedra. Este procedimiento de cortar la piedra y crear las
láminas se llama reducción lítica. Después de picar las hojas, se integraron en herramientas más
grandes, como lanzas.

Artes medievales en Europa
El arte primitivo del mundo occidental abarca una amplia gama de tiempos y lugares a lo
largo de 1000 años. Específicamente, el arte medieval en Europa surgió de la cultura artística del
Imperio Romano y de las prácticas iconográficas en la iglesia paleocristiana (Oliquiano, 2012).
Estas fuentes se mezclaron con la influyente cultura artística "bárbara" del norte de Europa para
crear un legado creativo extraordinario. Arte medieval representado en pintura pietista (arte
religioso) exhibido en cerámica , pinturas al fresco y mosaicos, orfebrería y platería , vidrieras,
manuscritos iluminados, orfebrería, tapices y heráldica en iglesias.
a. Manuscritos iluminados (Iluminación): eran textos religiosos coloridos que a menudo

utilizaban el oro y la plata como característica principal. El término iluminar proviene
del vocablo latino “ iluminar” que significa adornar o iluminar . Es el adorno de un
manuscrito con colores brillantes. El artista que produjo la impresionante obra de arte en
manuscritos iluminados se llamaba Iluminadores .
b. Trabajo en metal - Los metalúrgicos eran muy hábiles en la creación de objetos religiosos
para la decoración de iglesias. Expertos en el arte del bronce produjeron hermosas joyas,
esculturas e incluso puertas de iglesias.
c. Platero y orfebre : fueron excelentes artistas que crearon nuevas formas de joyería. La
iglesia medieval exigía emplear plateros y orfebres en la iglesia para producir e2222 con
pequeños trozos de vidrio coloreado, piedra u otros materiales. Los primeros cristianos
utilizaban mosaicos en techos y paredes de sus iglesias y catedrales.
d. Pinturas - Artistas expertos en iconografía utilizaron frescos y pinturas sobre paneles con
temas religiosos durante el período medieval. El fresco se realiza principalmente en
revestimientos de paredes o techos. Asimismo, Panel s es una pintura que mostraba
varias piezas de madera que se unían entre sí. También lo es para los iconos del arte
bizantino.
e. Tapiz de Bayeux - Es un bordado en lana de colores. Consiste en ocho largas tiras de lino
crudo, cosidas entre sí para formar un panel continuo de 230 pies de largo y 20 pulgadas
de alto.
f. Cerámica - Eran ollas, tinajas y cántaros hechos a mano.
g. Vidrieras : normalmente se aplican exclusivamente en las ventanas de iglesias, castillos y
catedrales medievales. Crea la forma principal de arte en la que se organizan pequeños
trozos de vidrio para formar imágenes o patrones que se mantienen unidos.
h. por tiras de plomo y sostenido por un marco duro.
i. Heráldica - Es la forma de diseñar escudos e insignias. Se elaboraron ejemplares de
blasones mediante bordados, papel, madera pintada, cantería y vidrieras.
Artistas famosos en Europa occidental
Los grandes artistas introdujeron el avance de las artes durante los períodos medios.
Durante esta época, los artistas se separaron de las influencias del estilo artístico bizantino y se
desarrollaron hacia el arte visual gótico. Los pintores y escultores medievales fueron los
fundadores del movimiento hacia un mayor realismo que culminó en el estilo artístico

renacentista. Los artistas más famosos durante la época medieval fueron Donatello, Giotto, Leon
Battista Alberti, Cimabue, Filippo Brunelleschi, Fra Angelico y Lorenzo Ghiberti.
1. Donatello (también conocido como Donato di Niccolo di Betto Bardi). Nació en 1386 en
Italia. Era hijo de Nicolo di Betto Bardi, un comerciante de lana de Florencia. Aprendió
la fabricación de metales y otras sustancias, lo que se conoce como metalurgia . Sus
obras de arte más famosas incluyen David, María Magdalena, Madonna, Salomé,
Zuccone y San Marcos, San Juan Evangelista y San Jorge y el Dragón. También inventó
una técnica conocida como schiacciato (relieve poco profundo), que lograba efectos de
profundidad espacial. Murió el 13 de diciembre de 1466.
2. Giotto di Bondone . Nació alrededor de 1266 en el pueblo de Vespignano, Florencia.
Era hijo de Giorgio Vasari, un pequeño terrateniente. Trabajó con otros artistas para la
Catedral de San Francisco en Asís y comenzó a pintar allí un ciclo de frescos con escenas
del Antiguo y Nuevo Testamento. En 1300, el Papa Benedicto XI lo invitó a Roma a
pintar un mosaico sobre la entrada de la Basílica de San Pedro. Murió el 8 de enero de
1337 en Florencia.
3. Leon Battista Alberti - Nació en Génova el 14 de febrero de 1404, en Italia. Como
arquitecto, fue contratado por el Papa Nicolás V para la renovación del palacio papal y
del puente romano de Acqua Vergine. Murió en Roma el 25 de abril de 1472.
4. Giovanni Cimabue - Nació en Florencia en 1240. Dedicó todo su tiempo a envolver sus
periódicos y libros con fotografías de caballos, casas, personas y otras cosas que
imaginaba. Hizo mosaicos y pinturas, entre los que se incluyen los frescos de escenas del
Nuevo Testamento en la iglesia superior de San Francisco de Asís. Murió en 1302.
5. Filippo Brunelleschi - Nació en 1377 en Florencia, Italia. Era hijo de Brunellesco Di
Lippoo, un abogado italiano y su madre era Giuliana Spini. Fue escultor y orfebre en uno
de los talleres florentinos. Murió el 15 de abril de 1446.
6. Fra Angelico (también conocido como Beato Angelico, que significa "Bendito
Angelical"): nació en 1395 en Florencia, Italia. Como pintor, sus obras de arte más
famosas incluyen la pintura de la Anunciación, La Virgen y los Santos y la
Transfiguración de Cristo .
7. Lorenzo Ghiberti - Nació en 1380 en Florencia, Italia. Fue admitido en el Gremio del
Oro y comenzó su aprendizaje como orfebre en 1392. Comenzó a trabajar en las Puertas
Este del Baptisterio de San Giovanni. Las puertas de bronce (conocidas como las
“Puertas del Paraíso”) tenían 10 paneles que representaban escenas del Antiguo
Testamento. Murió en 1445.
Pinturas más comunes en griego clásico
Durante la época clásica, la mayoría de las pinturas se descubrieron en paneles, tumbas y

jarrones. Representa símbolos naturales con obras maestras dinámicas sobre escenas de batalla,
figuras mitológicas y escenas cotidianas. También revela un dominio de la perspectiva lineal y
la ilustración naturalista (Rayos, 2018). Las pinturas familiares en griego clásico son las
siguientes:
a. Pintura de jarrón Kerch

El jarrón Kerch es una cerámica de figuras rojas que lleva el nombre del lugar donde se
descubrió. Los motivos más comunes eran escenas de la vida de mujeres, seres mitológicos o
historias o acontecimientos míticos. Este tipo de pintura utilizaba una técnica conocida como
policromía que combinaba de manera artística diferentes colores especialmente el brillante. Las
formas que se encuentran comúnmente son:
a. Krater (es un cuenco que se utiliza para mezclar vino y agua)

b. lebesgamikos (un recipiente con asas altas y tapa que se utiliza para llevar el baño
nupcial)
c. lekanis (un cuenco bajo con dos asas horizontales y un pie pequeño y ancho)
d. pelike (un recipiente para vino)
b. Pintura sobre paneles
La Pintura sobre Tablas fue especialmente famosa por realizar bellos retablos. Este tipo de
pinturas se ejecutan sobre paneles planos de madera o metales que pueden ser tanto de una
pequeña pieza única como de varios tableros unidos. La pintura sobre tabla antigua más antigua
que se conoce es el Panel Pitsa (fechado entre 540 y 530 a. C.).
c. Pintura de tumba/pared
La pintura popular de tumbas o murales durante el período clásico utiliza témpera (a base de
agua) o encáustica (cera) como método de fresco. Los colores de este tipo se elaboran con tintes
en polvo molidos en agua pura, se secan y se fijan con yeso para que se conviertan en una parte
duradera de la pared.
____________
Actividad de la clase
a. Dar forma a la roca
Imagínese cómo los pueblos prehistóricos pudieron hacer obras de arte en todas las cuevas.
Crea tu estilo de arte rupestre utilizando una piedra como lienzo de trabajo y otra piedra como
medio para crear una obra de arte.
Materiales:
1. Roca plana (cualquier forma)

2. Piedras (con bordes afilados)
Procedimiento:
1. Usando la roca con bordes afilados, raspe la roca plana con el diseño que desee.

2. Aplica barniz utilizando una mezcla de cola blanca diluida con agua para preservar tu
diseño en la piedra.
3. El diseño de la roca debe imitar el carácter de una obra de arte prehistórica.
4. También puede utilizar patrones que muestren la identidad de su región de ciudad.
b. Mosaico en una madera
Los griegos fabricaron mosaicos por primera vez en la antigüedad. Este arte de crear
imágenes con un ensamblaje de pequeños trozos de vidrio, piedra u otros materiales de colores
solía ser blanco y negro utilizado en el suelo y los caminos. Ya sea en diseño triangular o
cuadrado, los guijarros se aplican con mortero u otro adhesivo para crear mosaicos para pisos y
paredes.
Materiales:
1. hoja de madera
2. Azulejos de colores
3. Lápiz
4. flotador de lechada
5. Toalla de papel
6. Botella de spray
7. Esponja
8. vinagre blanco
9. Guantes
Procedimientos:
1. Crea tu mosaico decorativo dibujando un diseño en un trozo de madera plana (tamaño de

banda de cupón largo).
2. Seleccione su mosaico y envuélvalo en un paño. Usando un martillo, rompa el azulejo.
(Nota: es necesario el uso de gafas de seguridad para proteger los ojos).
3. Reúna sus mosaicos rotos en categorías de colores.
4. Pega cada pieza individualmente y ponla en tu diseño.
5. Extienda la lechada usando una llana para lechada.
6. Deje que la lechada se estabilice durante 20 minutos.
7. Con una esponja y agua, limpie suavemente el exceso de lechada.
8. Rocíe vinagre blanco para quitar el polvo de la lechada con una toalla de papel o un paño.
C. Iluminame

Durante la época medieval de Roma, se utilizaron vidrieras y han sido una de las
características destacadas de cada catedral construida con el simbolismo cristiano.
Materiales:
1. Gran botella de vidrio vacía
2. marcador permanente negro
3. Pintura acrilica
4. Cepillo de pintura
5. pegamento blanco
6. Agua
7. Vela
Procedimientos:
1. Seleccione un diseño para su portavelas con forma de botella de “vidrieras” que tenga un
simbolismo medieval esencial. Puede utilizar los temas, motivos y patrones que
publiciten su región o ciudad.
2. Traza tu diseño fuera de la botella usando el marcador negro permanente.
3. Colorea tu diseño con pintura acrílica.
4. Vuelva a delinear su diseño con un marcador negro para que el contorno sea exacto y
preciso.
5. Aplicar un esmalte compuesto de cola blanca diluida en agua.
6. Coloca la vela encendida dentro de la botella y enciéndela para que puedas ver el efecto
vidriera.
_________________
Análisis de pintura
Investigue la historia importante de las siguientes artes occidentales y analice los valores que
aprendió de ellas.
a Paneles de Pitsa de la Grecia

Arcaica


Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Ensayo
1. ¿Cómo describe el arte como documento cultural?

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
2. ¿Cuáles crees que fueron los fines del arte durante la antigüedad en Europa?
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
3. ¿Por qué las artes antiguas se encuentran principalmente en las cuevas? ¿Cuáles son sus
valores significativos?
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
4. ¿Cuál es la importancia de la Piedra durante el Paleolítico? Explicar.

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
5. ¿Qué legado artístico te gusta más durante la Europa antigua? Explicar.

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________

Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Tipo de concordancia : haga coincidir la columna A con la B. Escriba la letra de la respuesta

correcta en el cuadro provisto antes de cada elemento.
Columna A Columna B
1. Es una forma de comunicar creencias y expresar ideas a. Artefactos
sobre la experiencia humana.
2. Se refiere a la época anterior a la historia escrita. b. Pictografías
3. Es un material arqueológico de pequeñas esculturas y C. Artes megalíticas
pinturas encontradas en cuevas.
4. Se refiere a grabados y grabados rupestres. d. Cerámica
5. Esto se aplica a imágenes o símbolos pictóricos. mi. Policromía
6. Se refiere a estatuas totémicas y tallas de marfil. F. picador de guijarros
7. Se trata de petroformas o cualesquiera otros trabajos gramo. Escultura
asociados a la formación de piedras.
8. Tiene forma de maza y discos hechos soplando pintura h. Fresco
sobre la pared de la cueva de El Castillo.
9. Tenían forma manual que producía ollas y tinajas. i. Bifacial
10. Eran textos religiosos adornados con colores vibrantes j. pitsa
que a menudo incluían el uso de oro y plata.
11. Es una herramienta de corte primordial y se considera k. claviforme
el tipo de dispositivo más antiguo fabricado por humanos.
12. Esta herramienta puede tener forma ovalada, l. Manuscritos iluminados

triangular o almendrada y caracterizarse por simetría
axial.
13. Es un método para pintar pigmentos a base de agua metro. Prehistoria
sobre un yeso recién aplicado, generalmente sobre
superficies de paredes.
14. Se la conoce como la pintura sobre tabla más antigua norte. Petroglifos
del período Arcaico, entre 540 y 530 a. C.
15. Es la combinación de diferentes colores especialmente o. Arte
el brillante de manera artística.
Capítulo 4
El arte y la artesanía filipina
“Creo que la curiosidad por la vida en todos sus
aspectos sigue siendo el secreto de las grandes
personas creativas”
– Leo Burnett
1. comprender las formas de Arte Precolonial en el Archipiélago;

2. identificar los famosos instrumentos musicales indígenas de Filipinas;
3. demostrar conocimiento sobre la importancia de la artesanía artística filipina;
4. determinar los materiales artesanales comunes y la artesanía tradicional en Filipinas; y
5. Reconocer la importancia de los Premios GAMABA de Filipinas y sus premiados.
Trampolín
Como actividad preliminar al tema, el profesor facilitará cualquiera de las siguientes
actividades:
1. Divida la clase en cinco grupos. Deje que cada grupo componga un poema o una canción
de cuatro versos en honor a los grandes artistas filipinos contemporáneos que hemos
analizado en esta lección. Pueden escribirlo en el idioma o dialecto que prefieran y
dejarles compartir su composición en clase.

2. Deje que los estudiantes creen una obra maestra (un dibujo, una danza, una obra de
teatro, una canción o cualquier visión artística que puedan imaginar). Su interpretación
debe mostrar nacionalismo o promoción de un arte tradicional filipino. Permítales
compartir su obra maestra en clase.
3. Deje que los estudiantes nombren al menos tres festivales celebrados en su

región/municipio/Ciudad. Permítales enumerar las diferentes actividades que se
presentan en estos festivales. Permítales compartir esto en clase.
Aporte
l
Como en cualquier otro país, el arte influyó en la vida de los filipinos y en las cosas
que los rodean. Las artes filipinas reflejan una sociedad filipina con diversas
influencias culturales y tradiciones de los pueblos malayos como los chinos y los
indios. Las tradiciones islámicas se introdujeron en las Islas Filipinas en el siglo XIV.
Asimismo, Europa y Estados Unidos influyeron intensamente en los artistas filipinos. Sin
embargo, aunque se basan en formas occidentales, las obras de músicos, pintores y escritores
filipinos están imbuidas de temas claramente filipinos. Al expresar la riqueza de la cultura del
archipiélago en toda su diversidad, los artistas filipinos han ayudado a formar un sentido de
identidad nacional. Muchas tradiciones culturales malayas han continuado hasta este momento a
pesar del dominio extranjero. Los musulmanes y los grupos tribales mantuvieron tradiciones
distintas en danza, música y escultura.
Las artes indígenas en Filipinas son trabajos de amor y paciencia. Las intrincadas tallas en
madera, metal, piedra o vidrio son producto de manos hábiles y mentes imaginativas de las
diferentes tribus del archipiélago. Instrumentos musicales indígenas como flauta, tambores,
palos de lluvia, guitarras nativas y campanas hechas de bambú, piel de animales, semillas y
conchas marinas. La cuidadosa manipulación de estos materiales produce sonidos e instrumentos
únicos utilizados mayoritariamente en danzas y rituales tribales (Ramírez, 1999).
Formas de arte precolonial en el Archipiélago
Las artes en el archipiélago filipino tenían su pasado y continuaron desarrollándose gracias a

numerosos artistas modernos. Con su contexto diferente en cuanto a historia, estilo, símbolos
culturales y significados, se representan estas obras de arte (Estrella, 2017). Las siguientes son
algunas formas de arte conocidas en Filipinas:
Agung . Es un instrumento musical del conjunto Kulintang que tocan una o dos personas
dependiendo de su número. Al utilizar un mazo acolchado de goma, este instrumento se toca
tanto en el jefe/perilla como en la cara del gong.
Banog-banog . Es una danza que retrata a los cazadores protegiéndose en sus gallinas del
halcón hambriento.

BlitB'laan . Es una danza de cortejo de los Bilaan de Davao del Sur imitando a las aves durante
la época de apareamiento. Las hembras corren hacia un lugar seguro, enterrando sus cabezas bajo
sus alas (usando el malong), pero los machos agresivos las siguen a dondequiera que vayan.
Cañao . Es una danza ritual que se realiza durante las fiestas o celebraciones nativas en las
tierras altas de las Cordilleras en el área de Luzón en Filipinas. Es un símbolo de triunfo o
expectativa de cosechas abundantes.
Gangsa . Es un instrumento musical indígena de las tribus Bontoc de Kalinga, Ifugao en las
regiones montañosas (la Cordillera) del norte de Filipinas.
Entre . Es una danza étnica entre Tigwahanon Manobos en la provincia de Bukidnon y se

realiza durante la época de cosecha. Este tipo de danza muestra a una pareja, con el cuerpo y los
brazos ligeramente inclinados hacia adelante, imitando el movimiento de una pareja de
coqueteos entre monos.
Kadal yo era . Es una danza realizada por las tribus T-boli y Tausug respectivamente, que imita
la hora de comer de los monos para eliminar liendres y piojos entre sí. Una variación de este
baile consiste en imitar a un mono que se sienta en un hormiguero por error y es atacado por
hormigas enojadas por todo el cuerpo.
Kashawing . Es un ritual entre los Maranaos y se realiza para asegurar una buena cosecha.
Kinabua . Es una danza ritual entre las tribus Mandaya del norte de Mindanao. Este tipo de
danza retrata el uso de dulces canciones por parte de los Halcones para atraer a la gallina y a los
polluelos que se convierten en comida.
Mamakar . Es una Danza de Guerra Bontoc que se realiza durante la temporada de siembra y
cosecha abundante.
Hombre-manok . Es una danza que se realiza en Vigan, Ilocos Sur. Este tipo de danza imita a
las aves en la que los guerreros lucen mantas tribales que representan el colorido plumaje de los
gallos salvajes con la intención de ganarse la atención de la doncella gallina.
Mayvanuvanua . Se refiere a un rito de sacrificio realizado al comienzo de la temporada de

pesca de verano entre los pescadores de mataw en la isla de Batanes. Este tipo de danza es un
acto de invitación a capturar con éxito el pez dorado.
Mumbaki . Es un término local que se refiere al "recitador de oraciones" entre los Ifugaos en el
norte de Luzón. Estas oraciones se realizan durante funerales, bodas, Acción de Gracias y otras
celebraciones. Esto se ofrece a la deidad suprema, Maknongan.
Ngilin . Es una danza cultural que se realiza entre la tribu Kalinga durante los rituales
matrimoniales y otras celebraciones como el budong (pacto de paz). Este tipo de baile se juega
para simular las interacciones románticas o pacíficas de un gallo y una gallina.

Pagdiwata. Se refiere a un ritual realizado entre el grupo étnico del norte y centro de
Palawan. La ceremonia se lleva a cabo en varias ocasiones, incluidas abundantes cosechas y
bodas.
Pangalay (también conocido como Gitanos del Mar). Es una danza nativa de los Badjao que se
realiza durante bodas y otras reuniones sociales. Este tipo de danza enfatiza la agilidad de la
parte superior del cuerpo, donde el movimiento esencial es el rebote rítmico del hombro con el
movimiento alterno simultáneo de los brazos.
Sampak . Es una danza de guerra realizada por la tribu Mandaya. Este tipo de danza requiere
una excelente habilidad en el manejo de escudo, lanza y espada.
Saltear . Es una danza ritual realizada por una tribu masculina Talaanding que presenta su
experiencia en estilo y arte al luchar contra su oponente. Esta danza ritual es también una
ofrenda a su magbabaya (dios).
Talip . Es una danza de cortejo entre los Ifugao. Esto se realiza durante la celebración del
intaneg (boda). En este baile, el hombre atrapa a una mujer con una atractiva manta para
colocarla sobre sus torneados hombros.
Instrumentos musicales indígenas famosos en Filipinas
Aerófonos . Se refiere a cualquier instrumento musical que produce sonido sin el uso de cuerdas
o membranas. Ejemplos de estos son los siguientes:
a. Baliing - Flautas de nariz del Apayao

b. Bansik - Flauta de bambú del Negrito
c. Kaleleng: un largo tubo de bambú del Bontoc
d. Bulungudyong - Flauta vertical y larga del B'laan
e. Kalaleng - Flauta de bambú de los Tinggian
f. Lantoy – Flauta de nariz del Mangyan
g. Palandag (Palendag) - Flauta de valle de labios del Bagobo
h. Paldong y Tongali - Flautas del valle del labio de Kalinga
i. Pulalo - Flauta del valle del labio de Mansaka
j. Sahunay - Flauta con lengüeta (clarinete) del Tausog
Cordófono s. Se refiere a cualquier instrumento musical que emite sonido mediante cuerdas
temblorosas tensadas entre dos puntos. Ejemplos de estos son los siguientes:
a. Faglong : instrumento de dos cuerdas parecido a un laúd del B'laan

b. Kolitong – Guitarra de bambú de Kalingga
c. Kudlong - Laúd de barco de dos cuerdas del Bagobo
d. Kudyapi - Laúd de barco de dos cuerdas del Maranao
e. Kulit-en – Guitarra del Tinggian
f. Pas-ing – Guitarra del Igorot

g. Serongagandi – un tubo de bambú decorado del Maranao
h. Saludoy –Guitarra de bambú de los T'boli
Idiófono . Se refiere a cualquier instrumento musical que produce sonido principalmente

mediante la vibración del instrumento, sin el uso de cuerdas o membranas.
a. Afiw –Arpa de mandíbula del Bontoc

b. Agung - Gong con jefe del Maranao
c. Balingbing – Zumbador de bambú del Kalingga
d. Bangibang – Barra de percusión del Ifugao
e. Gabbang – Xilófono de bambú del Tausog
f. Kinaban – Arpa de mandíbula de Hanunoo
g. Kubing – Arpa de mandíbula de Ata y Maranao
h. Kulintang - Xilófono metálico del Maranao
i. Kumbing – Arpa de mandíbula del Manobo
j. Palipal – Badajo de bambú del Ifugao
k. Tagutok – Raspador de bambú decorado del Maranao
l. Tanggunggu - Campana de gong de Kalagan, B'laan, Manuvu, Bagobo
m. Tongkaling - Campanas de pellets o campanas crotal del B'laan
Membranófono. Se refiere a cualquier instrumento musical que produce sonido a través de una
membrana estirada que vibra. La mayoría de los membranófonos son tambores, como:
a. Dabakan - Tambor de cristal del Maranao

b. Gandang – Tambor cilíndrico de dos cabezas del Maranao
c. Libbit – Tambor cónico del Ifugao
d. Sulibao – Tambor cónico del Ibaloy
Importancia de la artesanía artística filipina
Filipinas es abundante en recursos naturales que se encuentran dispersos por sus islas. El
artista filipino utilizó partes de árboles, plantas y otros recursos naturales como materia prima y
los convirtió en herramientas o instrumentos simples pero útiles. Este tipo de trabajo se
denomina Artesanía Artística (a veces llamada artesanía ). Aunque este tipo de arte cambia de
vez en cuando, sigue siendo imperativo continuar y preservarse por las siguientes razones:
1. Promueve nuestro legado cultural mediante el uso de materiales autóctonos.

2. Muestra la creatividad y el ingenio superior de un individuo.
3. Alentó a los productores a producir más materias primas.
4. Genera empleo.
5. Desarrolló valores de perseverancia y resiliencia.
Materiales de artesanía comunes
Cada familia filipina posee productos artesanales como cestas, escobas, plumeros y otros
muebles. Asimismo, accesorios como aretes, pulseras, collares y otras prendas de vestir

elaboradas con productos nativos como chaquiras, conchas y semillas. Estos son claros indicios
de que nuestra industria artesanal disfruta del patrocinio de los filipinos.
Los artesanos filipinos los transforman en accesorios, bolsos, juegos de sofás de bambú,
cestas, armarios, ropa, pantallas de lámparas, decoración de paredes y otros. Los siguientes son
los materiales típicos necesarios en la elaboración de artesanías filipinas:
a. Abaca ( Musa Textilis ): es una hierba parecida a un árbol que se parece a la planta del
plátano. Es duradero y está teñido en diferentes colores.
b. Bambú ( BambusaSpinosa ) - Es para la industria del mueble por su resistencia y
durabilidad. También es un material valioso para la confección de cestas y sombreros.
c. Buri ( CoryphaElata ): es una palma de la que se extraen tres tipos de fibras, a saber ,
buri, rafia y hasta . Se puede teñir simplemente y tejer en muchas formas. La hoja de
buri es el material más flexible que se utiliza para fabricar sombreros, cajas y otros
artículos novedosos.
d. Caragumoy ( Pandanus Simplex ): es de color gris verdoso a medida que se seca y se
utiliza tradicionalmente para hacer bolsos, cestas, sombreros y esteras.
e. Coco ( CocosNucifera ) - Es la palma más utilizada en Filipinas. Su cocomidrib se
utiliza principalmente como material artesanal para la elaboración de cestos y escobas
(tinging). Las cáscaras de coco se utilizan para la fabricación de artículos como botones,
huchas, pantallas de lámparas, alfileres y otros.
f. Kalas : es un subproducto de la palma buri. A nivel local, el término "kalas" (que
significa "aflojar") se refiere a los hilos sueltos de una cuerda buri. Crea un patrón
rústico inusual con características distintas de su material original cuando se teje
artísticamente.
g. Cuero - Es un material creado a través del curtido de pieles de animales como carabaos,
caballos, serpientes, caimanes, cabras, lagartos y otros.
h. Pandan-Dagat ( PandanusTectorius ) - Es una variedad de pino tornillo distribuida
abundantemente a lo largo de playas arenosas y matorrales costeros de Filipinas.
i. Ratán ( Calamus Maximus ): es el material más flexible utilizado en la industria
manufacturera y se sabe que se extiende hasta cientos de metros de largo.
j. Pastos marinos ( RhynchosporaCorymbosa ): es un tipo de pasto que se encuentra en
aguas poco profundas, saladas y salobres. Los tallos son claramente triangulares y las
hojas son anchas y largas.
Trabajo tradicional en Filipinas
Las siguientes son algunas artesanías en las diferentes regiones de Filipinas:
1. Joyería (regiones de Luzón central, Luzón meridional y Mindanao). Esta artesanía se

encuentra principalmente en la región de Luzón Central, principalmente de la provincia
de Bulacan. También puedes encontrar artículos relacionados en las regiones de
Mindanao, pero en el sur incluso puedes conseguir poderosos amuletos de latón y otros
accesorios.
2. Artesanía en metal (regiones del sur de Luzón y Mindanao). Este tipo de artesanía se
encuentra en la región del sur de Luzón, particularmente en la provincia de Batangas.

Una artesanía de metal muy popular que es a nivel local e internacional como una
excelente fuente de cuchillos portátiles se llama Balisong . Las armas tradicionales
hechas de latón, bronce y oro también abundan en la isla de Mindanao.
3. Ollas y tinajas (Región de Ilocos). Las ollas y tinajas conocidas como burnay se pueden
encontrar explícitamente en la provincia de Ilocos Sur. Estas creaciones están hechas de
arcilla de grado A mediante un método que ha sido practicado por los lugareños desde la
época precolonial.
4. Tejidos (regiones de Mindanao). Estos tejidos se tejen de forma tradicional,
entrelazando hilos utilizando una máquina manual llamada telar . Uno de los materiales
comunes en esta región se llama malong , que históricamente se ha utilizado como falda
y, a veces, como manta.
5. Tallas de madera (regiones de Cordillera y sur de Luzón). Fantásticas tallas en madera
producidas por los Ifugao en la región norte de las Cordilleras. A menudo, estas tallas de
madera representan a sus dioses indígenas. En esta región se encuentran excelentes
utensilios de cocina como cuencos y utensilios de madera.
Premios GAMABA de Filipinas
Los premios Ga wad sa Ma nlilikhang Ba yan o GAMABA son un premio que reconoce a
los artistas populares e indígenas que permanecen fieles a sus tradiciones. Este premio está
gestionado por la Comisión Nacional para la Cultura y las Artes (NCCA) a través del Comité
Gawad ng Bayan. Comenzó como un proyecto del Club Rotario de Filipinas Makati-Ayala,
pero fue adoptado por el gobierno filipino en 1992 y se convirtió en una institución mediante
la Ley de la República 7335.
Este premio tiene como objetivo apoyar y motivar a estos artistas a preservar su
patrimonio artístico para las generaciones presentes y futuras. Estos artistas son reconocidos
como el Tesoro Vivo Nacional Intangible del País.
Para convertirse en Tesoro Viviente Nacional, el candidato debe tener las siguientes
calificaciones:
1. Debe ser un ocupante de una comunidad cultural indígena/tradicional en cualquier lugar

de Filipinas que haya conservado costumbres, creencias, rituales y tradiciones nativas y
haya sincretizado cualquier elemento externo que haya influido en ello.
2. Debe haber estado involucrado en una tradición de arte popular que haya existido y
documentado durante al menos 50 años.
3. Debe haber realizado o producido consistentemente durante un período significativo,
obras de calidad superior y distintiva.
4. Debe adquirir un dominio de las herramientas y materiales necesarios para el arte, y debe
tener una reputación establecida en el arte como maestro y creador de obras de
extraordinaria calidad técnica.
5. Debe transmitir y transmitirá a otros miembros de la comunidad sus talentos en el arte
popular por el cual su grupo es tradicionalmente conocido.

Premiados y nominados de GAMABA
1. Ginaw Bilog (1993). Originario de Mindoro Oriental, ayuda fielmente a preservar la

escritura Hanunuo Mangyan y su poesía Ambahan.
2. Masino Intaray (1993). Originario de Palawan, que compartió de manera ejemplar sus
habilidades en el conjunto de música basal o gong. Es músico y cantante épico (Kulilal y
Bagit).
3. Samaón Sulaimán (1993). Un Maguindanao de Mama SaPano que mostró un destacado
arte y dedicación a su instrumento elegido, el Magindanao kutyapi.
4. Lang Dulay (1998). Una T'boli del lago Sebu, Cotabato del Sur, por sus habilidades para
tejer la tela de abacá ikat conocida como t'nalak .
5. Salinta Monón (1998). A Tagabawa-Bagobo de Bansalan, Davao del por demostrar
plenamente sus aspectos creativos y expresivos del tejido Bagobo abaca ikat llamado
inabal .
6. Alonso Saclag (2000). Un Kalinga de Lubuagan por su dominio de la danza Kalinga y las
artes escénicas.
7. Federico Caballero (2000). Un Panay-Bukidnon de Calinog, lloilo por su maestría en
cantar la tradición épica de Panay Central, el Sugidanon .
8. Uwang Ahadas (2000). Basilan, un yakan de Lamitan, por su destreza para tocar
instrumentos musicales yakan como el agung, gabbang, tuntungan y kwintangan .
9. Darhata Sawabi, (2005). Un tejedor de Parang, provincia de Sulu, por ayudar a preservar
el arte del "tejido Pissyabit".
10. Eduardo Mutuc (2005). Un Kapampangan de Luzón Central por revivir el metal o la
herrería de Plateria que se encuentra en la época colonial española.
11. Haja Amina Appi (2005). A Sama de Tandubas, Tawi-Tawi, por compartir sus
habilidades en tejido de esteras entre la comunidad indígena Sama.
12. Teófilo García (2012). Un fabricante de cascos de San Quintín, Abra, Casque por su
habilidad para hacer Tabungaw.
13. Magdalena Gamayo (2012). Un maestro tejedor de Pinili, Ilocos Norte por su habilidad
en el tejido conocido como Inabel.
14. Yabing Masalon Dulo (2016). Un maestro tejedor de Polomolok, Cotabato del Sur, por su
contribución a Ikat Weaving.
15. Ambalang Ausalin (2016). Un maestro tejedor Yakan de Lamitan, Basilan por sus
habilidades de tejido Tennun.
16. Estelita Tumandan Bantilán (2016). Un maestro tejedor B'laan de Malapatan, Sarangani,
por preservar las habilidades de tejido de Igem.
17. Whang-od (2017). Un tatuador tradicional ( mambabatok ) de Buscalan, Tinglayan,
Kalinga.
Otros artistas filipinos famosos y sus obras de arte.
1. Ang Kiuko (Pintura: La Crucifixión)

2. Diosdado Lorenzo (Pintura: Bodegones)
3. Fernando Cueto Amorsolo (Pintura: Retrato de Presidentes- M.Quezon; M. Roxas; y S.
Ozmeña)
4. Guillermo Tolentino (Escultura: Oblación y Monumento a Bonifacio)

5. Hernando Ocampo (Pintura: El Contraste)
6. Juan Luna (Pintura: Spoliarium)
7. Napoleón Abueva (Escultura: Arpón alegórico)
8. Solomon Saprid (Escultura: Tikbalang)
9. Victorio Edades (Pintura: Los constructores)
10. Vicente Rivera (Pintura: Súplica)

Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Ensayo:
1. ¿Cómo describe las artes indígenas en Filipinas?

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______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
2. ¿Qué diferencia las artes filipinas de otras artes del mundo?

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______________________________________________________________________________
3. Si eres un artista filipino, ¿qué tipo de arte te gustaría desarrollar? ¿Por qué?

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
4. ¿Qué son los Premios GAMABA?

______________________________________________________________________________
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______________________________________________________________________________
5. ¿Crees que se debería promover el “tatuaje” como forma de arte? ¿Por qué y por qué no?
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________

Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Selección: seleccione la respuesta correcta entre las opciones dadas. Encierre en un círculo la
letra de la respuesta correcta únicamente.
1. ¿Cuál de los siguientes no pertenece a una carrera malaya?

a. Chino b. filipino C. Americano d. indio
2. Se refiere a cualquier instrumento musical que produce sonido principalmente haciendo vibrar
un cuerpo de aire.
a. Aerófonos b. Idiófono C. Membranófono d. Ninguna de las anteriores
3. La guitarra de bambú de Kalingga.
a. paldong b. koliting C. Pulalo d. sahunay
4. Un maestro tejedor Yakan de Lamitan, Basilan.
a. GinawBilog b. Lang Dulay C. AmbalangAusalin d. Salinta Monón
5. Es una variedad de pino tornillo que se distribuye abundantemente a lo largo de las costas de
Filipinas.

a. Pandan-Dagat b. Kalas C. Artesanía en metal d. pastos marinos
6. Fue el Pintor de la “Crucifixión”.
a. Guillermo Tolentino b. Napoleón Abueva c.Vicente Rivera d. AngKiuko
7. Un Hanunuo Mangyan de Mansalay, Mindoro Oriental, que ayudó fielmente a preservar la
escritura Mangyan.
a. Yabing Masalon Dulo b. Napoleón Abueva c. GinawBilog d. Samaón Sulaimán
8. Es la flauta vertical y larga del B'laan.
a. Bulungudyong b. serongagandi C. Gabbang d. Afiw
9. Es una de las palmeras más destacadas de Filipinas junto al coco.
a. Caragumoy b. buri C. Abacá d. Pandan-Dagat
10. Conocido como el maestro tejedor de Pinili, Ilocos Norte.
a. Teófilo García b. Guillermo Tolentino c. Magdalena Gamayo d. HajaAminaAppi
11. Fue la escultura de la “Oblación” y del “Monumento a Bonifacio”.
a. Napoleón Abueva b. Guillermo Tolentino c. VictorioEdades d. AngKiuko
12. Un mambabatok o tatuador tradicional de Buscalan, Tinglayan, Kalinga.
a. Yabing Masalon Dulo b. Darhata Sawabi c. Whang-od d. Eduardo Mutuc
13. Es un tambor cónico del Ifugao.
a. Libbit b. Dadabuan c. Gandan d. sulibao
14. Es un tambor cónico del Ibaloy.
a. Libbit b. Dadabuan c. Gandan d. sulibao
15. Fue premiado por su dominio de la danza Kalinga.
a. Alonso Saclag b. Teófilo García C. FedericoCaballero d. Eduardo Mutuc
Capítulo 5
Pinturas
“ Cada artista moja su pincel en su propia alma, y
pinta su propia naturaleza en su propia naturaleza
en sus fotos”
Henry Wards Beecher
1. identificar los elementos de la Pintura;

2. mostrar la importancia de la rueda de colores;
3. transmitir una idea sobre el simbolismo y significado de los colores; y
4. Demostrar conocimiento sobre los medios en pintura y sus características.
Trampolín
Como actividad preliminar al tema, el docente facilitará la siguiente actividad:
Análisis de pintura : Analice la pintura a continuación y responda las siguientes preguntas:
(Crédito de la foto: el autor es propietario de

esta imagen)
1. ¿Qué te dice personalmente el cuadro?
2. ¿Qué conexión ves entre el tema y la técnica utilizada?
3. ¿Cuál es su reacción subjetiva ante esta obra de arte?
4. ¿Cuál crees que es el significado cultural y el contexto de la obra de arte?
Aporte
Elementos de la pintura
P
La pintura es un estilo de crear una expresión aplicando colores a una superficie plana
o cualquier medio como lienzo, arcilla, vidrio, papel, paredes, hojas, papel o madera.
La abstracción o composición, el dibujo y otras estéticas pueden servir para manifestar
la intención expresiva y conceptual de los artistas (Mayer, 1970). Es un diálogo tácito y en su
mayor parte no reconocido, donde la pintura habla silenciosamente en masas y colores, y el
artista responde en estados de ánimo. Paint registra el gesto más delicado. Indica si el pintor
estaba sentado, de pie o agachado frente al lienzo (Elkins, 1998). Estaba cargado de contenido
narrativo, simbolismo o emoción.
Un cuadro bello no se hace con semejanza fotográfica, sino con una buena composición.
Para el artista, la armonía en su obra dependerá de la selección de recursos apropiados, propios
del medio y del uso de ciertos principios para relacionarlos. Un estilo único surge cuando un
artista reconoce su preferencia personal por los elementos de diseño dominantes y consciente o
inconscientemente enfatiza estos elementos dominantes (Ocvirk et al., 2008; Gatto, 2000). Los

aspectos significativos de la pintura son la línea, el color, la textura, la perspectiva, las formas y
los símbolos (Nohay, 2018).
Línea . Es el elemento más simple del cuadro. Tiene una marca continua realizada por un punto
en movimiento para dar forma a los contornos y puede contornear áreas dentro de esos
contornos. Puede sugerir movimiento (vertical, horizontal, diagonal y curvo). Cada línea tiene su
significado: línea vertical tensión, acción, fuerza, dinamismo; líneas horizontales significa
serenidad, calma, estabilidad; la línea diagonal expresa tensión, movimiento; Las líneas curvas
aparecen suavidad, flexibilidad, dulzura.
Color. Los artistas utilizaron colores para transmitir sentimientos y estados de ánimo en sus
pinturas. Es el resultado de las longitudes de onda de las luces que se reflejan en los objetos. Se
compone de tres cualidades distintas, como el tono, la saturación y el valor. Hue es
simplemente el nombre del color. El rojo, el amarillo y el azul son los colores primarios. Su
mezcla que produce los colores secundarios es el verde, el naranja y el morado.
Textura. Es un componente de diseños de dos y tres lados y se distingue por sus

propiedades visuales y físicas percibidas. Se utiliza para describir la sensación de una obra
tridimensional al tocarla. En modelos bidimensionales, como la pintura, puede referirse a la
"sensación" visual de una pieza (Isaac, 2017).
Perspectiva. Es una técnica artística para crear una ilusión de tres dimensiones con
profundidad y espacio. Su verdadero objetivo es crear un punto de vista para las audiencias que
mejor comunique el tema y
sirva su mensaje particular.
Perspectiva es lo mismo
que "punto de vista" y
"posición". Es lo que hace
que una pintura parezca tener forma, distancia y parecer "real" (Evans, 2002). Se proyecta según
sus niveles: primer plano, plano medio y fondo.
El primer plano es el plano visual que aparece más cercano a los

espectadores. Por otro lado, el término medio es la parte entre el primer plano
y la parte que se llama fondo . El primer plano de una composición es el
plano ilustrativo que aparece más cercano al espectador, mientras que el
fondo es el plano de una composición que se percibe más alejado de los
espectadores. El término medio es el plano ilustrativo entre el primer plano y
el fondo. La escala de estos elementos a menudo se asocia con el predominio
en una imagen. El primer plano suele ser el más dominante debido al mayor tamaño percibido de
los objetos de la imagen.
Formas. Es un elemento en la pintura que ayuda a expresar ideas. Ayuda a interactuar y

evocar de forma independiente agitación, energía decidida, dirección, etc. Pueden ser círculos,
rectángulos, óvalos o cuadrados. Es un área con límites definidos creados por una variedad de
colores, valores o texturas de las áreas adyacentes.

Símbolos. Los artistas suelen incluir en sus pinturas objetos
simbólicos que tienen un significado especial o un mensaje
especial. Se utiliza para expresar ideas como muerte, esperanza,
vida, etc.
La rueda de colores y sus categorías
Los colores juegan un papel fundamental en nuestras vidas y

en cómo respondemos a nuestro entorno. Es la propiedad de
percepción visual correspondiente en los humanos a las categorías
denominadas azul, verde, rojo y otras. Tiene dos tipos principales,
colores cálidos y fríos.
Es importante destacar que una rueda de colores (también conocida como círculo de colores)
es una representación visual de los colores ordenados según su relación cromática. Tiene forma
de círculo que se divide uniformemente en 12 segmentos que muestran diferentes colores según
su valor de pigmento. También muestra la relación entre los colores primarios, los colores
secundarios y los colores complementarios. También se pueden clasificar otros colores según lo
siguiente:
Colores complementarios . Estos colores se encuentran uno frente al otro en la rueda de

colores. Debido a que son opuestos, tienden a verse animados cuando se usan juntos. Cuando
juntas colores complementarios, cada color parece más notorio. Ejemplos de estos colores son el
rojo y el verde.
Colores Análogos . Estos colores se encuentran uno al lado del otro en la rueda de colores.
Suelen verse agradables juntos porque están estrechamente relacionados. El naranja, el amarillo
anaranjado y el amarillo son ejemplos de colores análogos.
Colores neutros . A veces se les llama "tonos tierra". Estos colores no suelen aparecer en la
rueda cromática. Los colores neutros incluyen el negro, el blanco, el gris y ocasionalmente el
marrón y el beige.
Colores cálidos. Estos colores se elaboran con naranja, rojo, amarillo o alguna combinación
de estos. Los colores del atardecer dan una sensación de luminosidad y calor.
Colores fríos . Estos colores se elaboran con azul, verde, morado o alguna combinación de estos.
Estos colores te hacen pensar en cosas frescas y tranquilas, como cielos invernales y estanques
tranquilos.
Simbolismo y significado de los colores primarios
Los colores pueden afectar nuestras acciones y emociones y cómo respondemos a diversas
personas, cosas e ideas. Se ha estudiado y escrito mucho sobre el color y su impacto en nuestra
vida diaria.

Color rojo. Este se considera el más cálido de todos los tipos de colores. Es el más elegido
por los extrovertidos y una de las mejores opciones entre los hombres. Es un color que se asocia
con el calor y la calidez y tiene un fuerte simbolismo sobre la vida y la vitalidad. También es
esencial para la vida humana porque:
a. Aumenta el entusiasmo y el interés.

b. Da más energía.
C. Refuerza la acción y la confianza.
d. Nos protege de miedos y ansiedades.
Color azul. Este se conoce como el color más tranquilo como el del cielo y el océano. Es el
color de la inspiración, la sinceridad y la espiritualidad y, a menudo, el color elegido por las
personas conservadoras. Este color es importante para la vida humana porque:
un . Es un signo de calma y relajación.

b. Abre el flujo de comunicación.
C. Amplía nuestra perspectiva en el aprendizaje de nueva información.
d. Implica soledad y paz.
Color amarillo. Este se considera el color más fácil de reconocer. Es símbolo de creatividad y
vitalidad intelectual. También simboliza la sabiduría, la felicidad y aporta conciencia y claridad.
El color amarillo es vital para la vida humana porque:
a. Nos ayuda a la hora de tomar decisiones.

b. Nos alivia del agotamiento, el pánico, el nerviosismo, el agotamiento.
C. Agudiza nuestra memoria y capacidad de concentración.
d. Nos protege de la depresión .
Medios en pintura
Hay diferentes medios en las pinturas que se utilizan hoy en día. Ayuda a describir los
elementos que unen los colores en la pintura (Martin, 2004). Los siguientes son ejemplos de los
métodos utilizados en la pintura:
1. Óleo - Es el tipo de pintura de secado lento que consta de partículas de pigmento

suspendidas en aceites secantes como el aceite de linaza, el aceite de semilla de amapola,
el aceite de cártamo y el aceite de nuez.
2. Pastel : es un medio artístico en forma de barra o crayones. Consiste en color puro en
polvo y un aglutinante. El pastel seco se puede clasificar en pasteles suaves, pasteles,
pasteles duros y lápices pastel.
3. Acrílico : es una pintura de secado rápido que contiene una suspensión de pigmento en
una emulsión de polímero acrílico que se vuelve resistente al agua cuando se seca.

4. Acuarela - Es el medio en el que se elaboran las pinturas a partir de colores suspendidos
en un vehículo soluble en agua. Suele ser transparente y parece luminoso porque los
pigmentos se depositan en una forma relativamente pura con pocos tipos de relleno que
oscurezcan los colores de los pigmentos.
5. Tinta : es un líquido que contiene colores y tintes y se aplica a una superficie para
producir una imagen, texto o diseño. Es para dibujar con pincel o bolígrafo.
6. Encáustica : Es cera de abejas calentada a la que se le añaden tintes de colores. Luego, la
pasta se aplica a un lienzo a base de madera.
7. Fresco - Se refiere a cualquiera de los varios tipos relacionados de pintura mural,
ejecutados en paredes, techos o cualquier otro tipo de superficie plana. El término fresco
proviene de la palabra italiana "affresco" que significa "fresco".
8. Gouache - Es una pintura a base de agua que consta de pigmentos y otros materiales
diseñados para usarse en una técnica de pintura opaca.
9. Esmalte : es una pintura que se seca al aire hasta obtener un acabado duradero,
generalmente brillante y sólido. Se utiliza para revestimiento de superficies exteriores o
de otro modo sujetas a variaciones de temperatura.
10. Pintura en aerosol : es el tipo de pintura que viene en una batalla sellada y presurizada y
se libera en un fino rocío.
11. Tempera : es un medio de pintura permanente y de secado rápido que consiste en un
pigmento coloreado mezclado con un método aglutinante soluble en agua.
Clasificaciones de estilos de pintura.
Parte del deseo de la pintura, especialmente en el siglo XXI, es la variedad de estilos

artísticos disponibles. El estilo en pintura tiene dos sentidos: puede referirse a los elementos,
técnicas y métodos visuales distintivos que caracterizaron la obra de arte, y puede referirse al
movimiento o escuela asociada a los artistas. Dichas clasificaciones incluyen los siguientes
estilos:
a. Estilos occidentales
Abstracción . Es un arte de la pintura que no intenta representar una descripción precisa de una
realidad visual, sino que utiliza colores, formas y marcas gestuales para lograr su efecto. Puede
formarse reduciendo el fenómeno observable, normalmente para retener sólo información que
sea relevante para un propósito particular.
Expresionismo . A veces se le llama realismo emocional . En este estilo, los artistas buscaban
expresar significado o experiencia emocional más que verdad física.
Barroco . Se caracteriza por el dinamismo (una sensación de movimiento), que se ve aumentado

por efectos extravagantes (por ejemplo, curvas pronunciadas, decoración rica). Entre los pintores
barrocos más importantes se encuentran Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Velázquez, Poussin y
Vermeer.

Impresionismo . Es un tipo de arte que presenta el tema de la vida real con énfasis en la
impresión dejada en la percepción del artista, particularmente el efecto de la luz sobre el objeto
utilizado como tema.
Modernismo. Se caracteriza por un rechazo cauteloso de los estilos del pasado y, en

cambio, enfatiza la innovación y la experimentación de materiales y técnicas para crear mejores
obras de arte.
b. Estilos modernos
Realismo . Es un estilo de pintura practicado antes de la invención de la cámara, donde los

artistas representaban paisajes y humanos con la mayor atención al detalle y precisión posible. El
objetivo principal del artista es describir con la mayor precisión y veracidad posible lo que se
observa.
Simbolismo . Es un arte que representa el tema simbólicamente. Por ejemplo, la pintura

“Spolarium” de Juan Luna representa el sufrimiento del pueblo filipino a manos de los
españoles. Muchas obras de arte incluidas por algunos escritores que cubren la era simbolista
fueron realizadas a mediados de siglo, o incluso antes.
Fauvismo . Se refiere al arte que utiliza colores primarios brillantes o iluminación de colores en
temas como imágenes para enfatizar la comodidad, la alegría y el ocio. Proviene de la palabra
francesa fauves, que significa “bestias salvajes” (este nombre hace referencia a un pequeño
grupo de pintores de París que expusieron obras notables por el uso audaz y expresivo del color
puro).
Cubismo . Es una forma de abstracción en la que el objeto primero se reduce a cubos y luego se
aplana en formas bidimensionales. Ha sido considerado el movimiento artístico más influyente y
poderoso durante el siglo XX en París establecido por Georges Braque y Pablo Picasso.
Surrealismo . Es un tipo de arte en el que el artista crea pinturas oníricas llenas de objetos
misteriosos. Es lo opuesto a la abstracción que intenta retratar la mente consciente a través de
medios no convencionales.
a. Actividad Encuéntrame ( Crédito de la imagen:

http://www.blacksunsoftware.com/illusion.html )

Deje que los estudiantes encuentren y rodeen los objetos ocultos en las pinturas a
continuación.
¿Cuántos rostros humanos ves en esta

imagen?
¿Puedes encontrar todas las caras escondidas en

esta imagen?
efante.
¿Puedes ver lo que se esconde en esta imagen?
b. Cuadro
Deje que los estudiantes dibujen/pinten cualquier objeto en un lienzo (de cualquier tamaño),
utilizando diferentes medios y colores. Deles suficiente tiempo (días) para terminar su obra de
arte. Pídales que muestren a la clase su producción y expliquen su importancia y significado.

Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Ensayo : Responda brevemente las siguientes preguntas a continuación.

1. ¿Cuáles son las diferencias entre pinturas al óleo y acrílicas?
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2. ¿Cuáles crees que son los beneficios de las pinturas en nuestras vidas?
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3. ¿Cuáles son los colores secundarios? ¿Cómo se forman?

___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
4. ¿Cuál es el verdadero objetivo de la perspectiva en el arte? Explicar.

___________________________________________________________________________
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___________________________________________________________________________
5. ¿Por qué la línea se considera el elemento más importante en la pintura? Apoye su respuesta.
___________________________________________________________________________
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Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Identificación : Identifique los siguientes elementos que se enumeran a continuación. Escribe tu

respuesta en el cuadro provisto antes de cada número.

1. Es una marca continua realizada por un punto en movimiento.
2. Deriva del espectro de la luz.
3. Es lo opuesto a la abstracción que intenta retratar la mente
consciente a través de medios no convencionales.
4. Es un tipo de pintura que viene en un recipiente presurizado
sellado.
5. Es la práctica de aplicar colores u otro medio sobre una superficie
plana.
6. Es un área con un límite definido creado por una variedad de
colores, valores o texturas de las áreas adyacentes.
7. Se refiere a algo que tiene un significado especial o un mensaje
especial.
8. Es una forma de abstracción en la que el objeto se reduce a cubos.
9. Un arte cuyos rasgos típicos son presentar el mundo únicamente
desde una perspectiva subjetiva, distorsionándolo radicalmente para
que el efecto emocional evoque estados de ánimo o ideas.
10. Se refiere a la obra de arte resultante en la que las pinturas están
hechas de pigmentos suspendidos en un vehículo soluble en agua.
Capítulo 6
Escultura
“La escultura es el mejor comentario que un
pintor puede hacer sobre la pintura”
Pablo Picasso

1. discutir el origen de la escultura;

2. reconocer la importancia de la escultura;
3. demostrar conocimiento sobre el tipo, medio y técnica de la escultura;
4. mostrar habilidad para hacer esculturas;
Trampolín
preguntas:
1. ¿Por qué se hacen esculturas y luego se exhiben en edificios o áreas públicas? ¿Qué
historias o mensajes nos pueden contar estas esculturas?
2. ¿Es mejor la escultura que la pintura? ¿Por qué?
3. Si diseñaras una escultura en relieve para ti, ¿qué historia contarías?
4. Imagina que estás mirando una estatua. ¿Cómo lo describe? ¿El aspecto de la superficie
del material influye en tus sentimientos o pensamientos? ¿Cómo?
Aporte
El origen de la escultura
S
Cultura proviene de la palabra latina sculpere que significa "tallar". Las herramientas
utilizadas en la escultura son variadas y van cambiando a lo largo de la historia. Capta
nuestros sentidos de manera diferente a las pinturas porque ocupa el espacio como una
masa tridimensional a través del tallado, el modelado o el ensamblaje de materiales
(Sheldon, 1968). Ha buscado producir obras de arte que sean permanentes y está trabajando en
materiales duraderos y costosos como granito bronce, piedra caliza, mármol y piedra. Más
raramente, se utilizaron metales preciosos como oro, marfil, jade y plata para las obras
criselefantinas. También se utilizaron materiales más comunes y menos costosos para un
consumo más amplio, como metales fundidos, cerámica, vidrio y maderas duras.
La escultura ha sido durante mucho tiempo una de las formas de bellas artes más populares y una
de las representaciones más bellas de la humanidad. También se utilizó para representar
preocupaciones sociales, como la moral, la política y la religión (Witcombe, 1997). Durante
muchos años, la escultura ha desempeñado muchos papeles en la vida humana. Por ejemplo, las
primeras esculturas se hicieron para brindar ayuda mágica a los rastreadores, para representar a
los dioses y con la esperanza de hacer que sus antiguos reyes se volvieran inmortales.

El propósito más común de la escultura durante la antigüedad está asociado con la religión.
En muchas culturas son familiares diferentes imágenes, como un objeto creado por el hombre
venerado por el espíritu. Una de las esculturas más antiguas descubiertas es una estatuilla de
marfil que data aproximadamente del 30.000 a. C. de una cueva en Hohlenstein-Stadel,
Alemania, llamada Löwenmensch (que significa “león-humano”). Esta estatua del período
Paleolítico mide aproximadamente 30 cm de alto y representa una figura humana con rostro
felino.
Otra pieza escultórica muy icónica y famosa es “la Esfinge” de Egipto. Esta escultura
representa una imagen del faraón Kefrén y forma parte de un complejo funerario del faraón. La
escultura egipcia y todo el arte egipcio se basaban en la creencia en una vida después de la
muerte en la que el cuerpo de su gobernante (el faraón) se conservaba cuidadosamente y se
enterraba con algunos bienes consigo para satisfacer sus necesidades para siempre. Los egipcios
a menudo combinaban características de varias criaturas para simbolizar ideas. Por ejemplo, la
cabeza del faraón Kefrén se añade a la figura inclinada de un león para formar la Gran Esfinge.
Este tipo de obra maestra sugiere la combinación de inteligencia humana y fuerza animal. La
Gran Esfinge de Egipto es una enorme escultura de piedra arenisca que mide 240 pies. De largo
y 65 pies. Alto.
Importancia de la escultura
La escultura es una regeneración perceptiva de la realidad mediante el uso de formas

tridimensionales. Como obra de arte especializada, su objetivo es ejemplificar un concepto
formando un equivalente visual. Dado que la forma es la característica dominante de las
esculturas, el cuerpo humano y los animales han sido su tema principal. Se construyen
utilizando bronce, arcilla y marfil como medios.
Asimismo, la realización de Escultura es con la idea de expresar opiniones religiosas,

personales y políticas. Este tipo de obra de arte está destinada a crear un sentido de patriotismo,
orgullo, grandeza y respeto espiritual. Las estatuas y esculturas siempre han sido una parte
integral de los museos y de la historia del arte. Se vuelven más populares como artículos de
decoración en hogares privados y oficinas. Las esculturas y miniaturas también se han vuelto
más populares como artículos de decoración y, a largo plazo, como valiosas inversiones
artísticas.
Tipos de esculturas
Busto . Un busto es una representación esculpida y pintada de la parte superior de la figura

humana como la cabeza, el cuello, los hombros, el pecho o el pecho.
Estatua . Una estatua es una escultura de tamaño natural o mayor de una persona o un animal,
hecha de metal, piedra o madera. La estatua más alta del mundo es el Buda del Templo de
Primavera de 420 pies (128 metros) en Henan, China.
Arquitectónico . La escultura arquitectónica es una clasificación universal que se utiliza para

describir un diseño estructural como edificios, puentes, cámaras funerarias y otros grandes

proyectos. Se trata de una variedad de materiales que incluyen piedra tallada como piedra rojiza,
hierro fundido, láminas de zinc prensadas a máquina, terracota, hormigón y otros materiales
arquitectónicos.
Medio y técnicas
Las técnicas de escultura tienen como objetivo brindar apoyo práctico y técnico a través de
diversos procedimientos. Estos procesos son aditivos (se agrega material) o sustractivos (se
elimina o elimina material). Las esculturas utilizan principalmente cuatro técnicas básicas, a
saber:
Tallado . Es un procedimiento en el que los artistas recortan objetos hasta alcanzar la forma
deseada. Se utilizan diversas herramientas, dependiendo de los materiales a tallar y de la estatua
a la que se haya avanzado el trabajo.
a. Tallado en piedra : es un tipo de escultura que requiere paciencia y planificación. Es una

actividad de modelado de piezas de piedra natural en bruto mediante el uso de
herramientas manuales imprescindibles como el martillo y el cincel.
b. Tallado en madera - Es el arte de dar forma a objetos de madera utilizando herramientas
de corte. Se realiza mediante un cuchillo de trinchar especializado (que se usa para
cortar o alisar la madera), la sierra rebanadora (que se usa para cortar trozos de madera),
el cincel (que se usa para líneas y limpieza de superficies planas) y la gubia (que se usa
en tallar huecos, redondos y amplias curvas).
Fundición . La fundición es un método mediante el cual generalmente se vierte un material

líquido en un marco o patrón, que contiene una cavidad hueca de la forma deseada, y luego se
deja endurecer. Tiene dos tipos, a saber:
a. Fundición de vidrio : es una actividad de modelado de piezas de piedra natural en bruto

mediante el uso de herramientas manuales esenciales como el martillo y el cincel.
b. Fundición en barbotina : es una técnica para la producción en masa de cerámica,
especialmente para formas que no se pueden hacer fácilmente con un torno.
Moldura . La escultura de moldeo es un proceso aditivo. Es el trabajo manual de materiales

blandos o plásticos (como arcilla y cera) para construirlos o darles forma.
Montaje . El ensamblaje es un proceso aditivo de reunir y unir diferentes materiales para crear
una obra de arte ensamblada. Un ejemplo de ensamblaje es la red de Martin Puryear de tubos de
acero inoxidable soldados y arenados cuyas uniones están unidas por hilos de plata y bronce
patentado.
Términos básicos de escultura
a. Armadura : Es una estructura similar a un esqueleto que se utiliza para soportar la

construcción con papel maché, generalmente hecho o con alambre rígido.

b. Ensamblaje : es un ensamblaje artístico tridimensional de diversos materiales, a menudo
tomados de desechos, chatarra o diversos objetos naturales o creados por el hombre.
C. Base - Es la porción de la obra sobre la que descansa la escultura.
d. Artesanía : es una habilidad con la que se utilizan herramientas y materiales para producir
arte.
mi. Yeso de París : es un excelente polvo blanco que se endurece cuando se mezcla con agua.
F. Independiente : se refiere a un método en el que se pretende que una escultura se vea desde
todos los lados.
h. Manipulación : es el proceso de dar forma a un objeto por parte de un trabajador calificado.
i. Réplica- Se refiere a una reproducción precisa de una obra de arte.
_____________
a. Galería de esculturas
Primera Parte: Creando la Escultura humana
Procedimientos:
1. Divida la clase en 5-6 grupos. En cada grupo, uno o dos estudiantes son la “arcilla” y otros
son los “escultores”.
2. Los escultores “esculpen” sus modelos en las estatuas de sus estilos. Los escultores pueden
mover físicamente sus modelos a una posición diferente.
3. Los escultores pueden prestar atención incluso a pequeños detalles como la posición de
los dedos o la expresión facial del modelo.
4. Cuando terminan las esculturas, se congelan. Si la posición es difícil de mantener, la
“escultura” puede relajarse y luego volver a colocarse cuando llegue el “recorrido”.
Segunda Parte: Visita a la Galería
5. Una vez que todos los artistas hayan completado su obra de arte, el maestro permitirá que la
clase haga un "recorrido por la galería". Los espectadores van a cada obra y el artista que la
realizó dará un paso adelante y explicará su obra maestra a la clase.
b. Escultura de arcilla
La arcilla es un material convencional y fácil de usar que se utiliza para hacer escultura. Se
puede utilizar un horno para endurecer el material, pero no es necesario.
Instrucciones:
1. Ten una imagen o un boceto del objeto real que vas a esculpir frente a ti.

2. Asegúrate de tener los materiales necesarios para construir una escultura. Necesitará
arcilla polimérica, papel de aluminio, alambre de metal y herramientas para esculpir.
Puedes comprar estos suministros en una tienda de arte o manualidades.
3. Comienza a construir la estructura de soporte de tu objeto en el que aplicarás la arcilla.
Puedes hacer esta estructura de soporte arrugando 18 pulgadas de papel de aluminio. Esto
servirá como plataforma base. Si estás esculpiendo un animal o un ser humano, el
aluminio puede actuar como base del cuerpo. Dale forma a la parte inferior para que
parezca el torso del cuerpo.
4. Corta tiras de alambre e insértalas en el papel de aluminio. El cable estará en un lugar
donde necesite apoyo. Por ejemplo, puedes utilizar el alambre como brazos y piernas.
Dobla el alambre para darle forma a los apéndices.
5. Puedes optar por agregar arcilla al alambre si quieres apéndices delgados. Si desea que
los accesorios sean gruesos, agregue más papel de aluminio y luego agregue la arcilla.
6. Corta el bloque de arcilla. Amasar la arcilla hasta que se vuelva flexible. Aplique la
arcilla a la lámina de cableado. Asegúrate de que la arcilla se aplique suavemente y cubra
todos los puntos. Usa tus dedos para comprimir la arcilla.
7. Utilice herramientas de escultura de arcilla para agregar características a su escultura.
Añade rasgos faciales y sus detalles.
8. Dale forma y agrega pies a tu escultura con arcilla.
9. Pon tu escultura en un horno. La mayoría de las esculturas pequeñas se pueden meter en
el horno a 275 grados durante unos 30 minutos.
c. Esculturas de Jabón
El tallado en jabón es una forma de crear esculturas a partir de una pastilla de jabón. A
diferencia del tallado en madera, que es más peligroso y sólo debe ser realizado por personas
cualificadas, cualquiera puede disfrutar tallando creaciones en jabón. Luego se puede exponer
una escultura de jabón creativa o utilizarla como jabón.
Herramientas necesarias:
Barra de jabón
Lápiz
Herramienta para tallar (cuchillo, cortador de cuchillas, cuchara, palito de paleta)
Periódico
Instrucciones:
1. Elige una barra de jabón. Una barra más grande es más fácil de sostener y proporciona
más material para trabajar dentro del área bien cubierta. Las herramientas que usarás para
tallar el jabón son lápices, palitos para manualidades (los que parecen palos), palillos de
dientes y posiblemente un tenedor u otras herramientas (según el diseño que tengas en
mente).
2. Elija una herramienta para usar. Se pueden utilizar palitos de helado, cuchillos de plástico
o cucharas como herramientas sencillas para tallar. Comience sosteniendo suavemente el

jabón en su mano izquierda, asegurándose de no apretarlo demasiado o podría aplastarlo
o sobrecalentarlo.
3. Con el lápiz, dibuja muy ligeramente las partes principales de tu diseño directamente
sobre el jabón. También puedes usar un marcador permanente de punta fina para esto,
aunque ciertos tipos de marcadores pueden absorberse en el jabón. Decide qué diseño en
particular te gustaría hacer.
4. Toma uno de tus palitos para manualidades y, con movimientos suaves pero firmes,
comienza a raspar pequeñas porciones de la pastilla de jabón.
5. A medida que gradualmente comiences a darle al jabón la forma que desees, usa palillos
de dientes, tenedores u otros artículos del hogar para crear una superficie o trabajo
detallado.
6. Para suavizar las zonas ásperas de su jabón, use los dedos. El calor de tu cuerpo servirá
para ablandar el jabón, facilitando la creación de una superficie lisa.
7. Una vez que hayas completado tu escultura de jabón, guárdala en un lugar fresco y seco.
d. Tarea:
1. Haga que los estudiantes enumeren y dibujen ejemplos de la escultura que ven en casa o en su
comunidad. Pídales que escriban una descripción concisa de la escultura (forma,
dimensiones, qué o a quién representa y por qué se hizo).
2. Haga que sus alumnos identifiquen esculturas públicas en el área local o en el centro de la
ciudad. ¿Cuándo y por qué se hicieron estas esculturas? que nos dicen? ¿Cómo reacciona la
gente ante ellos? ¿Hacen una diferencia para el área circundante?


Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Ensayo: Responda las siguientes preguntas de manera concisa.
1. ¿Por qué la escultura se considera una de las formas más populares de bellas artes? Explicar.
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
2. ¿Cuáles son las interpretaciones que se expresan comúnmente en la escultura?

___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
3. Si eres escultor, ¿qué técnica y medio te gusta más? ¿Por qué?

___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
4. ¿Cuáles son los objetivos de un artista al crear una escultura? Explicar.

__________________________________________________________________________________
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__________________________________________________________________________________
5. Explique cómo se asocia la escultura con la religión y el ejército.

__________________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________________
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Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Identificación: Identifique los siguientes elementos que se enumeran a continuación. Escribe la

respuesta correcta en el espacio provisto antes de cada número.
1. Es un pequeño grupo de figuras femeninas de Venus que se

encuentran en toda Europa central.
2. Es un proceso sustractivo mediante el cual el material se elimina
sistemáticamente del exterior.
3. Es una forma de trabajar la madera mediante herramientas de corte.
4. Es un objeto elaborado por el hombre que se veneraba por el
espíritu que representaba.
5. Es una escultura en forma redonda que representa a una o más
personas o
animales.
6. Se refiere a la copia o reproducción exacta de una obra de arte.
7. Es una representación esculpida o fundida de la parte superior de
una figura humana que representa la cabeza y el cuello de una
persona.
8. Es un tipo de escultura en la que los objetos están suspendidos y en
equilibrio en el aire.
9. Se refiere a la porción de la obra sobre la que descansa la escultura.
10. Es la palabra latina de escultura que significa "tallar".

Capítulo 7
Fotografía
“ La fotografía es una forma de sentir, de tocar, de
amar. Lo que has captado en una película queda
capturado para siempre... recuerda las pequeñas
cosas, mucho después de que lo hayas olvidado todo”.
Aaron Siskind
Al final del Capítulo, los estudiantes deberían ser capaces de:
1. reconocer la historia y la importancia de la fotografía;

2. apreciar el “papel del tercero” en la fotografía;
3. discutir los tipos de fotografía;
4. demostrar comprensión de los componentes y características esenciales de una cámara; y
5. mostrar la capacidad de hacer fotografía
Trampolín
preguntas:
1. ¿Por qué la gente toma fotografías?

2. ¿Crees que la fotografía de desnudo es una expresión artística o una expresión sensual?
¿Por qué o por qué no?
3. ¿Crees que una persona debe poseer talento para captar emociones y expresiones en una
imagen? ¿Por qué o por qué no?
4. ¿Crees en la expresión “Una foto vale más que mil palabras”? ¿Por qué o por qué no?
Aporte
El origen de la fotografía
t
La palabra fotografía proviene de dos palabras griegas fotos o phos , que significa “luz” y graphe
, que significa “líneas” o “dibujo”. Por lo tanto, la fotografía se describe como el arte de crear o
dibujar imágenes duraderas mediante el registro de la luz utilizando una película fotográfica o un
sensor de imagen (Spencer, 1973). Fue acuñado por primera vez por Sir John Herschel en una
conferencia ante la Royal Society de Londres, el 14 de marzo de 1839. Se ha convertido en un
poderoso medio de comunicación y un modo de expresión visual que afecta la vida humana de
muchas maneras (Eder, 1945).
Importancia de la fotografía
Siempre hemos querido reproducir el mundo que nos rodea, desde los dibujos rupestres
hasta la pintura sobre lienzo y, finalmente, hasta la invención de la fotografía. Nuestras
fotografías comparten mucho sobre quiénes somos como individuos. Cuenta lo que encontramos
hermoso, fascinante, divertido, delicioso, significativo e inspirador. Nos permite mostrar nuestro
estilo, intereses, relaciones y aventuras, para marcar el paso del tiempo. La fotografía se ha
utilizado en publicidad, libros, revistas, periódicos, televisión y en investigaciones para
transmitir información y anunciar productos y servicios.
La era digital de la fotografía
Hasta la actualidad, la fotografía era un tipo de arte bastante problemático de mantener. Es

posible que tengamos cámaras con diferentes lentes, enfoque manual y configuraciones
complicadas. Sin embargo, con la llegada de las cámaras digitales, toda esta complejidad
desapareció. Las cámaras digitales tienen una forma diferente de guardar imágenes. En lugar de
utilizar película, utiliza un sensor para guardar imágenes en una tarjeta de memoria digital o en
un almacenamiento interno ((Tolmachev, 2010; Ma, 2017).
La fotografía digital es el arte de manipular y producir imágenes digitales. Utiliza

fotodetectores electrónicos para capturar la imagen enfocada por la lente. La imagen capturada
se almacena como un archivo de computadora listo para su procesamiento, visualización y
publicación digital.
La técnica de la fotografía se originó entre principios y mediados del siglo XVII. Comenzó
con la predecesora de la cámara conocida como cámara oscura (una palabra latina que significa
"cuarto oscuro"). Era una caja en la que cuando la luz pasaba por el orificio formaba una imagen
en el cristal. Los artistas famosos del Renacimiento que utilizaron la oscuridad fueron
Leonardo da Vinci y Miguel Ángel.
En los años 1820, Joseph Niepce, un científico francés perfecciona la litografía , un método
de impresión que se basa inicialmente en la inmiscibilidad del aceite y del agua. Joseph
descubrió una manera de copiar grabados sobre vidrio utilizando una variedad de materiales
(principalmente betún, un asfalto que reacciona con la luz). Cuando la luz brillaba a través del
papel, quemaba una imagen en betún oscuro, lo que creaba una imagen casi idéntica a la original.

En el año 1900, la fotografía estuvo al alcance de todos. Su fama comenzó con George
Eastman , quien fue el fundador de Eastman Kodak Company. La primera cámara abierta al
público fue la Kodak número 1.
El 17 de octubre de 1969, Willard Boyle y George Smith de Bell Laboratories inventaron el

dispositivo de carga acoplada (CCD), un tipo de sensor que se utiliza para capturar una imagen
tomando la luz y traduciéndola en datos digitales.
En diciembre de 1975, Steven Sasson , ingeniero de Eastman Kodak, realizó el primer

intento registrado de construir un prototipo de cámara digital. Esta cámara pesa 9 libras y puede
grabar imágenes en blanco y negro en una cinta de casete. Para ver las fotografías, los
ingenieros de Kodak tuvieron que desarrollar una pantalla única. Pudo capturar una imagen de
0,01 megapíxeles (10.000 píxeles) y tardó 23 segundos en grabar una copia en la cinta.
En 1988, la Fuji DS-1P produjo la primera cámara digital real que grababa imágenes como
un archivo computarizado. Durante este año se fijaron los primeros estándares JPEG y MPEG.
Estos estándares establecieron un formato universal que permitía almacenar imágenes (JPEG) y
vídeos (MPEG) en un formato comprimido que se puede grabar en una tarjeta de memoria
interna de 16 MB.
En 1990, Dycam Model se convirtió en la primera cámara digital disponible

comercialmente. También vendió el Logitech Fotoman. Utilizaba un sensor de imagen CCD
(dispositivo de carga acoplada), almacenaba imágenes digitalmente y se conectaba directamente
a una computadora para descargarlas (Said, 1990).
Composición de la regla de los tercios
Uno de los principales factores que diferencia una gran fotografía de una normal es la
composición, o cómo se colocan los objetos/sujetos en la toma. La regla de los tercios es una
excelente técnica de composición para hacer que las fotografías sean más dinámicas y
emocionantes. También es una regla compositiva para la pintura y la fotografía.
La Regla de los Tercios también se conoce como la directriz que se aplica al proceso de
composición de imágenes visuales como en pintura, diseños y fotografías (Meech, 1991). La
instrucción propone que la imagen se visualice dividida en nueve partes iguales por dos líneas
horizontales equiespaciadas y dos líneas verticales equiespaciadas, y los elementos compositivos
esenciales deben ubicarse a lo largo de estas líneas. Los defensores del método afirman que
alinear un sujeto con estos puntos crea más composición, energía y tensión (Peterson, 2003).
La regla de los tercios afirma que una imagen es más agradable cuando sus sujetos se
encuentran colocados a lo largo de líneas imaginarias que dividen vertical y horizontalmente la
imagen en tercios. Se aplica alineando un sujeto con las directrices y sus puntos de intersección,
situando el horizonte en la línea superior o inferior (Krages, 2005).

Del mismo modo, utilizar la regla de los tercios ayuda a producir imágenes bien equilibradas
y agradables a la vista. Además, como hay que organizar las cosas en relación con los bordes del
encuadre, ayuda a deshacerse del síndrome del sujeto pequeño rodeado por un gran espacio.
Tipos de fotografía
La fotografía es uno de los pasatiempos favoritos que muchos de nosotros anhelamos. Una
fotografía definitivamente vale más que mil palabras y tiene el poder de transmitir un significado
completamente nuevo de una condición particular. Se crean diferentes imágenes para compartir
sus características únicas de selectividad, instantaneidad y credibilidad (Barrett, 2007). Hay
varios tipos de fotografía y por tanto, varios tipos de fotógrafos. Los diferentes tipos de
fotografía requieren diversas técnicas y los tipos de fotógrafos utilizan su talento en su
meticuloso campo de especialización. Los siguientes son algunos estilos de fotografía estándar
que gozan de una posición destacada en el mundo creativo.
Fotografía Aérea : Se refiere a la toma de fotografías del suelo desde una posición elevada. Se
adquiere mediante el uso de una cámara especializada montada en aviones, helicópteros, drones,
globos, cometas, paracaídas, etc.
Astrofotografía : se centra exclusivamente en tomar imágenes desde el espacio. Este tipo podría
variar desde los planetas hasta las estrellas o cualquier otra configuración interesante.
Fotografía Comercial - Es un trabajo fotográfico realizado con fines comerciales, tales como
folletos y folletos corporativos, menús en cafeterías y restaurantes, publicidad en revistas,
merchandising y colocación de productos. Tiene varios tipos como:
a. Fotografía publicitaria : este tipo de fotografía se utiliza para resaltar un producto,

servicio, marca o un individuo, en publicidad impresa (como revistas, periódicos,
folletos, etc.).
b. Fotografía de arquitectura e interiores : esta fotografía se utiliza para capturar imágenes

de estructuras y la belleza de un espacio interior en el que los fotógrafos utilizan técnicas
de iluminación para atraer clientes.
c. Fotografía de automóviles : esta fotografía es utilizada por empresas y concesionarios de
automóviles o automóviles para promocionar automóviles nuevos o existentes, generando

conciencia sobre las características y beneficios de un automóvil entre la clientela
potencial.
d. Fotografía de alimentos : esta fotografía es una categoría especializada de fotografía
comercial que se utiliza para capturar imágenes de diversas cocinas y menús con un estilo
atractivo.
e. Fotografías de joyería : esta fotografía se utiliza para resaltar bellas imágenes de
pulseras, collares, anillos y otros artículos de joyería.
f. Fotografía periodística - Esta fotografía es el arte de tomar fotografías que se consideren
atractivas y acompañen a temas periodísticos, para fundamentar la noticia o reportaje.
g. Fotografía de producto : esta fotografía se utiliza para capturar imágenes excelentes que
representan de manera atractiva un producto en publicidad. A veces incluye personas
como parte del producto. Atrae a la gente a ver a alguien que conocen o una cara que le
agrada a un producto.
h. Fotografía deportiva : es un tipo de fotografía que se utiliza para escribir noticias
deportivas, utilizando excelentes cámaras que toman fotografías nítidas de los jugadores
en acción.
Fotografía artística : se refiere a imágenes altamente creativas que tienen una influencia
abstracta. Estas fotografías pueden equivaler a la expresión de un artista en la pintura.
Fotografía forense : también se conoce como fotografía de la escena del crimen , en la que el
trabajo del fotógrafo es principalmente capturar imágenes para una representación precisa de la
escena del crimen.
Fotografía en la cabeza : este tipo de fotografía se centra principalmente en el rostro de la

persona. Esto también se conoce como fotografías policiales .
Fotografía macro : este tipo de fotografía se trata de imágenes en primer plano de un tema
específico. Se aplica comúnmente principalmente para capturar detalles de organismos o de la
naturaleza que pueden no ser visibles a simple vista.
Fotografía de naturaleza : abarca todas las formas de fotografía donde el tema principal tiene
algo que ver con la naturaleza. Se centra en los paisajes, la vida silvestre, el agua y las plantas
tal como se encuentran en su entorno natural.
Fotografía de desnudos : se trata de la representación del cuerpo humano desnudo.
Fotografía de retrato : se trata de capturar el estado de ánimo de una persona, con énfasis en el
rostro y la expresión de una persona.
Fotografía de naturaleza muerta : se trata de capturar objetos con la cámara que se agrupan
deliberadamente para crear una composición particular. Esto requiere que el fotógrafo tenga una
excelente técnica de iluminación.

Fotografía callejera : se trata de capturar imágenes espontáneas de lugares públicos o incluso de
personas en su elemento natural. Requiere del fotógrafo la habilidad de relacionarse con la gente
y lograr los mejores encuadres.
Fotografía de viajes : Implica capturar imágenes de un paisaje, tradiciones y costumbres

particulares o incluso personas de diferentes lugares.
Componentes y características esenciales de una cámara
Las cámaras son dispositivos beneficiosos y se utilizan con el único fin de capturar imágenes
fijas, ya sea por ocio o por seguridad. Todas y cada una de las cámaras tienen algunas partes
fundamentales que son muy cruciales para su funcionamiento (Dachis, 2001). Algunos
componentes y características esenciales de una cámara son los siguientes:
1. Apertura : es una abertura por la que pasa la luz y se puede ajustar para controlar la
cantidad de luz que llega al sensor de imagen.
2. Flash incorporado : se utiliza para capturar una toma de vistas con poca luz. Es posible
que se dispare automáticamente en algunos modos.
3. Cuerpo . Es la carcasa de la cámara.
4. Botón de selección del punto de enfoque : se utiliza para seleccionar la posición para
establecer el enfoque (el punto AF) durante el disparo AF.
5. Zapata caliente : es la sección de la parte superior de la cámara y se utiliza para conectar
una unidad de flash.
6. Lente - Es el ojo de la cámara.
7. Montura de lente : es la sección para conectar la lente intercambiable al cuerpo de la
cámara.
8. Índice de montura de lente : es una marca de alineación en la lente y sirve como base al
colocar o quitar una lente.
9. Botón de liberación de lente : es un botón que se utiliza cuando desea desconectar la
lente.
10. Disparo con Visión en Directo (cambio de disparo de vídeo) : se utiliza para activar o
desactivar la función Visión en Directo.
11. Botón MENÚ : se utiliza para mostrar el menú para ajustar las diferentes operaciones de
la cámara.
12. Tecla de controlador múltiple : se utiliza para moverse entre los elementos del menú o
para mover la pantalla ampliada a un punto diferente durante la reproducción de
imágenes.
13. Temporizador automático : se utiliza para retrasar el tiempo entre que se presiona el
botón del obturador y la cámara toma al sujeto.
14. Botón disparador : es el botón que se encuentra en muchas cámaras y se utiliza para
tomar fotografías.
15. Velocidad de obturación : indica el intervalo de tiempo durante el cual el obturador está
abierto.
16. Ocular del visor : se utiliza para ver la imagen del sujeto que desea capturar.

a. Regla de los tercios
Una imagen podría dividirse en partes iguales por dos líneas verticales y dos horizontales.
En general, las cuatro interacciones de estas líneas serán el lugar más interesante para el/los
tema/s primario/s. Las cuatro líneas y sus intersecciones son los puntos de interés, y aquí es
donde debes colocar al sujeto para crear más equilibrio en tus fotografías.
Aplique la regla de los tercios en estas imágenes a continuación colocándoles las líneas de la
cuadrícula con énfasis en los sujetos. ( Crédito de la foto: el autor posee todas las fotos a continuación )

B. Recorrido fotográfico por el campus
Después de dar las teorías de la fotografía básica, la clase realizará un recorrido a pie por el
campus de la escuela y se les pedirá que tomen fotografías que ilustren varios conceptos como la
regla de los tercios, la exposición diurna estándar, la profundidad de campo y la
retroiluminación, etc. Después de imprimir las fotografías capturadas, la clase hará un tablero de
exhibición e identificará las fotografías que siguieron las pautas fotográficas adecuadas.
C. Ensayo fotográfico
Deje que los estudiantes creen un ensayo fotográfico que cuente una historia significativa
sobre la vida del estudiante representada por fotografías. El artículo deberá tener un mínimo de
5 y un máximo de 10 fotografías que deberán montarse en tablero de ilustración. Los estudiantes
escribirán títulos para cada fotografía.


Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Análisis de imágenes : Mire la imagen con atención. Haz tu título de esto y explica tu reflexión
al respecto. ( Crédito de la foto: el autor es propietario de la imagen a continuación ).

Título: ________________________________________________________________________
Reflexión:
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
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Capítulo 8
Música
“La música tiene el poder de formar el carácter.
y por lo tanto debería introducirse en el
educación de los jóvenes”.
Aristóteles
1. reconocer el origen y la importancia de la Música;

2. apreciar el papel de la música en nuestras vidas;
3. discutir los aspectos esenciales de la composición de canciones;
4. demostrar comprensión de los diferentes géneros musicales;
5. demostrar comprensión de la clasificación de instrumentos musicales; y
6. Mostrar capacidad para componer canciones.
Trampolín
preguntas:
1. Entre los cantantes internacionales, nacionales y locales, ¿cual estilo te gusta más? ¿Por
qué?
2. Como artista, ¿qué instrumento/s consideras mejor para estar en un concierto musical?
¿Por qué?
3. Explique este dicho: “La música es la voz armoniosa de la creación; un eco del mundo
invisible”.
Aporte
El origen y la importancia de la música
t
La palabra “música” proviene de la palabra griega mousike, que significa “arte de las
musas”. Es el arte de disponer los tonos de forma ordenada para producir una
composición unificada y continua. Los elementos comunes de la música son el tono
(que gobierna la melodía y la armonía), el ritmo (y sus conceptos asociados tempo,
métrica y articulación), la dinámica y las cualidades sonoras del timbre y la textura .
Para muchas personas de diferentes culturas, la música es una parte integral de su forma de
vida. Es un arte que junta sonidos de una manera que le gusta a la gente. La mayor parte de la
música incluye personas que cantan con su voz o tocan un instrumento musical, como batería,
piano, guitarra y otros.
Cuando la música se escribe en un pentagrama, los tonos y su duración se representan
mediante símbolos conocidos como notas. Estos símbolos se colocan en las líneas y en los
espacios entre líneas. Cada posición dice qué tono se debe tocar. Cuanto más alta esté la nota en
el pentagrama, más alto será el tono. Cuanto más graves sean las notas, más grave será el tono.
También se puede escribir música,

nombrándolas como en el solfa “Do, Re, Mi, Fa, Sol,
La, Si/Ti, Do”. La siguiente tabla muestra cómo se
representa cada nota en la notación estándar o
acordes. Esta notación se hizo para que la
conferencia sobre notas musicales fuera simple y
fácil de leer.
¿Cuál es el papel de la música en nuestras vidas?

El arte y la música son funciones humanas fundamentales y partes esenciales de la vida
humana. Sin música, nuestra vida es un lugar perdido, inseguro y probablemente incapaz de dar
rienda suelta a nuestras emociones (Galindo, 2003). Según los estudios, la música puede ser una
forma adecuada de ayudar a que nuestra imaginación alcance nuevas alturas. Toca nuestra alma

y nos permite expresar diferentes estados de ánimo y emociones. Inspira a las personas y nos
permite ponernos en contacto con nuestros sentimientos de una manera única. Permite que
nuestro cuerpo y nuestra mente rompan con la monotonía de la vida.
Asimismo, la música puede encender la mente. Puede inspirar sentimientos humanos comunes y
tender puentes entre culturas. Toca nuestro ser emocional y muestra emociones que a veces son
difíciles de articular. Puede ser nuestro día feliz o emocionado.
Los elementos de la música
La música es un arte de gran utilidad que se origina en la naturaleza y ha sido adoptada por
la humanidad como forma de expresión. Tiene el poder de influir en los aspectos emocionales y
psicológicos del comportamiento. Tiene elementos importantes, a saber:
1. Armonía (Del griego harmonia, que significa “conjunción o acuerdo”): se refiere a la
verticalización del tono. A menudo se piensa que es el arte de combinar tonos en
acordes. Estos acordes generalmente se organizan en patrones similares a oraciones
llamados progresiones de acordes .
2. Clave - Se conoce como tonalidad, un principio en la composición musical en el que al
final de la pieza hay una sensación de finalización al volver a la tónica.
3. Melodía (Del griego meloidia , que significa “cantar” o “cantar”)- Se refiere a la melodía
de una canción o pieza musical.
4. Tono : se refiere a la propiedad perceptiva que permite ordenar los sonidos en una escala
relacionada con la frecuencia, ya sea relativa baja o alta.
5. Ritmo: proviene de la palabra griega Rhythmos, que significa "cualquier movimiento
recurrente regular". Es el patrón del sonido en el tiempo y del ritmo en la música.
6. Tempo: se refiere a la velocidad (lenta o rápida) de una pieza musical determinada.
7. Textura - Se refiere a cómo se combinan los materiales armónicos en una composición.
Puede ser monofónico (una sola línea melódica), polifónico (dos o más líneas melódicas)
y homofónico (la melodía principal acompañada de acordes).
8. Timbre - Se refiere a la calidad del sonido (tono) que distingue una voz o instrumento de
otro.
Lo esencial en la composición de canciones
La canción es una composición para una voz o voces, interpretada cantando. Los
instrumentos musicales pueden acompañar una canción o pueden ir sin acompañamiento, como
en el caso de las canciones a capella. Puede ser para un cantante solista, un dúo, un trío o un
conjunto más grande que involucre más voces. Se consideran obras corales las canciones con
más de una voz por parte. La mayoría de las técnicas de escritura de canciones tratan sobre lo
que debes hacer para tener éxito. A continuación se detallan los elementos esenciales comunes a
la hora de escribir canciones (Kamien, 1997).
Arreglo . El arreglo en música se considera como una reconceptualización de una obra
previamente compuesta. Incluye el orden en el que se colocan las secciones de música (como
intro-estrofa-estribillo-estrofa-estribillo) y la organización de la instrumentación, voces u otras
partes de la música que componen la canción.

Tiempo y Ritmo . El ritmo es la velocidad ( tempo ) de la canción que hace que el oyente se
sienta rápido o lento. Por otro lado, el ritmo es el compás que han producido los distintos
instrumentos como el bajo, la batería y la guitarra.
Acordes (progresión de acordes ) . Se refiere a cualquier conjunto armónico de tonos utilizados
para acompañar la melodía de la canción. Se forma cuando se colocan juntas varias alturas (notas
de un instrumento musical) en un pentagrama (una partitura). Viene en diferentes variedades,
que incluyen acordes aumentados, acordes mayores, acordes menores, acordes disminuidos,
acordes de séptima y acordes napolitanos.
Concepto (historia) . Todas las canciones tienen una historia o concepto. Por lo general, el título
de la canción transmitirá la esencia de la idea de la historia y las palabras (letra) expondrán esa
idea.
Género y Estilo . El género de la canción, como pop, rock o country, se establece según el ritmo
y el ritmo de la canción. La calidad de la canción depende del género, como música alternativa,
hip-hop, punk rock o un tipo de música alternativa.
Longitud . Siempre se considera la duración de una canción, dependiendo de su uso. Pueden ser
más cortos o más largos, pero esta es la duración típica de los arreglos musicales actuales.
Letras . Este término proviene del vocablo griego lyrikos , que significa “cantar al son de la lira”.
Describe un concepto de un tema que rima en las secciones de música.
Melodía . La melodía es la armonía de la canción que tocas o cantas. Es la línea principal de
música que estás haciendo y la base de la canción.
Secciones de canciones . Las canciones se dividen en secciones o componentes como
introducción, estrofa, estribillo, puente, pausas principales , etc.
Los diferentes géneros musicales

Participar en un evento musical con personas con mentalidad musical que disfrutan del
mismo tipo de canciones y sonidos puede ser una buena experiencia. A veces, los géneros
pueden ser una forma afable de trabajar con otras personas y presentarles a nuevos fans la música
que estás produciendo.
La música es una forma de arte y un sonido organizado. Expresa nuestras emociones de
forma armoniosa y agradable. Los diferentes géneros musicales ayudan a calmar el alma
perturbada en el crecimiento de la concentración y nos animan a vivir nuestra vida con alegría.
Algunos tipos de música son los siguientes:
Música Clásica . La música clásica es una forma sofisticada de composición, ya que requiere
habilidades como aprender a coordinarse con otros músicos.

Música folk. Este tipo de música refleja las emociones de la gente común. La música
cultural y popular son los dos subgéneros de la música folclórica.
Funk . Esta música se hizo conocida a finales de los años 1960. El funk hizo del ritmo el
elemento más importante y restó importancia a la melodía.
Música hip-hop . La música hip-hop siempre incluye el uso de un instrumento como bajo,
batería, guitarra, piano, violín y violín. En este tipo de música, el bajo es el instrumento
principal. Esto se puede utilizar en diferentes intensidades para expresar sentimientos de ira u
orgullo.
Jazz . Ritmos complejos y fuertes caracterizan este tipo de música. Los principales instrumentos
utilizados para este tipo de música son la corneta, la trompeta o el violín.
Metamúsica . Este es un tipo de música en la que la melodía está influenciada por la estructura
de las canciones (conocida como “música de información”).
Música de ópera . Este género tiene una combinación fantástica de arte teatral e invención
musical y se presenta explícitamente ante grandes audiencias.
Música rock . Este género musical requiere que la voz esté acompañada de bajo, batería y
guitarra. A veces, el piano, el sintetizador, el saxofón, la flauta, la mandolina y el sitar también
pertenecen a este género para lograr un impacto más profundo. Este tipo de música tiene varios
subgéneros, como el hard rock, el metal rock y el rock progresivo.
Música Tecno . Este género también se conoce como música de fusión . Esta es una forma de
música electrónica de baile basada en estilos musicales afroamericanos como el electro jazz y el
funk .
Música trance . Este tipo de música se suele interpretar en las casas club. Se caracteriza por un
tempo rápido y ritmos repetitivos.
Clasificación de instrumentos musicales
Un instrumento musical es una herramienta adaptada o creada para producir sonidos musicales.
Fue diseñado principalmente para emular sonidos naturales con fines rituales. Su rango vocal
suele clasificarlo en comparación con otros instrumentos como los siguientes:
a. Instrumentos contraltos
1. Saxofón alto : es miembro de la familia de saxofones de instrumentos de viento de madera
inventados en 1841 por Adolphe Sax, un diseñador de instrumentos belga. Es un tipo de
dispositivo utilizado principalmente en composiciones clásicas.
2. Cuerno francés : es un instrumento de metal hecho de aproximadamente 12 a 13 pies de
tubo envuelto en una bobina con una campana acampanada.
3. Cuerno inglés (también conocido como coranglais ): es un instrumento de viento de
madera de doble lengüeta de la familia del oboe.

4. Viola - Es la voz media de la familia del violín y entre el violín y el violonchelo. Es un
instrumento de cuerda frotada.
B. Instrumentos bajos
1. Contrabajo : es el instrumento de cuerda frotada más grande y de tono más bajo de la
orquesta sinfónica moderna.
2. Bajo - Es un instrumento de cuerda con un mástil y una escala más largos, con cuatro a
ocho cuerdas. Se juega principalmente con los dedos o el pulgar, picando, punteando,
golpeando, haciendo estallar, golpeando o golpeando.
3. Saxofón Bajo -Es uno de los miembros más grandes de la familia de saxofones de gama
baja, generalmente apoyado sobre un soporte mientras se toca.
4. Tuba: es el instrumento de metal más grande y de tono más grave. El sonido se produce
haciendo vibrar los labios dentro de una boquilla de tamaño considerable en forma de copa.
C. Instrumentos barítonos
1. Fagot - Es un instrumento de viento de madera de la familia de lengüeta doble. Se toca
presionando la caña entre los labios y soplando para hacer sonar el instrumento.
2. Saxofón barítono : es uno de los miembros más grandes de la familia de los saxofones y es
el saxofón de tono más bajo.
3. Clarinete bajo : se interpreta regularmente en orquestas sinfónicas, conjuntos de viento,
ocasionalmente en bandas de música y ocasionalmente desempeña un papel solista en la
música contemporánea.
4. Violonchelo (vioonchelo) : es un instrumento de cuerda frotada y, a veces, pulsada. Tiene
un cuerpo de madera hueco con dos agujeros de sonido y cuatro cuerdas recorren el cuerpo y
el mástil.
5. Cuerno barítono : es un instrumento de viento que consta de un tubo de latón
(generalmente de longitud variable) que se sopla mediante una boquilla en forma de copa o de
tubo.
d. Instrumentos soprano
1. Flauta - Es un instrumento de viento que produce sonido a través del flujo de aire desde el
orificio que tiene un elaborado juego de llaves.
2. Violín - Es un instrumento de cuerda pequeño, generalmente con cuatro cuerdas afinadas en
quintas perfectas.
3. Saxofón soprano : es un instrumento de viento de madera que se utiliza como instrumento
solista y de cámara en música clásica o en una banda u orquesta de concierto.
4. Trompeta: es el instrumento musical que generalmente se toca soplando aire con los labios
cerrados para producir un zumbido.

5. Clarinete - Es un tipo de instrumento de viento de madera que tiene un tubo cilíndrico recto
con una campana abocinada y una boquilla de una sola lengüeta.
6. Oboe - Es un instrumento de viento de madera con boquilla de doble lengüeta, cuerpo
tubular delgado y orificios tapados por llaves.
7. Piccolo : es el instrumento de viento de madera de tono agudo utilizado en orquestas y
bandas militares.
mi. Instrumentos tenores
1. Trombón : es un instrumento musical en el que el sonido se produce cuando los labios
vibrantes del intérprete hacen vibrar la columna de aire dentro del dispositivo.
2. Saxofón tenor : es un instrumento de viento de madera de tamaño mediano que destaca
mucho en los grupos de jazz y es una de las voces esenciales de un concierto o banda de
música.
3. Guitarra : es un instrumento musical de cuerda con un diapasón con trastes, generalmente
lados curvados, y tiene seis o doce cuerdas, que se tocan punteando o rasgueando.
________________
a. Terapia musical
Deje que los estudiantes escuchen o canten la canción titulada “Lead Me Lord” de Gary
Valenciano y pídales que compartan su reflexión sobre el significado de la canción.
Guíame Señor
Guíame de la mano y ayúdame a enfrentar el sol naciente.
Consuélame a través de todo el dolor que la vida pueda traer
No hay otra esperanza en la que pueda apoyarme
Guíame, Señor, guíame toda mi vida.
camina por mi
Camina a mi lado a través de los caminos solitarios que puedo enfrentar
Toma mis brazos y deja que tu mano me muestre el camino
Muestra la manera de vivir en tu corazón.
Todos mis días, toda mi vida.
Tú eres mi luz
Eres la lámpara sobre mis pies
Todo el tiempo mi Señor te necesito ahí
Tú eres mi luz; no puedo vivir solo
Déjame quedarme junto a tu amor guía
A lo largo de mi vida
Guíame Señor

Guíame Señor
Aunque a veces prefiero seguir mi camino
Escúchame tomar la dirección correcta
Toma tu camino
Guíame Señor y nunca te apartes de mi lado
Todos mis días, toda mi vida.
Tú eres mi luz
Tú eres mi luz; no puedo vivir solo
A lo largo de mi vida
Tú eres mi luz
(Tú eres mi luz)
(Simplemente no puedo vivir solo)
A lo largo de mi vida, a lo largo de mis días.
Así que guíame oh Señor
Guíame Señor
b. Composición de la canción
Divida la clase en cuatro grupos. Indíqueles que compongan una canción que represente la
vida de los estudiantes o cualquier tema (enfoque). Las composiciones pueden estar en inglés,
tagalo o cualquier dialecto filipino. Que esta canción se presente en clase con los siguientes
criterios: Melodía, Tiempo y Ritmo, así como Duración.
C. Fabricación de instrumentos musicales improvisados
Los diferentes instrumentos musicales producen sonidos de formas muy diferentes, pero
todos aprovechan algunas de las propiedades fundamentales de la música.
Deje que los estudiantes produzcan una variedad de sonidos interesantes y agradables
(instrumentos de cuerda, viento o percusión). Reserve un período de clase (aproximadamente 45
minutos) para cada actividad/discusión, y un período de clase para terminar conversaciones,
concluir, hacer hojas de trabajo y reforzar términos y conceptos. Si tiene un período más extenso
y un área grande para trabajar, es posible que desee configurar cada experimento como una
“estación de trabajo” y hacer que los grupos de estudiantes se muevan de una estación a otra.

Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Ensayo:
1. ¿Cuál es la importancia de la Música en nuestras vidas? Explicar.

___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
2. ¿Qué música original de Pinoy (OPM) te gusta más? ¿Por qué?

___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
3. ¿Qué Música Original Extranjera (OFM) te gusta más? ¿Por qué?

___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
4. Como músico, ¿qué instrumento/s musicales te gustaría tocar? ¿Por qué?

___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
5. Si te dieran la oportunidad de unirte a un concurso de canciones, ¿qué tema (enfoque) de la

canción te gustaría desarrollar? ¿Por qué?
___________________________________________________________________________
___________________________________________________________________________
_________________________________________________________________________

Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Tipo de concordancia: haga coincidir la columna A con la columna B. Escriba la letra de la

respuesta correcta en el cuadro provisto antes de cada elemento.
Columna A Columna B
1. Esta música se clasifica por tempo rápido y ritmos a. Letra
repetitivos de percusión.
2. Es un dispositivo creado para emitir sonidos musicales. b. Música
3. Describe un concepto o un tema que rima en frases rítmicas C. Notas
en las secciones de música.
4. Se le conoce como el miembro más pequeño y de tono más d. Acordes
alto de la familia de instrumentos de cuerda.
5. Es el arte de disponer los tonos en una secuencia ordenada mi. Trance
para producir una composición unificada y continua.
6. Se refiere a la relativa gravedad o elevación que escuchamos F. Tuba
en un sonido.
7. Se forma cuando se colocan varios lanzamientos juntos en gramo. Paso
un pentagrama.
8. Se le conoce como el instrumento de metal más grande y de h. Violín
tono más bajo.
9. Se refiere a los símbolos de los lanzamientos y su duración i. Tempo
escritos en un pentagrama.
10. Se relaciona con la velocidad de una determinada pieza j. Instrumento musical
musical.
Capítulo 9

Drama
“ El verdadero objeto del drama es la exhibición del
carácter humano”.
Thomas Bibington Macaulay
1. reconocer el origen y elementos de un buen Drama;

2. demostrar conocimiento sobre los tipos de drama;
3. apreciar los beneficios del drama y el papel del Artista;
4. identificar las formas de drama; y
5. Mostrar la capacidad de hacer un drama en el escenario.
Trampolín
Como actividad preliminar al tema, el docente solicitará a los estudiantes que vean una
película dramática y les permitirá analizar la película respondiendo las siguientes preguntas a
continuación:
1. ¿Cuál es el título de la historia?

2. ¿Quiénes son los personajes principales de la historia?
3. ¿De qué trata la historia?
4. ¿Cuál es el comienzo de la historia?
5. ¿Cuál es el final de la historia?
Aporte
El origen y elementos de un buen Drama
t
El término "drama" proviene de la palabra griega drao , que significa "hacer" o
"actuar". Es interpretado por actores y actrices en la radio, la televisión o el escenario
ante un público. A menudo se combinaba con música y danzas (Clark, 1965; Banham,
1998).
El drama es una obra de teatro que se representa. Es un reflejo de la vida cotidiana de las
personas. Muestra cómo las personas viven con seriedad o humor algún período lleno de
acontecimientos en sus vidas. Combina las artes del actor, autor, director, diseñador y otros
(Bain et al., 1973).
Drama es escribir la escena que los artistas pretenden representar para una audiencia. El
guión consta de diálogo, las palabras que dicen los actores y las instrucciones escénicas sobre
cómo y dónde se mueven y hablan los actores. En un drama, el artista debe comenzar con

personajes que sean plenos, ricos, interesantes y lo suficientemente diferentes entre sí como para
crear una buena historia.
Los personajes atractivos son la base de todo buen drama. Los personajes deben ser realistas,
incluso si se encuentran en una situación increíble. Deberíamos poder empatizar o involucrarnos
con los personajes principales, incluso si no necesariamente nos agradan.
Un buen drama es algo genial que siempre quisimos ver. Es algo que apela a nuestras
emociones, tiene un desarrollo adecuado del personaje y nos deja con ganas de volver al próximo
episodio para descubrir qué sucederá a continuación.
El drama es una forma favorita de entretenimiento para muchas personas. Sus elementos son los
siguientes:
1. Audiencia . El público es el conjunto de espectadores que el escritor siempre tuvo en

mente cuando escribió la obra. El papel del público es presenciar la producción y animar
a los actores mediante sus aplausos y reconocimientos.
2. Diálogo. El diálogo es una técnica en la que el dramaturgo utilizaba dos o más

personajes para entablar una conversación entre sí. Consta de dos partes: el Diálogo
Interior (los personajes hablan entre sí y revelan sus personalidades a modo de
monólogo ) y el Diálogo Exterior (una simple conversación entre dos personajes de una
obra de teatro).
3. Trama . Se refiere al orden de los hechos o historia que ocurrieron en una obra de teatro.
Lo que hacen los personajes, cómo interactúan, el curso de sus vidas narrado por la
historia y lo que les sucede al final constituye la trama.
4. Arte escénico . Se refiere a los aspectos técnicos de la producción teatral, que incluyen
diseño de vestuario, iluminación, diseño escénico, maquinaria escénica, sonido y
maquillaje.
5. Convención. Se refiere a la técnica de acciones que establece el director a los actores

para crear un efecto dramático deseado.
6. Géneros . Se refiere a los tipos de actos utilizados en un drama para mostrar el

desarrollo emocional y relacional de personajes realistas.
7. Caracterización . Es la capacidad de un escritor de enfrentar al protagonista con un

antagonista. El protagonista es el personaje principal de una historia, mientras que el
antagonista es la oposición.
Otros elementos dramáticos
Los elementos dramáticos son el centro de todo drama. Se pueden utilizar de forma aislada y
son manipulados por un intérprete para obtener un resultado espectacular. Los siguientes son los
otros elementos dramáticos:

Clímax . Es el punto más alto de tensión o conflicto dramático en una historia o obra de teatro.
Sin el clímax, una historia carecerá de emoción o de significado general.
Conflicto . Es un elemento vital del drama y la escritura de guiones. Es un ingrediente

esencial para todas las representaciones dramáticas. Puede ser entre dos o más personajes, o solo
uno (conflicto interno). Puede ser verbal (físico) o no verbal (psicológico).
Contraste . El uso de variación en una obra dramática es una forma útil de centrar la atención
del público. Sin el uso cuidadoso del contraste, una actuación es aburrida y carece de tensión.
Un ejemplo destacado de contraste es una escena triste seguida de otra feliz.
Enfoque . Se utiliza indistintamente con los términos concentración y compromiso para ayudar
al intérprete a representar personajes creíbles. También sugiere la memorización de palabras,
movimientos, gestos y requiere canalizar (concentrar) todas las energías del intérprete para lograr
los objetivos determinados de un personaje.
Idioma . Es el guión escrito el que ayuda a lograr cualquier actuación. El uso de palabras en la
interpretación puede ser verbal (vocal) o no verbal (lenguaje corporal). También se puede cantar
o cantar como un medio importante para comunicar la historia del drama a los espectadores.
Estado de ánimo . Se refiere a la emoción o el tono de una actuación a través de una

combinación de varias escenografías y elementos dramáticos que funcionan armoniosamente
entre sí. El estado de ánimo de la producción está relacionado con sentimientos comunes como la
ira, el deseo, la frustración o la lástima. También puede ser a través de la iluminación, el sonido,
el movimiento, la ambientación, el ritmo, el contraste o el conflicto.
Ritmo. Se refiere a la velocidad y el ritmo (ritmo o tempo) de la obra que sigue el estado
emocional de uno o más personajes de la actuación.
Sonido . Es un medio para crear una atmósfera o estado de ánimo en una obra. A veces, los
pequeños accesorios producían efectos de sonido que se pueden utilizar en vivo durante una
actuación.
Espacio . Se refiere al uso práctico del área disponible utilizada por los actores, como gatear,
agacharse, sentarse o acostarse.
Símbolo . Se refiere a los objetos o decorados y atrezzo utilizados en las representaciones

teatrales. Su objetivo es despertar algún concepto o emoción en la mente de la audiencia.
Tensión . A veces esto puede ser similar al término conflicto. La tensión se forma cuando la
audiencia anticipa resultados específicos en la trama de la historia. El desarrollo de la tensión
suele ser paralelo al avance de la trama, conduciendo al clímax.
Sincronización . Se refiere a las fases dramáticas o sincronización de movimientos y gestos de

las distintas partes de la producción para lograr un efecto teatral.

Tipos de drama
1. Tragedia: Es una simulación de una acción seria, completa y de magnitud absoluta en

una obra de teatro. Suele representar la caída del protagonista.
2. Comedia: Es un tipo de obra dramática que tiene un tono divertido y humorístico,
teniendo en su mayoría un final alegre.
3. Juego de problemas : es un tipo de drama que trata temas sociales controvertidos de
manera realista. Expone los males sociales y estimula el pensamiento y la discusión por
parte de la audiencia.
4. Farsa -Es una comedia que gira en torno a hechos imposibles y exagerados.
5. Fantasía : este tipo de drama suele ser romántico y contiene elementos sobrenaturales,
mágicos, sociedades secretas y venganza.
6. Melodrama - Es una obra dramática en la que la trama está diseñada para apelar a
emociones fuertes y tiene prioridad sobre la caracterización detallada.
El drama de interés histórico
1. Drama Antiguo - El drama existía en las ceremonias religiosas para el culto a los
diferentes dioses.
2. Drama medieval : trataba de historias bíblicas y misterios alegóricos.
3. Drama renacentista - Durante este período, los dramaturgos griegos y romanos fueron
imitados en Italia, Francia, Alemania e Inglaterra. Las máscaras y los disfraces también
se vuelven populares durante esta época.
4. Drama moderno : fue durante las dos últimas décadas del siglo XIX y la primera mitad del
siglo XX cuando se presenció una gran variedad de tendencias en una obra de teatro. La
fantasía romántica, el simbolismo, el expresionismo, el impresionismo, la comedia y el
drama poético alcanzaron nuevas alturas durante este período.
Beneficios del drama y el papel del artista
El drama es una forma de autoexpresión que existe en todas las culturas del mundo. Como
habilidad única en sí misma, es un tema que se discute en muchos colegios y universidades.
Como versátil, el Drama puede incluirse en otras áreas del plan de estudios en forma de
actividades. De ahí que al incorporar estas actividades al programa, los estudiantes adquieran
habilidades de juego-actuación. Debe contar con equipos técnicos en su expresión facial,
aplomo corporal, gesto, voz y by-act que le permitan interpretar el personaje (Putatunta, 2012).
Otros beneficios del teatro son los siguientes:
1. Desarrolla la imaginación, la creatividad y formas flexibles de pensar.

2. Promueve la concentración, el enfoque y la capacidad de prestar atención a los detalles.
3. Ayuda a dominar el lenguaje corporal, combinando el movimiento corporal y la
expresión facial, junto con el lenguaje hablado para transmitirse.
4. Ayuda a explorar sentimientos, valores internos y pensamientos.
5. Desarrolla la capacidad de interactuar y trabajar con otros.
6. Ayuda a desarrollar la confianza en uno mismo y la autoestima.

Formas dramáticas
Las formas dramáticas se componen de estructuras específicas que definen, diferencian y

dan forma a las formas en que se explora. A menudo, sus formas son la improvisación, el
movimiento, el trabajo escénico y el discurso.
a. Movimienot
1. Payaso : es el acto que dibuja movimientos y gestos exagerados basados en habilidades,

para crear humor para los espectadores.
2. Dance e- Es la ejecución de una serie de acciones creativas, libres y exploratorias
realizadas con o sin música.
3. Trabajo con máscara : es la exploración del movimiento utilizando una máscara para
centrarse en la expresión física del cuerpo.
4. Mimo : es una pantomima que actúa sin palabras y se realiza a través de expresiones
faciales, gestos y movimientos.
5. Stage Fighting : es un movimiento coreografiado diseñado para simular peleas entre
actores.
6. Tableau : es una escena silenciosa e inmóvil creada por actores para centrar la atención
en el tema central del drama.
b. Improvisación
1. El personaje en Rol - Es una persona que interpreta un personaje en una situación

particular.
2. Drama improvisado : es un estilo de teatro espontáneo en el que no existe un guión y las
escenas se crean sin preparación previa.
3. Juego de roles : es una actividad en la que los individuos asumen identidades distintas a
la suya.
4. Cuentos Espontáneos - Es una actividad de calentamiento verbal en la que se realizan
narrativas.
c. Discurso
1. Obra Coral - Se refiere al discurso o canto conjunto.

2. Monólogos - Es un discurso largo de un solo personaje.
3. Radio Drama : es un drama que está destinado a escucharse en lugar de verse.
4. Teatro del Lector - Es una actuación creada por actores mediante la lectura de un guión.
5. Recitación : es la presentación oral de una obra escrita que a menudo incluye baladas,
monólogos y rimas.
6. Paisaje sonoro : es el uso de varios sonidos superpuestos para crear una atmósfera.
7. Narración : se refiere a relacionar historias con una audiencia.
d. Trabajos de escena
1. Creación Colectiva - Es un proceso grupal de escritura de un guión original.

2. Docudrama : es el uso de recursos dramáticos para ilustrar una situación de la vida real a
través de una actuación.
3. Marionetas : incluye una amplia variedad de accesorios que casi cualquier cosa cobra
vida mediante manos humanas para crear una actuación.
4. Teatro de cuentos : se refiere a una producción teatral de una historia existente donde los
personajes hablan cada línea de la historia.
a. Crear un comercial
Esta es una actividad fantástica que puede funcionar muy bien para los estudiantes de teatro,
pero también podría incorporarse a cualquier clase que involucre publicidad y oratoria (Bradford,
2017).
Instrucciones:
1. El instructor deberá organizar la clase en grupos de cuatro o cinco. Luego, el instructor

informa a los grupos que ya no son meros estudiantes, sino que son directores de
publicidad de primer nivel y de gran éxito.
2. Explique que los funcionarios de publicidad saben cómo utilizar escritura realista en los
comerciales para hacer que la audiencia experimente un tipo completo de emociones.
Pida a los participantes que den ejemplos de anuncios que recuerden. ¿Los comerciales
los hicieron reír? ¿Inspiraron esperanza, miedo o ira?
3. Pídales que creen un guión comercial de 30 a 60 segundos con varios personajes. El

comercial debe generar una emoción específica para persuadir a los espectadores.
4. Después del proceso de redacción, dé a los grupos de cinco a diez minutos para practicar
la interpretación del comercial.


Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Ensayo:
1. ¿Cuándo puedes decir que el drama es bueno?

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
__________________________________________________________________
2. ¿Cuál es el papel del dramaturgo en una Producción Teatral?

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
__________________________________________________________________
3. Si eres el escritor, ¿qué tipo de drama vas a escribir? ¿Por qué?

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
__________________________________________________________________
4. ¿Cuál es la diferencia entre el drama antiguo y el drama moderno?

______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
__________________________________________________________________
5. Mencione al menos dos beneficios del teatro y explique brevemente cada uno.
______________________________________________________________________________
______________________________________________________________________________
__________________________________________________________________


Curso/Año: ________________________________ Fecha: ________________
Horario: ______________________________
Selección : seleccione la respuesta correcta de las opciones dadas. Encierra en un círculo la letra
de la respuesta correcta.
1. Es un tipo de drama que involucra complicaciones ridículas o hilarantes sin tener en cuenta los
valores humanos.
a. Tragedia c. Farsa
b. Melodrama d. docudrama
2. Un acto que dibuja movimientos y gestos exagerados, para crear humor para el público.
a. Danza c. Pregunte al trabajo
b. Cuadro d. Payasadas
3. Es actuar sin palabras, sino únicamente mediante expresiones faciales, gestos y movimientos.
a. Mimo c. Lucha escénica
b. Danza D. Cuadro
4. Es una actividad en la que los individuos asumen identidades distintas a la suya.
a. Teatro de cuentos c. Juego de roles
b. Fantasía d. Personaje en rol
5. Se refiere al discurso o canto conjunto.
a. Paisaje sonoro c. contar historias
b. Radiodrama d. Trabajo Coral
6. Es un elemento dramático que se ha reunido con el propósito explícito de ver una obra de
teatro.
a. Trama c. Convención
b. Audiencia d. Escenografía
7. Es una obra de teatro en la que el personaje central se enfrenta derrotado ante alguna amenaza
o desastre abrumador.
a. Tragedia c. Coincidencia
b. Ironía dramática d. Tensión

8. Es un elemento dramático que a menudo se usa indistintamente con los términos
concentración y compromiso.
a. Ritmo c. Enfocar
b. Momento d. Espacio
9. Se refiere a relacionar historias con una audiencia.
a. Recitación c. Clímax
b. Conflicto d. contar historias
10. Son elementos convencionales del drama los siguientes, excepto uno:
a. Contemporáneo c. Realismo b. Drama chino d. drama griego

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Capítulo 1

Humanidades y apreciación del arte: una introducción

Dr. Arbert C. Barnes

Al final de este capítulo, los estudiantes deberían poder:

1. comprender la importancia de las Humanidades y la Apreciación del Arte en la vida de

Significado e importancia de las humanidades

Apreciación del Arte para el Nuevo Currículo de Educación General Página | 1

Descripción de la apreciación del arte

La creación de las artes

En nuestra vida, experimentamos mucha fragmentación de nuestros pensamientos y

Significativamente, la palabra artista proviene de la palabra francesa artista y del español

Apreciación del Arte para el Nuevo Currículo de Educación General Página | 2

Funciones de las artes

Apreciación del Arte para el Nuevo Currículo de Educación General Página | 3

5. Funciones históricas : el arte es una técnica esencial para registrar y preservar la

6. Funciones Culturales - El arte es una articulación y transmisión de nueva información y

7. Funciones físicas : los edificios están diseñados y construidos artísticamente para

8. Funciones estéticas : cualquier obra de arte significa belleza. Es un condimento visual

Propósito del arte

1. Crear belleza : el arte es una expresión de nuestros pensamientos, emociones e

Apreciación del Arte para el Nuevo Currículo de Educación General Página | 4

Durante el período moderno temprano se produjeron muchos cambios en las artes. Su

Apreciación del Arte para el Nuevo Currículo de Educación General Página | 5

3. Artes literarias : estas artes se centraron en la escritura creativa y otros procesos de

El valor de las artes en el sistema educativo

Apreciación del Arte para el Nuevo Currículo de Educación General Página | 6

b. Lemas artísticos pegadizos y creativos

Apreciación del Arte para el Nuevo Currículo de Educación General Página | 7

1. Addidas - “Nada Imposible”

Apreciación del Arte para el Nuevo Currículo de Educación General Página | 8

Nombre: _____________________________________ Puntuación: ________________

Ensayo : Responda las siguientes preguntas de forma breve pero precisa.

1. ¿Te consideras un artista? Justifica tu respuesta.

2. ¿Cuál es la importancia de las Humanidades como ciencia del Arte?

3. ¿Cómo produce una obra de arte un artista? Discuta el proceso de producción.

Apreciación del Arte para el Nuevo Currículo de Educación General Página | 9

5. ¿Por qué el arte también se denomina “alta cultura”?

PRUEBA DEL CAPÍTULO

Nombre: _____________________________________ Puntuación: ________________

Tipo de concordancia : haga coincidir la columna A con la columna B. Escriba la letra de la

Apreciación del Arte para el Nuevo Currículo de Educación General Página | 10

PRUEBA DEL CAPÍTULO

Nombre: _____________________________________ Puntuación: ________________

Apreciación del Arte para el Nuevo Currículo de Educación General Página | 11

5. Objeto del arte

7. Las artes escénicas

10. Artes creativas

Artes y Oficios Estéticos

Al final de este capítulo, los estudiantes deberían poder:

1. explicar la diferencia entre artes y oficios estéticos;

Apreciación del Arte para el Nuevo Currículo de Educación General Página | 12

1. ¿Cuál es la relación entre Arte y Artesanía?

La diferencia entre artes estéticas y manualidades

William Morris, que nació el 24 de marzo de 1834 en Walthamstow,

Tipos de artes y oficios

Apreciación del Arte para el Nuevo Currículo de Educación General Página | 13

Artesanías en madera. Estos se refieren a una habilidad que pertenece al bosque,

1. Carpintería- Es un oficio especializado en el corte, conformado e instalación de

Apreciación del Arte para el Nuevo Currículo de Educación General Página | 14

1. Encuadernación : es el proceso de ensamblar físicamente un libro a partir de algunas

1. Fabricación de plataformas rodantes para maíz : se relaciona con la fabricación de

Principios para comprender el diseño y la composición artísticos

Nombre: _____________________ Puntuación:

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