GUÍA VISUAL DE LA HISTORIA DEL ARTE LATINOAMERICANO

ENSAYO

CRISTIAN H. VELASTEGUI MARTÍNEZ

ÍNDICE Introducción…………………………………………………………………………… 5
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1. La Historia, el Arte, la Cultura, Comunicación, la Imagen y lo Simbólico como herramienta de análisis ………………………………………………………………..8 1.1. El por qué la Historia y que es la Historia …………………………….……………8 1.2. El arte, ¿qué es?..........................................................................................................8 1.3. Cultura…………………………………………………………………….………...9 1.4. Comunicación………………………………………………………………….…..11 1.5. Imagen……………………………………………………………………….…….11 1.6. Símbolo………………………………………………………………………….…12 2. México……………………………………………………………………………… 14 2.1. Antecedentes históricos…………………………………………………..………. 14 2.2. La revolución de 1910 y sus consecuencias…………………………….…..……14 2.3. Después del muralismo mexicano……………………………………...………….18 3. Centroamérica…………………………………………………………………….. 24 3.1. La región relegada………………………………………………………..………. 24 3.2. Guatemala…………………………………………………………………..……...24 3.3. Honduras…………………………………………………………………..……… 26 3.4. El Salvador……………………………………………………………….………..28 3.5. Nicaragua………………………………………………………………………..... 29 3.6. Costa Rica…………………………………………………………….…………... 31
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3.7. Panamá………………………………………………………………..…………... 32 4. La región del Caribe………………….……………….……………………………34 4.1. Cuba………………………………………………….…………………………….34 4.2. Haití………………………………………………….…………………………….41 4.3. República Dominicana…………………………………..………………………...42 5. Venezuela…………………………………………………………………………... 44 6. Colombia…………………………………………………………………………… 48 7. Región Andina………………………………………………………………………51 7.1. Ecuador………………….……………………………………………………….. 51 7.2. Perú…………………………….…………………………………………………..58 7.3. Bolivia……………………………………………………………………………. 64 8. El Cono Sur…………………………………………………………………………67 8.1. Chile……………………………………………………………………………… 68 9. Argentina……………………………………………………………………………72 10. Brasil……………………………………………………………………………… 77 11. Arte Chicano………………………………………………………………………83 Bibliografía………………………………………………………………………….. 85

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Dedicada a Laurie… por toda su ayuda

INTRODUCCIÓN

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La presente investigación constituye una recopilación de imágenes y una síntesis de la Historia del Arte Latinoamericano. El estudio de las diferentes manifestaciones que el sentimiento artístico del hombre ha ido desarrollando en todas las épocas y en todos los tiempos no es solamente un estudio útil, sino altamente indispensable para la cultura de los pueblos. Por esto he creído adecuado emprender en una obra didáctica que resuma el curso respectivo con abundantes imágenes, como guía visual para estudio, para contribuir a la formación estética. Este trabajo contiene una síntesis de las imágenes de la Historia del Arte

Latinoamericano del siglo veinte, incluyendo el Arte Chicano. Pretende ser puesta al servicio de profesores y alumnos como una herramienta visual, que ofrezca una visión de conjunto para incitar a la búsqueda personal y despertar el interés del estudiante. La propuesta comprende un texto introductorio y una propuesta visual:

específicamente “una ficha visual”, que contiene un directorio de artistas según la época, aspectos socio culturales, movimientos paralelos, aspectos generales, bibliografía. Entender la Historia del Arte, nos propone examinar qué es Arte y qué es Historia. Realizar diversos estudios históricos sobre el Arte Latinoamericano es indispensable para entender nuestros múltiples procesos culturales. Las diversas cosmovisiones latinas no se crearon de la noche a la mañana, sino que obedecen a un largo proceso de formación, aceptación y desprendimiento de múltiple valores y normas sociales. Solo si tratamos de entender cómo se formaron las diferentes

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cosmovisiones, sean regionales o étnicas, estaremos en capacidad de comprender el país en que vivimos o la región. Objetivos generales

Guía visual para estudio, para contribuir la formación estética y un esbozo del Arte Latinoamericano en la historia.

Texto introductorio que contiene características generales, antecedentes y representantes de la región o país.

Objetivos específicos
• •

La utilización de imágenes como herramienta de estudio. Analizar textos, escritos, imágenes, en los cuales sirvan para desarrollar un imaginario del Arte en los diferentes países.

Este trabajo de tesis consiste en una recopilación de imágenes y fuentes o textos, producidos en el siglo XX y XXI con su respectivo análisis. La selección de las obras es fundamentalmente interpretativa: analiza, en primera instancia, cuales artistas y obras dan cuenta de las cosmovisiones, normas sociales, expectativas, según citan los críticos que hicieron una selección del Arte

representativo de cada país. En segunda instancia, se trata de hacer una comparación de la información obtenida con la finalidad de establecer elementos comunes que permitan una apreciación general y la integración de esta información en una totalidad; en un tercer momento, esclarecer cómo la utilización de las imágenes facilitó la realización del proyecto.

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El propósito es evitar la simple reunión de elementos aislados y descontextualizados. La exposición de los resultados obtenidos en la investigación ha consistido, básicamente, en la recopilación de las imágenes del Arte Latinoamericano, citar fragmentos

pertinentes de las fuentes utilizadas a fin de obtener una guía para entender el contexto artístico e histórico. Como ya expuse en el otro párrafo, la presente investigación se hace a partir de documentos publicados, que son de diversa índole. También he considerado algunas obras literarias de la época, en las que se puede apreciar cómo se construyo el

imaginario y cosmovisión de los latinoamericanos y su arte. Trabajos escritos, monografías, libros, páginas web, videos, biografías, ensayos críticos han sido la fuente de consulta. La relación entre pasado histórico y su representación artística es una invariable dentro del arte Latinoamericano no solo en lo que se supone de reafirmación nacionalista, sino en tanto que pone el imaginario colectivo en tela de juicio y lo reconstruye con una nueva mirada. De hecho la pintura histórica y la costumbrista del siglo XIX y la de otras corrientes modernas, como el muralismo o el indigenismo, logran reconstruir en su momento una memoria colectiva, que ha sido objeto de análisis para otros artistas a lo largo del siglo XX. También hoy el arte latinoamericano vuelve la mirada hacia aspectos y acontecimientos del pasado tales como la religión y la cultura prehispánicas, la conquista de América, los inicios del mestizaje o los desaparecidos en las dictaduras e intenta reconstruir dicho pasado con el objetivo de formular otras preguntas cuya respuesta atañe directamente al presente.

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1. La Historia, el Arte, la Cultura, Comunicación, la Imagen y lo Simbólico como herramientas de análisis 1.1. El por qué la historia y que es la historia Nuestra vida cotidiana solo es posible gracias a la experiencia que hemos acumulado, según dice Yuri Lotman: “es esa herencia no genética transmitida de generación en generación, por medio de nuestra memoria cultural.” Teniendo en cuenta que las creaciones culturales son propias de la sociedad. La Historia es la gran memoria colectiva acumulada por el tiempo, su conocimiento es una condición imprescindible para la liberación de la humanidad; por eso hay que ponerla al alcance de las grandes mayorías. La Historia tiene por objeto hacernos comprender el estado social del hombre y los fenómenos que se relacionan con él. 1.2. El arte, ¿qué es? Dentro de la Historia se han impuesto varios conceptos de arte en tanto función y lenguaje. La cosmovisión del mundo está determinada por el cómo vemos. La aproximación de lo que entendemos por Arte, es decir, cómo definir la misma vida y su significado, es concebirnos a nosotros mismos. Escribir sobre arte es remitirse a los escritos históricos sobre esta. Ernest Gombrich comienza su estudio de la Historia del Arte afirmando que el arte no existe, para evitar que sus lectores tengan una expectativa predeterminada sobre cómo

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ha de ser la obra artística. De ese modo alienta a los

lectores a desentrañar los

diversos lenguajes que se encuentran en las obras; a ver sin prejuicios. Puede ser de utilidad señalar que la palabra “arte” es usada de tres maneras distintas por Gombrich; cuando se escribe Arte con mayúscula se refiere al componente estético universal de las obras, cuando se escribe con minúscula se refiere a la elaboración rutinaria de las imágenes, o se refiere a las bellas artes, aquellas obras que son el objeto de la misma Historia del Arte. Nuestro mundo está determinado por la forma cómo lo vemos. Ver el mundo significa entender cómo las imágenes fueron construidas con sentidos determinados. Las imágenes
.

y

su

uso

nos

modifican

a

nosotros

los

espectadores.

No hay una definición universal para el Arte, y

más allá de las definiciones o

conceptos, estas cambian la Historia. El arte está hecho por artista, lo dicen algunos historiadores. 1.3. CULTURA Generalmente se ha entendido Cultura como un conjunto de factores instituidos que caracterizan a un determinado grupo social, como pueden ser: organizaciones políticas, religiosas, económicas, artísticas, etc. Siguiendo la visión tradicional, la cultura es producto de la dialéctica entre las necesidades humanas y en el entorno físico y social en el que desarrolla su vida una comunidad. Los elementos culturales se expresan a través de las formas simbólicas que los vuelven característicos y propios del grupo que los utiliza.

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La definición de cultura que nos brinda Néstor García Canclini es más completa que la concepción tradicional. Él la define como “la producción de fenómenos que contribuyen, mediante la representación o elaboración simbólica de las estructuras materiales, a comprender a reproducir y transformar el sistema social”. (García Canclini, 1984:60) Es decir, rompe con la idea generalizada de asimilar la cultura a un conjunto de ideas, hechos y formas materiales, etc. y la entiende como el proceso de producción de los elementos que integran dicho conjunto. Otra definición de cultura que se separa de la visión tradicional y emparentada con la de García Canclini, es la que nos proporciona Umberto Eco. Éste último piensa que se la puede entender como un fenómeno comunicativo basado en los sistemas de significación (reglas subyacentes establecidas previamente que permiten la

comunicación); la cultura constituye entonces, la base normal precedente en la que están introducidos los sistemas de significación, a partir de los cuales se producen los procesos comunicativos. Es aquello creado con anterioridad que hace que los signos o símbolos sean comprensibles, utilizables y transmisibles por un grupo social. La facultad de producir aquellos fenómenos que permiten comprender, reproducir y transformar el sistema social, de la que nos habla García Canclini, es algo anterior que crea las formas simbólicas cuando se confronta con la realidad material y social. La cultura implica una facultad creativa y constituye un sistema convencional a partir el cual se inician los procesos comunicativos. El concepto que nos brinda Eco, me parece que complementa la definición de García Canclini por que la producción a la que este último se refiere solo puede darse dentro de la comunicación; entonces la cultura seria aquella base de entendimiento común de la que participa una comunidad y a partir de la

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cual pueden comunicarse los individuos que la integran. Solo cuando ellos establecen la comunicación crean, reproducen y transforman sus formas simbólicas. 1.4. COMUNICACIÓN Los procesos comunicativos no consisten en procedimientos meramente mecánicos donde el papel que cumple el receptor pueda ser relegado a un estado de aceptación pasiva y de dependencia absoluta en relación con el emisor. En la comunicación tanto el destinatario como el que formula el mensaje mantiene autonomía el uno respecto al otro; es decir, cuando el receptor se enfrenta a un mensaje no lo recibe tal cual fue enviado, sino que lo interpreta y lo dota de un sentido a partir de su cosmovisión personal y de la circunstancia, contexto, en la que llega la información. Lo mismo pasa con el arte y con el artista y espectador; el conocimiento que posee el destinatario determina de modo cualitativo la forma como va interpretar la información recibida. Pero para que exista comunicación se necesita que el receptor participe de una base de entendimiento previa y común con el emisor. Es la base de entendimiento previo entre enunciador y receptor la que posibilita que la persona que recibe el mensaje esté en capacidad de interpretar y entender lo que se comunica. 1.5. IMAGEN La imagen debe ser entendida y analizada como un producto cultural. Su resultado obedece más a una base de convenciones o códigos previos que a una pretendida semejanza de la realidad. “Lo que un artista (para nuestro caso un hacedor de imágenes) investiga, no son las leyes del mundo físico, sino la naturaleza de nuestras reacciones
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ante el mismo. No le conciernen las cosas, sino la naturaleza de ciertos efectos. El suyo es un problema psicológico: el de invocar una imagen convincente a pesar de que ni uno solo de sus matices corresponde a lo que llamamos realidad.” (Gombrich, 1982: 56) La imagen más que semejanza pretende ser una sustitución, una ilusión que reemplaza al objeto o la realidad que representa. Los objetos son vistos por la persona desde una cosmovisión simbólica a la que está habituada. “Porque el mundo del hombre no es tan solo el mundo de las cosas; es un mundo de símbolos donde la distinción entre la realidad y ficción es a la vez irreal.” (Gombrich, 1982:99) El artista más que representar lo real, proyecta imágenes conocidas sobre objetos y espacios indeterminados. “No puede decirse estrictamente que las imágenes representas objetos sino marcas semánticas, unidades de contenido culturalmente definidas.” afirma Santos Zunzunegui, (1992:2). Al pensar la imagen, el hombre aprende a transcribir la percepción de la naturaleza y este aprendizaje termina generando un modelo ícono. Cuando se analiza las teorías de E. H. Gombrich, se deduce que el principal aporte de este historiador fue haber entendido la producción y aceptación de imágenes como fenómenos comunicativos. Según su teoría, cada obra de arte obedece a otras obras anteriores que la han influenciado pero, también, a representaciones culturales que permitieron que fuera producida y, además, a los acuerdos que mantiene el espectador para entender y descifrar la imagen. 1.6. El Símbolo El símbolo es un tipo de signo que aparece cuando el significado excede a su significante; la realidad a la que se refiere el símbolo es mucho mayor que su representación.
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El símbolo cobra sentido y adquiere importancia cuando “la expresión y el contenido inexpresable se transforman de alguna manera en una misma cosa” (Eco, 1990:262). Es decir, cuando una persona utiliza y convierte en algo vivencial aquella realidad

suprema que nunca se puede expresar completamente, cuando la siente y la vive como verdad. Lo simbólico es el mundo de la significación, es aquello a partir lo cual se da sentido a las representaciones del imaginario. Difícilmente se puede separar estos dos planos porque el significado que concede lo simbólico al imaginario no corresponde a la realidad exterior, sino que el significado pertenece al ámbito cultural. En otras palabras, lo simbólico, en imaginario. La relación entre pasado histórico y su representación artística es una invariable dentro del Arte Latinoamericano, no solo en lo que se supone de reafirmación nacionalista, sino en tanto que pone al imaginario colectivo en tela de juicio y lo reconstruye con nueva mirada. la definición de Umberto Eco, existe independientemente del

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2. MÉXICO 2.1. Antecedentes históricos América presenta los mayores contrastes que un continente puede albergar Norteamérica con Canadá y Estados Unidos, como representantes del primer mundo, (sistema capitalista), y América Latina con su historia milenaria, su tradición ibérica y los conflictos socio-económicos que le han impedido alcanzar un desarrollo autónomo. En América se encuentran desde los más altos niveles de consumo hasta los más altos índices de pobreza. Inmerso en esta encrucijada, México ocupa un lugar estratégico. Es el territorio que vincula América del Norte con Sudamérica. Su condición de frontera única con Estados Unidos hacia el norte es tan cierta como sus relaciones culturales con América Latina. Hablar de México y el movimiento del arte en el siglo XX, implica describir todos los antecedentes y factores que llevaron a México a establecerse como un país culturalmente prospero. 2.2. LA REVOLUCIÓN DE 1910 Y CONSECUENCIAS El 20 de noviembre de 1910 estalla la revolución mexicana, que dura once años, creando una nueva conciencia nacional. Hay una revaloración social en el arte, destinado a establecer una conciencia estética ante la sociedad. El apogeo de la pintura de caballete de los artistas de la Escuela Mexicana, que corre parejo a la escuela de pintura mural, se inserta en un concepto más amplio: el renacimiento mexicano. La expresión empezó a utilizarse como relación, en un sentido similar al que los especialistas, artistas, pintores y escultores del Renacimiento florentino dieron a la
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palabra Renacista. Es decir: “existía una poderosa herencia artística que correspondió a una época de oro” (Del Conde Teresa, arte hispanoamericano México, pág. 116) . Es decir, si los murales del renacimiento italiano y del barroco sirvieron para educar a los iletrados en la religión, los murales honraron la cultura mexicana. No fueron los mexicanos quienes empezaron a utilizar los términos de "Escuela Mexicana" y "Renacimiento mexicano". Excepto el Dr. Atl (Gerardo Murillo), quien desde 1904 imaginaba capillas Sixtina en México, el conjunto de fuera de las fronteras, como el pintor Jean Charlot, el escritor Walter Paach y el historiador Lawrence Shmekebier fueron los que pusieron de moda el término a partir del movimiento muralista. También en Diego Rivera y en Siqueiros hay un uso frecuente del término "renacimiento", pero ya directamente relatado a la realidad mexicana de los años veinte. 2.3. LOS PRIMEROS VEINTE AÑOS El contexto nacionalista implica una exacerbada búsqueda de la identidad. En el arte lo más destacado se podría enmarcar en ese renacer y aceptación de los temas

indigenistas, como medio de discurso nacionalista. Un grupo de artistas jóvenes motivados por las inquietudes de los cambios en el viejo continente tienen la necesidad de viajar a Europa. El 28 de julio de 1911, los estudiantes de la Academia San Carlos, con Gerardo Murillo se levantaron en huelga para conseguir que saliera el director de la institución Antonio Rivas Mercado. La huelga dura dos años. El artista Alfredo Ramos recién llegado de Europa, ocupa la dirección de la Academia y plantea las escuelas al aire libre. El movimiento de las escuelas al aire libre identificado con el programa del gobierno iniciado en 1920, preconizaba que “levantar el arte nacional”, (eslogan del ministerio de educación), la popularización del arte entre el pueblo. José Vasconcelos rector de la
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Universidad de México inicia el plan de “salvación y regeneración de México por medio de la cultura”. Es un representante importante en la cultura mexicana, y de su lema máximo “por mi raza hablara el espíritu”, nace la escuela de pintura mexicana, en la primera etapa el movimiento mural está destinado a crear conciencia entre las masas. Durante las siguientes décadas la pintura muralista marco un precedente para el desarrollo de la pintura en América Latina. Dentro del movimiento primo la visión expuesta por Diego Rivera; “el hombre como nuevo Zeus que controla el universo”, visión agregada al materialismo histórico y la salvación del mundo por medio de tecnología y las maquinas, se integra un abanico de posibilidades para el artista y sus seguidores. Los “Tres Grandes”, (Orozco, Rivera y Siqueiros), realizaron un sinnúmero de murales en México y en el extranjero, surgiendo una serie de movimientos muralistas en toda América. Los artistas se agruparon en sindicatos de obreros, bajo el liderazgo de Siqueiros. En diciembre de 1922, aparecieron los primeros números del periódico Machete. El muralismo tenía su propia dinámica para esta época. En 1923 el Sindicato publico el manifiesto “A la raza indígena humillada” un rechazo a la pintura de caballete y al arte “ultra- intelectual”, por no estar comprometido. Los muralistas trabajaron en muchos murales por todo el distrito de México pero no abandonaron la pintura de caballete. Como lo menciona Teresa del Conde, hay dos razones para esto: seguirse ganando la vida y la interrupción de las posibilidades de seguir pintando las construcciones públicas, excepto para Rivera. Esta se podría decir que es la primera fase del muralismo mexicano. Entre los representantes más destacados de este periodo se encuentra José Clemente Orozco, Diego rivera.

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José Clemente Orozco (1883 – 1949)

Nació en 1883, en la ciudad de Zapotlan en el estado de Jalisco, se menciona que ayudo la integración de la modernidad en toda América, pintor, creador y pensador, unido a Rivera, Siqueiros, Tamayo, llevan una tarea de educación de las masas populares por medio de los murales, con el objetivo de toma de conciencia; histórica, nacionalista y revolucionaria, siendo un lenguaje plástico sencillo y directo. En 1922 ingreso al sindicato de artistas junto a Siqueiros, Rivera, en esencia recuperar el arte de la pintura mural patrocinado por el gobierno. Siendo uno de los grandes de México, hacia la década de los sesenta se dedica a producir varios grabados, entre litografías, xilografías, y aguafuertes, considerado uno de los grabadores contemporáneos.

Diego Rivera (1886 – 1957)

Nació en Guanajuato en 1886, uno de los artistas principales del muralismo mexicano, viajo a Europa a realizar sus estudios, en España, Italia, Francia, donde le intereso el arte de vanguardia y su interés por el cubismo sintético y los frescos del quattrocento, identificado por la revolución y sus ideales de cambio vuelve a México en 1922, conjuntamente con Siqueiros estudian el arte Maya y Azteca, funda el sindicato de pintores donde surgiría el movimiento muralista en México. Su estilo refleja la historia nacional y social, desde escenas de la época precolombina hasta la revolución, el gobierno le encarga diversos murales en la mayoría de edificios públicos, como en el palacio de Bellas Artes y de varias obras como: la llegada a las costas de Veracruz, Moctezuma. Funda el partido socialista en México, se casa con Frida Khalo considerada una gran artista, hacia los treinta viaja a exponer en Estados Unidos, realiza varios murales en varias ciudades de Norte América.

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David Alfaro Siqueiros (1898 – 1979)

Nace en Chihuahua en 1898, uno de los representantes del muralismo mexicano junto a Rivera y Orozco, personaje con una posición radical políticamente, socialista y defensor del movimiento nacionalista, a los 16 años se alisto en el ejército revolucionario, en 1919 viaja a Europa donde permanece tres años, la revolución y su viaje marco su pensamiento artístico, de vuelta en México junto a Rivera fundan el sindicato de artistas y el periódico El Machete, se afilia al partido comunista. Por todo esto su vida marca un alejamiento al gobierno y dejaría de tener encargos a partir de 1924 hacia 1925 se dedicaría más a la política. 2 .3. Después del Muralismo Mexicano La juventud progresista sintió la necesidad de ubicarse en los nuevos caminos, y en 1929, al amparo de la recién lograda autonomía universitaria, los estudiantes eligieron a Diego Rivera para suplir en el cargo de director de Escuela de Artes Plásticas. Rivera concibió un plan de estudios para formar artistas capaces de continuar y superar lo que el muralismo había logrado. La escuela constituiría un gran taller que tendería continuamente al progreso del trabajo artístico, sus discípulos podrían tomar la maestría cuando sirva, formándose en un verdadero cuerpo nacional de producción estética. La mayoría de los pintores que iniciaron sus trayectorias profesionales en México durante la primera fase del muralismo se vieron necesariamente introducidos en la Escuela Mexicana. Tiempo después se disolvieron, si bien los que siguieron compartiendo las mismas inquietudes políticas se comprometieron durante los años treinta con los fundadores de LEAR (Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios) con quienes integraron el TGP.(Taller de Gráfica Popular).

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Otros artistas vivieron largo tiempo en el extranjero, sin abandonar del todo sus incursiones en el medio mexicano, como fue el caso de Rufino Tamayo. En los años cuarenta se resguardaron con algunos de los muralistas de la segunda y tercera generación, recorriendo por varios sitios de la República ayudando en la realización de murales. En los años cincuenta empezaron a darse grandes cambios, los artistas jóvenes de ese tiempo marcan una línea divisoria. La generación de los grandes, siguió una primera, segunda y tercera generación que se ubicaron por dos sendas bastante particulares: el nacionalismo tardío, realista de imparcialismo histórico político y las nuevas corrientes que movían el mundo, conocida como la generación de la ruptura, que uso un arte más individual, subjetivo y menos nacionalista, acogiendo y aplicando las tendencias vanguardista de las corrientes europeas y norteamericanas que se abrían en ese momento. Se conoce como Ruptura al grupo de artistas que a finales de la década de los cincuenta y principios de los sesenta coincidieron y se unieron en varias exposiciones en las que el arte no figurativo o no nacionalista era privilegiado. Tenían en común también un gusto por la pintura expresionista y un rechazo hacia los nacionalismos que para esa época ya se habían transformado en panfletarios. Representantes de esta generación, artistas como Fernando García Ponce, Manuel Felguérez, Lilia Carrillo, Enrique Echeverría y José Luis Cuevas, entre otros. • Rufino Tamayo (1899-1992) Artista entre los más importantes de México, nació en Oaxaca, vivió desde 1907 en la Ciudad de México. En 1917 se registró como estudiante en la Escuela Nacional de Bellas Artes; pocos años después fue jefe del Departamento de Dibujo Etnográfico del

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Museo Nacional de Arqueología. Vivió 29 años entre Nueva York y París. Con su obra de múltiples significados, es uno de los mayores exponentes del muralismo mexicano el cual vincula temas relacionados con la historia de México y sus raíces prehispánicas, como el mural encargado al más puro estilo “mexicanísimo”, del museo de arqueología de México, cual tema era la lucha entre el día y la noche, entre la serpiente emplumada y el tigre, durante 1956 elabora uno de los mayores murales, con el nombre de América. En sus inicios incursiono en el expresionismo, pasando por el cubismo y terminando por el abstraccionismo, hacia la década de los setenta realizo una serie de grabados, mesotintas, xilografías, mixografias. Como el cuadro el hombre con pipa 1979, sin dejar en su vida el muralismo.

María Izquierdo (1902- 1955).

Nació en San Juan de los Lagos, Jalisco. Realizó sus estudios en la Academia de San Carlos. Fue docente de la Escuela de Artes Plásticas de la Secretaría de Educación y en 1929 expuso por primera vez impulsada por Diego Rivera. En 1948 a causa de hemiplejia sufrió la parálisis del brazo derecho, pero continuó pintando con el izquierdo. Sus cuadros tienen como temas recurrentes bodegones y escenas circenses.

Frida Kahlo (1907- 1954)...

Nació en Coyoacán, en el sur de la Ciudad de México. A los 16 años sufrió un accidente en un autobús que marcó toda su vida y su cosmovisión. En 1929 se casó con Diego Rivera. Se apropió en su obra temas del folklore de México, incluyendo elementos ficticios y asociando objetos al parecer incompatibles, hecho por el que se le relacionó con el movimiento surrealista. En su obra; en general hay una gran reflexión sobre el dolor físico y espiritual. Esta artista de una vida de altos contrastes y sufrimientos, por

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el destino, creadora de su propia imagen y obra, cual la sitúa como una de las artistas más relevantes de México y América de todos los tiempos.

Remedios Varo (1908 - 1963).

Nació en Gerona, España. Llegó a México, donde realizó la mayor parte de su obra, en 1940. Se ha dicho que es una de las introductoras del surrealismo en México. Su estilo pictórico se caracteriza por lo impalpable, lo mágico y lo misterioso con predominio de temas esotéricos. Murió en la Ciudad de México en 1963.

Leonora Carrington (1917).

Nació en Inglaterra, la mayor parte de su obra, reconocida mundialmente, ha sido realizada en México, a donde llegó en 1942. Ha sido digna representante del movimiento surrealista y, además de escribir y pintar, ha realizado escenografía teatral. En 1964 pintó en el Museo nacional de Antropología, el mural El mundo mágico de los mayas.

Juan Soriano (1920 - 2006)

Nació en Guadalajara, Jalisco en 1920. Artista plástico autodidacta. Fue miembro de la Liga de escritores y Artistas Revolucionarios. En 1934 participa de la exposición colectiva del taller evolución, en el museo de Guadalajara, después viaja a México. En 1935 ingresa como profesor de dibujo en la escuela de Arte, Participó como

escenógrafo y diseñador. Ha expuesto en distintos países del mundo. Su residencia está entre México y Francia. Vivió en Creta, trabajo y pinto algunos murales en esta ciudad, amigo de Octavio Paz, realizo varias exposiciones en Europa, siendo maestro de varios artistas. Ha recibido el Premio Nacional de Artes y el Premio Jalisco.

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Pedro Coronel (1922-1985).

Nació en Zacatecas en 1922. Pintor, escultor y grabador estudió en la Escuela Nacional de Pintura y Escultura La Esmeralda en la ciudad de México. Se diferencian dos períodos en su obra: la primera figurativa, hasta 1960, y la segunda (a partir de 1970) abstracta, caracterizada por el manejo del color y la luz. Su plástica representa motivos prehispánicos. Murió en 1985. • Gilberto Aceves Navarro (1931) Nació en la ciudad de México. Estudio en La Esmeralda. Ha sido profesor en distintas universidades de México y el mundo. Desde 1971 imparte clases en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Cuenta en su haber con más de doce murales realizados en distintos países.

José Luis Cuevas (1934)

Uno de los representantes más destacados de México. Nació en 1934, dentro del grupo de artistas jóvenes que querían apartarse de la Escuela tradicional Mexicana de Pintura, particularmente del muralismo. Esa

actitud inconformista termina con la realización de un Mural Efímero. Cuevas da a conocer su hipótesis estética, basado en la libertad de expresión tanto formal e informal. Al sentirse incomprendido se autoexilia en Francia. El estilo particular de Cuevas, es expresionista por influencia de Orozco, de formas gestuales escultóricas y un dibujo particular. Hacia los años sesenta es uno de los más

prestigiosos litógrafos de México, hacia los noventa se involucra con la escultura, en su mayoría bronces particulares de su estilo. Cuevas es uno de los más significativos artistas de México, artista revelador y contemporáneo.

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• Francisco Toledo (1940) Nació en Juchitán, Oaxaca en 1940. Pintor, grabador y ceramista. Estudió en el Instituto de Ciencias y artes de Oaxaca y en el Taller Libre de Grabado de la escuela de Diseño y Artesanías de la ciudad de México. Pintor con gran colorido en sus obras y de diversas técnicas: acuarela, oleo, gouache, técnicas mixtas con diversas texturas y el fresco. Era un gran grabador con variadas técnicas cómo: litografía, aguafuerte, con la escultura y la cerámica, siempre renovando su obra. Vivió algunos años en París. Ha difundido la cultura zapoteca, cuyos mitos y motivos aparecen en su obra.

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3. CENTROAMÉRICA 3.1. La región relegada Hablar de la región de Centro América es hablar de una de las regiones más conflictivas, político social y económico. Su historia está enmarcada en pobreza,

represión política, injusticia social, por dictaduras y guerras civiles, consecuencia de la falta de recursos hacia la cultura se encuentra estancada. Centro América es una región de gran belleza natural, tiene una gran diversidad de flora y fauna, con una inmensurable herencia precolombina, desde los monumentos mayas que se encuentran en Guatemala y Honduras, y las diversas figuras de oro y arcilla de Costa Rica y Panamá, hasta los paleógrafos y petroglifos en Nicaragua. La población sumergida su mayoría en la pobreza con una población indígena relegada es parte de realidad social, reflejando esta cosmovisión en los procesos culturales como el arte. 3.2. GUATEMALA Este hermoso país es el más importante dentro de la región, con una singular belleza, un legado histórico de ruinas mayas e iglesias coloniales, con una gran biodiversidad, un folklore muy colorido y particular, una población indígena rezagada y maltratada por los gobiernos de turno. Guatemala tiene los mayores exponentes en el arte de la región. En 1920 hay que destacar el establecimiento de la Escuela de Bellas Artes, fundada por Rafael Rodríguez Padilla. La mayoría de artistas contemporáneos salieron de este instituto. Hay que destacar a dos artistas que viajaron a Europa; Carlos Mérida y Carlos Valenti, que murió tempranamente. A Mérida, que hizo su profesión en México, se lo presenta como uno
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de los mayores exponentes de Guatemala, siendo su lenguaje plástico la línea del surrealismo y del abstraccionismo geométrico. El nacionalismo se apodera en la generación de los treinta, como a lo largo de casi toda América Latina. En Guatemala surge una serie de reformas sociales, entre las cuales se crea el seguro social, la repartición de tierras a los campesinos, la libertad de expresión y un resurgimiento de las artes impulsado por el gobierno. La generación de los cuarenta, tiene ayuda para estudiar en el exterior. Los artistas demuestran una gran variedad de tendencias. Alguno de los exponentes son Guillermo Mena, escultor expresionista, Dagoberto Vásquez, pintor abstracto, y Roberto Gonzales, escultor figurativo, uno de los más relevantes según dice la crítica, y comprometido con el nacionalismo y el realismo social es Juan Antonio Franco. A partir de los cincuenta la visión cultural de Guatemala es integrar las artes visuales con la arquitectura. Hay un gran movimiento artístico y una diversidad de proyectos. Se menciona a Efraín Recinos, que se enmarca en un barroco moderno. En la generación de los cincuenta y sesenta la mayoría de artistas centroamericanos se encontraban comunicados y compartiendo experiencias, en diversos ámbitos, se manifestaban diferentes estilos desde la abstracción hacia la neo figuración. En esta época aparece Rodolfo Abularach, uno de los más destacados artistas de Guatemala y sus inconfundibles variaciones de ojos. Hacia los setentas y ochentas la democracia se vio afectada por los gobiernos y la fuerza militar, desataron violencia y la persecución contra todos los movimientos populares. Hacia 1985 las elecciones consiguen que el poder cambie de discurso y dirección y prospere un movimiento que reflexiona sobre la sombría historia de Guatemala. Moisés Barrios, es uno de los exponentes y crítico de los gobiernos derechistas.
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Jacobo Arbenz Guzmán (1913 – 1971)

Político guatemalteco, nació en 1913 en la ciudad Quezaltenango, a la edad de 19 años ingresa a la escuela politécnica para realizar estudios militares, viajo al extranjero a completar sus estudios y su pensamiento hacia las necesidades del país. En Diciembre de 1950 gano las elecciones por un amplio margen, es presidente de su país entre 1951 hasta 1954, su gobierno tubo objetivos de la revolución de 1944, la revisión de la reforma agraria, la defensa de la soberanía de Guatemala, la creación de instituciones democráticas y colaborador de la cultura y el arte.

Juan José Arévalo Bermejo (1904 – 1990)

Nació en la ciudad de Taxisco, en 1904, joven político que fue exiliado en Argentina, tras la caída del dictador Jorge Ubico, regresa a Guatemala, Arévalo fue elegido presidente en 1945, ayudado por un grupo de oficiales progresistas Jacobo Arbenz, que luego sería presidente. Durante su mandato hubo importantes cambios, se aprobó el código laboral, nacionalizo las plantaciones de café y las convirtió en cooperativas, expropio los latifundios, emprendió la campaña de alfabetización, en política exterior manifestó su anticolonialismo, crecieron los salarios y la seguridad social. Falleció el 7 de octubre de 1990 en Guatemala. 3.3. HONDURAS País que se independizo en 1820. En su territorio se ubica la ciudad Maya de Copan. En la colonia se explotaron las minas de plata y se produjo un variado arte religioso. Es un país con mucha pobreza y problemas sociales. La cultura y el arte están aislados y surgen con lentitud.
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dirigidos por

El arte contemporáneo es mínimo para establecer una media de lo que se está haciendo, pero históricamente hay que reconocer ciertas figuras importantes, los origines de movimientos artísticos datan de la década de 1920, con el regreso de varios artistas que estuvieron en Europa, entre estos Pablo Zelaya, que introdujo los avances de los post impresionistas, y Confucio Montes de Oca, un pintor realista. De las mujeres se destaca Teresa Fortin con su único estilo Naif. La Escuela de Bellas artes se abre en los cuarenta. Su director fue Arturo López Rodezno, educado en la Habana y Paris. Sus alumnos serían los representantes de la plástica hondureña. Para la generación de los cincuenta y sesenta se dieron varios cambios: la dictadura de Tiburcio Carias (1932 – 1949), que minimizó la parte cultural. Los artistas de esta época se vieron obligados a salir y volvieron casi una década después. Entre estos se encuentra Mario Castillo, Arturo Luna, Moisés Becerra. Este grupo estudio en Italia, a su regreso fueron profesores de la Escuela de Bellas Artes. Hacia la década de los setenta se produjo una actitud más contemporánea hacia el arte, calificado como “expresionismo critico”, que una época muy conflictiva por la situación política. El arte se comprometió políticamente y denuncio la dura realidad de su país. Los artistas contemporáneos tienen un papel importante dentro de las artes visuales: la mayoría de jóvenes artistas de los noventas han estudiado en el país y algunos fuera por situaciones varias, grupo de diferentes estilos y escuelas, marcados por su situación política y económica, podríamos observar pasar desde el realismo mágico hasta video art. Como ocurría en el pasado la escultura sigue siendo inexistente, oscar Obed Valladares uno de los pocos exponentes de la escultura, la temática de su obra es de orden social y ecológico, trabaja en madera y terracota.

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3.4. EL SALVADOR País de Centro América, con un pasado precolombino y colonial. En el siglo XIX su economía se basaba en la exportación de café lo cual enriqueció a la oligarquía formada por las celebres catorce familias. Los inicios del siglo XX, marco los comienzos del arte salvadoreño con la llegada de los artistas que regresaban de Europa: Pedro Ángel Espinoza, Miguel Ortiz, Carlos Alberto Imery. Este último creo la primera Academia de Arte en el Salvador entre 1911 – 1949, esta misma escuela es después llamada la Escuela Nacional de Artes Graficas, de este periodo tenemos varios exponentes: Luis Alfredo Cáceres, el polifacético José Mejía Vides, Mario Escobar, Camilo Minero y Luis Ángel Salinas. Hacia 1932 la revuelta campesina encabezada por Farabundo Martí, por lo cual murieron más de treinta mil personas y su líder a manos de los militares, siendo de repudio esta masacre a nivel mundial. En 1935 se funda la segunda escuela de arte más importante del país, por el pintor español Valero Lecha. Uno de los exponentes importante de la década de los treinta es Salvador Salazar Arrue junto a su esposa Zelie Larde e hija Maya Salarrue consideradas las pintoras naif más relevantes. En 1947 se forma el grupo de pintores independientes, bajo el liderazgo del pintor Carlos Cañas, cuyos integrantes se encontraban: Camilo Minero y Mario Escobar. Grupo que se oponía a la vanguardia académica y buscaba combinar causas sociales. La década de los cincuenta y sesenta coincide con los problemas sociales, los artistas toman interés en estos temas para desarrollar sus obras, Julia Díaz es una admirable retratista de escenas maternales. Las corrientes contemporáneas y vanguardias comienzan con el artista formado en España Carlos Cañas que exploro varios estilos y su cargo de profesor de arte ayudo a
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la formación de varios artistas, la principal promotora del arte contemporáneo fue Julia Díaz, quien fundó la galería Forma en 1958, después de veinticinco años se convertiría en el Museo Forma, dedicado a la pintura y escultura del siglo XX. De los artistas salvadoreños más importantes del siglo XX, Benjamín Cañas, según Marta Traba, con mayor proyección internacional y de estilo neofigurativo, el cual crea un universo surrealista, artista que paso gran parte de su vida en Estados Unidos. 3.5. NICARAGUA El arte nicaragüense dentro del siglo XX se limitaba al arte académico remitiéndose temas clásicos de la pintura retratos y paisajes como la obra de Juan Bautista Cuadra, para la década de los treinta aparece un movimiento literario en la ciudad de Granada. Las artes plásticas están relegadas hasta los cuarenta, se tiene reuniones intelectuales en este periodo, el factor más importante es la inestabilidad política que sufre el país hasta los años setenta, el derrocamiento del dictador Zelaya en 1909, la invasión de Estados Unidos por dos décadas, Augusto Cesar Sandino dirigió la guerrilla contra la invasión estadounidense, en 1930 se instaura el gobierno dictatorial de Anastasio Somoza hasta los años setenta. El arte contemporáneo de Nicaragua comienza en 1948, como director de la escuela Nacional de Bellas Artes, el artista Rodrigo Penalba, con su regreso de Europa, su formación y pensamiento sobre la identidad nacional, forma generaciones de artistas con la libertad necesaria de experimentar temas, técnicas y estilos. De los artistas más distintivos tenemos a un alumno de Penalba, Armando Morales (1927), cuyos comienzos son naturalezas muertas y figura humana, conjuntamente

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realiza pinturas abstractas, en las cuales ejecuta equilibrio entre lo figurativo y lo abstracto. En 1963 se funda el grupo Praxis, con varios artistas y literarios, cuyo grupo se rebela contra la situación política social y del régimen somocista. Alejandro Arostegui líder del movimiento es uno de los mejores representantes, su obra realizada con exquisita composición y colorido. Otros miembros utilizaron la textura como recurso importante para sus obras, enmarcándolos como artistas matericos. La década de los setenta hay un surgimiento de artistas creativos, retomaron temas antropológicos y de su pasado prehispánico además un movimiento en contra de Somoza, la apertura de galerías y el mercado interno e internacional del arte nicaragüense, abrió la puerta de varios artistas, por la posición política que se encontraba el país. En 1979 la victoria de la revolución sandinista que se mantuvo en el poder hasta 1990, marcaron muchos cambios en Nicaragua. La década de los ochenta se podría definir cómo un acercamiento al muralismo mexicano, dentro de los artistas tenemos a Leonel Cerrato, Alejandro Canales. Después de la derrota del gobierno sandinista se borra la mayoría de murales de varios artistas. La pintura naif en Nicaragua se denomina primitivista, como representante tenemos a la artista Asilia Guillen. En 1979 fue designado como ministro de cultura, el sacerdote y escultor Ernesto Cardenal, que promovió en el archipiélago de Solentiname y al resto del país la pintura primitivista. Para la década de los noventa varios artistas jóvenes de padres exiliados vuelven trayendo nuevas maneras de ver el arte y de hacerlo, marcando un nuevo capítulo en el arte nicaragüense.

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3.6. COSTA RICA El arte en Costa Rica hasta los años treinta del siglo veinte era un arte academicista, a finales de los años veinte encabezado por el artista Teodoro Quiros, formaban la generación nacionalista, que su tema central en sus composiciones son realistas e idealizadas de la vida del campo y los campesinos. La escultura en Costa Rica se destaca entre los países de la región, reinterpretaron la estética prehispánica en esculturas contemporáneas de 1930 a 1940. Como exponentes tenemos: Juan Rafael Chacón, Néstor Zeledón, Juan Manuel Sánchez y Francisco Zúñiga como el más importante del grupo. Los años treinta existe una serie de conflictos sociales y huelgas de diversos sectores, que en el ámbito artístico influencio de gran manera y reflexionar sobre el muralismo mexicano. Hacia los años cuarenta hay cambios dentro del arte, existe el apoyo

económico del recién electo presidente Rafael Calderón, que trajo cambios sociales y culturales. En 1948 tras un conflicto armado lleva al poder a José Figueres, tras una serie de reformas cambia la constitución y la abolición del ejército. Época de crecimiento económico y modernización, no se produjo grandes cambios en el arte, en 1958 en el Museo Nacional de San Juan hay la primera muestra de arte abstracto, en cual

participaron los artistas Rafael Ángel, Lola Fernández y Manuel de la Cruz Gonzales. En los años sesenta y setenta, el arte tiene varias facetas desde la neo figuración, el informalismo y las instalaciones, en 1971 se crea el taller de artes graficas, por el artista Juan Luis Rodríguez, la década de los ochenta se reunieron diversos artistas jóvenes y formaron el Grupo Ocho, con su corriente figurativa, desde el hiperrealismo hasta el

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surrealismo, artistas como Gonzalo Morales, hiperrealista, Rolando Cubero, surrealista. En 1987 se forma el Grupo Bocaraca, donde los artistas mantienen su independencia, generando varios formatos dentro de las artes.

3.7. PANAMÁ El horizonte artístico panameño del siglo XX, comienza como un periodo de transición entre la época española y la contemporánea. La independencia de España y la unión intencional a Colombia en 1821, así como por la separación de esta nación en 1903 sellaron resultados políticos para ambos países. La inauguración del canal en 1914, aporta muchos cambios sociales y económicos. De la primera etapa se puede citar a Roberto Lewis, formado en Francia, considerado uno de los artistas más relevantes de este periodo, director de la primera academia de arte panameña. Entre los alumnos más destacados de la academia encontramos Isaac Benítez. Muchos artistas viajaron a Panamá por su condición geográfica y como país de tránsito, Manuel Cedeño e

los pintores actuales entre los más notables son Humberto Ivaldi (1920-50); el ilustrador y acuarelista Carlos Endara; Ciro Oduber (n. 1921), de tendencia cubista; Alfredo Sinclair Ballesteros (n. 1915), formado en Buenos Aires en el postimpresionismo; Juan Manuel Cedeño (n. 1916); Guillermo Trujillo el más importante (n. 1927); Pablo Runyan (n. 1925), que estudió y se formó en Madrid (1953) y que representa un vanguardismo surrealista, Justo Fabio Arosemena (n. 1929), quien ha transitado de un

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realismo a un informalismo surrealista, mantiene en un realismo.

Mario

Adán Vázquez (n. 1934), que se

En escultura, se destaca José Manuel Ulloa (n. 1918), decorador del Palacio de Justicia y otros monumentos públicos. Finalmente, conforma a la cabeza de la escultura panameña Carlos Arboleda (n. 1929) y Rubén Alberto. López (n. 1935). En los años ochenta encontramos a Olga Sinclear, artista figurativa y abstracta, y la pintora Isabel de Obaldia considerada neo expresionista. Estos años encontramos varios artistas jóvenes intervenir otros medios como el video y la fotografía.

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4. LA REGIÓN DEL CARIBE 4.1. CUBA Hablar de Cuba es entender que se trata de uno de los países menos aislados y que ha estado por años expuesta a la influencias de Norte América y Europa. La pintura y la escultura de Cuba a principios del siglo XX tuvieron como antecesor a una figura muy influyente, Leopoldo Romañach (1862-1951), quien enseñaba en la Academia de San Alejandro creada en 1818 por España. En esta Academia se impartía una enseñanza muy rigurosa por parte de profesores traídos de Europa y otros que se graduaron en ella. Leopoldo Romañach formado en España e Italia, seguía la tradición academicista, influenciado por los impresionistas europeos con los que había tenido contacto. Está dentro del realismo romántico. Representaba sujetos realizando labores vulgares, la angustia de niños e indigentes, mujeres de la burguesía cubana, paisajes variados, el ingenio azucarero y bosques selváticos. Los primeros veinte años del siglo XX, Cuba se caracterizó por una creciente

economía, la corrupción estatal y la dependencia política-económica de Estados Unidos. La modernidad inicia cuando los alumnos de la academia reaccionan contra la

tradicional forma de enseñanza. Estos jóvenes estaban interesados en plasmar la vida popular de una forma íntima, menos historiadora; estaban conscientes de las vanguardias europeas y del nacionalismo cultural de los muralistas mexicanos que proponían estudiar a los cubistas, fauves y surrealistas. Unos viajaron a Europa y los

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que se quedaron en Cuba buscaron en las ilustraciones de obras que aparecían en las publicaciones y revistas. Esta perspectiva contribuyó a que surgieran muchos artistas, músicos, poetas, escritores y folkloristas, interesados en estudiar la cultura afrocubana, a los campesinos y

mestizos, en busca de una identidad cultural nacional. En este grupo surgieron importantes figuras como:

Víctor Manuel García (1897-1969)

Alumno de Leopoldo Romañach, que admiró sus habilidades, es considerado como el iniciador de la modernidad. Este pintor conseguía ayuda en las técnicas de la pintura. Su estancia en Francia lo aproximó a la obra de Gauguin de quien se interesó por la composición y Renacimiento.

la forma. También se influenció del arte medieval y del primer

Amelia Peláez (1896-1968)

Fue una alumna de Leopoldo Romañach, en la Academia de San Alejandro. En 1926 se gradúa, su obra estaba dominada todavía por el academicismo. En 1927 viajo a París y vive hasta 1934. Durante su estancia desarrolla un arte nuevo y empieza su enfrentamiento entre el academicismo y la vanguardia. A su regreso a Cuba se interesa por las fachadas de forma colonial español pero con estilo cubano, destacando: las vidrieras, las columnas barrocas, las rejas de hierro forjado, los abalaustrados, los muebles de mimbre. Su estilo podría definirse como cubismo tropical, con abundancia en la línea y el color y un sentido del equilibrio compositivo.

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Wilfrido Lam (1902-1992)

Es el pintor cubano de mayor reconocimiento internacional. Se formó en la Academia de la Habana. Viajó a París a continuar sus estudios en 1923. De orígenes africanos, chinos y españoles. Durante los años treinta hubo un gran cambio en su obra, en sus cuadros se manifestaba las formas de la escultura africana. Observó la necesidad de crear un estilo que reflejara la herencia cultural afrocubana con un sentido creador. En París tuvo trato con Picasso y los surrealistas que también le daban importancia a las llamadas culturas primitivas y sus escuelas religiosas y artísticas. Al volver de Francia se compenetro en la cultura y la religión afrocubana, la santería, y aunque nunca se convirtió a ninguna religión, incluyo su cosmovisión en su obra.

Carlos Enríquez (1900-1957)

Recibió pocas clases de pintura en la secundaria. Luego con sus padres fueron a vivir en Filadelfia para estudiar administración de empresas. Ingresa a la Academy of Art. Más tarde en 1930 hasta 1933 viajó a Francia donde absorbió del surrealismo

empleando la técnica de imágenes dobles superpuestas en su obra, formando un estilo propio.

Fidelio Ponce de León (1895-1949)

Se inició en la Academia de San Alejandro. Muestra distancia hacia los temas cubanos y a los colores primarios, desarrolló un estilo muy personal con composiciones monocromas. Su obra está ligada al Greco por el parecido de estilo.

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La escultura en esta época se dicta en la academia de San Alejandro caracterizada por un estilo mesurado o academicista, está dominada por los escultores que daban clases en la academia y producían esculturas oficiales para los edificios públicos. Algunas esculturas cubanas de este período reflejan la estética aerodinámica de los estilos europeos Déco y moderno. Los últimos años treinta y los cuarenta son períodos de relativa estabilidad política y económica de Cuba. Surgió la segunda generación de artistas modernos, motivados por las primeras vanguardias y también por el nacionalismo cultural mexicano, se promueve el arte público (especialmente el muralismo) y la enseñanza artística a nivel popular. En 1939 se crea, el estudio libre para el arte y escultura que se imparte en las academias que es financiado por el gobierno. En 1942 Alfred H. Barr, director del Museum of Moderm Art de Nueva York, compra obra de casi todos los artistas cubanos de vanguardia y en 1944 organiza una exposición exaltada por la crítica en el MOMA.

Cundo Bermúdez (1914 - 2008)

Nació en 1914 y muere el 31 de octubre del 2008, en 1926 ingresa en el Instituto de la Habana, en 1930 estudia pintura en la academia de San Alejandro, en 1938 viaja a México donde conoce a varios artistas del muralismo. Conoció los murales de Amelia Peláez, el más importante suyo es Romeo y Julieta, pintado en 1943; se inspira en la decoración de la cajas de abanicos coloniales, se interesa por los colores primarios, por los vestidos y la arquitectura.

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Mario Carreño (1913 - 1999)

Evolucionó hacia un estilo más memorable que recordaba el de Siqueiros. Experimentó con pigmentos industriales, técnicas mixtas y relieves. Trabaja los temas del

nacionalismo cultural y popular, como los cultos afrocubanos, la santería, la cosecha de la caña de azúcar, el café y fiestas populares pintadas con colores intensos y tropicales.

René Portocarrero (1912-1985)

Asistió un año al instituto de artes, sus primeras pinturas las realizó a finales de los años treinta, son pinturas con mucho color: como familias campesinas realizando tareas cotidianas, temas como la dignidad y el cariño a la tierra, la siembra y la cosecha, de su cosmovisión de un pueblo. El modo de Portocarrero fue más inconstante en los años 40 estuvo dedicado al puntillismo, pintado con el mayor vigor cubano y siendo minucioso. Además creó imágenes sagradas afrocubanas y a sus sacerdotes, a si como los carnavales, la abundancia y la exuberancia barroca.

Mariano Rodríguez (1912-1990)

Estudio en México la pintura al fresco y otras técnicas de la plástica, al retornar a la Habana en los años cuarenta, se dedicó a tres temas: los gallos, la vida de los granjeros y las parejas de enamorados, algunos temas de la vida popular en menor grado. Artista realista, expresivo y colorista.

Luis Martínez Pedro (1910-1989)

Al principio de los años cuarenta, fue un gran dibujante, influido por el surrealismo. Dibujó a lápiz y tinta temas de la mitología griega, así como escenas rituales

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afrocubana, es el único artista cubano moderno que reconoce el pasado precolombino de los indios tainos, se inspiró en el pueblo Taino y su leyenda. El arte cubano de la primera mitad del siglo XX se equipara por el rechazo de los cánones de la Academia y el surgimiento de un tipo de realismo, inspirados en las vanguardias europeas. El artista cubano, no pretendía captar estas formas estilísticas extranjeras, sino que se valía de ellas para crear una pintura de carácter propio y de identidad nacional. A principios de los años cincuenta, el arte cubano tuvo un cierto manierismo criollo, marcado como la escuela de la Habana, los artistas más jóvenes aspiraban un discurso más amplio, rechazando el tropicalismo depurado, la abstracción cubana se rebelo contra el sistema artístico instituido en el país. Los jóvenes artistas abstractos de este periodo, entre los cuales tenemos Hugo Consuegra, José Antonio Díaz, Faday Jamis, Guido Llinas y Raúl Martínez. En 1953 se forma el grupo conocido como Los Once, entre sus miembros se encuentran Tomas Olivia y Antonio Vidal, los cuales exponen como grupo hasta 1958, cuya orientación es hacia el arte concreto y la abstracción. Los principales artistas abstractos geométricos Salvador Corratge, Luis Martínez Pedro, Darie, Pedro de Oraa, Lolo Soldevilla, cuales se reunieron únicamente por motivo de la exposición de los 10 pintores concretos realizada en 1960. Esta época el arte cubano tiene una orientación hacia la síntesis geométrica, encontramos artistas como Wilfrido Lam, Amelia Peláez y René Portocarrero.

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La revolución comunista liderada por Fidel Castro en 1959, cambia el comportamiento sociocultural y económico en la isla, el arte no se ve afectado al comienzo de la revolución, Estados Unidos rompe relaciones con Cuba en 1961. Trayendo consecuencias para la isla. La creación de los jóvenes talentos, en la década de los sesenta, es consecuencia de un sistema gratuito en la enseñanza artística, fue uno de los pilares para las nuevas generaciones de artistas en la década de los ochenta. Burlonamente la consecuencia más importante de la revolución dentro del arte fue el éxodo de cubanos hacia Estados Unidos, dando como consecuencia la segunda ciudad cubana Miami, entre los exiliados encontramos a Cundo Bermúdez.

Raúl Martínez (1927)

Artista cubano, perteneció al grupo de Los Once, nació en la ciudad de Ciego de Ávila, en 1927, estudio en el instituto de artes de la Habana y en el Art Institute of desing de Chicago, su obra es de tipo conceptual y trabaja varios formatos como soporte desde la fotografía hasta el video, participo en la muestra de arte cubano en 1960 por la Casa de las Américas en la Habana.

Roberto Fabelo (1951)

Artista cubano nació en 1951, en la provincia de Camaguey, realizo sus estudios en la Escuela Nacional de Arte de la Habana, es uno de los mayores exponentes del arte cubano, artista cuyo estilo lo califican de surrealista obtuvo varios premios y realizo 300 exposiciones colectivas y 30 exposiciones individuales, obtuvo el Premio Nacional de de Artes Plásticas en el 2004. Ejerció de profesor y jurado de concursos de arte.

Alexis Leyya Machado (Kcho) (1970)
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Artista cubano de los más reconocidos internacionalmente desde Wilfrido Lam, nacido en Nueva Gerona en 1970, artista multifacético trabaja varias técnicas y formatos, desde lo digital hasta lo escultórico, ha ganado varios premios entre los destacados el premio de la IV Bienal del Caribe en el 2001. Ana Mendieta (1948 – 1985) En 1961, Ana y su hermana mayor llegaron a Estados Unidos, sin sus padres, como
parte de la Operation Peter Pan, un programa de la Iglesia Católica estadounidense que trasladó a miles de niños cubanos a los Estados Unidos en un esfuerzo por ‘salvar’ a los niños del régimen anti-católico de Castro. En Estados Unidos, Ana Mendieta vivía con una familia adoptiva en Iowa y no volvió a ver a sus padres durante muchos años. Obviamente, esta experiencia dolorosa marcó la formación de Mendieta y su obra refleja esta experiencia. Ana Mendieta tuvo una carrera artística corta (1972-1985), pero muy productiva e intensa que consiste en performances, body art, videos, fotografías, dibujos, instalaciones y esculturas.

Es un símbolo del exilio, su obra contempla un profundo deseo de reencuentro con su isla natal, en 1961 llega a Estados Unidos junto a su hermana mayor, sin sus padres, como parte de la operación “Peter Pan”, vive en Iowa con sus padres adoptivos. En 1981 realiza la exposición titulada, Volumen 1, se expone el arte de los exiliados por única vez en Cuba, este tipo de arte se lo conoce como el Renacimiento Cubano. La década de los ochenta nos brinda dos etapas del arte, una marcada por el conceptualismo y la segunda por un expresionismo alegórico. El grupo de Arte Calle de los ochenta organiza performances y diversas apropiaciones como representantes del nuevo arte. La década de los noventa está marcada por una migración de intelectuales de Cuba hacia el resto del mundo y de los artistas alentados por el interés del arte cubano.

4.2. HAITÍ Hablar de Haití es traer al imaginario todo lo relacionado con el Vudú y las cosmovisiones de la religiosidad popular afro caribeña. Para el viajero con una mente
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abierta, el vudú, sus ritos y ceremonias son el principal atractivo cultural de la visita al país. Mucho más allá de una mera expresión equivocada del pasado africano de Haití, el vudú es una experiencia vital que comparte la mayoría de los haitianos y que merece la pena conocerse. El Vudú Ante todo, es una religión, la dominante en Haití. Muchos de los principios y prácticas del vudú pueden sonarnos a pura superstición, pero figúrese qué le pueden parecer ciertas características del cristianismo a quienes no saben de qué se trata: enmarcándose en la religiosidad popular. Cualquiera de estas prácticas, hibridas totalmente por el más inteligente de los cristianos, le parecerían tontas supersticiones a alguien no familiarizado con el cristianismo. Hay que reconocer pues, en primer lugar, que el vudú es la religión de Haití, y que es tomada muy en serio, no solo por campesinos analfabetos, sino por los estratos más instruidos y educados de la sociedad haitiana. No se trata de creer en el vudú, sino que aprenda a reconocerlo como

cualquier otra religión del mundo pero importante para la cultura y el arte en la isla. Evidentemente, la pintura en Haití se convierte casi en un arte de sobrevivir, un arte popular, invadiendo aceras, paredes y casas. Por todas partes le ofrecerán cuadros. Muchos aficionados al arte han encontrado obras maestras tanto en las galerías o en las calles como en los mercados. El primer sitio a visitar es el Centro de Arte en Puerto Príncipe. A principios de los años cuarenta, un joven profesor norteamericano, Dewitt Peters, impresionado por el encanto de Haití maravillado por la fuerza y frescura de la pintura naif, decidió fundar un lugar donde los pintores pudieran exponer sus obras. Fue el Centro de Arte, que pronto atraería a los coleccionistas del mundo entero. Una ola de creadores invadió Puerto Príncipe, haciendo la pintura naif sea su entrada en la escena cultural internacional. Este estilo pictórico surge en el siglo XIX como una manifestación
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sincrética de las propuestas francesas y los estilos populares, especialmente los aportados por la cultura de la raza negra. Durante el siglo XX este estilo comienza a perfeccionarse como propiamente haitiano, destacando en las pinturas los motivos indígenas y nacionales, con intensos colores y escenas costumbristas. También puede descubrirse en el país una pintura de gran calidad. Los jóvenes pintores modernos surgen exitosos en el mundo del arte contemporáneo, y la pintura haitiana está representado hoy día en los mejores museos de Estados Unidos y Europa y en algunas prestigiosas colecciones privadas.

4.3. REPÚBLICA DOMINICANA País con una historia marcada por una inestabilidad sociopolítica, por dictaduras de larga duración y gobiernos democráticos cortos, una de las más terribles dictaduras que duro 31 años como la del general Trujillo y la invasión de Estados Unidos en 1916 hasta 1924 y diversos gobiernos de inestabilidad marcaron la forma de hacer y ver el arte. La modernidad en la pintura dominicana comienza o emerge hacia 1920, consecuencia de los artistas que vuelven de Europa, donde se mira una pintura pos impresionista, después de la salida de Estados Unidos los artistas jóvenes realizan obras contra la ocupación, paralelamente se colabora para el desarrollo de la educación y cultura, surgen varias escuelas y academias de arte. Entre las que se destacan de los artistas Federico García Godoy, Celeste Woss y Juan B. Gómez. Los primeros treinta años del siglo XX, se desarrolla la economía por medio de la industria azucarera, el 16 de Agosto de 1930 comienza la dictadura del general Trujillo, reconstruyo la ciudad devastada por el ciclón, pago la deuda a Estados Unidos y produjo la terrible matanza de haitianos, dictadura que dura hasta la muerte de Trujillo en 1961.
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En esta época se destaca tres artistas, Yoryi Morel, Jaime Colson y Darío Suro. En este periodo hay una gran persecución a todos los niveles de la sociedad y existe una gran cantidad de exiliados, en 1942 se crea la Escuela Nacional de Bellas Artes, el artista más destacado del grupo es Gilberto Hernández Ortega. La década de los cincuenta se consolida el arte contemporáneo dominicano, la mayoría de los artistas abordan el cubismo a través de la abstracción, entre estos podemos citar Eligio Pichardo, Paul Giudicelli, Domingo Liz, Fernando Peña y Silvano Lora. La obra abstracta de Antonio Prast Ventos comprende más de cuarenta años, la década de los sesenta, trata de un periodo de apertura artística y humana, después de la muerte de Trujillo muchos artistas exiliados vuelven a la isla. Hay un renacer en el grabado dentro de la plástica lo cual se debe a la artista Rosa Tavarez, profesora de grabado en la Escuela Nacional de Bellas Artes, las siguientes décadas están enmarcadas por floreciente mercado en el arte y la vinculación de tecnología como la fotografía y el video en la década de los ochenta, participando en las bienales de arte, los noventa existe una oleada de artistas jóvenes que viajan a estudiar en diferentes sitios como Cuba, Estados Unidos, Europa, una gran variedad de formatos y estilos enmarcados en el conceptualismo y nuevas tendencias.

5. VENEZUELA El principio del siglo XX está marcado por un destacado academicismo con destacados pintores como Martín Tovar y Tovar (1827-1902) Arturo Michelena (1898) y Cristóbal Rojas (1857-1890) quienes se formaron en París asimilaron el lenguaje académico.

Martin Tovar y Tovar (1827 – 1902)
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Es el pintor de la historia venezolana. Formado en la academia de San Fernando de Madrid y de Bellas Artes en París durante el gobierno de Antoni Blanco, quien le encargo obras sobre los héroes de la Independencia.

Arturo Michelena (1863 – 1898)

Aprendió muchas técnicas del arte académico dedicándose principalmente a sucesos históricos, alegóricos y de género con cuales tuvo mucho éxito. Junto a estos aparecen Emilio Mauri (1885-1908) y Antonio Herrera Toro (1857-1914) quienes se dedican a enseñar las técnicas de la pintura habitual. Durante la dictadura militar de Juan Vicente Gómez (1908-1935) Venezuela experimenta un debilitado proceso de transformación social que termina con una

saliente economía petrolera. El crecimiento de las ciudades, la vida urbana con su estructura social tienen una respuesta en la vida política. Es el comienzo para las artes plásticas y la literatura quienes fueron los primeros en manifestarse frente a los cambios. En 1912 surge el primer círculo de artistas que rechazaban el academicismo que aún se enseñaba en las escuelas de formación artística. Estos pedían una innovación en la pintura para que manifieste su contexto nacional y comenzaron a experimentar con técnicas y métodos impresionistas y pos impresionistas. En este grupo se destaca Manuel Cabré y Leoncio Martínez a los que se anexaron músicos y escritores. Además integraron otros pintores cómo Antonio Mansanto, Federico Brandt, Armando Reverón, Raquel Monasterios.

Manuel Cabré (1890-1984)

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Se formó en París. Artista que se dedico en su mayoría al paisaje. Logro captar la luz y el color del panorama venezolano, revelando textura, matices, consiguiendo una gran variedad de tonos.

Federico Brandt (1878-1932)

Artista de escuela realista. Comenzó pintando paisajes al aire libre. Más tarde se dedica pintar interiores, sitios arquitectónicos y cosas cotidianas.

Armando Reveron (1989-1954)

Efectuó estudios en Barcelona y Madrid entre 1911 y 1913. A su regreso también ingreso al grupo de artistas destacados. La pintura de Reverón, es impresionista es la única que deja ver una auténtica evolución pictórica, como resultado de un trabajo continuo y formal en su lenguaje pictórico.

Francisco Narváez. (1905-1982)

Desarrolla su obra refutando a la escultura académica cuyos temas eran de carácter histórico y de protagonistas civiles y militares. La plástica salva una técnica artesanal como la talla en madera y piedra, con una preferencia hacia la estilización simétrica. Su tópico es popular y de intención social, que más tarde convergerá en la abstracción. 5.1. REALISMO SOCIAL Entre 1936 y 1958, en Venezuela se vivirán amplios cambios históricos, económicos y artísticos. La generación del veintiocho se declara en contra de la dictadura militar. Se inicia el vanguardismo en esta década, reconociendo su propia expresión de lo nacional y popular frente al costumbrismo y las tendencias habituales de la época.

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Con la muerte del dictador Juan José Gómez, Venezuela experimentó un período de transición en el que se forman partidos políticos, sindicatos de trabajadores, estudiantes y asociaciones de toda índole. El arte reúne todos estos cambios y la academia de Bellas Arte se transforma en escuelas de Artes Plásticas, donde los educadores profundizan en el análisis del cubismo y otras tendencias. Los alumnos de esta escuela dan comienzo a la abstracción en el arte venezolano.

Pedro León Castro ( 1913)

En 1930 se inscribe en la Escuelas de Artes Plásticas y Artes Aplicadas para recibir clases de dibujo. En 1940 finaliza sus estudios de arte, estudia para docente en pintura mural. El realismo social atrae a León Castro, pero desarrolla una pintura más personal. En 1946 realiza su primera exposición rural, es uno de los artistas más representativos actualmente vivo.

Héctor Poleo (1918-1989)

Fue uno de los más característicos pintores de la década de los treinta y principios de los cuarenta. Mayor parte de su obra ofrece: la denuncia social, particularidades de lo cotidiano, el tema rural y popular, con matices del realismo social. 5.2. LA GENERACIÓN DE LOS CUARENTA A LOS CINCUENTA Durante los primeros cuarenta años el paisaje era el tema en la pintura venezolana pero al finalizar la primera guerra mundial, los jóvenes estudiantes de la escuela de Artes Plástica y Aplicadas se rebelaron ante el estudio y análisis del cubismo y del paisaje

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porque no compensaban sus ambiciones de modernización. Viajaron a México y París para continuar los estudios gracias a las becas y a los premios obtenidos en los salones. En las décadas de los 50 a 70, Venezuela vivirá un período de desarrollo en la

economía petrolera y un proceso de modernización en el cual los artistas participan. Pero su principal aporte es un abstraccionismo muy amplio desde la geometrizacion hasta el cinetismo, gozando este último de mucha acogida en el mundo cultural.

Jesús Soto (1923)

Nació el 5 junio de 1923 en la ciudad de Bolívar, estudio en la escuela de artes de caracas en 1947. En 1950 viaja a Francia y se radica definitivamente en París. De una obra temerosa, Soto da un salto en la pintura, en la búsqueda de vibraciones visuales que provoquen la impresión de movimiento virtual, esta nueva forma de la pintura abstracta a la invención de la obra cinética, desarrollado en París en los años cincuenta. En 1953 aparecen sus obras cinéticas compuestos por dos planos superpuestos y separados, el plano del fondo estaba pintado con delgadas bandas verticales en blanco y negro, con el alejamiento del espectador producían el efecto “moaré”.

Carlos Cruz Diez (1923)

Nació en 1923 en caracas, estudia en la escuela de artes plásticas y aplicadas, en 1945 es nombrado profesor en la escuela de artes, en 1956 viaja a España y investiga los fenómenos del color, 1960 vive en Paris, en la década de los setenta realiza la mayoría de trabajos en base al estudio de color y ejecuta varias exposiciones.

Alejandro Otero (1921 – 1990)

Nace en El Manteco, el 7 de Marzo de 1921, en 1938 estudia en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas, en 1945 viaja a Paris donde continua con sus estudios, allí formo
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parte del grupo de artistas venezolanos “los disidentes”, abandono la pintura realista para dedicarse al abstraccionismo, arte geométrico, el mismo lo explica, para entender su pintura tuvo que aprender escultura, el 13 de agosto muere en Caracas.

6. COLOMBIA 6.1. UNA ETAPA DE TRANSICIÓN: 1900-1930 Al principio del siglo XX en Colombia preponderaba una economía naciente, la

industrialización era insuficiente, no había centros urbanos importantes. Hechos trascendentales como la guerra de los mil días (1899-1901), la caída del precio del café y la separación de Panamá que anuncio su independencia de Colombia en 1904. Los artistas colombianos de esta época copiaron a los pintores europeos de tiempos pasados. Predominaba el academicismo y la falta de interés hacia las vanguardias. El artista aún continuaba adherido a un pensamiento provinciano y popular. El pintor que cambió esta imagen proporcionando un paso hacia una nueva propuesta artística es Andrés de Santa María.

Andrés de Santa María (1860-1945)

Nace en Bogotá el diciembre de 1860, muere en Bruselas, el 29 de Abril de 1945. Su familia viaja a Europa. Estudia el colegio en Inglaterra y Bruselas, más tarde viaja a París. Donde conoce a varios artistas del movimiento impresionista, según el historiador Eduardo Serrano visita con frecuencia el Montmartre, donde conoce a Monet y Manet. En 1882, después de la muerte de su padre se dedica a estudiar arte como parte de su vida. Al regresar a Bogotá se dejo influenciar por el tenebrismo español del siglo XVII,

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pintó torsos y cabezas de gran riqueza material. Andrés Santa María es reconocido como uno de los grandes artistas de Colombia. • Alfonso Gonzales Camargo (1883-1941) Nació en Bogotá en 1883, estudio en la escuela de bellas artes de Bogotá. En 1910 realiza varios apuntes al oleó, en 1914 realizo las obras “el místico” y “la camisa del hijo”. En 1925 sufrió un ataque nervioso y lo recluyeron en el manicomio donde murió en 1941. Hablar de su obra por ser escasa es complejo, su trabajo principal se podría decir que es el paisajismo y los retratos. 6.2. MODERNIDAD: NACIONALISMO Y MURALISMO Esta década marcó un cambio con el fin del régimen conservador y la venida del Partido Liberal, instituyendo la ley de tierras y reforma agraria, estimulando la producción industrial. En este marco nació una generación de artistas que planteaban romper con el academicismo y aproximarse más al nacionalismo, infundidos por el muralismo

mexicano. El gobierno de López Pumajero (1934-1938) dio su apoyo a esas inquietudes y esfuerzos renovadores.

Pedro Nel Gómez (1899 – 1984)

Nació el 4 de julio de 1899, en la ciudad de Anori en el estado de Antioquía, en 1912 – 1920, estudio dibujo y pintura en la escuela de Medellín, continuo sus estudios de arte en Bogotá, en 1925 viaja a Europa, se establece en Florencia donde vive hasta 1930 y vuelve a Medellín, donde dirige el instituto de artes, se dedica hacer frescos y pintura mural en varias ciudades de Colombia.

Alipio Jaramillo (1913)

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Estudió en Bogotá en la escuela de bellas artes, luego viajó por América del Sur. Es uno de los primeros artistas que realiza murales modernos en Colombia. Realiza murales con la problemática propia de Colombia. En Chile ayuda a Siqueiros en la elaboración de un mural. A su regreso a Colombia ejecuto murales con temas sobre las luchas sociales de los pueblos de Latinoamérica.

Rómulo Rozo (1899-1964)

Nació en Bogotá en 1899 y muere en 1964, estudio en la escuela de bellas artes. En 1931 viaja a México donde realiza varias esculturas. Realizó una serie de imágenes femeninas y maternales después de un período decorativo. En la escultura también hubo una ruptura del academicismo. Los artistas se inclinaron hacia el nacionalismo, especialmente hacia personajes populares.

temas sobre mitos precolombinos y

Rodrigo Arenas Betancourt (1919 – 1995)

Escultor colombiano, uno de los mayores representantes del arte colombiano, estudia en México el arte de los muralistas en 1947, viaja a Estados Unidos en 1959 y luego a Europa, es profesor de dibujo y escultura en México, su primera etapa realiza temas religiosos, su escultura podría definirse como arcaica, clásico y moderno, con tendencia precolombina. Son obras por lo general monumentales, entre sus obras más reconocidas: Prometeo 1956, Amantas 1958, Los Potros 1986. En 1988 es secuestrado por la guerrilla de las Farc permaneció secuestrado varios meses y liberado después.

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7. REGIÓN ANDINA REALISMO SOCIAL Y MURALISMO Se dará con mayor fuerza en países como Ecuador, Bolivia, Perú y Guatemala, dado que las circunstancias sociales y étnicas eran similares a las de México. Reconocimiento de la realidad nacional, del paisaje local y del legado cultural histórico nativo que serán los objetivos del realismo social, que encuentra en el muralismo su expresión más acabada. El reconocimiento de las condiciones de marginación social y explotación económica de los pueblos indígenas. En esos años no existía una conciencia sobre el concepto de diversidad cultural para hablar de “pueblos” indígenas en referencia a su origen étnico, se hablaba del indígena1 en términos generales. 7.1 ECUADOR REALISMO SOCIAL - INDIGENISMO “Su intención estética es provocar la solidaridad del espectador con el indígena, para conseguirlo recurre a la representación de escenas dramáticas que muestran al indio en el paroxismo del sufrimiento” 2 Revolución Liberal Alfarista – Ecuador (1895), estado laico, represión del estado. Revolución Rusa (1917): difusión de las ideas socialistas. Revolución Mexicana (1910 – 1920): influye principalmente la pintura de Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. Estética con elementos estéticos, políticos e ideológicos.

1 2

Entiéndase el indio de la Serranía. Michelena, Xavier, 200 años de la pintura quiteña, pg. 109

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Creación del Partido Socialista (1926) y del Partido Comunista (1931) luego de matanza de obreros del 15 noviembre de 1922. Luego de un importante período de academicismo en el siglo XIX, los artistas necesitan una búsqueda de una identidad propia. Joaquín Pinto (1842 – 1906) será quien de este primer paso. Su obra se enmarca dentro de un preciso costumbrismo. Por primera vez el indio aparece representado en el arte a través de las acuarelas de Joaquín Pinto como un motivo pictórico, similar a otros que habían tomado del argumento popular. Luigi Cassadío, escultor italiano, también es otro importante artista que divulga la figura del indio como impulso a ser tomado en cuenta dentro del arte. Víctor Mideros (1888 – 1969) realiza varios retratos de indígenas que manifiestan un interés etnográfico. Características de la pintura indigenista Existe una estrecha vinculación con el movimiento literario del mismo nombre. Eduardo Kingman, al referirse a la relación que unía a artistas plásticos y escritores, manifiesta: “gentes con quienes caminamos un trecho a todo lo largo de sus rutas, unidos siempre en el mismo anhelo de aventurarnos a la ambiciosa experiencia de tratar de descubrir e interpretar nuestro destino de patria con los instrumentos culturales de los que cada cual se hallaba provisto”3 De este período del a literatura ecuatoriana destacan los escritores: Jorge Icaza, mayor exponente del realismo social ecuatoriano con su obra “Huasipungo”, Joaquín Gallegos Lara, Enrique Gil Gilbert, José de la Cuadra, Demetrio Aguilera Malta, Alfredo Pareja Diezcanseco.
3

Michelena, Xavier, 200 años de la pintura quiteña, pg. 109

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Existe una voluntad consecuente de investigar en el pasado indígena con el objetivo de fundamentar un concepto de identidad nacional. Interés de denuncia y reivindicación social como respuesta la injusticia social que se había ejercido sobre el pueblo indio, montubio y otros vulnerables ya sea por su condición étnica, social y consecuentemente económica y cultural. “Visión mestiza sobre el problema indio”, como observó Mariátegui, escritor peruano. Es más un acto de solidaridad del artista mestizo frente a la historia de utilización del indio en particular

Eduardo Kingman (1913 - 1998)

Se inicia en el Realismo Social con cuadros que tratan el tema de los obreros de Guayaquil. Es el pionero del movimiento indigenista en el Ecuador. Pinta el cuadro, el más representativo del indigenismo ecuatoriano, Los Guandos, los cargadores. Se debe destacar en esta obra la composición circular en espiral de alto sentido simbólico, que nos habla de la “circularidad de la explotación inacabable”4 Recibe y asimila la poética de la escuela mexicana, además de verse influenciado por los pintores peruanos Codesido y Sabogal en la cromática y algunas formas. También se descubre una conexión con la forma expresiva de los expresionistas alemanes.

Diógenes Paredes (1910 – 1978)

En 1938 fue fundador del Sindicato de Escritores y Artistas junto con Nicolás Kingman, Jorge Icaza, Benjamín Carrión, Demetrio Aguilera Malta, Alejandro Carrión y Pablo Palacio. Tenía el sobrenombre de “monstruo”, defendía la izquierda radical y pertenecía al Partido Comunista Ecuatoriano.

4

Sullivan, Edward, Arte Latinoamericano del siglo XX.

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Pintor realista en cuya obra incorpora el expresionismo propio del indigenismo, dice José Alfredo Llerena: “a Paredes le interesa más el episodio. Por eso hemos dicho que su pintura se halla en una fase anecdótica. Y también cuando sale de los asuntos indígenas es así”.5 Para Hernán Rodríguez Castelo, en aporte principal de Diógenes Paredes al movimiento indigenista fue una “rigurosa devoción”. Para Edmundo Rivadeneira, según Xavier Michelena, la constancia en su estética y lealtad política es una de sus mayores contribuciones al indigenismo.

Bolívar Mena Franco (1913 - 1995)

Inclinación por la minuciosidad y aspecto decorativo de sus obras. Influido, como muchos artistas de su época por el expresionismo, pinta indios con manos y pies enormes, no obstante no se aparta del carácter ornamental que tiene su obra. Luego de que viajara a Estados Unidos con Kingman para trabajar bajo la dirección de Camilo Egas en 1940. Las esteras se vuelven un componente particular de su obra. • Leonardo Tejada (1908) Surge de una tradición de escultores y talladores. Manejando desde pequeño las herramientas aprendieron bien el oficio, creció viendo a su padre ensamblar y trabajar guitarras. De trazos fuertes y gestuales y colores contrastantes. En 1942, con su obra Madre y Estibadores, entra por completo al Realismo Social. Se ocupó en trabajar grabados, xilografías. Entre estos destacan el libro de José de la Cuadra “Washington.”

Oswaldo Guayasamín (1919 - 1999)

Artista muy importante de la plástica ecuatoriana. Desde joven un joven con muchos conflictos, fue expulsado dos veces de la Escuela de Bellas Artes por enfrentarse con la destrucción de moldes griegos y cuerpos geométricos contra el pintor Víctor Mideros el estilo neoclásico y académico que representaba y luego con Pedro León.
5

Michelena Xavier, 200 años de pintura Quiteña, pg. 122

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Encontró repercusión a sus preocupaciones en Jaime Andrade Moscoso y Diógenes Paredes, maestros de la EBA escuela de bellas artes. A sus 23 años conoce, en aquel entonces funcionario de los Estados Unidos, Nelson Rockefeller, quien visita Ecuador Guayasamin, el cual en 1942, quien asiste a la exposición de

compra cinco cuadros y le invita a una extensa gira por los

E.E.U.U. Donde expuso con artistas como Camilo Brent, Rufino Tamayo, Emilio Pettoruti, Cándido Portinari. Conjuntamente, visita los museos estadounidenses y tiene la oportunidad de ver personalmente las pinturas del Greco, Picasso, Goya, Velásquez, Braque. En 1943 visita por su cuenta a José Clemente Orozco y trabaja con él en un mural sobre el apocalipsis. Más tarde conoce en Estados Unidos a José Sabogal y Julia Codesido, importantes referentes del indigenismo peruano, así como al pintor abstracto Fernando Szyszlo, también peruano. Entre sus trabajos se destacan las series: sus primeras pinturas indigenistas, “Guaycañan”, Edad de la ira, Edad de la ternura.

Camilo Egas (Quito, 1889 - Nueva York, 1962) (Realismo Social/Nativismo)

Es uno de los mayores exponentes de la plástica ecuatoriana, considerado como el precursor del indigenismo. Fue becado para estudiar en Roma por el gobierno, lo que define su cultura y cosmovisión universal y de permanente búsqueda. Alumno de Paul Bar y Luigi Cassadio, asimiló la estética del impresionismo, Afirma que Luigi Cassadio le enseño a ver al “indio como unidad con el paisaje”. A su regreso de España, pinta para Biblioteca de Jacinto Jijón y Caamañó una serie de 14 cuadros de tópico indianista, que acorde con la constitución europea genera una idealización del indígena.

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En 1923 -1926 regresa a París. Época que inicia sus rasgos enérgicos, sus imágenes son toscas, y desmedidas, más expresivas en su pincelada.

Jaime Andrade Moscoso ( 1913 – 1990)

Se forma en la escuela de Bellas Artes de la que luego será maestro. En 1940 gana el premio Mariano Aguilera. Viaja a Nueva York, estudia Muralismo en The New School for Social Research. Fundador de la Facultad de Artes de la Universidad Central del Ecuador. Su primer mural lo realiza en la UCE. Representa la Historia Universal. Mural importante es el del Hotel Colón Danzantes (1967), en la técnica del mosaico plano, que aprendió de Noemi Henruk. Realizó un mural para el Banco Central del Ecuador (1965) en hierro pavonado, “abstracción rítmicas”.6 Hacia la década de los cincuenta la realidad nacional presenta nuevos aspectos

económicos y políticos las exportaciones de banano y estabilidad de los gobiernos. Se funda la Casa de la Cultura en 1944, periodo que marca dos corrientes el debilitado indigenismo y el precolombinismo, donde surgen tres artistas Enrique Tabara, Aníbal Villacis, y Estuardo Maldonado. En 1968 se celebra en Quito la única bienal internacional que se realiza en el país, al mismo tiempo se presenta la anti bienal organizada por el grupo VAN, del que es parte Tabara. En 1968 la Escuela de Bellas Artes se transforma en la Facultad de Artes, educando a las nuevas generaciones de artistas, esta época marcada por la neo figuración y el abstraccionismo, cuyos representantes son los artistas José Unda, Nelson Román, Washington Iza, y Ramiro Jácome conocidos como los Cuatro Mosqueteros, hacia la década de los ochenta y noventa el arte tiene varios exponentes, desde el realismo mágico con Gonzalo Endara, el conceptualismo con Mauricio Bueno, la escultura con Milton Barragán, en 1987 la Bienal Interamericana de Cuenca abre sus
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Michelena, Xavier, 200 años de la escultura quiteña.

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puertas, de las nuevas figuras en el arte tenemos a Marcelo Aguirre, Hernán Cueva, Luigi Stornagiolo, Jesús Cobo, entre otros.

7.2 PERÚ 7.2.1. INDIGENISMO Perú se destaca por la superposición de múltiples culturas y sus variadas tradiciones. Esto ha privilegiado a la plástica, también la ha situado en un contexto de permanente querella bajo diferentes frentes. Existe una diferenciación de las artes plásticas hacia otras manifestaciones plásticas tradicionales locales. La creación de la Escuela Nacional de Bellas Artes ENBA en 1919 y asociación de “inquietudes nacionalistas” desarrolladas por Teófilo Castillo (1857-1922) como forma de manifestación y distinción como escuela de Bellas Artes. José Sabogal (1888-1956), retorna al Perú y se convertirá en uno de los principales

impulsadores del arte y cuyo trabajo es una importante contribución a lo que será el Indigenismo. En el Perú dentro de las Artes Plásticas, como una parte de todo el horizonte artístico comienza tener importancia: la fotografía, el teatro, la literatura, la ilustración y la arquitectura. Características: La revaloración de lo nacional en el arte. El indio como ser paradigmático. Sus imágenes lo representan mitológico, misterioso y majestuoso (Aporte de Francisco

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Gonzales Gamarra), desarrolla lo que se conoce como la “Epopeya visual de la leyenda incaica.” Utilización del “sufrimiento” del indio como símbolo, dejando atrás la idea romantizada de éste. La exaltación del paisaje con un intencional interés por lo andino. Valoración de la geografía.

José Sabogal (1888 - 1956)

Fundador del indigenismo en Perú. Cuando viajó a España le emocionó el maestro Ignacio Zuloaga y los hermanos Valentín y Ramón Zubiaurre, todos vascos, que

pintaban temas típicos de su contexto. Igualmente se vio influenciado por el pintor catalán Anglada Camarasa. Luego de estar en Europa viaja a Argentina donde conoce a Jorge Bermúdez, pintor que enaltece los derechos culturales. En 1918 se incorpora como profesor de la ENBA. Luego del fallecimiento de su director Daniel Hernández, quien supo reconocer el trabajo de Sabogal, este fue nombrado director por el gobierno. El movimiento indigenista se vuelve oficial dentro de la plástica en el Perú. Marisa Mujica dice: “Sin embargo, a pesar que a propuesta de Sabogal dejó una huella bastante honda en los artistas de su generación y en la plástica peruana en general, al contemplar muchas de las obras del pintor indigenista pareciera como que su afán por reivindicar lo indígena lo hubiese llevado a ensalzar la forma de lo andino pero no su esencia”7

Camilo Blas (1905 - 1985)

Se llamó Alfonso Sánchez Urteaga. Sobrino del pintor Mario Urtega, alumno de Daniel Hernández y José Sabogal. Marisa Mujica cita a Blas: “he creído siempre que todo gran
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Mujica, Marisa, Perú: 10000 años de pintura, pg. 100

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arte debe sustentarse en la tierra (…) Ante un país tan rico y sugerente como el nuestro, el arte debe nutrirse de nuestra incomparable y única realidad; y de nuestro ancestro también único y original.”8 La pintura de Blas representa los diferentes paisajes andinos de una forma sencilla.

Julia Codesido (1892 - 1979)

También alumna de Daniel Hernández y luego de José Sabogal. Se pueden distinguir tres períodos en su pintura. El primero está relacionado con sus años de formación en ENBA, que ingresó en 1919. El segundo período está marcado por la influencia de Sabogal así como de todo el movimiento indigenista. Su pintura se vuelve de trazos negros, facciones angulosas, ojos agrandados, con lo que se persigue enaltecer los indígenas o mestizos. Un tercer momento es aquel en el que explora otras corrientes actuales de su época. La convirtió en la artista indigenista que salió de lo meramente nacional sin perder el sentido de lo propio.

Teresa Carvallo (1883 – 1979)

Considerada como pintora costumbrista relacionada a temas de la costa. Sus obras de intenso color y contraste. Destacada artista dentro del ámbito cultural, entre sus obras tenemos: “La naranjera de Surco”.

Enrique Camilo Brent (1909 - 1960)

“No fue un narrador gráfico de la vida provinciana, un costumbrista testimonial. Era un buscador de realidades anímicas y para ello se sirvió de lo pintoresco externo, llevándolo al paroxismo estilizado, para a través de esa exaltación sacar a la luz la mítica presencia del alma colectiva”9
8 9

Mujica, Marisa, Perú: 10000 años de pintura, pg. 100 Núñez Ureta, Teodoro

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Su pintura manifiesta volúmenes, el mismo se puede ver en su forma de personificar la figura humana y principalmente en la arquitectura. También representa los lugares arquitectónicos como si estos se reflejaran en espejos cóncavos. Esta distorsión una de las características más notables de su pintura. De su pintura, el historiador Estuardo Núñez dirá: es quizá su forma de manifestar “la abrumadora experiencia de un vivir difícil, de una lucha interminable por la supervivencia.”10

Francisco Gonzales Gamarra ( 1890 – 1972)

Artista con notable búsqueda en el pasado, su investigación desde un punto antropológico, sus conclusiones y cosmovisión de lo andino. Su tesis, “Artes

decorativas precolombinas”, tal vez el trabajo más serio de la época al respecto, constituye un importante aporte para la comprensión de las culturas prehispánicas del Perú. Pintó témperas acuarelas y óleos de la nobleza del pasado indígena. Fue caricaturista, acuarelista, grabador y retratista, escultor y músico.

Mario Urteaga (1875 – 1957)

Representación espontánea, honesta y sentida. Dice Marisa Mujica, citando a Mirko Lauer: “los cuadros de Urtega constituyen una sofisticadísima respuesta al problema del tratamiento de la realidad física y social de los dominados.”; luego menciona: “Urtega muestra la imagen real de los Cajamarquinos, sin abstraerlos hasta convertirlos en una efigie panfletaria y si aislarlos de su contexto real: el de una comunidad que lleva una vida propia, siempre a la sombra de la clase dominante.”11 7.2.2. EL ARTE NEO PERUANO

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Mujica, Marisa, Perú: 10000 años de pintura, pg. 203 Mujica, Marisa, Perú: 10000 años de pintura, pg. 211

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Propuesto por el escultor y arquitecto español Manuel Piqueras Cotolí, va a ser la fusión de la escuela impartida por Daniel Hernández, es decir, un compromiso plástico estricto, acusado de academicista y afrancesado y rechazado por los primeros indigenistas y directamente por José Sabogal, y la temática de lo propio, además del estudio, investigación y reflexión sobre los procesos culturales precolombinos en algunos artistas. El conocimiento de las últimas tendencias europeas como el cubismo, surrealismo, abstraccionismo, y de algunas anteriores como el impresionismo y la pertinente experimentación dentro de estos géneros. La calidad técnica de la pintura neo peruana trasciende los aspectos ideológicos y toma importancia dentro de lo que se puede considerar una propuesta estética. Los temas recurrentes son el paisaje local del Perú y sus habitantes, destacando lo popular autóctono, lo andino. Estudio de la cromática de las artes precolombinas es un trabajo conjunto de investigadores, antropólogos, historiadores, artistas sobre textiles y cerámicas principalmente.

Jorge Vinatea Reinoso (1900 – 1938)

Pintor insuperable de la sociedad peruana de los veinte. Artista formado por el medio intelectual. Predilecto de Daniel Hernández. Su trabajo es importante por la calidad plástica que logra en conjunto con los temas que trata. La rigurosidad técnica, de la mano con los temas que conoce, van a manifestarse el ámbito ideológico, para posicionarse en una propuesta estética, así como en la técnica de pincelada inequívoca, instintiva, espesa, rugosa, que dan una sensación de boceto.

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Según Marisa Mujica, citando a Enrique Tord: “Vinatea es el exponente más logrado, en su tiempo, de la imagen vernácula”12

Alejandro Gonzales Trujillo “Apurímak” (espíritu de la montaña que habla)

También alumno de Daniel Hernández y Piqueras Cotolí. Estudió el color de los diseños textiles y de la cerámica prehispánica. Viajó por todo el Perú de 1933 a 1936 para recoger información de su país de manera directa. Según Mirko Lauer, dice Mujica: “ubica la figura del hombre andino dentro de un universo de formas estilizadas a partir de lo prehispánico”. Un ejemplo de esto es “Mujeres indígenas”, donde la estilización es clara y la referencia a esta en la cultura Huari, que se había desarrollado ya hace 700 años.

Wenceslao Hinostroza (1897 – 1978)

Pintor, escultor y promotor de la cultura en su país. Uno de sus más grandes aportes es un estudio sobre los balcones de Lima, de los que llegó a pintar y registrar un número de 406 ilustraciones y pinturas. Fuera de esto se puede decir casi lo mismo de Vinatea y Gonzales Trujillo con respecto a la técnica y propuesta estética. También alumno de Daniel Hernández y Piqueras Cotolí.

Servulo Gutiérrez (1914 – 1961)

Nació en la ciudad de Ica en 1914, su familia dedicada a la artesanía y la restauración, trabajo en diversos oficios desde albañil hasta boxeador, siendo campeón nacional, atraído por el arte permaneció en Buenos Aires junto a Emilio Pettorutti, luego viaja a Paris donde estudio pintura y escultura, por motivos de la guerra mundial vuelve a Argentina donde se dedica al arte, en 1942 gana el premio en la exposición del Amazonas. Juan Manuel Ugarte dice: “(…) era en verdad un autodidacta, y fue, por
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Mujica, Marisa, Perú: 10000 años de pintura, pg. 212

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encima de todas las circunstancias, un puro intuitivo; sin lugar a dudas la personalidad más singular que ha producido nuestra pintura en los últimos treinta años.”

Fernando de Szyszlo (1925)

Nació en Lima el 5 de Julio de 1925, artista plástico conocido por su pintura y escultura cuyo estilo es la abstracción, artista con más de 100 exposiciones individuales y ha participado en las bienales de Sao Paulo y la Bienal de Venecia, aficionado de la literatura, fundó y publico la revista Las Moradas en 1947 y en 1996 publico Miradas Furtivas.

José Tola (1943)

Nació en Lima en 1943, realizo sus estudios en Madrid entre los años de 1963 a 1968, vuelve a Perú donde expone sus obras teniendo aceptación, en 1986 gana el primer premio de la Bienal de la Habana, considerado uno de los artistas contemporáneos del Perú.

7.3. BOLIVIA Después de la Guerra del pacífico 1879-1880, que Bolivia pierde su territorio litoral, se inician 20 años de gobiernos “conservadores”, pero con un significativo anhelo progresista. Crean las primeras líneas ferroviarias del país, mejoramiento de caminos, construcción de puentes, desarrollo de tecnologías para la explotación minera. La estratificación social desigual: El poder económico estaba en manos de criollos hijos de españoles y extranjeros migrantes desde Europa, a lo largo del siglo XIX. Después una clase media naciente compuesta por pocos profesionales y burgueses que también vivían, de pequeñas rentas de minas y haciendas. Los mestizos que formaban el grupo

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de los artesanos y los indios, que no gozaban de derechos ciudadanos y trabajaban en la explotación minera y la producción agrícola. Vivían en el campo, instaladas en barrios de la periferia urbana. Solo tenían derecho a voto aquellos que sabían leer y escribir y poseían por lo menos una pequeñísima porción de tierra. Se traslado la capital a La Paz. En esta ciudad hay un desarrollo cultural importante, con lo que aparecen espacios sociales, donde se intercambiaban ideas y se discutía al respecto a temas artísticos, políticos y culturales. El idioma de era el francés. Incluso se publicaban poemarios en este idioma. Se escriben libros como “Ayllu” sobre la estructura social indígena. “Raza de bronce” en torno al indio andino. Franz Tamayo publica en la prensa algunos artículos sobre la educación de su país, reunidos en su libro “Creación de la pedagogía nacional”. Introducción del pensamiento socialista que dará origen a la izquierda boliviana. Influencia de la Revolución Mexicana y del APRA (Alianza Popular Revolucionaria Americana). También influye la pintura de José Sabogal como la literatura de José Carlos Mariátegui, también peruano. La guerra del Chaco (1932-1935) Bolivia pierde las tres cuartas partes de la región fronteriza del Chaco. Este conflicto bélico es importante, porque a partir de esta situación se fue fraguando la mentalidad de renovación y cambio, dominante en la segunda mitad del siglo XX. Después del afrancesamiento del siglo XIX y el XX existe comprobación de la realidad geográfica y humana del país. El arte es realista, como referente el hombre indígena, las montañas, un paisaje de variado color y contraste. El aparecimiento de conciencia de lo indígena y mestizo como parte de la realidad nacional.

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Arturo Borda (1883-1957) pinta el Yatari (1918). Obra importante que representa a tres mujeres de diversa edad a las que el sabio indígena lee el futuro en las hojas de coca. Este cuadro simboliza en su momento, dirá E. Sullivan: “el inicio del encuentro entre un país y su realidad y el reconocimiento por parte de las élites culturales bolivianas de los valores propios de las culturas nativas”13. No obstante en su pintura “Crítica de los ismos y triunfo del arte clásico” rechaza al indigenismo por considerarlo un esteticismo aberrante14 INDIGENISMO Propuesta de modernización de la sociedad, al igual que en otras países de América del Sur, mediante la crítica, la denuncia y en encuentro con el mundo andino. Contexto: multiplicidad cultural, étnica, económica y social. Fue característica de la época mezclar rostros de indios con retratos de personalidades de la alta sociedad.

Cecilio Guzmán de Rojas ( 1899 – 1950)

Viajó a Europa donde estuvo diez años. Introducido en el costumbrismo por Julio Romero de Torres, el artista boliviano lo convertirá a un indigenismo de gran carga simbolista. Después de su regreso a Bolivia, retrató a la gente de la sociedad pudiente con rasgos indígenas; además pintó el paisaje urbano de Potosí y el de los acantilados montañosos cercanos a La Paz, incluyendo al indio. Durante la guerra del Chaco su pintura cambia hacia un expresionismo figurativo. En 1934 pinta una serie en la que enuncia el sufrimiento de los indios de las tierras altas andinas. Pronto se despega de estos temas y vuelve al retrato luego de la guerra. Pinta el

13 14

Sullivan, Edward, Arte Latinoamericano del siglo XX, pg. 237. Ibídem.

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Cristo Aymara, a partir de una serie de autorretratos, se considera expresión máxima del indigenismo boliviano. Defendió el estilo neocolonial. Desde su cargo como Director General de Bellas Artes y profesor de Bellas Artes impuso el indigenismo como estética nacional, haciendo de esta tendencia un arte de la alta sociedad, las cuales no asumieron la denuncia de los problemas sociales, étnicos, culturales y económicos.

Juan Rimsa (Lituano) – ( 1903 – 1975)

Aporta consigo la estética del expresionismo alemán. Conmovido por el paisaje y su relación con el hombre andino, reunirá su producción en el paisaje principalmente.

8. EL CONO SUR. 8.1. CHILE Los artistas chilenos se resisten a la educación impuesta por el arte académico europeo. La tradición académica comenzó a ser designada por algunos artistas como Alfredo Helsby, Alberto Valenzuela Llanos, Lorenzo Domínguez y Juan Francisco

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González. A partir de estos hechos, serán combatidas con primeras décadas del siglo XX. La primera mitad del Siglo

violencia durante las

estuvo marcado por su actitud receptiva hacia los

movimientos plásticos y culturales. La situación provocó un desfase del arte chileno en las tendencias y la sociedad. También la relación entre el arte y la sociedad chilena en este periodo fue débil. Influyó en el medio artístico un concepto inmediato del arte por el arte. Como lo cita Gerardo Mosquera: Sólo un incipiente desarrollo del muralismo en los años cuarenta y cincuenta, por Gregorio de la Fuente (1910), Julio Escámez (1926) y José Venturelli (1924-1988); influidos por el Muralismo Mexicano; y el trabajo de ciertos grabadores como Carlos Hermosilla (1905). La creación artística chilena en las primeras décadas del siglo XX, es posible establecer dos perfiles de acción. La primera de ellas se apoya en un lenguaje por la influencia de lo gestual y de la mancha en el proceso de la obra. Este trabajo tiene como referencia a Juan Francisco González, pasa por la Generación de los Trece y por algunos artistas de la Generación del 28 y se extiende en la generación del 40. La Segunda tiene su punto de partida en el Grupo Montparnasse con su preferencia, provenida de Cézanne, a enmarcarse en el aspecto intelectual del fenómeno artístico. Sus integrantes tienen su atención a problemas plásticos de la pintura. Ellos abrieron el camino a la autonomía plástica, la misma que acaba en la abstracción geométrica. Generación del 13

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Surgen con un grupo de jóvenes pintores formados en la Escuela de Bellas Artes por el pintor español Fernando Álvarez de Sotomayor, quienes se darán a conocer como la Generación de los Trece por su primera exposición colectiva realizada en los salones del diario El Mercurio en 1913. La Generación de los Trece propone la renovación pictórica iniciada por Juan Francisco González al retirarse de las pretensiones académicas. Este hecho combina con el sentimiento nacionalista de lo chileno, no sólo en la plástica sino también en la literatura, en la música, al igual que en el resto de Latinoamérica. Entre sus integrantes destacan: Arturo Gordon (1883-1944), Exequiel Plaza (18921947), Pedro Luna (1896-1956) y Agustín Abarca 1882-1953)

Roberto Matta (1911 – 2002)

Considerado uno de los mayores representantes del arte chileno y un gran artista en nivel mundial. Nació en Santiago de Chile el 11 de noviembre de 1911, cifra que utilizaría con frecuencia en su obra, se graduó como arquitecto y viaja a Europa donde conoció a varios artistas como Salvador Dalí, Magritte y Bretón entre otros, siendo parte del movimiento surrealista en Paris, luego viaja a Estados Unidos donde realiza varias obras importantes, en la década de los cincuenta y sesenta, en 1990 recibió el premio Nacional de Arte. Generación del 28 En 1928 participa en el "Segundo Concurso del Centro de Bellas Artes", exhibido en la Sala Chile del Museo de Bellas Artes. A propósito de la premiación de éste encuentro es que se seleccionarían 26 artistas chilenos, (pintores y escultores) quienes posteriormente

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serían enviados a realizar estudios en Europa, originándose de este modo la formación de la llamada "Generación del ‘28".

Hernán Gazmuri (1900-1979), Augusto Eguiluz (1893-1969)

Generación del 40 Este grupo estuvo influido por Pablo Burchard (1873-1964), quiso captar la belleza serena de la naturaleza, lo que predomino por el retorno al paisaje. Utilizaron técnicas resultadas del postimpresionismo, la utilización del color en su impregnación y el empleo del trazo. Cuyo pensamiento es la menor fidelidad de la realidad. Sus

integrantes son: Ximena Cristi 1920, Sergio Montesino 1916, Carlos Pedraza 1913 Grupo Montparnasse En 1923 se produjo ruptura con respecto a la tradición, por un grupo de artistas que dividieron la idea de representación de la pintura, gracias a la influencia de Cézanne y del Fauvismo y el Cubismo. Sus integrantes fueron: Luis Vargas (1897-1977), Julio Ortiz de Zárate (1885-1946), Henriette Petit (1894-1983), José Perotti (1898-1956), Camilo Mori (1896-1974), Manuel Ortiz Zárate (1887-1946). Grupo Rectángulo Según lo cita Sullivan; Surge en 1955 buscando eliminar las formas naturales que provenían del exterior por razón de un endurecimiento en la composición, un juego cromático, dibujo esbozado y plano. Este grupo nació, como resistencia frente a la actitud emotiva y sentimental, en memoria a los artistas que ejercían acción en la Generación de los 40.

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En 1965 se produjo un conflicto en el grupo, por lo que Ramón Vergara consideraba el triunfo del informalismo. Lo que causó que el grupo se dividiera y apareciera así el Grupo Forma y Espacio, formado por algunos miembros de Rectángulo junto con artistas más jóvenes; quienes laboraron la estética constructiva y la abstracción geométrica. Estuvo Integrado por: Ramón Vergara 1923, Gustavo Poblete 1930, Matilde Pérez 1921 8.2. Segunda mitad del siglo Grupo Signo Al iniciarse la década de 1960 se produjo la disolución pos impresionistas de la propuesta visual del Grupo Signo, quien asimiló el informalismo, provocando un

cambio en la escena artística chilena. Integrantes como: José Balmes, Gracia Barrios 1930, Eduardo Martínez 1932, Alberto Pérez 1928 Este grupo relacionó sus prácticas informales con el escenario político, histórico nacional y latinoamericana. Sus materiales se extendieron a la fotografía, diarios y revistas para rescatar un suceso determinado, todo esto bajo la técnica del collage. La situación política de los años sesenta ayudó a generar un arte acusador en sus representaciones. Apareció también el muralismo urbano a través de los equipos muralistas “Ramona Parra”, de las Juventudes Comunistas; “Inti Peredo” y Elmo Catalán, del Partido Socialista. 1964, año en que los grupos inician su trabajo de difusión visual a favor del candidato socialista Salvador Allende.

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El mural urbano ha sido un fenómeno cultural tapado por los estudiosos del arte y por los medios de comunicación al no ser consecuencia de un trabajo artístico profesional o por el perfil político de sus mensajes. El golpe militar el 11 de septiembre de 1973 fue un acontecimiento histórico fatal que afectó a la mayoría de la nación y en todo el campo artístico, se utilizó la reprensión a la libre expresión de las ideas, se vigilo a las universidades escogiendo rectores a miembros de las Fuerzas Armadas, todo esto produjo un verdadero cambio al medio artístico. El arte en este momento era el producto de una ideología y una contemplación desesperada, desamparada. Grupo que surge en el década de los setenta impulso una práctica artística instituida en una conciencia sobre el contexto histórico. Otros artistas habían abandonado la pintura, el grabado o a la escultura en su sentido

tradicional y pusieron en práctica procesos fundados en el propio cuerpo como soporte de importancia autobiográfica. Utilizaron el espacio urbano, dieron un contenido diferente a los objetos cotidianos, propusieron un contra discurso al arte chileno. Estos artistas se relacionaron con medios asistidos por la neo vanguardia internacional: la propuesta de Duchamp, las instalaciones y performances, el empleo del cuerpo o la composición e interacción multimedia.

Juan Downey (1940 – 1993)

Artista visual, grabador y uno de los pioneros del video arte, nació en Santiago el 11 de mayo de 1940 y murió en New York, el 9 de junio de 1993. Mediados de los años sesenta exploró, como corresponde a un espíritu curioso como el suyo, en las nuevas tecnologías.
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9. ARGENTINA El Cono Sur, en general al no tener raíces culturales indígenas y al haberse formado por una fuerte emigración de pueblos del mundo, resulta cultural. La década de los treinta, simboliza una época fundamental para el desarrollo de la pintura, en la cual se originaron grandes hechos relacionados con nuevas formaciones estéticas. El espacio entendido entre 1920 y 1930 es considerado como el espacio de formación de la pintura moderna argentina. Durante el gobierno de Alvear se crea las condiciones para este tipo de expresiones artísticas. Es el primero de los dos períodos de la pintura moderna en la Argentina, el cual corresponde entre 1920 y 1940. El grupo de pintores vanguardistas que trabajan en Francia. GRUPO FLORIDA Su nombre procede del lugar donde se aglomeraban sus integrantes, es decir en el café Richmond de la calle Tucumán, esquina Florida (Buenos Aires). Cuyo grupo trabaja en la redacción del periódico literario, "Martín Fierro", que tiene un lenguaje complejo y sutil. Tratan por una estética innovadora y la transformación artística. Actores de este grupo en la Argentina son: Antonio Berni, Aquiles Badi, Héctor Basaldúa, Horacio Butler, Emilio Centurión, Juan del Prete, Emilio Pettorutti, Xul Solar y Ramón Gómez Cornet. Raquel Forner, Alfredo Guttero, Norah Borges, Lino Eneas Spilimbergo.

muy variable su definición

Xul Solar (1887 – 1963)

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Su verdadero nombre es Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari adopto el nombre de Xul Solar para firmar sus obras, Arquitecto de profesión, viaja Hong Kong y recorrió Europa, en Alemania tiene contacto con el dadaísmo. Estudia filosofía y las creencias de varias culturas como la religión, domina diez idiomas, en donde su obra contiene elementos simbólicos, se le atribuye la creación de un lenguaje pictórico El Criollismo.

Emilio Pettoruti (1892 – 1971)

Estuvo en Europa, donde visito muchas escuelas de arte, donde trabajando a través del cubismo y del futurismo llego a la abstracción, el sol elemento particular de su pintura. Su pintura figurativa es difícil de clasificar, uno de los grandes pintores de esta época.

Antonio Berni (1905 – 1981)

Nació en Rosario el 14 de mayo de 1905 y murió en 1981, de padres italianos, su obra se centra en el contenido social, personajes ingentes y olvidados, artista influenciado por los acontecimientos históricos que vivió en su vida. GRUPO BOEDO Su nombre proviene de la revista 'Claridad' situada en la calle Boedo, en Buenos Aires. Tratan de desarrollar el nivel cultural de las masas populares. Lo principal es tener un pensamiento social y de justicia. Representantes del grupo: José Arato, Abraham Vigo, Adolfo Bellocq, Guillermo Hebecquer y Abraham Vigo, que infunden con su pintura, el incorporar la vida de las clases más bajas de la sociedad. GRUPO DE LA BOCA

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Es un grupo de expresión popular que se interesa por las imágenes y personajes del barrio de la Boca (Buenos Aires). Representantes: Eugenio Daneri, Víctor Cunsolo, carlos Victoria y Fortunato Lacamera. SEGUNDA VANGUARDIA En la segunda vanguardia intervienen las ideas de los grandes pintores como: Picasso, Chagal, Matisse, Braque. Quienes corresponden a las corrientes del surrealismo y cubismo. Se dieron a conocer con obras surrealistas buscando la libertad del ser y del espíritu, a partir del año 1939. Dentro de la segunda vanguardia encontramos a varios grupos: GRUPO ORIÓN (1939) Llamado: " la segunda vanguardia" algunos de los integrantes de esta tendencia dentro del surrealismo. Está formado por: Bruno Venier, Leopoldo Presas, Orlando Pierri, Luis Barragán, Ideal Sanchez, Antonio Miceli, Alberto Altalef y Juan Fuentes y por tres literatos: Ernesto Rodríguez, Juan Aschero y Rodolfo Alegre. GRUPO DE LOS SENSIBLES La pintura sensible se define por el equilibrio y armonía de los colores, el atrevimiento del artista, refleja sus emociones, suministrándole a su pintura un perfil subjetivo. Los pintores sensibles no rechazan de las tendencias vanguardistas, aceptan una

innovación. Los integrantes: Raul Soldi, Eugenio Daneri, Miguel Diomede, entre otros. GRUPO INGENUOS
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Algunos pintores pueden situarse en una formación naif, sus obras muestran un punto de vista inocente del mundo, alejada de las complicaciones y problemas de la vida diaria. PINTORES INDEPENDIENTES Tienen una tendencia constructivista otorgando a sus obras una expresión actual. De este grupo tenemos: Julio Barragán, Carlos Torallardona, Luis Aquino, Atilio Malinverno. ARTE ABSTRACTO (1944) Comienza a partir a finales de la Segunda Guerra Mundial. Su pintura es concreta, es el punto de partida de la abstracción, tanto informal como el geométrico, que se impone en la década del 40. En 1944 surge la abstracción geométrica en Argentina, que reúne tanto a plásticos como a poetas. En 1945 se crea la Asociación Arte Concreto. El precursor de esta corriente en la Argentina es Juan del Prete. EN LOS AÑOS SETENTA La nueva figuración tiene su origen en la década del sesenta, diversos artistas realizan una exposición a la que llaman "otra figuración". La cual influye y brinda una apreciación diferente del arte dentro de esta época. Estas prácticas proporcionan al artista experimentar varios campos de acción. Dentro del grupo de artistas neofigurativos de la Argentina encontramos a Luis Felipe Noé, Jorge de la Vega y Rómulo Maccio.

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ARTE DE SISTEMAS El arte de sistema es la mescla de técnicas estructuralista y la desintegración de elementos, lenguaje, medio, concertando la idea de análisis, la disminución de un lenguaje.

León Ferrari (1920)

Nace en Buenos Aires, en 1920, estudio ingeniería, sus inicios en el arte comienza en 1946, viaja a Italia donde elabora varias esculturas en diversos materiales, en 1976 viaja a Brasil autoexiliado por razones políticas, trabaja en varios proyectos donde inserta a su obra diversas técnicas como la fotografía, video, texto y diversos materiales o elementos, en 2007 obtiene el premio el león de oro de la Bienal de Venecia. GRUPO HAPPENING Las experiencias realizadas en 1952 por el músico y compositor norteamericano John Cage y su alumno Allan Kaprow, nace la escuela designada "Happening". Es una expresión artística que se precisa por la cooperación del público, donde las acciones nacen espontáneamente, sin previa formación. Es por eso que su tiempo de duración varía y cuando concluye, los finales son irrepetibles. Entre los representantes argentinos de este movimiento podemos destacar a Martha Minujin.

Antonio Berni (1905 – 1981)

Nació en Rosario el 14 de mayo de 1905 y murió en 1981, de padres italianos, su obra se centra en el contenido social, personajes ingentes y olvidados, artista influenciado por los acontecimientos históricos que vivió en su vida.

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10. BRASIL Brasil es un país de múltiples contrastes, multicultural y racial, con una historia de dinámica migración desde Europa y de muchas partes del mundo. Una herencia

colonial y evangelizadora enmarcada con la esclavitud de indígenas y negros. Diferenciada por el mestizaje de culturas de tres continentes. Sincretismo, una

cosmovisión particular dentro de América latina. Los colonizadores portugueses llegaron a saquear el país y con la intención de volver a Portugal, según la historia, y por esta razón no exploraron el interior. Por lo que se quedaron en las ciudades costeras del país, este hecho dio como consecuencia la construcción de soberbias ciudades sobre todo el litoral. Brasil es el primero del mundo en el aspecto de la biodiversidad pues contiene

probablemente mayor número de especies que ningún otro país, una gran proporción de la mayor selva tropical del mundo, la selva amazónica, y una gran diversidad de hábitats de enorme importancia biológica, desde sabanas hasta pantanos. Las diferencias culturales de los brasileros son el resultado de la mezcla de la herencia cultural e hibrida dentro de una geografía única y los aspectos económicos de las clases marcadas por la raza y el comercio. ANTECEDENTES HISTÓRICOS DEL SIGLO XX El arte brasileño dentro de este siglo impone una variada cosmovisión e identidad. En 1928 uno de los legados de la modernidad, es el Manifiesto Antropofágico; del poeta y escritor Oswald de Andrade: “la cultura brasileña sería capaz de devorar, digerir

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y transformar todas las influencias externas y crear con ellas su propio significado y su propia visión.” Según esta corriente es como debe entenderse el arte brasileño. El arte brasilero, en el siglo XX, tiene una gran importancia para el resto de América latina, se podría decir del cambio hacia una nueva generación de artistas. Comienza con la exposición de Anita Malfatti, en 1917, Emiliano Di Cavalcanti, y Cìcero Días que participaron en la primera semana del arte. Durante los años siguientes que participaron en la semana del arte Fernard Leger, Tarsila do Amaral, esta etapa hasta finales de los años veinte calificada como

“antropófaga”, a partir de este manifiesto. En 1923 el artista Lasar Segal de origen lituano emigro a Säo Paulo, participante en el movimiento expresionista de Alemania, trae cambios al arte. La generación de los treinta, tras la revolución de este año, que llevo al poder al dictador Getulio Vargas hasta 1945, el cual respaldo las actividades culturales dentro de la política de estado, Rio de Janeiro vuelve a ser en el centro cultural. En esta década es visitada por los arquitectos de Le Corbusier en 1929 y de Frank Lloyd en 1930, cual opinión era de establecer una nueva arquitectura, como amalgama de las artes.

Candido Portinari ( 1903 – 1962)

Artista oficial del gobierno de Getulio Vargas, miembro del partido comunista, fue un artista con temas históricos y de matices de la injusticia social, una de sus obras más reconocidas e importantes por varios críticos de arte es la pintura Mestizo. Portinari encabezo un grupo de artistas interesados por los temas sociales. En 1946 es profesor en

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la escuela de bellas artes en Rio de Janeiro. Su obra artística está llena de murales dentro y fuera de Brasil, en sus comienzos tiene influencia de Modigliani, artista que le gusto los formatos grandes y tendencia expresionista, colorista, en 1928 gana el premio de arte, con el cual viaja a Europa por dos años.

Cícero Días (1907 – 2003)

Pintor y dibujante brasileño, considerado el artista de la modernidad, nació en 1907 Recife, estudio arquitectura y artes en la escuela de Bellas Artes de Rio de Janeiro. En 1929 expuso en Museo Nacional de Bellas Artes la obra; He visto el mundo comenzaba en Recife, debido a sus ideas políticas contrarias a la dictadura de Getúlio Vargas en 1937 huyó a París, donde estableció definitivamente su residencia. En la capital francesa se relacionó con los artistas surrealistas del grupo Espace, enlazó el

surrealismo con recuerdos oníricos. Realiza varias obras su mayor influencia es Picasso. En el año 2003 fallece en Paris. En el año de 1932 son fundados los grupos, el clube, CAM y SPAM cuyos grupos pro arte moderno (por Lasar Segall). El CAM grupo independiente en sus decisiones y sus programas artísticos. Cuyos integrantes como Tarsila Do Amaral, Mario Pedrosa, Flavio Carvalho, Di Cavalcanti. Cual desaparece en 1934.

Lasar Segall (1891 – 1957)

Nació en la ciudad de Vilnius en Lituaña. Estudio en Berlín y Dresde, es motivado e influenciado por el expresionismo de los artistas Liberman y Kokoshka, en 1923 viaja a Brasil a la ciudad São Paulo, en donde ubica su residencia.
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Dentro de su obra plástica se determina un estilo expresionista, plasma la vida del pueblo brasileño y facetas de los judíos, temas como la guerra, la selva, y campos de concentración, muere en São Paulo, en 1957.

Emiliano Di Cavalcanti ( 1897 – 1976)

Uno de los artistas más representativos del Brasil, Emiliano Augusto de Alburquerque Melo, conocido como Di Cavalcanti, nativo de Rio de Janeiro, en 1916 realiza su primera exposición en Sao Paulo. En esta época tiene gran influencia del artista George Fisher. En 1923 viaja a Paris como corresponsal de prensa, donde conoció a varios artistas como Picasso, Matisse, Braque, además presenta sus obras en varias ciudades de Europa. En 1926 en Brasil, su pintura se centra en la figura humana y como tema central la imagen de la mulata considerándolo símbolo femenino brasileño. En 1953 gana el premio nacional de pintura, para este periodo había hecho infinidad de exposiciones dentro y fuera de Brasil, realizó varios paneles y murales uno de los más representativos es el Forum Lafayette en la ciudad Belo Horizonte.

Tarsila Do Amaral (1886 – 19739)

Representante de las pintoras brasileñas, en 1916 comenzó sus estudios de arte en Sao Paulo y en 1920 viaja a Paris donde estudia con varios pintores, en 1926 hace su primera exposición donde presenta su obra, la negra (1923). Su temática en este periodo de paisajes coloridos cubistas pasando después por temas de realismo social gracias a su visita a Moscú en 1931. En los años cincuenta un interés por el arte y la cultura se crea un número de museos y la bienal de Sao Paulo, que impulsa las nuevas maneras de hacer y ver el arte. Se
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construye en 1956 la capital del país, Brasilia dando un impulso para el arte, la cultura y la arquitectura. La generación de los cincuenta se manifiesta como la segunda fase de la modernidad que perdurara hasta los ochenta. El grupo de la semana del arte, tiene mayor peso en esta época, en la cual muchos artistas se adhieren, este período también conocido por su acumulación de riqueza dada por la exportación de materias primas hacia los aliados de la segunda guerra mundial, son conocidos como los años del desarrollo. Brasilia considerada como el símbolo de la modernización en el país, una imagen de cambio y poder económico hacia el resto del mundo. El fin de la segunda guerra mundial estableció cambios profundos en el arte mundial, Brasil no es la excepción, el arte en la década de los cincuenta. El abstraccionismo tanto el informal o concreto se convirtió en la estética importante tanto en Brasil como el resto del mundo, consecuencia de esto, en 1951 la primera Bienal de Sao Paulo, el primer premio gana una obra de esta corriente, el arte representa el progreso científico y tecnológico, tal como se había hecho en la Bauhaus. El grupo ruptura en 1952, se oponía al naturalismo, y creía en la “renovación de los valores esenciales de las artes plásticas”. Y pensaba el arte como “medio de conocimiento deducible a partir de conceptos”. Y el grupo Frente que apareció en Rio, ambos promueven eventos e ideales artísticos culturales. En el año 1959, en la ciudad de Rio se publica el manifiesto Neo concreto, el cual critica la racionalidad y la falta de visión en el arte concreto. Ellos rechazan la pintura de caballete y la escultura estática, el cual cambia el sentido de objeto de arte.
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Exponentes de este grupo tenemos a Helio Oiticica, Amílcar de Castro, Lygia Pape, Lygia Clark, Hércules Barsotti. La década de los sesenta fue de las mas proliferas en el arte brasilero, la incursión del arte conceptual y todas las formas de entender el arte desde diversos espacios de la cultura. El golpe militar de 1964, contrae el arte y trae cambios, tanto en la plástica, la música, el cine y por supuesto la arquitectura, hubo una variedad de formatos y estilos en esta época.

Cildo Meireles, (1948)

En su obra presenta una profunda reflexión sobre los valores establecidos, y se podría decir también sobre la forma de hacer arte y los diferentes sistemas culturales y

artísticos. Inicia sus estudios 1963, se traslada a Rio de Janeiro en 1967, donde estudia en la Escuela Nacional de Bellas Artes. En toda su obra se cuestiona sobre el espacio, artista multifuncional dentro del campo de la fotografía, escultura, instalaciones,

performances, donde su proyecto más popular es Coca Cola. En la actualidad vive en Rio de Janeiro. • Tunga Uno de los artistas más jóvenes conceptuales de Brasil, arquitecto de profesión en 1974, dejo la arquitectura por las artes visuales, Tunga produce escultura basada en el

performance, la fotografía, el dibujo y el video. Se menciona del artista que trabaja como un narrador de historias irreales como alegorías como parte de su obra. • José Damasceno ( 1968)

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Artista de la generación de los setenta, su obra se enmarca en la neo figuración, neo concretismo y cierto surrealismo, le gusta trabajar con varios materiales que encuentra en la vida cotidiana, personaje irónico donde interviene el espacio expositivo donde presenta sus proyectos, proponiendo un dialogo nuevo entre la obra y el espectador. En los setentas las corrientes y escuelas artísticas hay un cambio renovador, las corrientes como el minimalismo, el povera, tienen una acogida muy amplia. Para los ochenta y los noventas hay cambios en el país tanto políticos como sociales y económicos, en 1985 finaliza una serie de regímenes militares. Los noventas con un movimiento neo dada, las artes visuales tienen un cambio significativo y los movimientos híbridos que incursionan en varias disciplinas enmarcados en su multiculturalismo, y el arte circunscrito mas en cuestionar al

espectador, considerado un fenómeno el arte de Brasil, y un referente para América latina y el mundo.

11. ARTE CHICANO En Estados Unidos los residentes latinos, construyen una cultura hibrida, creada por sus múltiples cosmovisiones y mestizaje racial, con un pasado colonial común, su forma de vida y el pos colonialismo y sus proyectos de modernización, la historia chicana se define al igual que su arte por la transformación de dos culturas, dos idiomas, dos países, que cruzan la frontera el arte latinoamericano y el arte estadounidense. La cultura chicana trata de buscar o definir su identidad, recuren a la memoria de su pasado para definirse así mismo, el sobrevivir y transformarse con problemas de cultura migratoria, un modelo de identidad se describe a través del Chicanismo, como lo cita
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Víctor Zamudio: traducido como “la suma total de los modelos históricos de resistencia de valores culturales de supervivencia, los cuales fueron la base de la lucha por la autodeterminación”. Mediante un proyecto de identidad nacionalista se desarrolla la propuesta de la “mexicanidad” discurso pos revolucionario de México, sirvió como modelo para la Chicanidad, defendido por los chicanos por el sentido igualitario y utópico marcado por la tradición sociocultural. Hacia la década de los sesenta se

proyecta un sin número de temas como lo popular, la cultura baja, la cultura de masas, la iconografía dentro de la religiosidad popular, el sincretismo en todas sus formas, como representación de lo autóctono, Tomas Ibarra lo determina ha esta estrategia como el Rascachismo, tan irreverente y cual proyecta el rechazo por los intelectuales, las categorías impuestas de la cultura e identidad marcan una diferencia dentro del imaginario chicano. La cultura elitista rechaza este modo de subcultura, lo cual los chicanos la acogen con orgullo y afirmación. En la plástica el arte chicano tiene sus comienzos en los murales y grafitis, como grupos WPA de los años treinta y los Barrios placasos, ( muros decorados con grafitis), en los sesenta existen varios colectivos como los Four, East y los Streetcapers y el congreso de artistas en Aztlan, La Royal Chicano Air, los toltecas, los Guadalupanos, hacia 1971 se crea el colectivo ASCO, que reivindica las posibilidades efímeras, como los murales instantáneos, enmarcados en el conceptualismo y rechazaban instituciones culturales. Representantes de este periodo tenemos a Rupert García cuya obra enmarcada por su contenido político y la experimentación plástica, combinando aspectos modernos. De los representantes más destacados tenemos a John Valadez , Carmen Lomas Garza, Amalia Mesa Bains, Yolanda López, Cecilia Álvarez Muñoz, Armando Rascon.

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