Universidad Rural de Guatemala.

Sede 154, San Francisco, Petén.

Carrera: Licenciatura en Ciencias de la Educación (Pedagogía.)

Curso: Arte y Creatividad

Catedrática: Lic. Nora Ramón Guerra.

Semestre Noveno.

Trabajo:

Texto Paralelo, Primera Parte

Estudiante:

San Francisco, Petén, 9 de Marzo del 2019

 ARTE Y CREATIVIDAD

Analizaremos la expresión artística como un recurso para el desarrollo integral de las niñas y
niños que están en la etapa escolar. Dividiremos en cinco grandes temas:

1. La educación artística y la escuela

2. El desarrollo de la expresión artística en el niño y la niña del nivel de Educación Preprimaria

y Primaria.

3. Aprendizaje de la expresión artística en la cotidianidad desde una perspectiva cultural.

4. La función del maestro y de la maestra.

5. ¿Cómo vamos a evaluar? Criterios de evaluación. Esperamos que el desarrollo de cada uno
de ellos le brinde los elementos necesarios para dar respuesta a la pregunta.

¿QUÉ ES EL ARTE?

El arte es de vital importancia en la educación ya que es generador del desarrollo de la

expresión creativa natural que todo ser trae consigo, y estimula tanto las cualidades como los
valores sociales, morales y la autoestima.

Además, tiene la finalidad de introducir al que enseña y al que aprende en la ardua y fascinante
tarea de la creatividad, la sensibilidad, la apreciación artística y la expresión, factores que
contribuyen al espíritu creativo y social de todo individuo.
Alvaro Marchesi afirma, “las nuevas exigencias sociales y una visión renovada sobre la función
de la educación escolar han puesto de manifiesto la importancia de lograr que los alumnos
adquieran las competencias necesarias que les permitan aprender a aprender, aprender a
convivir y aprender a ser.

Si estos elementos integradores de la educación artística no se establecen en el campo

educativo, la formación del niño y la niña no se realizará dentro de un sentido pleno y
difícilmente habrá una relación armónica entre el individuo y el mundo exterior.

COMENTARIO PERSONAL: para mí el arte es ver más allá de un objetivo, es

representarlo de una forma única cargada con el sentir del artista, el arte son las
interpretaciones que cada persona tiene de algo que uno puede sentir y que
puede dar a conocer.

CLASIFICACIÓN ANTIGUA.
El arte antiguo, también llamado como arte de la antigüedad, es un arte que se originó en la
Edad Antigua y cuya historia crea una gran división en la historia del arte.

El concepto de arte en la antigüedad no había alcanzado en ninguna civilización la consideración

social de bellas artes que consiguió en la cultura occidental a partir del renacimiento.

Auditivas: En ella entran lo que es música poesía.

Visuales: Escultura y pintura.

Mixtas: Danza y opera.

Mecánicas: Arquitectura y escultura.

Estética: Es todo lo relacionado con belleza.

Música: Es el reflejo de lo que siente cada persona al tocar algún instrumento.

Poesía: Es considerado de la belleza o del sentimiento estético por medio de la palabra en

verso o prosa.
Escultura: Al arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales.

Pintura: Es aquel que refleja emociones por medio de la pintura.

Danza: Es el movimiento en el espacio que se realiza con una parte o todo el cuerpo del
ejecutante, con cierto compás o ritmo como expresión de sentimientos individuales, o de
símbolos de la cultura y la sociedad.

COMENTARIO PERSONAL: Es muy importante conocer la clasificación del arte,

para así poder apreciar de mejor manera las obras de arte de varios artistas ya
que existen varias formas de clasificar el arte como una belleza.
 CLASIFICACIÓN DEL ARTE ACTUAL.

Arquitectura: Se define como aquel arte en el que se proyectan y construyen edificios de
todo tipo y para todo uso. Se le considera una de las bellas artes ya que implica también una
búsqueda constante de la estética. Dicho tratado que escrito por Marco Vitruvio Polión, quien a
lo largo de la historia se ha considerado como el padre de la arquitectura.

Danza: Es una forma de arte en donde se utiliza el movimiento del cuerpo, usualmente con
música, como una forma de expresión, de interacción social, con fines de entretenimiento,
artístico o religioso.

Escultura: Arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. Dentro de la
escultura, el uso de diferentes combinaciones de materiales y medios ha originado un nuevo
repertorio artístico, que comprende procesos como el constructivismo y el assemblage.
Música: El arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y
silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante
la intervención de complejos procesos psico-anímicos.

Pintura: Es el arte de la representación grafica utilizando pigmentos mezclados con otras

sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas.

Poesía: La poesía es un texto escrito en una forma particular donde las oraciones se dividen en
varios renglones llamados versos.

Cinematografía: Es la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear

la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo o película o filme.
Fotografía: El arte y la técnica para obtener imágenes duraderas debidas a la acción de la luz.
Es el proceso de capturar imágenes y fijarlas en un medio material sensible a la luz.

Historieta: Es un arte universal, un medio de comunicación masivo entendido por el mundo,

que nació en Europa, se desarrolló en América y adquirió su plenitud y madurez nuevamente en
el viejo mundo.

COMENTARIO PERSONAL: El arte está en todo lo podemos encontrar en una

fotografía, un escrito, un dibujo, en la música que escuchamos, en todo y es
increíble cómo hemos avanzado tanto para poder expresar todo lo que sentimos
y que sea arte.

FUNCION DEL ARTE

La función del arte ha variado a lo largo de su historia cumpliendo con varios roles distintos
simultáneamente. Como el arte carece de un valor de uso inmediato e intrínseco que lo defina y
restrinja, su utilidad le es dada arbitrariamente y se puede manipular.

Las funciones del arte son múltiples, mutables, combinables entre sí y dependientes de un
contexto: el entorno el que se crea la obra de arte, aquel en el que se presenta o el grupo social
que la observa.

Funciones del arte

Función mágico-religiosa. Es el uso del arte ligado a los rituales mágicos para los que se produce.
Se cree que esta es la función principal del arte primitivo.

Función estética. Impera la función estética cuando la obra de arte gira en torno al concepto de
belleza como, por ejemplo, en la representación de ideales estéticos de la Antigua Grecia.
Función ideológica. Se transmiten los pensamiento de un movimiento (social, político, religioso.) a
través de la obra de arte. Pueden ser los pensamientos del artista o los de quienes han encargado
la obra.

Función conmemorativa y de promoción. Un arte frecuentemente usado dentro de la propaganda

política para la exaltación de triunfos y la divinización de figuras históricas como en la Antigua
Roma.

Función pedagógica. Las clases dirigentes, como las órdenes religiosas durante la Edad Media,
encargan al artista representaciones que ilustren sus mensajes para adoctrinar al grueso de la
población que no sabía leer.
Función de registro, análisis y expansión de la realidad. El artista investiga su entorno y muestra la
información que ha recopilado a través de la obra de arte.

Función modeladora de la sensibilidad. La contemplación de obras de arte enriquece y da forma a

la sensibilidad artística del espectador.

Función ornamental. El arte se usa para transformar un espacio.

Función mercantil. Las obras de arte tienen un valor de cambio y el arte se convierte en un
producto más. Con esta función aparecen intermediarios que ponen en circulación las obras
(marchantes, galerías, casas de subastas, etc.) y crece la distancia entre el artista y el público
general.
Función de discriminador social. Cuando se compra arte caro se adquiere un prestigio
directamente relacionado con la capacidad de pagar grandes sumas por un objeto que es
innecesario y que carece de utilidad aparente.

COMENTARIO PERSONAL: Me ha parecido muy interesante la explicación sobre

la función del arte, puesto que acá conocemos todas las posibilidades que el arte
nos brinda, en el mundo actual hay mucha gente que no le da importancia que en
ocasiones la deja en el olvido, me parece excelente dar a conocer estos temas que
ponen en manifiesto el arte

GÉNEROS ARTÍSTICOS

Un género artístico es una especialización temática en que se suelen dividir las diversas artes.
Antiguamente se denominaba “pintores de género” a los que se ocupaban de un sólo
tema: retratos, paisajes, pinturas de flores, animales, etc. El término tenía un cierto sentido
peyorativo, ya que parecía que el artista que trataba sólo esos asuntos no valía para otros, y se
contraponía al “pintor de historia”, que en una sola composición trataba diversos elementos
(paisaje, arquitectura, figuras humanas). En el siglo XVIII, el término se aplicó al pintor que
representaba escenas de la vida cotidiana, opuesto igualmente al pintor de historia, que trataba
temas históricos, mitológicos, etc. En cambio, en el siglo XIX, al perder la pintura de historia su
posición privilegiada, se otorgó igual categoría a la historia que al paisaje, retrato, etc. Entonces,
la pintura de género pasó a ser la que no trataba las principales cuatro clases reconocidas:
historia, retrato, paisaje y marina. Así, un pintor de género era el que no tenía ningún género
definido. Por último, al eliminar cualquier jerarquía en la representación artística, actualmente
se considera pintura de género cualquier obra que represente escenas de la vida cotidiana,
temas anecdóticos, al tiempo que aún se habla de géneros artísticos para designar los diversos
temas que han sido recurrentes en la Historia del arte (paisaje, retrato, desnudo, bodegón),
haciendo así una síntesis entre los diversos conceptos anteriores.

Géneros pictóricos: Se suelen clasificar en cuanto a su contenido

temático: retrato y autorretrato, desnudo, bodegón y vanidades, paisaje y marina, pintura
de mitología, pintura de historia, pintura religiosa, pintura de género, etc.

Géneros literarios: Los géneros literarios son los distintos grupos o categorías en que podemos
clasificar las obras literarias atendiendo a su contenido. La retórica clásica los ha clasificado en
tres grupos importantes: lírico, épico y dramático. A éstos algunos suelen añadir el didáctico
(oratoria, ensayo, biografía, crónica).
Géneros musicales: Se basan en criterios como el ritmo, la instrumentación, las características
armónicas o melódicas o la estructura. La música clásica, académica o música culta es uno de los
tres grandes géneros en los que se puede dividir la música en general, junto con la música
popular y la música tradicional o folclórica.

Géneros cinematográficos: Primero se clasificaron en dos grandes grupos: comedia y tragedia;

más tarde, se fueron diversificando: cine de acción, thriller, cine bélico, de ciencia ficción, cine
de aventuras, western, de artes marciales, cine fantástico, cine de terror, de catástrofes, cine
épico, cine histórico, cine, etc.

En arquitectura: En vez de géneros se habla de tipologías, que dependen de la configuración

global, la técnica, la construcción y la decoración. Tenemos así tipologías como la iglesia,
el palacio, el castillo, la vivienda, el rascacielos, la fábrica, etc.
COMENTARIO PERSONAL: El Género artístico es de gran importancia en el arte ya
que siempre están presentes en ella, la pintura, la escultura, la fotografía y el
dibujo, ya que son la repetición temática de las obras de arte.

Universidad Rural de Guatemala.

Sede 154, San Francisco, Petén.

 Carrera: Licenciatura en Ciencias de la Educación (Pedagogía.)

Curso: Arte y Creatividad

Catedrática: Lic. Nora Ramón Guerra.

Semestre Noveno.

Trabajo:

Texto Paralelo, Segunda Parte

Estudiante: Nidia Patricia Jaramillo Durán

San Francisco, Petén, 11 de Mayo del 2019

Arte y creatividad

Analizaremos la expresión artística como un recurso para el desarrollo integral de

las niñas y niños que están en la etapa escolar. Al referirnos al desarrollo integral,
estamos hablando del ser niña o niño, que integra una serie de habilidades,
destrezas, actitudes y necesidades de esta etapa de desarrollo.
Dividiremos en cinco grandes temas:
1. La educación artística y la escuela
2. El desarrollo de la expresión artística en el niño y la niña del nivel de Educación
Preprimaria y Primaria.
3. Aprendizaje de la expresión artística en la cotidianidad desde una perspectiva
cultural.
4. La función del maestro y de la maestra
5. ¿Cómo vamos a evaluar? Criterios de evaluación. Esperamos que el desarrollo
de cada uno de ellos le brinde los elementos necesarios para dar respuesta a la
pregunta:
¿Cómo y por qué la expresión artística es un recurso para el desarrollo integral de
los niños y niñas en etapa escolar?

¿Qué es el arte?
Cualquiera de las actividades, acciones o facultades del ser humano que valiéndose
de la materia, la imagen, el sonido, el gesto o la lengua; imita, expresa o crea
productos materiales o inmateriales con una finalidad estética.
El arte es de vital importancia en la educación ya que es generador del desarrollo de
la expresión creativa natural que todo ser trae consigo, y estimula tanto las
cualidades como los valores sociales, morales y la autoestima.

Además, tiene la finalidad de introducir al que enseña y al que aprende en la ardua

y fascinante tarea de la creatividad, la sensibilidad, la apreciación artística y la
expresión, factores que contribuyen al espíritu creativo y social de todo individuo.

La educación debe contribuir al desarrollo global de cada persona: cuerpo y mente,

inteligencia, sensibilidad, sentido estético, responsabilidad individual y
espiritualidad.

Todos los seres humanos deben estar en condiciones, gracias a la educación

recibida en la juventud, de dotarse de un pensamiento autónomo y crítico y de
elaborar un juicio propio, para determinar por sí mismos qué deben hacer en las
diferentes circunstancias de la vida”.

Pensando de esta forma debemos educar para la vida, ¿no es así?. Alvaro Marchesi
afirma, “las nuevas exigencias sociales y una visión renovada sobre la función de la
educación escolar han puesto de manifiesto la importancia de lograr que los
alumnos adquieran las competencias necesarias que les permitan aprender a
aprender, aprender a convivir y aprender a ser.
En este contexto, resurge con fuerza el papel de la educación artística para la
formación integral de las personas y la construcción de la ciudadanía.

El desarrollo de la capacidad creativa, la autoestima, la disposición para aprender,

la capacidad de trabajar en equipo o el pensamiento abstracto encuentran en la
educación artística una estrategia potente para lograrlo.
En épocas pasadas, y por desgracia todavía en los tiempos actuales, se pensaba que
la educación artística podía ser de interés solo para quienes veían en el arte un
campo de desarrollo profesional, o era contemplada como una actividad marginal
en las escuelas.

Lo cierto es que el avance en la investigación de la psicología, la neurociencia, la

educación y los valores ha subrayado la importancia de las artes como espacios que
brindan la posibilidad de transformación de la dimensión humana, tanto en los
ámbitos del conocimiento como en los afectivos, sociales y espirituales”

El ser humano es por naturaleza un ser que necesita comunicarse, expresarse y

relacionarse.

Es un ser único, con una capacidad de autenticidad en su expresión individual y con

un lenguaje que lo diferencia del mundo animal.

Precisamente por el lenguaje, las personas pueden expresarse y crear sus propios
símbolos.

El individuo ha creado una simbología a través del tiempo.

Si estos elementos integradores de la educación artística no se establecen en el

campo educativo, la formación del niño y la niña no se realizará dentro de un
sentido pleno y difícilmente habrá una relación armónica entre el individuo y el
mundo exterior
Si las puertas ya están abiertas a la creatividad y a la fantasía, entonces, estamos
favoreciendo los propósitos de la enseñanza de la expresión artística en el nivel
Primario, que no es otra, que promover en los niños y niñas el desarrollo de sus
potencialidades cognoscitivas y comunicativas, la confianza en sí mismos, la
seguridad y el respeto en sus relaciones con los demás, así como las capacidades y
disposiciones para el aprendizaje permanente. Esa creatividad individual, esencial
para el desarrollo personal, representa el primer paso para la creatividad social,
fundamental para el desarrollo de una sociedad y una cultura.

Clasificación antigua:

El arte antiguo, también llamado como arte de la antigüedad, es un arte que se

originó en la Edad Antigua y cuya historia crea una gran división en la historia del
arte.

Desde dicha división, la historia del arte se centra más en la interpretación y el

estudio de las obras de arte que en su explicación.

El concepto de arte en la antigüedad no había alcanzado en ninguna civilización la

consideración social de bellas artes que consiguió en la cultura occidental a partir
del renacimiento. Pintura, escultura y arquitectura (las artes visuales) eran
equivalentes a las diferentes habilidades o técnicas manuales.
Auditivas: en ella entran lo que es música poesía

.
Visuales: escultura y pintura

Mixtas: danza y opera
Mecánicas: arquitectura y escultura

Estética: es todo lo relacionado con belleza

Música: es el reflejo de lo que siente cada persona al tocar algún instrumento

Poesía: es considerado de la belleza o del sentimiento estético por medio de la
palabra en verso o prosa.

Escultura: al arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales.

Pintura: es aquel que refleja emociones por medio de la pintura.

Danza: es el movimiento en el espacio que se realiza con una parte o todo el
cuerpo del ejecutante, con cierto compás o ritmo como expresión de sentimientos
individuales, o de símbolos de la cultura y la sociedad.

Clasificación del arte actual:

Arquitectura: la arquitectura se define como aquel arte en el que se proyectan y

construyen edificios de todo tipo y para todo uso.
Se le considera una de las bellas artes ya que implica también una búsqueda
constante de la estética.

La arquitectura encuentra su origen en épocas muy antiguas, pudiendo ubicar en su

historia el primer tratado en la roma del siglo I antes de cristo.
Dicho tratado que escrito por Marco Vitruvio Polión, quien a lo largo de la historia
se ha considerado como el padre de la arquitectura.
Danza: es una forma de arte en donde se utiliza el movimiento del cuerpo,
usualmente con música, como una forma de expresión, de interacción social, con
fines de entretenimiento, artístico o religioso. La danza, también es una forma de
comunicación, ya que se usa el lenguaje no verbal entre los seres humanos, donde
el bailarín o bailarina expresa sentimientos y emociones a través de sus
movimientos y gestos.

Se suele bailar con música, ya sea una canción, pieza musical o sonidos y que no
tiene una duración específica, ya que puede durar segundo, minutos, u horas.

Escultura: arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales.

Las 
bellas artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando
espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las
de fundición y moldeado. 

Dentro de la escultura, el uso de diferentes combinaciones de materiales y medios

ha originado un nuevo repertorio artístico, que comprende procesos como el
constructivismo y el assemblage.
Música: el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de
sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la
armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-
anímicos.
El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la antigua Grecia,
en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario.

Pintura: es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con

otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas
de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el
dibujo.
La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada una
hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera, un recorte de tejido, etc. Una
técnica determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas,
dibujo, etc. dando lugar a una obra de arte según unos principios estéticos.

Poesía: La poesía es un texto escrito en una forma particular donde las oraciones se
dividen en varios renglones llamados versos.

Los versos se agrupan en conjuntos espaciados entre sí llamados estrofas.

Suele tener rima, que le da musicalidad.

Cuando no hay rima entre los versos ni medida predeterminada se denominan

versos libres.

Cinematografía: Es la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva

para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo o película, o film, o
filme. La palabra cine designa también las salas o teatros en los cuales se proyectan
las películas.
Etimológicamente, la palabra cinematografía fue un neologismo creado a finales
del siglo XIX compuesto a partir de dos palabras griegas.
Fotografía: El arte y la técnica para obtener imágenes duraderas debidas a la
acción de la luz.
Es el proceso de capturar imágenes y fijarlas en un medio material sensible a la luz.
Basándose en el principio de la cámara oscura, se proyecta una imagen captada por
un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen
queda reducido.

Historieta: Es un arte universal, un medio de comunicación masivo entendido por

el mundo, que nació en Europa, se desarrolló en América y adquirió su plenitud y
madurez nuevamente en el viejo mundo.
La historieta se crea en Europa en el siglo XIX con tres artífices, el suizo Rodolphe
Tópffer, el alemán Wilhem Bush y el francés Cristophe.
Elementos del fenómeno artístico: Para la realización de una obra de arte, se
necesita de ciertos elementos fundamentales, actualmente se clasifican más
reducidamente dichos elementos, los cuales son: el artista, la obra de arte que
desempeñara, el púbico, la percepción que se tenga de la obra entre otros pero hoy
daremos énfasis a los que sin duda son considerados los más importantes, (el artista
y la obra de arte) los cuales los presentaremos a continuación:

El artista: se denomina artista a aquella persona que, o bien practica un arte, o bien
destaca en él.

Un artista es quien elabora una obra de arte, en épocas pasadas un artista era
cualquier persona que trabajase en las artes liberales o vulgares, desde un
gramático, un astrónomo o un músico, hasta un albañil, un alfarero o un ebanista.
Sin embargo, hoy día se entiende por artista a alguien que practica las bellas artes.
Aún así, el término artista puede tener diversas acepciones, desde el artista como
creador, hasta el artista como el que tiene en la práctica de un arte su profesión. Así,
a menudo llamamos artistas a actores o músicos que sólo interpretan obras creadas
por otros autores.
Al artista se le supone una disposición especialmente sensible frente al mundo que
lo rodea: ha desarrollado su propio punto de vista, así como su creatividad, una
buena técnica y un medio de comunicación hacia el espectador por medio de sus
obras.
El artista adquiere su propio dominio de la técnica y su desarrollo artístico
intelectual para llegar al camino del profesionalismo. Con esta personalidad, el
artista se manifiesta hacia el mundo tratando de reflejar lo que acontece (o le
gustaría que aconteciera) en él.

La obra de arte: es una realización material, que tiene una existencia objetiva y
que es perceptible sensiblemente.

Una obra de arte puede ser tanto el objeto material en sí (una pintura, una escultura,
un grabado) como una producción intelectual donde la artisticidad se encuentra en
el momento de su ejecución o captación por medio de los sentidos:así, en la
literatura, el arte se encuentra más en la lectura de la obra y no en el lenguaje
escrito que le sirve de vehículo de comunicación, o en el medio material (libro,
revista) que le sirva de soporte; en música, el arte se encuentra en su percepción
auditiva, no en la partitura en que se ve reflejada.
Así, en el arte conceptual se valora más la concepción de la obra de arte por parte
del artista que no su realización material. En ese sentido, una obra de arte puede
tener varios niveles de elaboración.

Decía Panofsky que, al escribir una carta, se cumple básicamente el objetivo de

comunicarse; pero si se escribe poniendo especial atención en la caligrafía, puede
tener un sentido artístico valorable y si, además, se escribe en un tono poético o
literario, la carta trasciende su sustrato material para convertirse en una obra de arte
valorable por sus cualidades intrínsecas.

Por otro lado, hay que valorar la percepción del receptor: un objeto puede no estar
elaborado con finalidades artísticas pero ser interpretado así por la persona que lo
percibe. Igualmente, una obra de arte puede tener diversas interpretaciones según la
persona que lo valore, como remarcó Umberto Eco con su concepto de “obra
abierta”.

Y una misma obra puede ser percibida como artística por unos y como no artística
por otros: decía Marcel Mauss que es obra de arte el objeto que es reconocido como
tal por un grupo social definido.

Así, habría que reconocer que una obra de arte es un objeto que tiene un valor
añadido, sea este valor un concepto artístico, estético, cultural, sociológico o de
diversa índole. En conclusión, se podría decir que una obra de arte es un hecho
sensorial, realizado artificialmente, con intencionalidad comunicativa y orientación
lúdica.

La obra de arte, para ser considerada como tal, debe trascender de lo material para
adquirir una significación importante, basada tanto en su aspecto estético como en
el histórico.

II
Escultura y grabado: La Escultura y más aún las artes a ella subordinadas, se
sirven de variados procedimientos para su ejecución. Los escultores suelen preparar
su obra formando un modelo (modelando) con arcilla o yeso fino la figura que ha
de servirles como tipo, este modelo equivale para ellos al boceto para el pintor o el
plano para el arquitecto.
Después, el artista saca puntos de su obra con auxilio de una cuadrícula haciéndola
exactamente proporcional a su modelo. La materia sobre la cual trabaja el escultor
suele ser barro o arcilla, piedra, madera, bronce, hierro, marfil, plata u oro.

Arcilla. Es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre por ser
fácil de modelar y no necesitar de utensilios especiales, ya que se pueden utilizar
simplemente las manos. Con el barro se pueden sacar moldes para después trabajar
con otros materiales. Si se emplea como material definitivo debe cocerse; en este
caso recibe el nombre de terracota o cerámica si lleva esmaltes.

Existen varios tipos de barro: barro rojo, barro refractario, barro blanco (gris), hoy
en día existen otros colores en el barro o arcilla. Esto se debe a la impregnación de
colorantes en el material. Finalmente puede obtenerse una apariencia distinta
cuando se lleva al horneado. Para escolares, es uno de los mejores materiales al
igual que el yeso, contrachapado, cartón y papel.

Yeso: Es un producto preparado básicamente a partir de una piedra natural

denominada aljez, mediante deshidratación, al que puede añadirse en fábrica
determinadas adiciones para modificar sus características de fraguado, resistencia,
adherencia, retención de agua y densidad, que una vez amasado con agua, puede
ser utilizado directamente.
Madera: Es un material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades
físicas y buenos resultados. Hay muchos tipos de madera y según sus cualidades
pueden dejarse la escultura en su color natural o por el contrario pintarse en un
policromado adecuado a cada textura. Las maderas llamadas nobles se dejan en su
color natural como el nogal, roble, haya, cedro, caoba y otras.
La madera se corta al menos cinco años antes de ejecutar la obra, en la estación de
invierno cuando la savia está en las raíces y de esta manera se consigue que esté
bien seca y sin dar lugar a descomposición de la materia.

Los árboles presentan unos troncos con diámetros más o menos limitados y eso
obliga a veces a que se hagan piezas diferentes y apropiadas para llevar a cabo la
obra. Los trozos se unen con espigas y se pegan a veces con una cola especial.

Si la escultura tiene un acabado de policromía, las juntas pueden disimularse más,

ya que la pintura tapará el material de relleno, de lo contrario hay que hacer una
labor más prolija. A veces las esculturas de madera se aligeran haciendo hueco su
interior.
Para la decoración de la madera se utiliza la Policromía, utilizándose el siguiente
procedimiento:
Primero se tapan las juntas con tiras de tela encolada.
Se da en toda la obra una capa de yeso mezclado con agua y cola y a continuación
se procede al lijado.
Se aplica una serie de pigmentos que imitan la piel, las vestiduras, el pelo y todo lo
demás.

Las herramientas para trabajar la madera son especiales:

Hacha y azuela para el desbastado.
Gubias y formónes para la talla.
Maza de madera para golpear el mango de estos útiles
Escofinas de diferentes tamaños para el acabado.
Grabado: Entendemos por grabado el resultado del trabajo realizado sobre una
superficie de madera o metal, llamada plancha, por medio de instrumentos
cortantes, punzantes o de ácidos que atacan la superficie metálica.

El resultado es la estampa, soporte generalmente de papel al que se ha trasladado la

imagen por medio de la tinta, al poner en contacto la hoja con la plancha grabada
entintada y ejercer presión con un tórculo o una prensa vertical.

El resultado es la estampa, soporte generalmente de papel al que se ha trasladado la

imagen por medio de la tinta, al poner en contacto la hoja con la plancha grabada
entintada y ejercer presión con un tórculo o una prensa vertical.

El resultado es la estampa, soporte generalmente de papel al que se ha trasladado la

imagen por medio de la tinta, al poner en contacto la hoja con la plancha grabada
entintada y ejercer presión con un tórculo o una prensa vertical.

Por extensión también recibe el nombre de grabado la estampa así realizada, de

manera que se confunde el proceso con el resultado.
Existen diferentes técnicas para trabajar las planchas de metal: el aguafuerte, el
aguatinta, el grabado a buril, la punta seca y la litografía.

a) El aguafuerte es el procedimiento de grabado en el que sobre una plancha

metálica cubierta por una fina capa de barniz protector se dibuja con una
punta metálica el tema iconográfico. Al dibujar sobre el barniz protector éste
se elimina.

Al introducir la lámina en un baño de ácido, o aguafuerte, se produce la corrosión

del metal en las zonas dibujadas, es decir, en las que se ha eliminado el barniz
protector.
 b) El aguatinta es un procedimiento de grabado que consiste en verter sobre la
plancha una capa uniforme de resina. La plancha se calienta para que la resina
se funda y se adhiera. Posteriormente, se introduce en ácido, y éste penetra en
las partes en las que la superficie no está protegida por la resina.

El aguatinta está casi siempre asociada al aguafuerte. En una misma plancha las dos
técnicas se complementan: el dibujo queda definido por el procedimiento del
aguafuerte y el aguatinta se utiliza para rellenar las superficies y conseguir los
contrastes de luces y sombras.

c) El grabado a buril es el procedimiento de grabar sobre una plancha metálica

muy pulida, haciendo incisiones muy profundas por medio de un utensilio
llamado buril, que extrae en su recorrido limaduras de la propia plancha. Los
surcos resultantes se rellenan con la tinta, que pasará al papel cuando ambas
superficies se pongan en contacto.

d) La punta seca es, al igual que el buril, una técnica de grabado directo.

Consiste en dibujar directamente sobre la plancha metálica con una aguja de
acero o punta seca.

Vocabulario básico del grabado

Buril : Instrumento de acero de sección prismática que termina en forma de bisel
cuyo vértice graba el metal. Va montado sobre una empuñadura de madera en
forma de seta.
Plancha: Lámina de madera o metal (cobre, etc.) preparada paraser estampada.

Punta seca: Aguja de acero, de sección circular, cuya extremidad carece de filo y
es más fina que la del buril.

Rebabas: Crestas levantadas en los bordes del rayado de las láminas grabadas por
medio de la punta seca.
Tórculo: Prensa para estampar grabado calcográfico formada por dos soportes
laterales sobre los que reposan dos cilindros macizos. La presión ejercida por los
dos cilindros hace que la tinta de la plancha pase al papel.

Mosaico: El mosaico es una técnica con fines decorativos que se realiza

combinando diferentes elementos para formar una figura que se coloca en paredes,
pisos o techos para sustituir la pintura u otro revestimiento.

La técnica, en el proceso de enseñanza–aprendizaje fortalece las habilidades

psicomotrices mejorando la motricidad fina del niño.

Cada parte o porción del mosaico es conocido con el nombre de tesela, por
consiguiente, la organización y aplicación de las teselas sobre una superficie o
soporte predeterminado se adhiere por medio de un pegamento acorde a los
materiales seleccionados.

Criterios a observar
- Desarrollar habilidades psicomotrices mediante las actividades artísticas y la
aplicación de la técnica del mosaico.
- Desarrollar la creatividad estimulando la expresión por medio de la técnica
aplicada.

Valorar la importancia del diseño creativo y funcional como medio de expresión.

- Lograr mejor funcionalidad en la estructuración del espacio visual.
- Reconocer la técnica del mosaico como medio válido de manifestación
artística.

Para los alumnos

- Identificar materiales para elaborar la técnica preestablecida.
 - Emplear diferentes materiales en la aplicación de la técnica.
- Trabajar con interés y creatividad la actividad propuesta.
- Aplicar la técnica del mosaico con función decorativa.

Vidrio:
1. Fusión
La técnica de fusión consiste en hacer llegar al vidrio a su punto de fusión para
luego, de manera más lenta, volver a dejarlo a enfriar. A estas temperaturas, el
vidrio es muy maleable y se puede moldear para darle diferentes formas y
texturas o ensamblar unas piezas con otras, por ejemplo.
Dentro de la técnica de fusión hay varias técnicas para manipular el vidrio, de las
que las más conocidas son:
Soplado: El soplado es una de las más famosas técnicas de artesanía en vidrio, que
consiste en , una vez que el vidrio ha llegado a su punto de fusión, soplar dentro de
él a través de un tubo metálico largo también llamado caña para hacer burbujas en
él y, a partir de ahí, darle la forma deseada.
Se puede soplar y manipular directamente o bien se puede soplar directamente en
un molde de acero o bronce para darle la forma que queramos. Se utiliza mucho,
sobre todo, para hacer vasos y botellas de vidrio.

Fusing: El fusing es una de las técnicas de artesanía en vidrio más utilizadas,  un

tipo de fusión que permite unir dos o más vidrios por medio del calor para obtener
una sola pieza.
Dependiendo de la temperatura a la cual vamos a bajo poner el vidrio podemos
hablar de Tack Fusing o de Full Fusing. En el primer caso trabajamos a una
temperatura más baja entre los 730º y los 760º en la cual se produce un fundido
parcial, esto hace que los vidrios no se amalgaman y se conserva el volumen de las
capas de vidrio.
Hablamos de Full Fusing cuando llevamos la temperatura de horneado entre 790º y
835º a estas temperaturas se produce el fundido total del vidrio y las capas de vidrio
se unen en un único grosor. Si el vidrio permanece durante un tiempo a la
temperatura adecuada llegará a alcanzar un grosor estable de 6 mm. En Lucirmás,
por ejemplo, trabajamos la técnica de full fusing para realizar nuestras tablas.

Universidad Rural de Guatemala.

Sede 154, San Francisco, Petén.

Carrera: Licenciatura en Ciencias de la Educación (Pedagogía.)

Curso: Arte y Creatividad

Catedrática: Lic. Nora Ramón Guerra.

Semestre Noveno.

Trabajo:

Texto Paralelo, Tercera Parte

Estudiante: Nidia Patricia Jaramillo Durán

San Francisco, Petén, 08 de Junio del 2019

PRINCIPALES SENTIDOS DEL CONCEPTO:

Comprender y aplicar las potencialidades del

lenguaje digital como mecanismo para
maximizar la productividad es uno de los
beneficios que implica ser creativo, no sólo de
forma visual, sino que también
estratégicamente. Adoptar pensamientos con
base en diferentes mecanismos genera
beneficios a las compañías y al desarrollo personal.

Ser creativo es parte inherente del ser humano, sin embargo desarrollarlo depende de la
formación de cada uno.
La creatividad tiene tres componentes:

Experiencia: Conocimiento en alguna de sus formas: técnico, procesal o intelectual. Ese

conocimiento puede adquirirse de forma teórica o práctica.
Habilidades de pensamiento creativo: Estas determinan el grado de flexibilidad e imaginación
con las que un individuo enfrenta problemas y tareas.
Motivación: Sentimientos como la curiosidad o el deseo fomentan la creatividad. La motivación
puede ser intrínseca o extrínseca.

Personalidad creativa:
La creatividad supone, entonces, un comportamiento original o nuevo, no convencional, y
además con una utilidad práctica. Podría decirse que una de las características distintivas de la
humanidad es precisamente su capacidad para desarrollar cosas nuevas, rasgo que la ha hecho
evolucionar como civilización.

Una persona creativa es aquella que puede descomponer una situación o problema de forma
opuesta a la mayoría y que, a la vez, producto de ese análisis singular, halla respuestas o
modificaciones novedosas.
Dicha solución sólo se considerará realmente creativa si resulta útil y productiva, si acarrea más
beneficios que los procedimientos anteriormente usados.
De acuerdo a los entendidos, las personas más creativas no son siempre las de más alta
inteligencia. Si bien resulta indispensable contar con cierto nivel de inteligencia superior para ser
creativo, los hechos muestran que buen número de personas de inteligencia normal promedio
hacen gala de ideas ingeniosas y creativas. Aunque parezca curioso, también hay personas
inteligentes y muy poco creativas.

FACTORES QUE LIMITAN LA CREATIVIDAD:

El ser humano es una máquina de solucionar problemas.

Nuestro cerebro está totalmente preparado para esta tarea y somos capaces de realizar acciones
asombrosas, de ser creativos, hemos pasado de ser mamíferos superiores que iban por la selva
con una cachiporra a llevar pantalones, madrugar y tomar café de máquina.
El problema es que este mundo nos adormece la creatividad y nos programa poco a poco para no
salirnos de la maceta.
FACILITADORES Y OBSTÁCULOS DE LA CREATIVIDAD

Hablamos de una responsabilidad compartida: que una

persona se encargue de la dinamización de la creatividad no
implica que los demás miembros adopten una actitud egoísta
y poco colaborativa. Lo ideal es que este rol vaya rotando por
varias personas del grupo o de la organización.

Como ya he dicho, yo asimilo el papel del facilitador de

creatividad al de un director de orquesta o en entrenador
deportivo. Son profesionales que deben tener un conocimiento profundo de la materia y una
visión de conjunto. Los grandes divulgadores de la creatividad en el siglo XX, Osborn y Parnes,
repararon pronto en que para que el pensamiento creativo pudiera desarrollarse en la mayor
cantidad de personas posibles era muy importante que hubiera algunas que se formaran
profundamente en técnicas de creatividad, en cómo funciona el proceso creativo, en conocer
como estimular el pensamiento creativo y como trabajar en entornos para que más individuos se
atrevieran a generar sus ideas.

OBSTÁCULOS DE LA CREATIVIDAD

Existen muchos factores que pueden impedir la creatividad algunos de ellos son:

Conformismo. Escasa habilidad.

Normas rígidas. Falta de conocimientos sobre la materia.

Miedo a la citica. Falta de libertad de pensamiento.

Falta de confianza en sí mismo. Distracción.

Falta de dialogo. Desinterés.

Falta de concordancia con los objetivos. Miedo al ridículo.

Tensión. Temor a equivocarse.

Ambiente físico inadecuado. Prejuicios.

Urgencia. Impaciencia.

Falta de respaldo. Autocomplacencia.

Escasa curiosidad. Arrogancia.

Falta de cuestionamiento.
ELABORACIÓN DE MANUALIDADES CON MATERIAL RECICLADO

Debido a la situación económica presentada por la familia de los niños se hace necesario
trabajar con los recursos que ofrece el entorno elaborando diferentes técnicas como el
collage El uso de materiales reciclados en nuestras manualidades es un gesto realmente
beneficioso para nuestro planeta, ya que retrasamos el agotamiento de todos los recursos
que nos ofrece. Además de esto, los materiales reciclados son prácticamente infinitos y
permiten elaborar una gran diversidad de creaciones que pueden perdurar en el tiempo, así
como decorar cualquier rincón.

Básicamente el trabajo inicia por necesidad de dar buen uso aquellos materiales que se ven
perdidos y mal utilizados en la región, además de disminuir el uso y por qué ayuda en parte
a solucionar los problemas ocasionados por el ser humano al medio ambiente.
APLICACIÓN ARTISTICA

El Método Syneidesis pone en práctica la síntesis de todo el conocimiento que durante años
he investigado a través del arte y la iniciación, recopilando, aprendiendo y heredando a su
vez un sinfín de información respecto a la forma en la que el inconsciente nos afecta y de
cómo podemos reprogramarlo a través del uso aplicado de la experiencia artística y el
ritual.

De hecho, en iniciación o directamente en el universo simbólico del tarot, al mago también

se lo conoce como al alquimista o al artista, capaz de transformar el plomo en oro.

Capaz de elegir recrear una y otra vez su obra, es decir, su vida a través de sí mismo, hasta
lograr encarnar el proceso creativo de forma totalmente consciente. La manera de hacerlo
es a través del uso coherente de todo aquello que expresamos.