CONCEPTOS GENERALES SOBRE ARTE, CULTURA Y

PATRIMONIO

Fernanda Vilchez Incháustegui

24/08/2022 - 25/08/2022

¿Qué es el arte?
El arte es una expresión humana, belleza y técnica, producto cultural y un medio de
comunicación. Concepto que con el tiempo ha evolucionado y puede cambiar de persona en
persona. Es subjetivo. El arte no tiene que ser siempre belleza y puede ser todo lo que realice
o produzca el hombre.

Conceptos del arte para algunos:

- Para Aristoteles, el arte es aquella producción humana desarrollada de manera
consciente, por lo tanto, es fruto del conocimiento. (INTELECTUAL)

sentido restringido (arte griego hasta el siglo XVIII) “ bellas artes” . En el Siglo XVIII
existió la ACADEMIA, estudiaban la pintura para ver si cumplían con la condición de
ser bella y podías exponerla. En este contexto surge el término BELLAS ARTES y
fueron 7.

Artes espaciales:
- Arquitectura
- Escultura
- Pintura
- Fotografía

Artes temporales:
- Música
- Literatura

Artes espacio-temporales:
- Danza
- Teatro
- Cine

El tiempo evolucionó y en el siglo XX hubo una ruptura. Sentido amplio. Arte es toda
actividad humana NO vinculada necesariamente a la belleza. Piero Manzoni decía
que todo lo que él hacía era arte como un simple globo inflado. Bajo estas palabras,
cualquiera puede ser artista.
 CLASIFICACIÓN DEL ARTE

Arquitectura Escultura Artes Música Literatura Artes Cine Fotografía Artes

Visuales Escénicas Efímeras,
- pintura - teatro etc
- dibujo - danza
- mimo
- circo

¿Qué es la belleza?

❖ Es un concepto abstracto y relativo proveniente del estudio de la estética, que provoca

satisfacción en los sentidos externos.
❖ El concepto de belleza cambia con el tiempo, la sociedad y el propio individuo. Las
modas influyen en la percepción de la belleza y de la fealdad.

Origen del arte

Las primeras manifestaciones artísticas provienen de los grupos cazadores nómadas hace
200,000 años. Durante el Paleolítico, el arte estuvo vinculado a la magia y creencias
religiosas de la Prehistoria.

¿Quién es artista?

Toda persona capaz de crear mediante una inspiración propia (factores internos) y/o de su
entorno (factores externos). Ser artista puede ser una actividad constante como espontánea.

31/08/2022

El arte es un producto cultural realizado por la creatividad del ser humano. Representa
simbólicamente, expresa ideas, comunica emociones que interpretan lo real o imaginado.
Las obras de arte son objetos elaborados por y para los seres humanos. Se realizan en un
determinado contexto (tiempo y espacio) empleando variados recursos materiales. El arte
responde a múltiples fines: religioso, social, educativo, lucrativo, etc.

Importancia del arte

- El arte es una manifestación o expresión cultural.
- Permite expresar sentimientos que muchas veces el lenguaje no puede: Poder del arte
como simbolo
- Reflexiona sobre la realidad. El arte desempeña una función útil para la sociedad y
se puede convertir en una herramienta de cuestionamiento, protesta, etc.

“Sin el arte la vida sería monótona, sin poder expresar lo que percibimos, sentimos y/o
pensamos”
¿Qué es cultura?
“La cultura es el conjunto de tradiciones y estilos de vida adquiridos por los miembros de una
sociedad incluyendo sus modos pautados y repetitivos de pensar, sentir y actuar”
(Edward Burnett)

Sociedad: Grupo de individuos que se relacionan con su entorno para mantener un orden
relativo. Otorga identidad y sentido de pertenencia a través de vínculos políticos,
económicos, culturales, etc.

Iceberg cultural:
Comportamientos y prácticas: Características que son percibidas por el observador.
Actitudes: Reflejos de los valores ante situaciones específicas de la vida cotidiana.
Valores: Ideas aprendidas de lo que se considera:
- bueno o malo
- deseable o indeseable
- aceptable o inaceptable

Cinco ideas falsas sobre la cultura

(Esteban Krotz)

1. Se puede tener o no tener cultura

2. Hay una jerarquía natural entre culturas
3. Hay culturas puras y mezcladas
4. Los recintos propios de la cultura son los museos, teatros y bibliotecas
5. La existencia de la cultura depende del Estado

¿Qué es patrimonio?
El patrimonio es la herencia de una comunidad (pueblo, nación o toda la humanidad)
basada en expresiones culturales que se valora y transmite a las siguientes generaciones.

Tipos:
- Patrimonio inmaterial: Tradiciones orales, gastronomía, las costumbres
mágico-religiosas, fiestas patronales, la medicina tradicional, etc.
- Patrimonio material: Incluye a los sitios histórico arqueológicos (patrimonio
material inmueble) y a las obras de arte (patrimonio material mueble).

En términos legales vigentes, el patrimonio es el conjunto de bienes materiales o

inmateriales, custodiados por una persona o institución pero que pertenece a la nación. En el
Perú, el ministerio de cultura se encarga de proteger, conservar y difundir el patrimonio
cultural de la nación.
Instituciones que preservan y/o difunden el arte y cultura.
Industrias culturales:
- museos, galerías, bibliotecas
- pinacotecas, fototecas, gliptotecas, editoriales
- centros culturales, talleres de artes escénicas o audiovisuales

ARTE E IDENTIDAD

Fernanda Vilchez Incháustegui

02/09/2022

El arte y su aporte en la construcción de la identidad. Los medios artísticos como objetos

simbólicos de identidades sociales.

El ser humano es un ser social, cultural, artístico, etc.

¿Qué es identidad?
Conjunto de elementos propios de un individuo (yo) o de una comunidad (nosotros). Aunque
muchos de los rasgos que forman la identidad de una persona son hereditarios, el entorno
ejerce una gran influencia.

¿Qué es identidad cultural?

Es el conjunto de valores, símbolos, creencias y modos de comportamiento que funcionan

como elemento cohesionador en una sociedad y que actúan como un vínculo común que
sustenta el sentimiento de pertenencia.

Relación entre arte e identidad

sociedad cultura identidad

La obra de arte es una herramienta que permite la búsqueda, difusión y/o defensa de la
identidad. La producción artística vinculada a la identidad puede ser la creación de un afán
individualista del artista o la estrategia de una institución (Estado o empresa privada)
para promover un sentir común entre la población.

El artista es un ser social. En ese sentido, la obra es una expresión del pensamiento del
productor que recibe el impacto de la comunidad (o en la que ha crecido). Así, la obra de
arte se vuelve una “ventana” que nos permite atisbar en el pensamiento del artista
(identidad personal), pero también en el contexto que se desenvuelve (identidad cultural)
y ante el cual, el artista puede revelarse (en ocasiones con gran dificultad), o lo asume como
natural y representable. Por lo tanto, la construcción que cada artista haga de su realidad
estará influida por su identidad personal y cultural.
(Adaptado de: Vargas Pacheco, Cristina. “Influencias identitarias en la producción de tres artistas peruanas durante el siglo
XX y el presente”)

ARTE ACERCA DEL ARTE

Fernanda Vilchez Incháustegui
07/09/2022

El apropiacionismo en los diversos soportes artísticos. Nuevos roles de los consumidores de

arte.

Apropiación Artística: el arte de apropiarse del arte

“En nuestro tiempo, la única obra realmente dotada de sentido debería ser un collage de citas,
fragmentos, ecos de otras obras”
(Walter Benjamín)

“Los artistas contemporáneos reordenan el archivo de imágenes del mundo para otorgarles
nuevos significados. Es decir, revisitan las imágenes del pasado para traerlas al presente”
(Andrea Giunta)

La apropiación es una técnica artística que consiste en la creación de una nueva obra a
partir de elementos ajenos. Una obra de arte se reinterpreta al estilo de un artista y se
modifica, o se toma una parte representativa de esta y se cambia de contexto.

La apropiación artística cuestiona la genialidad, la autoría y la originalidad porque la obra

de arte sobrepasa a su creador.

Su justificación parte de la descontextualización y la reutilización de materiales

preexistentes para generar un producto diferente con significado propio.

Crea nuevos modos de representación en los que el espectador (consumidor) pasa a ser un
agente activo en el proceso de producción y recepción de la obra, convirtiéndose en un
prosumidor que genera más contenido artístico.
Existen varias razones por las que los artistas deciden realizar apropiaciones artísticas: Se le
considera como un recurso para actualizar las obras del pasado; también para intervenir
obras clásicas con elementos actuales creando parodias; y representa una ocasión para
perfeccionar la técnica artística.

09/09/2022

Cabe señalar que algunas formas de apropiación están basadas en actividades ilícitas como
la usurpación, la falsificación o el pirateo. En consecuencia, esta técnica artística se ha
convertido en uno de los temas más polémicos en el arte porque mezcla la libertad
creativa con la defensa de los derechos de autor frente al plagio, lo que ha deteriorado su
reconocimiento.

Mientras sus detractores critican que no se trata de ningún arte, sino de plagio; sus defensores
lo niegan ya que al haber una recontextualización, el significado cambia y, por lo tanto, la
obra también. El auge del apropiacionismo empezó en la segunda mitad del siglo XX en
EE.UU. y Gran Bretaña donde el consumismo y la proliferación de imágenes en los
distintos medios de comunicación demostraron que la obra de arte podía ser rápida,
barata, democrática, entretenida y también, transgresora. En los años 70 's, el artista
Andy Warhol se enfrentó a distintas demandas por el uso de fotografías para sus serigrafías.
Principales formas de apropiación: renovación creativa masificada con el internet.

- préstamo pictórico
- en música: cover y remix (remezcla)
- remake cinematográfico
- reutilización de materiales: collage y reciclaje
- en la hipermedia: memes y stickers

Collage:

Es una técnica artística que consiste en la construcción de obras plásticas mediante la

aglomeración o conjugación de piezas de distinto origen. En otras palabras, se trata de armar
una obra con pedacitos obtenidos de otras fuentes.

Reciclaje:

El arte reciclado (upcycled art) inspira a numerosos creadores para transmitir un mensaje
vinculado al consumismo y la contaminación medioambiental. Transforma diversos residuos
(papel, cartón, vidrio, plástico, metal, etc). en obras de arte. Por lo tanto, el concepto va más
allá del reciclaje convencional al crear objetos que superan el valor económico, cultural y
social del producto original.

El artista francés Bernard Pras convierte la basura en arte. Su obra recrea obras maestras
clásicas con materiales reciclados recogidos de los vertederos, buscando concientizar sobre la
cantidad de basura que generamos diariamente.

Memes y stickers: imagen y texto de apropiación que circula sin parar por el mundo digital
(M. Guerra).

A través de los memes se transmiten emociones, se simbolizan ideas y pensamientos; todo

sintetizado en una imagen compartida de manera inmediata en las redes sociales.

“El ser humano es primordialmente visual. Nosotros percibimos algo y hay una necesidad de
compartir, de comunicarnos, de expresarnos, y lo buscamos recrear de manera creativa”
(Hugo Véliz)
ARTE, MENTE Y SALUD
Fernanda Vilchez Incháustegui
13/09/2022

Lo saludable del Arte. El arte como mecanismo de defensa, arte como catarsis, arte como
terapia, etc.

“El arte no cambia nada, el arte te cambia a ti”

(D. Lynch)

“El arte no plantea curar al ser humano de sus males, pero puede ayudar a humanizar los
procesos de curación y los entornos en los que estos se desarrollan”
(Belver, 2011)

“El vivir en forma creadora representa un estado saludable de existir vs. vivir en acatamiento
o sentimiento a la sociedad”
(Winnicott)

➡ El arte nos ayuda a expresar y gestionar nuestras emociones (nos deja ser) y permite el
desarrollo de la imaginación y creatividad.

➡ Una obra de arte puede generarse en base a experiencias vividas, por lo tanto es el reflejo
de las vivencias del artista.

➡ Realizar una obra de arte conlleva la interiorización de una problemática propia, cuyo fin
radica en el alcance del producto artístico.

Sublimación:

La sublimación es considerada por la psicología como un mecanismo de defensa que

permite a los individuos canalizar aquellos estímulos o impulsos (de contenido sexual o
agresivo) y orientarlas hacía conductas consideradas aceptables en la sociedad.

Según Freud, algunas actividades de sublimación son la investigación intelectual y el arte.

La sublimación no es más que un mecanismo protector de la psique que tiene como función
principal aliviar la tensión interna que vive el individuo.
Arte como catarsis:

Según Aristóteles es “purificación/purga de las pasiones del ánimo”. Manifestar algo por
medio del arte es lo que permite hacer catarsis porque fluye todo aquello que trunca la paz y
tranquilidad. Liberar la mente es lo que da paso a la obra artística.

Durante la pandemia del covid-19 necesitamos espacios para esa catarsis emocional que
nos regala el arte. Por primera vez, coloreé mandalas, actividad a la que le atribuyen
beneficios de relajación, equilibrio emocional, concentración y autoconocimiento. El gran
Pablo Picasso describía a los artistas como receptores y vehículos para transformar
emociones. (Mariam Vélez)

La catarsis emocional en la música:

El cantante Pedro Capó, nominado al Grammy Latino por “Mejor Álbum Vocal Pop” asegura
no tener miedo a mostrar su lado más personal, camaleónico y desbocado…

"La música es mi terapia, es como una catarsis y, en estos momentos de mi vida, de la única
manera que yo puedo compartir mis experiencias y mis enseñanzas es hablando de cómo me
han sucedido las cosas“

“Esta canción me ayudó a salir de un lugar en donde no quería estar. Necesitaba volver a mi
pueblo, a mi casa, a encontrarme con mis amigos, necesitaba volver a ser yo”

René Pérez (Residente)-Calle 13

Un caso en la pintura: Frida Khalo

Arte como terapia:

Crecimiento personal ➡ autoconocimiento ➡ desarrollo personal

A través de las herramientas artísticas para reconocer con el/la niña(o) interior aportando
calma, regulación y distracción.

“La arteterapia es una forma de decir la verdad jugando en lo simbólico”

(Bassols)

La terapia de artes expresivas surge en Boston (Lesley University) durante la década de 1970.

El proyecto consistía en integrar diferentes modalidades artísticas (danza, música, artes

plásticas, poesía y teatro) en el ámbito terapéutico.

Con el pasar de los años, la terapia de artes expresivas superó el entorno del consultorio y se
extendió a distintos campos como la educación y la consultoría organizacional y comunitaria.

“El arte no cura, pero puede ser terapéutico, y el sufrimiento puede ser una oportunidad para
la creación en vez de ser un obstáculo”

(Mireia Bassols)

Actividades de arte terapia para niños y adultos:

- Dibujar al aire libre

- Pintar con música al aire libre
- Hacer una escultura con material reciclado
- Pintar en nuestra piel
- Recrear (con palabras o imágenes) un lugar donde te sientas segura(o)
- Escribir un poema
- Dibujar un recuerdo feliz
- Crear una obra de arte a partir de nuestro nombre (o apodo)
- Actividad del globo
- Retrata a alguien que cambió tu vida
- Dibujar en la arena
- Pintar nuestros miedos

Beneficios del arte para nuestra salud mental y emocional:

- Estimula la creatividad.
- Mejora la autoestima.
- Ayuda a potenciar la memoria y focalizar la concentración.
- Expresa sentimientos difíciles de verbalizar.
- Identifica y aclara preocupaciones.
 - Disminuye la ansiedad y el estrés.
- Nos ayuda a aprender de nuestros errores desarrollando la autoaceptación y la
paciencia.
- Ayuda a mejorar el estado de ánimo general.

ARTE Y OCCIDENTE
Fernanda Vilchez Incháustegui
20/09/2022

- Acercamiento a la tradición artística de Occidente.

- La tradición creadora y la descomposición estética del mundo.

HISTORIA DEL ARTE OCCIDENTAL

TRADICIÓN ARTÍSTICA TRADICIÓN CREADORA

- Arte grecorromano (Arte clásico: - Impresionismo

Grecia y Roma) - Vanguardias artísticas (siglo XX)
- Arte medieval - Arte posmoderno (actualidad)
- Renacimiento
- Barroco
- Rococó
- Neoclasicismo
- Romanticismo
- Realismo

Arte grecorromano: ESCULTURAS

- Arte = belleza = realidad

“El arte es mímesis (imitación) de la realidad”

- Antropocentrismo
“El hombre es la medida de todas las cosas”
(Protágoras)

- Necesidad de mostrar el cuerpo humano de forma idealizada (Grecia) o realista (Roma)

- Búsqueda de la perfección
(proporción y armonía en las formas)

Antropocentrismo
arte griego: ideal de perfección , armonía y belleza

arte romano: realista y político (al servidor del emperador)

Arte medieval: arte teocéntrico
La iglesia interfiere en la temática y técnica del arte

Renacentismo:
Renacer/Volver a lo clásico

Movimiento cultural: HUMANISMO

Característica principal: Antropocentrismo
Barroco:
Argumento convincente del poder Monarquías, grupos aristocráticos burgueses y la iglesia
buscaron y auspiciaron su presencia simbólica en las formas barrocas.

Hegemonía de España (siglos XV y XVI)

El barroco llega a América
Uso del claroscuro en la pintura (contraste luz-sombra).

Rococó:
Reflejo artístico de la sofisticada aristocracia francesa del siglo XVIII.
Neoclásico: PATRIOTISMO
Arte racional nuevamente surge el interés por lo clásico (Grecia y Roma) y el Renacimiento.
Movimiento cultural: ILUSTRACIÓN

Jacques-Louis David

Romanticismo:
Exaltación de los sentimientos frente a la razón. Estilo basado en la expresión de la
subjetividad y libertad creadora. Temas comunes: la naturaleza, el amor, la pasión, la
melancolía, soledad, tragedia, muerte y el nacionalismo.

Pintura expresiva: Antesala del estilo abstracto con predominio de la emoción (color) sobre la
técnica (línea).

Caminante sobre el mar de nubes (Friedrich)

Realismo:
Pintura objetiva: La vida cotidiana es fuente de inspiración y el objetivo del arte es la crítica
social.

Impresionismo:
La fotografía apareció, convirtiéndose en una competencia y “amenaza” para la pintura.

Interés por la luz y los cambios que genera. Los pintores impresionistas buscan el contacto
con el exterior (paisajes urbanos) y captan los diversos colores que envuelven a los objetos
en cada instante del día.

Impresión del sol naciente (Monet)

Vanguardias: Siglo XX (siglo de la barbarie)
❖ Conjunto de movimientos artísticos (-ismos) en Europa y Estados Unidos.
❖ Renovación absoluta y radical de formas y contenidos.
❖ Libertad de expresión y de creación: No se respeta ningún canon del arte.
❖ Innovación en el trabajo artístico.
❖ Carácter antinómico (contradictorio).

“El trabajo del artista debe ser independiente de las reglas. El artista debe buscar disciplina
en la libertad”

Arte posmoderno: Todo es arte

Es un reflejo de nuestra época, de lo absurdo que es todo. Se incorpora la tecnología en el
proceso creativo.

❖ “El arte no tiene que ser retiniano” (bello, agradable) Duchamp.

❖ “Esto es arte porque yo lo digo” (Manzoni).
❖ Objetivo: Causar controversia. Provocación y reacción emotiva del consumidor.
❖ Dirigido al consumo masivo: Mercado del arte
ARTE Y POLÍTICA
Fernanda Vilchez Incháustegui
05/10/2022

El uso del arte como medio de difusión, defensa y/o crítica hacia una ideología o régimen
político.

El arte está muy vinculado a la actividad política porque, a lo largo del tiempo, ha sido un
instrumento de plataforma proselitista (propaganda) y de manifestación del poder.
Igualmente el arte, a través del nacionalismo o el compromiso del artista, ha provocado
críticas y denuncias hacia determinados gobiernos o regímenes políticos.

Ejemplo:

El apagón - Aquí vive gente de Bad Bunny

“Cuando los de abajo se mueven, los de arriba se caen”

Bad Bunny ha sido muy vocal en sus críticas a la actual administración de Puerto Rico.
“Tenemos un gobierno sobre nosotros que nos arruina la vida”, dijo en un concierto en San
Juan, haciendo eco de las frustraciones de muchos puertorriqueños. “El país nos pertenece y
nosotros somos los que tenemos el control”, agregó.

Mayra Vélez, profesora de Ciencias Políticas en la Universidad de Puerto Rico, sostuvo que
el mensaje de Bad Bunny resuena en “muchos jóvenes, la generación de la crisis”, que solo
ha conocido la desesperación y la incertidumbre.
“Una generación que siente que no tiene futuro en esta isla. Se siguen mudando. Tienen un
alto nivel educativo. No pueden encontrar trabajos decentes. Y lo que ven es que sus políticas
simplemente no hacen su trabajo y roban dinero y se involucran en actos corruptos”, dijo.

Latinoamérica de Calle 13

- Critica al imperio estadounidense, a los gobiernos de latam que apoyaron la operación

cóndor y apoya al pueblo (a los ciudadanos).
- En la canción se pueden identificar ideologías comunistas.

El arte como herramienta política de reclamo: Arte de la resistencia

El mural como arte de masas consiste en transmitir la experiencia que hemos ido
adquiriendo técnicamente y también a impulsar el debate. La ejecución mural suma a
artistas locales y a la población. La creación es colectiva y el objetivo es que el colectivo se
apropie.
(Olfer)
Respecto al mural “Próximos pasados: Alegoría al Bicentenario” (colegio La Inmaculada.
Huamachuco-La Libertad), Olfer sostiene: “Pensamos que el pasado parece reciente porque
los problemas se repiten, como un círculo en la historia. Es que no hemos resuelto nuestro
país como república, pues subsisten el racismo y las injusticias. Han pasado 200 años y vale
preguntarnos cómo nos encontramos”.

Acepta que el arte no va a cambiar la política; que su trabajo y el de tantos otros solo
contribuyen a la descripción de la realidad y sostiene: “Se está viviendo un momento
interesante, más pluralista. El arte hace la labor de denuncia, pero ningún artista va a
cambiar la política, ningún artista va a cambiar nada.”

El arte como manifestación del poder político:

El arte romano está vinculado a la política. A medida que el Imperio Romano se

consolidaba, el arte ganó importancia como medio de comunicación. En las ciudades se
evocan y glorifican victorias militares mediante columnas conmemorativas y arcos de
triunfo.
La columna de Trajano es un monumento conmemorativo que se levantó por orden del
emperador Trajano en Roma. Tiene 30 metros de altura y está decorada con relieves que
relatan las victorias del ejército romano, al mando del emperador, frente a los dacios. Se han
contado 2.500 figuras entre las que destaca la figura de Trajano, que aparece 59 veces.

Arte Barroco: Al servicio de la Monarquía:

El rey francés encarna el prototipo de la monarquía absoluta, que utilizó al arte como
manifestación de poder.
El palacio de Versalles sirvió para exaltar el gran poder del régimen absolutista y la
hegemonía de Francia mediante la exageración y la ostentación.

El arte como plataforma proselitista: Arte de propaganda

Los regímenes totalitarios utilizan al arte como herramienta para enseñar e inculcar los
valores del Estado a las masas. De igual modo, constantemente hacen una llamada al
nacionalismo.

Arte Nazi:

“Si no tenemos un arte nacional socialista, el nacional socialismo perderá su coraza más
eficaz y resistente”

(Max Kutschmann, 1933)

 “El gobierno se enmarcará en una campaña sistemática para restaurar la salud material y
moral de la nación. Todo el sistema educativo, el teatro, el cine, la literatura, la prensa y la
radio, todo ello será utilizado como un medio para este fin. Todo ello se aprovechará para
ayudar a preservar los valores eternos que son parte de la naturaleza integral de nuestro
pueblo”

(Hitler, 1935)

Las armas más poderosas del arsenal proselitista de los nazis eran los mítines
multitudinarios. Toda Alemania se transformó en un teatro.
Izquierda: “Exportación alemana. Arrojemos al falso bando de los judíos del país alemán”

Derecha: “El judío errante”. Caracteriza a los judíos como marxistas, prestamistas y
esclavizadores.

Arte en la URSS:

Los carteles soviéticos servían como un arma, al considerarse uno de los métodos más
efectivos para propagar ideas. Este tipo de arte se destacaba por su información breve,
imágenes comprensibles y el llamamiento a la acción.

Izquierda: “El camarada Lenin barriendo la escoria de la tierra”

Derecha: “Con armas derrotaremos al enemigo, con trabajo duro tendremos pan, ¡a trabajar,
camaradas!”
Arte en China Maoísta:

La técnica de pintura al óleo y de estilo realista reemplazó a la tinta, una forma tradicional
y venerada en China. Los paisajes de pájaros y flores cambiaron por trabajadores, soldados,
campesinos y por el Presidente Mao.

Comenzaron a circular carteles con el rostro o figura de Mao para potencializar su poder,
acompañados de frases sencillas o consignas que el pueblo entendía con facilidad. En
estos trabajos de propaganda predominó el color rojo, color de su bandera.

Se estima que el hambre, las purgas políticas y los trabajos forzados mataron a 50 millones de
personas durante la era de Mao. Y en los años más duros de la represión, se llegaron a
imprimir más de dos mil millones de retratos del dictador, aprox. tres por cada ciudadano
chino. "Para sentirme más cerca de Mao, llené mi casa de posters. Miraba a Mao antes
de cerrar los ojos por la noche y de nuevo cuando me despertaba", recuerda la escritora
china-estadounidense Anchee Min.
"Los carteles de propaganda, que eran baratos y fáciles de producir, se convirtieron en uno de
los métodos más favorables para este tipo de comunicación. Porque estaban ampliamente
extendidos, se podían ver en cualquier parte. Y eran una manera excelente de iluminar los
lugares grises en los que vivía la gente"

(Stefan R. Landsberger)

Perú: gobierno militar de Velasco Alvarado (1968-1975)

ARQUITECTURA BRUTALISTA (del francés breton brut = hormigón)

Símbolo del esfuerzo y el trabajo obrero

Según Natalia Majluf, el enorme poder que asumió el aparato estatal se materializó en
imponentes edificaciones públicas que aparecieron en el escenario urbano como expresión
tangible del autoritarismo militar.

Los elementos fundamentales del brutalismo (el concreto expuesto y las grandes superficies
de cristal oscuro) mostraban la simpleza del estilo arquitectónico y coincidían plenamente
con las necesidades de expresión del régimen de Velasco: jerarquía y autoridad.
Pop Achorado:
El afiche revolucionario

El gobierno de Velasco impulsó un vasto programa de comunicación social que permitió un

nuevo interés por el afiche, póster o cartel. Jesús Ruiz Durand fue el artista más
importante del GRFA, su obra más conocida es el logo de SINAMOS (Sistema Nacional de
Apoyo a la Movilización Social) a partir de la imagen de Túpac Amaru II.

Las artes plásticas sustentaron el discurso reformista. Los artistas pusieron el lenguaje del
pop y los efectos ópticos, antes reservados a la pintura o a la gráfica comercial, al servicio de
la retórica revolucionaria del gobierno para trasmitir un mensaje social protagonizado por
las clases populares.
ARTE Y RELIGIÓN
Fernanda Vilchez Incháustegui
05/10/2022

Los monoteísmos (judaísmo, cristianismo e islam) y otras tradiciones religiosas. Poder y

simbolismo de la imagen en las expresiones artísticas.

¿Qué es la religión?

Es un conjunto de enseñanzas acerca de una realidad sagrada y fundamental, o un estado

que involucra la reverencia o el asombro.

Guía a sus practicantes hacia una relación de salvación, de iluminación o de emancipación

con esa realidad, a través de una vida de oración, de meditación y/o prácticas morales
como el arrepentimiento y la transformación personal.

Adaptado de: “Religión”, Dictionary of Philosophy of Religion, Taliaferro & Marty.

Las diferentes religiones utilizan el arte para exponer, difundir y/o imponer su doctrina
porque las imágenes tienen mayor llegada a la población que, en muchas ocasiones, carece de
conocimientos para interpretar dogmas o filosofías.

El uso del arte religioso ha servido para la conversión y preservación de los seguidores;
mientras que el arte antirreligioso critica los abusos de poder y la doble moral de algunas
instituciones religiosas.

Arte Islámico:

● Expresión íntimamente ligada a la religión. No existe como manifestación autónoma.

● Es el reflejo del Islam como credo y norma de vida, de la idea de su divinidad (Alá)
y del Corán.
● Aniconismo: Solo se permite decoraciones basadas en caligrafía y diseños
geométricos y/o vegetales. Alá no puede ser representado en imágenes y Mahoma se
presenta sin rostro.
 “No hay más Dios que Alá y Mahoma es su profeta” (shahada/confesión)

La escena tuvo lugar en una mezquita convertida en hospital para atender a las víctimas de las
luchas contra el presidente Alí Saleh. El desamparo del varón y el dolor de la mujer se
asemejan a composiciones artísticas como la escultura de La Piedad, de Miguel Ángel.
Arte Judío:

● Expresión íntimamente ligada a la identidad (raíces del pueblo hebreo) y a la religión

(fines rituales o litúrgicos)
● Aniconismo: Se prohíbe que todo arte visual pueda incitar a la idolatría (adoración de
objetos)
● Predominan los motivos simbólicos como el león, la estrella de David y el candelabro
de siete brazos (Menorá) que adornan las paredes o columnas de las sinagogas.

Arte Cristiano:
Arte gótico medieval: La Catedral
La catedral tiene la función de enseñar. Desde la entrada, con sus esculturas, hasta en sus
vitrales ubicados en el interior donde se encuentran mensajes alusivos al Antiguo como al
Nuevo Testamento.

La catedral es un lugar donde está presente la palabra de Dios y representa la ciudad

divina, la Jerusalén celeste.
Arte cristiano en el Virreinato del Perú:
Sincretismo religioso
La fiesta de la Virgen de la Candelaria

En Puno, del 24 de enero al 11 de febrero, se celebra la fiesta en homenaje a la patrona de

esta ciudad altiplánica. Todos los rituales son resueltos del sincretismo de dos culturas: la
católica y la prehispánica. Durante la celebración se llevan a cabo tradiciones que contienen
elementos simbólicos de la cosmovisión andina, ya que la Virgen está asociada a la
Pachamama o madre tierra.

En el 2014, esta festividad fue declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad

por la UNESCO. Su fecha central es el 2 de febrero.
Arte Antireligioso:

La civilización occidental y cristiana

León Ferrari (1965)

Censurada desde su presentación, contiene una fuerza que no pierde vigencia ni sentido.

El artista la elaboró a partir de una radical oposición frente la guerra de EE.UU. contra
Vietnam

Estas obras dan a conocer, de forma simbólica, los crímenes cometidos por las instituciones
cristianas a lo largo de la historia, abarcando la persecución y tortura de los herejes, la
exterminación de los indígenas durante la Conquista, el apoyo no disimulado al genocidio
nazi, etc. Por otra parte, denuncia los conceptos de castigo divino y de tortura en el
infierno contenidos en las imágenes del arte cristiano. Ferrari se subleva contra la
intimidación y la dominación psicológica practicadas por la Iglesia durante siglos.
Al ver la escena, nos hacemos preguntas sobre la existencia de Dios, la infalibilidad del
Papa o los golpes del destino. Nadie ha podido hacer nada para evitar este fatal accidente.

En la música:

Madonna: Like a prayer (1989)

El Vaticano condenó al videoclip por su “excesivo contenido blasfemo” y llamó a la

comunidad católica a no ver ni escuchar ningún material de la cantante. Además, MTV lo
consideró como el video más transgresor de la historia.

Lady Gaga: Judas (2011)

Los días previos a Semana Santa, la artista causó revuelo al interpretar a una María
Magdalena obsesionada con Judas Iscariote. Usando símbolos cristianos, canta a la traición,
el perdón y a aprender a vivir con sus pecados.

ARTE FRENTE A LA VIOLENCIA

Fernanda Vilchez Incháustegui
05/10/2022

La cultura de la violencia y la sensibilidad artística. Expresiones en el arte en torno a las

formas de violencia.
La violencia vende, y no solo la encontramos en la prensa amarillista, sino también en el arte.

¿Qué es la violencia?
Es un comportamiento deliberado que provoca daño a los demás. La violencia busca imponer
u obtener algo por la fuerza. Muchas de sus manifestaciones son castigadas por la ley al
considerarse como delitos, pero algunas son consentidas por el Estado.

“Pretende ser una metáfora de nuestro tiempo, una crónica de los días amargos y violentos
que se viven en el país, principalmente en la frontera norte, apelando al hecho de que hemos
perdido sensibilidad por el exceso de violencia que vemos diariamente.”

A lo largo del tiempo, la violencia (desde el contexto doméstico hasta el internacional) ha

llevado a la humanidad a incontables hechos de dolor, y el artista no es ajeno a expresar dicho
sufrimiento en sus creaciones.

El arte, al manifestar hechos de violencia, nos permite reflexionar y recordar lo que no

debemos repetir: rencor, odio y revanchismo. Nadie debe mantenerse indiferente.
Francisco de Goya:

“Pinto atrocidades para tener el gusto de decir eternamente a los hombres que no sean
bárbaros”
ARTE Y REBELDÍA JUVENIL
Fernanda Vilchez Incháustegui
11/11/2022

La energía rebelde y contestataria en la creación artística contemporánea.

Los jóvenes siempre han protestado frente a una sociedad conservadora liderada por
adultos. El arte ha sido el principal motor de sus propuestas a partir de una libertad de
acción en espacios públicos y la creación de un mensaje masificador. En la presente
temática se pondrá énfasis en dos rasgos artísticos: el deseo de lo nuevo y el
cuestionamiento hacia el orden establecido.

La rebeldía es una actitud, un tipo de comportamiento humano caracterizado por la

resistencia o el desafío a la autoridad y/o a un sistema establecido. Se manifiesta en la
desobediencia o el incumplimiento de una norma, regla o tradición, según sea el caso, y sea
o no justa la causa.

El espíritu del rock (Alfonso Montesinos):

Aparición: Años 50, al sur de Estados Unidos.

Se le asoció a la libertad, la rebeldía, a lo innovador y a lo contestatario, así como también a

los salvaje e inmoral. Lo que parecía solo una nueva tendencia musical se convirtió en pocos
años en un fenómeno mundial sin precedentes.
El rock rompió esquemas y sacudió al mundo que lo vio nacer. Muchos jóvenes se
identificaron con su espíritu y se contagiaron con su ritmo fuerte y vital.
ARTE Y GÉNERO
Fernanda Vilchez Incháustegui
15/11/2022

Representaciones de la mujer y lo femenino en el arte. Feminismo, represión y patriarcado.

La conciencia de género en la producción artística.

A través de la historia, los artistas han representado la belleza del cuerpo, su sensualidad y
sus manifestaciones en el amor físico y el erotismo. Por otro lado, similar a otros
movimientos de reclamo social, el arte fue y sigue siendo utilizado por las mujeres para su
reivindicación frente a una sociedad que, desde sus orígenes tiene un carácter machista.
En la actualidad, el arte también es empleado por la comunidad LGBTIQ+ para mostrar su
identidad y descontento frente a una sociedad conservadora y discriminadora.

Arte como expresión de sexualidad y erotismo:

La Venus del espejo

Diego Velázquez (1647)
Olympia - Manet (1863)

La sociedad del siglo XIX asoció el desnudo femenino con la pureza, la belleza y la
sumisión: la Venus mitológica. Manet fue uno de los primeros pintores en subvertir las reglas
de la desnudez femenina porque Olimpia no es una diosa mitológica, sino una prostituta
parisina.

La Violación - René Magritte (1934)

Esta obra exhibe la cabeza y el cuello de una mujer, cuyo rostro está formado por sus senos,
su ombligo y su sexo, es decir, es la reducción de la mujer exclusivamente a sus órganos
sexuales, una crítica implícita y clara del artista.

Arte y revolución femenina:

Cartel publicitario elaborado por las sufragistas inglesas.