Las denominadas vanguardias históricas tienen su fecha de nacimiento en 1905 con la doble emergencia en Francia

del grupo de los Fauves, y en Alemania del grupo Die Brücke.

FAUVISMO

En Francia irrumpe un grupo de artistas franceses liderados por Henri Matisse y André Derain en el Salón de Otoño
en el París de 1905 (Henri Matisse, André Derain, Albert Marquet, Raoul Dufy, Maurice de Vlaminck, Kees van
Dongen...). Fueron denominados les fauves (las fieras) por un crítico, si bien este movimiento que se desarrolló entre
1899 y 1908 no tuvo consistencia como grupo, y tan sólo fue el fruto de breves encuentros para trabajar o exponer
conjuntamente. La influencia de las propuestas que articularon Henri Matisse y André Derain se extendió no obstante
por toda Europa. Su lenguaje se centró en la experimentación en el terreno del color, concebido de modo
subjetivo y personal, aplicándole valores emotivos y expresivos, independientes respecto a la naturaleza,
basados en la intuición y la arbitrariedad. Los colores, vibrantes, sin mezclar y aplicados con un fuerte sentido
gestual (con brochazos y empastamientos), recogían la influencia de Cézanne, Van Gogh y Gauguin, yendo más
allá en el sentido de una representación intencionadamente anti-naturalista de los modelos. Matisse admiraba a
Gustave Moreau, que fue su profesor; la influencia del simbolismo se manifestó en el deseo de expresar sus
sentimientos a través de estos elementos. Los fauves favorecieron por tanto una utilización del color como una
característica de la pintura autónoma con respecto a la realidad, al tiempo que una terminación muy poco apurada.

HENRI MATISSE: Le Bonheur de vivre (El disfrute de la vida)

Uso sinuoso de las líneas, cierta influencia orientalista tomada de las miniaturas persas y del grabado japonés.
Intensificó la aplicación de colores puros y antinaturales (salvo el convencionalismo que curiosamente siguió aquí
con los tonos carne). Matisse recomponía en París sus pinturas estivales en composiciones mayores como ésta. Esta
pieza recibió las más diversas críticas en el Salón de los Independientes del año siguiente, consolidando para los
críticos la existencia de un nuevo estilo.

EXPRESIONISMOS

Ligado al fauvismo en su carácter expresivo y emocional, el Expresionismo o los Expresionismos (1905-1933) sería
un término general que se aplica a un conjunto de movimientos que emergieron en varias cuidades de Alemania y en
otros países centroeuropeos del ámbito germánico a principios de siglo: Die Brücke en Dresde (1905), Der Blaue
Reiter en Munich (1911) o la Neue Sachlichkeit (años 20 y 30) en Berlín. Entre sus precedentes estaban Van Gogh,
Edward Munch, James Ensor y el simbolismo.

Como denominador común, desarrollaron una forma de crítica social basada en los protagonistas de la urbe
moderna (personajes alienados, niños, mendigos, obreros en las fábricas) y un interés por el primitivismo. Es un
grito desde la conciencia de un sistema enfermo y que se dirige hacia la destrucción -intuida por los artistas-,
recogiendo el nihilismo neorromático de Nietzsche. Sus características formales fueron la utilización de colores
vivos, la deformación y distorsión de las formas, la abstracción y el interés por la técnica en su sentido menos
depurado, más “desgarrado”.

Die Brücke (1905-1913) pretendía constituir en Alemania un puente que vinculara a todos los “elementos
revolucionarios y en fermento”. A pesar del nombre, resulta similar a los fauves en cuanto a su precaria
estructuración como grupo (bases de unión muy frágiles, asentadas en la libertad e individualismo), y a la limitada
teoría que dejó. Su pintura no era agradable ni hedonista, sino más bien grosera y estridente; en este sentido fueron
bastante más “fieras” que los franceses. Eran un grupo de amigos sin formación en Bellas artes, vinculados a la
ciudad de Dresde, e influidos por la violencia expresiva de Van Gogh y Munch. Querían trabajar como consideraban
que lo haría un primitivo, con apenas 4 ó 5 colores aplicados directamente sobre el soporte, y recogiendo la influencia
del arte de África y Oceanía. Les unía el deseo de experimentación y un amor a la naturaleza (iban en verano juntos a
los lagos de Moritzburg y estaban vinculados con los movimientos culturales de “camping” y de “nudismo”,
emergentes por entonces). La vivencia del grupo en Berlín les llevaría a retratar imágenes más duras y desgarradas de
tipo urbano.

ERNST LUDWIG KIRCHNER (1880 – 1938) El estilo expresionista del grupo alemán Die Brücke, caracterizado
por la simplificación formal y el uso arbitrario del color, encuentra uno de sus mejores ejemplos en el retrato de esta
muchacha del barrio obrero de Friedrichstadt de Dresde. Protagonista de varios retratos de Kirchner y otros artistas
del grupo, Fränzi aparece sentada en una silla, cuyo respaldo tiene tallada una figura desnuda de mujer. La joven nos
mira desafiante con su rostro definido a base de gruesas pinceladas antinaturalistas de un intenso color verde, que
contrastan con el carnoso tono de la silueta femenina que la enmarca. La frontalidad con la que se presenta ante
nosotros pone en evidencia la herencia de modelos pictóricos de Munch, Van Gogh y Gauguin, así como del arte
primitivo.

La simplificación de las formas, la deformación expresionista y el uso arbitrario del color son propios del estilo de
Die Brücke a partir de 1908, cuando los problemas formales pasaron a primer plano debido a la influencia de
los fauves. La aplicación del color con pinceladas gruesas formando grandes superficies, delimitadas por líneas
negras o por zonas de lienzo sin cubrir para acentuar la bidimensionalidad de la composición, hacen evidente —como
señala Magdalena Moeller— la huella de Matisse, cuya obra se expuso en la Galerie Cassirer de Berlín en 1909. Por
otra parte, la frontalidad de la figura nos remite a modelos pictóricos de Munch, de Van Gogh y, sobre todo, de
Gauguin.

También se percibe en este retrato la influencia del arte primitivo del museo etnográfico de Dresde, abierto al público
en marzo de 1910. El propio Kirchner escribía retrospectivamente que «[en este museo] encontré los travesaños
tallados de los nativos de las islas Palao, cuyas figuras mostraban exactamente el mismo lenguaje formal que las
mías»

Der Blaue Reiter (1911-1914) agrupó en Munich a un conjunto de artistas interesados por la abstracción, el
simbolismo y la espiritualidad; en cualquier caso por trascender lo “real” y explorar otros reinos: August Macke, Paul
Klee, Franz Marc, Alexei Jawlensky, Gabriele Münter y el que sería posteriormente la pareja de Münter: Wassily
Kandinsky. Sobre el nombre del grupo; el caballo era el animal preferido de Marc, y el azul estaba cargado de
resonancias espirituales para él y Kandinsky. Uno de los modelos fundamentales de este movimiento fue la música,
concretamente la de Arnold Schönberg. La afinidad pintura-música es el punto de partida para llegar al arte abstracto.

Frente a la “expresión” de los instintos de Die Brücke, estos artistas tendían a “purificarlos” desde una posición más
refinada. Buscaron su influencia en el fauvismo y el cubismo, así como en el arte primitivo y medieval. El grupo tuvo
una corta duración debido al estallido de la Primera Guerra Mundial, que acabaría con la vida de Marc y de Macke, y
que obligó a los miembros rusos a volver a su nación (Kandinsky). A nivel teórico, este movimiento nació en cambio
con una fuerte ambición de expresarse a través del formato de manifiesto (Almanaque de 1912), así como los amplios
textos de Marc o Kandinsky (el más importante es De lo espiritual en el arte, 1912).

WASSILY KANDINSKY Composition IV, 1911, es una obra particularmente interesante por la historia que se
conoce sobre ella. Durante meses Kandinsky estuvo trabajando en esta pieza. Un día, exhausto, decidió dar un paseo,
durante el cual su asistente giró el cuadro al limpiarlo sin querer. La nueva perspectiva de la pieza cambió su visión
artística y la dirección de su arte durante el resto de su vida. El arte abstracto, comienza por tanto definitivamente con
un giro de 90 grados.

NEUE SACHLICHKEIT

La Neue Sachlichkeit o Nueva Objetividad, desarrollada durante los años 20 y 30, es un movimiento fundado por
Otto Dix y George Grosz en el periodo de entreguerras. Caracterizado por su estilo realista de crítica social, cinismo y
reflexión filosófica, se centró en temas como la degeneración psicológica y emocional de los berlineses (alienación,
aislamiento, totalitarismo, barbarie, corrupción…). Estos artistas, la mayoría netamente antibelicistas, habían
contemplado el horror de la guerra en primera persona. Combinan su experiencia de la muerte y la miseria tras la
Primera Guerra Mundial, con una crítica ácida a la hipocresía de la clase burguesa y la ostentación de los generales.
George Grosz, Otto Dix y Max Beckmann formaron el núcleo del grupo de tendencia verista dentro de la Nueva
Objetividad; un grupo de radicales de izquierdas, caracterizado por una visión distante (presuntamente objetiva,
aunque cargada de condena moral), anti-emocional y corrosiva de la sociedad y del arte mismo, al tiempo que
inauguraron un estilo propio muy identificable, próximo a la caricatura.

GEORGE GROSZ emigró a Estados Unidos, donde nadie le conocía y donde fracasó su carrera artística. Allí escribió
su autobiografía; traducida como Un sí menor y un NO mayor. Centró su ataque en lo que denominó “los pilares de la
sociedad”: los militares, los clérigos y la clase media burguesa. “Para obtener un estilo correspondiente a la fealdad y
a la crueldad de mis modelos, copié el folklore de los urinarios, que me parecía la expresión más inmediata y la
traducción más directa de los sentimientos fuertes… Y lo mismo hice con los dibujos infantiles, tomando como
motivo su sinceridad. Así logré el estilo incisivo y el dibujo a punta de cuchillo que necesitaba”.
CUBISMO El Cubismo (1907-1914) nace en Francia en 1906 de la mano de Pablo Picasso y Georges Braque,
siguiendo el camino de análisis de la realidad que había trazado Paul Cézanne (retrospectiva en el salón de Otoño de
1907 que les impactó, con la serie del Mont Saint-Victoire de 1906) y tendencias intelectuales fenomenológicas como
las que se estaban extendiendo a raíz de Henri Bergson (teorías sobre la duración y la simultaneidad múltiple de las
cosas, perceptible sólo a través de la intuición).

PAUL CÉZANNE

N. en Aix-en-Provence. 1839

Aprendizaje en París. Tras unos primeros lienzos de concepción romántica, el tratro con Pisarro condicionó su
pintura. Le ayudó a aclarar su paleta, a interesarse por el bodegón y el paisaje. Le enseñó a pintar como un
impresionista. En esta época, Cézanne ya apuntaba hacia la exaltación de los volúmenes, rasgo que lo diferencia de
los demás impresionistas.

Para él el Impresionismo se fundaba demasiado en la sensación y en la superficialidad. Retirado en Aix-en-Provence,

empieza a plantearse un modo de pintar que responda a la esencia de la realidad, a la esencia propia de los objetos,
pero a través de su propia experiencia. Prescinde de la emotividad y del sentimiento para reflexionar sobre el lenguaje
pictórico, meditando sobre las relaciones entre la forma y el color.

Representación del mundo a través de la geometría. La montaña de Santa Victoria es un tema que trató en serie.
Escalonaba los planos sucesivos subrayándolos con el color. Concibe los árboles como cilindros y las casas,
construidas a base de planos, enfatizan la geometrización del cuadro.

“Tratar la naturaleza a través del cilindro, de la esfera, del cono, todo ello situado en perspectiva, o sea, que cada lado
de un objeto, de un plano, se dirija hacia un punto central. Las líneas paralelas en el horizonte dan 'la extensión, o sea,
una sección de la naturaleza o, si lo prefiere, del espectáculo que el Pater omnipotente Aeterne Deus despliega ante
nuestros ojos. Las líneas perpendiculares a este horizonte dan la profundidad. Ahora bien, la naturaleza, para
nosotros, hombres, aparece más en profundidad que en superficie, de ahí la necesidad de introducir en nuestras
vibraciones de luz, representadas por los rojos y los amarillos, una suma suficiente de azulados, para que se note el
aire”.

Paul Cézanne: Carta a Émile Bernard. 1904

“Quise copiar la naturaleza y no lo conseguí. Era inútil que buscara, dando vueltas, cogiéndola en cualquier dirección.
Irreductible. Por todos lados. No obstante, me sentí contento de mi cuando descubrí que el sol, por ejemplo, no se
podía reproducir, sino que había que representarlo por otra cosa [... ] por el color”.

Paul Cézanne: Entrevista con J. Gasquet. 1912

CUBISMO

La primera vanguardia, rompe con la perspectiva, el último estatuto renacentista vigente. Fragmentación de líneas. En
los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Representación de la naturaleza a través de las líneas
geométricas, fragmentos y representación de varias facetas de un objeto en un mismo plano. Geometrías no euclídeas
(Poincaré), cuarta dimensión.

Picasso

Les Demoiselles d'Avignon es el punto de partida de este estilo, iniciada en 1906 y acabada en 1907. Las formas de
las cinco mujeres se fracturan en ángulos, se destruye el sentido idealizado del desnudo. Desaparece la perspectiva, el
claroscuro. La pintura pasa a hacer alusión a su condición de objeto bidimensional. Naturaleza muerta sobre silla de
rejilla, de 1912, marca el inicio del empleo del collage.

Influencia africana, exposición de máscaras africanas en París. Interés por el exotismo.

Rompe con los cánones de profundidad espacial.

Braque. Botella y pescados. 1908

Picasso y Braque empezaron a sintetizar las formas reduciéndolas a sus elementos geométricos más simples y
presentándolas en un juego de múltiples planos simultáneos.

Dos etapas diferenciadas: la primera era el “cubismo analítico”: el artista limitaba su paleta de colores a unos
cuantos tonos de grises y marrones, y evolucionó hasta llegar a una máxima expresividad de planos simultáneos; esto
llevaba a la pintura al borde de la abstracción. Los cubistas no buscaban la abstracción, lo que les llevó a la segunda
etapa, que fue llamada “cubismo sintético”. En ella se empezaron a desarrollar nuevas técnicas que permitían
simplificar las figuras distinguiendo así las formas de los objetos, y los planos simultáneos eran menos.

Fernand Léger

Cubismo referido a la máquina, el desarrollo industrial, el metal, los colores fríos, etc. Precedente del futurismo.

FUTURISMO

1909, Filippo Tommaso Marinetti, poeta. Promovía y propagaba los conceptos y las obras del futurismo. 40
manifiestos entre 1909 y 1918, otros 40 hasta 1938, viajes, conferencias, lecturas, intervenciones que acababan en
pelea, promoción de los cuadros de los futuristas italianos a lo largo de Europa. Acabó integrándose en las filas del
fascismo.

“Un automóvil rugiente, que parece correr como la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia”.

“Lucharemos con toda nuestra fuerza contra la fanática, insensible y cursi religión del pasado, una religión alentada
por la existencia viciosa de los museos. Nos rebelamos contra la adoración ridícula de viejos lienzos, viejas estatuas y
viejas baratijas, contra todo lo que está sucio y lleno de lombrices y derruido por el tiempo (…) Fuera con los
arqueólogos afectados de necrofilia crónica! ¡Abajo con los críticos, esos proxenetas complacientes! ¡Abajo con los
académicos hinchados de gota y los profesores borrachos e ignorantes!”. “Queremos destruir los museos, las
bibliotecas, las academias de todo tipo”.

“A los ojos de otros países, Italia sigue siendo una tierra de muertos, una vasta Pompeya, repleta de sepulcros. Pero
Italia está renaciendo. Su resurgimiento político será seguido por un resurgimiento cultural. En la tierra habitada por
campesinos analfabetos, se levantarán escuelas; en la tierra donde la única profesión disponible era la de no poder
hacer nada nuevo bajo el sol, ya se encuentran rugiendo millones de máquinas; en la tierra donde la estética
tradicional reinaba como suprema, nuevos vuelos de inspiración artística están emergiendo y maravillando al mundo
con su brillantez”. “Cantaremos a las grandes masas agitadas por el trabajo, por el placer o por la revuelta;
cantaremos a las mareas multicolores y polifónicas de las revoluciones en las capitales modernas; cantaremos a la
vibración nocturna de los arsenales y los astilleros, incendiados por violentas lunas eléctricas; a las estaciones ávidas,
devoradoras de serpientes que humean; a las fábricas suspendidas de las nubes por los retorcidos hilos de sus humos;
a los puentes semejantes a gimnastas gigantes que husmean el horizonte; y a las locomotoras de pecho amplio, que
patalean sobre los rieles, como enormes caballos de acero embridados con tubos, y al vuelo resbaloso de los
aeroplanos, cuya hélice flamea al viento como una bandera y parece aplaudir sobre una masa entusiasta. Es desde
Italia que lanzamos al mundo este nuestro manifiesto de violencia arrolladora e incendiaria con el cual fundamos hoy
el FUTURISMO porque queremos liberar a este país de su fétida gangrena de profesores, de arqueólogos, de
cicerones y de anticuarios. Ya por demasiado tiempo Italia ha sido un mercado de chamarileros. Nosotros queremos
liberarla de los innumerables museos que la cubren por completo de cementerios”

(Manifiesto Futurista)

En Italia eran nacionalistas, radicales, belicistas, seguidores del poeta, militar y político d’Annunzio.

Carlo Carrà, Umberto Boccioni, Giacomo Balla.

1912 Exposición futurista en la Galería Bernheinm de París. Itinerancia por Londres, Berlín, Bruselas, La Haya,
Amsterdam, Viena, Hamburgo, Munich, Budapest, Zurich y otras.

Futurismo aparece en países de la periferia artística del momento: Italia y Rusia.

Natalia Goncharova
Expuso con Tatlin y Malevich en la exposición “El rabo del burro”, en 1912.

Suprematismo

Málevich, uno de los pioneros más arriesgados de la vanguardia artística. Suprematismo significaba para él
supremacía del sentimiento puro en el arte.

1913–1922

“Para mí se hizo evidente que había que crear nuevos marcos para la pintura en colores puros, construidos por
exigencia de los colores; y, en segundo lugar, que el color debería abandonar la mezcla pictórica y convertirse en un
factor independiente, que se incorpora a la construcción como un individuo de un sistema colectivo y de la
independencia individual”. KAZIMIR MALEVICH

Los rusos fueron pioneros en arte en los primeros años del siglo XX. Y uno de los creadores más vanguardistas de
esos primeros años fue el pintor Kazimir Malévich, que promovía la abstracción.

Un universo sin objetos. Sin indicio visual posible. Arte no descriptivo. Quería representar la nada. Pero… ¿cómo
representar la nada? no se puede, pero sí se puede crear arte centrado sólo en las propiedades físicas de la propia obra.
De esa manera quizás el espectador podría llegar a la pura y simple sensación.

Los suprematistas simplifican, ordenan todo, reducen los colores y, así, quizás los espectadores de una obra nos
olvidemos que estamos ante una representación, sino ante todo el universo reducido en un cuadrado.

De Stijl

Con el nombre de "De Stijl" (El estilo) se conoce al grupo de artistas y revista fundados en 1917 por Mondrian y Van
Doesburg en la ciudad de Leiden, con el objetivo de difundir los principios de la neoplasticismo. Doesburg, sintetizó
el espíritu y la esencia del grupo con esta frase: "Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el
estilo

En 1921 se abrió al Dadaísmo y en 1922 y 1923 Arp y Schwitters se encargaron de la edición de un suplemento Dadá
llamado "Mecano". Mondrian dejó de participar en la revista en 1924 pero su publicación se prolongó hasta 1928,
siendo una de las revistas de arte de vanguardia más importantes del periodo de entreguerras.

En 1925 Mondrian se separó del grupo por desavenencias teóricas con Doesburg. Este último quería que la línea
inclinada formara parte del lenguaje neoplasticista, pero Mondrian la sentía como un elemento desestabilizador.

Características:

 Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal,

eliminando todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental.
 Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.
 Planteamiento totalmente racionalista.
 Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción,
siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos.
 Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio, logrado por la compensación de las
formas y los colores. Nunca se recurre a la simetría.
 Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises).
 Empleo de fondos claros.