Las Vanguardias Artísticas y la influencia del Psicoanálisis 1

LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS Y LA INFLUENCIA DEL

PSICOANÁLISIS

Dr. Adolfo Vásquez Rocca

Universidad Andrés Bello – Universidad Complutense de Madrid

LA INFLUENCIA DE MARX, FREUD Y LACAN EN LAS PRIMERAS

VANGUARDIAS ARTISTICAS
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CONCEPTO DE VANGUARDIA

El término VANGUARDIA se utiliza para englobar a todos los estilos artísticos que
aparecieron en la primera mitad del siglo XX, es de origen medieval y literalmente
implica la idea de lucha, de combate, de un grupo organizado y pequeño dentro de
un grupo mayoritario, que avanzan, que se sitúan por delante. La vanguardia
artística se manifestó, como acción de grupo reducido, que se enfrentaba a
situaciones más o menos establecidas y aceptadas por la mayoría. Fueron,
movimientos agresivos y provocadores y que se anticipaban al futuro. Pero el
vanguardismo no fue una tendencia unitaria sino que estuvo formado por una gran
cantidad de movimientos, cada uno de ellos, con características y técnicas propias.

DESARROLLO – Causas

Para entender las razones por las que las vanguardias artísticas se desarrollaron, es
necesario echar la vista atrás, al siglo XIX. Fue fundamental la publicación del
Manifiesto Comunista de 1848, a partir del cual surgieron los distintos manifiestos
artísticos, que a modo de declaración pública recogían los propósitos de actuación
de cada vanguardia.. Hay que destacar tres acontecimientos políticos, la constitución
de la segunda y la tercera República Francesa (1848 y 1871) y la Primera Guerra
Mundial (1914), provocan una reacción intelectual en contra de la sociedad de la
época. A esto hay que añadir el cansancio de las distintas tendencias artísticas,
especialmente el realismo y el comienzo de los llamados Salones de París. Y sobre
todo los cambios y aportaciones de la Segunda Revolución Industrial, la publicación
de la Teoría de la Relatividad de Einstein y la Interpretación de los sueños de Freud,
anunciaban a voces que algo en el mundo estaba cambiando.

VANGUARDIAS.

1.- Impresionismo (1874), Neoimpresionismo (1884) y Postimpresionismo (1910).

Aunque algunos historiadores dejan fuera de la clasificación de vanguardias al

Impresionismo, hay que tener en cuenta que fue el primer movimiento que se rebeló
contra los gustos de la época y va a ser fundamental en el desarrollo del arte
posterior. El precursor de este movimiento fue Eduard Manet, en sus cuadros se
puede apreciar el paso de la pintura tradicional a la impresionista. Con el tiempo
Manet recurre a pincelada directa, con mucha carga, aunque nunca con tanta
decisión como lo harían los siguientes autores impresionistas, todos ellos
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influenciados por el, (Degas, Renoir, Monet, Pizarro, Sisley y Cezanne). El

Impresionismo capta la realidad, el instante, la impresión. Es una pintura de aire
libre. La pincelada es rápida y directa. Interesa la luz a lo largo de todos los
momentos del día. En una exposición en los salones del fotógrafo Nada, nace como
tal movimiento y en ella se encontraba una obra de Monet, llamada Impresión del
Sol Naciente, que burlonamente citada por un crítico dio nombre al grupo. Acabada
la época del desarrollo del Impresionismo, surge el Neoimpresionismo o
puntillismo, llevado a cabo fundamentalmente por Seurat y Signac. Aprenden la
lección impresionista y la aplican de un modo más científico, más controlado,
mucho menos espontáneo y fresco. La pincelada se hace corta y fragmentada. La
mezcla de los colores no se hace en la paleta, ni en el lienzo sino en la retina del
espectador. Postimpresionismo.- Varios artistas partiendo del Impresionismo
derivan hacia una pintura personal. Las características se pueden resumir en:
Gaugain.- Realiza composiciones estáticas, renunciando a la perspectiva, el
modelado y las sombras para ello utiliza tonos fuertes en el color y en grandes
planos, interés por lo exótico (Tahití), influirá en los fauvistas. Cezanne.- Sin
renunciar al color recupera el dibujo. Utiliza más de un punto de vista y el primer
plano. Se puede considerar el arranque del cubismo Van Gogh.- Para expresar sus
frecuentes depresiones y angustias utiliza colores agresivos con grandes contrastes,
figuras y paisajes serpenteantes, su pincelada es sinuosa, cursiva y espesa,- Abre las
puertas al expresionismo. Toulouse-Lautrec.- En su técnica es fundamental el
dibujo, el movimiento, la carga irónica y la caricatura, refleja el ambiente de los
salones nocturnos: bailarinas, cantantes y prostitutas son sus modelos. Fue el
impulsor del cartel.

2.- FAUVISMO 1905 / 1907

El fauvismo nace en Francia. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en
español, cuyas características son: • Dan más importancia al color que al dibujo, por
lo que se olvidan del modelado, el claroscuro y la perspectiva. Los artistas fauves van
a trabajar con la teoría del color interpretando que colores son primarios, cuales son
secundarios, y cuales complementarios. • La técnica fauvista emplea toques rápidos
y vigorosos, trazos toscos y discontinuos, aunque se cree distorsión en las figuras. El
precursor de este movimiento fue Henri Matisse, pero también podemos destacar a
Derain, Dufi.

3.- CUBISMO 1907 / 1914.

El cubismo considerado como la primera vanguardia, tuvo como centro neurálgico la
ciudad de París, y como jefes y maestros del movimiento figuraban los españoles
Pablo Picasso y Juan Gris y los franceses Georges Braque y Fernand Léger. El
movimiento se inicia con el cuadro “Las Señoritas de Avignon” de Picasso. Sus
características son: • Se sustituye la perspectiva tradicional, por la “perspectiva
múltiple, la cual consistía que aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas
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diversas del objeto: una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal •
Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando
líneas y superficies. • No hay sensación de profundidad • Se eliminan los colores
sugerentes típicos del impresionismo o del fauvismo. • Aparece la técnica del
collage: se pegan o clavan en la tela objetos El cubismo analítico o hérmético (1909-
1912) • La pintura es casi monocroma en gris y ocre. Los colores en este momento no
interesaban, pues lo importante eran los diferentes puntos de vista. Debido a esto
algunas obras parecen casi abstractas, la imagen era casi ilegible, a no ser por
algunos objetos como una pipa o letras de periódico El cubismo sintético (1912-1914)
• El color es más rico que en la fase anterior • Las obras son más figurativas, • El
cuadro se construye con elementos tradicionales (la pintura al óleo) y con nuevos
(periódicos, naipes, partituras

4.- EXPRESIONISMO 1905 /1913.

El expresionismo surgió como reacción al impresionismo, buscaban la expresión de
los sentimientos del ser humano y las emociones del autor más que la
representación de la realidad objetiva (impresionistas). Revela el lado pesimista de
la vida generado por las circunstancias históricas del momento. • Los colores fuertes
y puros • Las formas son retorcidas y la composición es agresiva • No importa ni la
luz ni la perspectiva. • El espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía
entre las distintas partes de la tela. El Expresionismo se inicia con un periodo
preliminar representado por: Ensor (1860-1949).- Pinta desfiles fantasmales de
personajes enmascarados La máscara se convierte en la expresión de lo amenazador
y lo desconocido que refleja la ironía sobre la condición humana. Edvard Munch
(1863-1944).- Transmite en sus obras la angustia y la soledad, al mismo tiempo que
los problemas psíquicos. Siente predilección por la figura humana y las relaciones
personales. En él la expresión surge como resultado de su vida atormentada En el
expresionismo hubo dos grandes grupos: Die Brücke (El Puente), coetáneo al
movimiento fauvista, la técnica es similar, pero los temas ya no son
intranscendentes sino que plasman angustias interiores del hombre y sus
preocupaciones existenciales. Destacan Kirchner intenta demostrar con su paleta
estridente y sus trazos angulosos los oscuros deseos que laten en el fondo de los
seres humanos. Mujer del busto desnudo con sombrero. Nolde conseguirá pintar la
desnudez de las almas humanas. Bailarinas de las velas. Der Blaue Reiter (El Jinete
Azul).-. Sus componentes evolucionarán rápidamente a formas abstractas, como es
el caso de Kandinsky. La representación del objeto en sus pinturas es secundaria, ya
que la belleza residía en la riqueza cromática y en la simplificación formal. Chagall y
Modigliani formaron parte del grupo expresionista de la llamada Escuela de París.
Chagall está conectado con varias corrientes de arte moderno (cubismo y fauvismo)
El italiano Modigliani destaca por sus obras humanas alargadas y nostálgicas que
recuerdan al Greco.
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5.- FUTURISMO 1909 / 1914

El Futurismo surge en Italia al mismo tiempo que el Cubismo aparece en Francia.
Gira en torno a la figura de Marinetti, que publicó en 1909 el Manifiesto Futurista, y
que no dudaba en afirmar que “un automóvil rugiente, es más bello que la Victoria
de Samotracia”. El futurismo quiso romper con el arte del pasado, y su característica
principal era el dinamismo y el movimiento, transmitido a través de composiciones
de color y en la multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo. La acción la
representaban mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de
la figura. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas Entre sus
representantes destacan: Umberto Boccioni.-Cultivó el puntillismo en algunas
ocasiones, en otras empleó la línea curva, y más tarde, las rectas. En La ciudad se
levanta su dinámica es curva, mientras que Dinamismo de un ciclista se organizan
en disparatadas rectas. Giacomo Balla.- Trabajó fundamentalmente sobre los
aspectos ópticos del movimiento. De la misma forma se interesa por realizar un
análisis de los ritmos en ciertas aves, así como una serie sobre La velocidad del
automóvil.

6.- DADAÍSMO 1915 / 1922.

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas
establecidos en el mundo del arte. Se presenta como una ideología total, como una
forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.
Está en contra de la belleza eterna, contra las leyes de la lógica, y contra lo universal.
Los dadaístas defienden el caos frente al orden, la imperfección frente a la
perfección. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho
cotidiano. Entre los representantes del dadaísmo encontramos: Marcel Duchamp.-
Su principal aportación es el ready-made, que consiste en sacar un objeto de su
contexto para situarlo en el ámbito de lo artístico. En 1913 concibió una obra a partir
de una rueda de bicicleta colocada sobre un taburete de cocina. En 1915 presentó un
urinario de loza puesto al revés y lo tituló Fontaine.

7.- SURREALISMO 1924 /1939.

El Surrealismo como movimiento artístico nace en Francia, aunque probablemente
sus mejores manifestaciones procedan de artistas españoles. La primera fecha
histórica del movimiento es en 1916, año en que André Bretón, precursor, líder y
gran pensador del movimiento, descubre las teorías de Freud, además de conocer a
Apollinaire. En 1924 André Bretón escribe el primer manifiesto surrealista. Según él
la postguerra exigía un arte nuevo, no para representar la cruel realidad, sino el
mundo de los sueños y fantasías de cada uno. El surrealismo no pretendió ser sólo
una opción artística sino que quiso ser un movimiento que promoviera la revolución
integral, buscan liberar al ser humano de sus propias represiones y aquí es donde se
relacionarían con la teoría del psicoanálisis de Freud. Pero también pretendieron
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que el hombre se liberara de la represión que ejercía la sociedad burguesa y su

modelo de estado por medio de la influencia del marxismo. Características: •
Interpretación de la realidad desde el sueño, lo onírico, el inconsciente, la magia y la
irracionalidad. • Creación de imágenes equivocas de manera que una misma cosa
puede ser interpretada de varias maneras. • Da importancia a lo paradójico, lo
absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso. • El Frottage (dibujos
compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o lienzo). • Técnica del
“Cadáver Exquisito” o la pintura automática (varios artistas dibujaban las distintas
partes de una figura o de un texto sin ver el trabajo del anterior, logrando imágenes
interesantes e ilógicas). • Inspiración en el erotismo descubren realidades oníricas, y
el sexo será tratado de forma impúdica. • Se interesaron por el arte de los pueblos
primitivos, el arte de los niños y de los dementes. • Grattage.- (“raspado” en lengua
francesa) es una técnica de la pintura surrealista en la que la pintura se desprende
de la tela mediante desgarrones (por lo general una vez seca), creando una especial
textura con efecto de relieve o tercera dimensión. Fue empleada por Max Ernst y
Joan Miró, y más tarde por el informalismo, especialmente por Antoni Tàpies •
Entre las imágenes de la pintura surrealista destacan: formas abstractas, aislamiento
de fragmentos anatómicos, máquinas fantásticas, representación de autómatas,
realidades oníricas, escritura automática1 (basada en la técnica de Asociación Libre
que el Psicoanálisis empleaba para explorar el inconsciente). Los principales
representantes del surrealismo son: Dalí.-en sus cuadros aparecen visiones y sueños
repletos de signos y códigos inexplicables. Afirmaba que sus cuadros eran
“fotografías de sueños pintadas a mano”, pertenece al grupo de los denominados
surrealistas ilusionistas. Los relojes blandos se convirtieron en su marca
característica. En las caricaturas de los periódicos estos relojes cuelgan sobre el
pomo de la puerta de su hotel Rene Magritte.- demostró en sus cuadros las
diferencias entre el arte y la realidad. Los objetos muertos poseen ojos, las imágenes
representadas en los espejos desaparecen, las calles nocturnas están cubiertas por
un cielo resplandeciente. Lo mismo sucede con el titulo de sus cuadros son
surrealistas porque no tiene nada que ver con el cuadro. Joan Miró.- Influido por el
arte folklórico catalán. No pintó de una forma totalmente abstracta. En cierta forma
se parecen a los cuadros de Kandinsky.

8.- SUPREMATISMO 1915 / 1919.

Vanguardia de origen ruso que comienza con el manifiesto de Malevitch. Con un
lenguaje plástico nuevo, sin referencias figurativas ni influencias artísticas previas.
Evita cualquier referencia de imitación a la naturaleza recurriendo a módulos
geométricos de formas puras y perfectas de color austero, en especial el uso del
blanco y el negro con algún color poco saturado. Al ser obras de pocos elementos, y
además geométricos, tendrá mucha importancia la composición y distribución de

1 “Automatismo psíquico puro por el cual se propone expresar verbalmente o por escrito, o de cualquier otra manera, el
funcionamiento real del pensamiento. Dictado del pensamiento, en ausencia de cualquier otro ejercido por la razón, al
margen de toda preocupación estética o moral.” A. Bretón
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éstos en las obras.

9.- CONSTRUCTIVISMO 1913 / 1920

El Constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia
en 1914, destacó después de la Revolución de Octubre y responde a las premisas de
la construcción del sistema socialista. Los artistas rusos ayudaron a través del arte a
esta revolución, ya que estaban en contra del antiguo orden social y del arte
conservador. Su fundador es el escultor y pintor ruso Vladimir Tatlin. El
constructivismo destacó por su carácter utilitario y al servicio de la revolución Los
artistas buscaron producir cosas útiles acordes con la nueva sociedad comunista.
Toma características de diferentes vanguardias como el Cubismo, Futurismo,
Suprematismo y Dadaismo. Con esta finalidad, artistas como Tatlin, Malevich,
Rodchenko, Kandinsky, promovieron una estética y una aproximación al diseño que,
entre otras cosas, se asociaba a la producción industrial y decía adiós al ornamento
complaciente. Estos artistas se dedicaron a todos los ámbitos artísticos: diseño de
carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda,
ilustraciones. La obra se comunica con el especio que la rodea o penetra. Estilo
basado en líneas puras y formas geométricas y pesadas. Materiales simples: madera,
metal, yeso, alambre, plástico, cartón, vidrio,(elementos modernos que simbolizan el
progreso). Uso de los colores naranja, rojo, azul, amarillo, negro y blanco. Rechaza el
arte burgués. Se evito el ornamento. De Tatlin hay que destacar el proyecto del
Monumento a la III Internacional de, que concibió un proyecto para un monumento
a la revolución: una estructura de ingeniería de acero y vidrio, a la vez escultura y
arquitectura que sobrepasar a la Torre Eifeel. Rodchenko. Se interesó tanto por la
pintura, el diseño, la fotografía. Realiza obras en la que predomina la superficie
plana, la línea y la mancha. Siempre con una fuerte influencia de la Revolución
Bolchevique Pero a causa de la inestabilidad propia del tiempo que sigue a una
revolución, se llevaron a cabo muy pocos proyectos a gran escala, por lo cual el
Constructivismo se limitó al diseño de exposiciones, cerámicas y grafismos.

10.- CONCLUSION: LA INFLUENCIA DE MARX, FREUD Y LACAN

He querido hacer un recorrido por todas las vanguardias, aunque ni son todas las
que están, ni están todas las que son, para comprender mejor la influencia de Marx,
Freud y Lacan en estos movimientos artísticos Marx no dejó una exposición
sistemática de sus ideas sobre el arte, pero la posibilidad de plantear una concepción
artística desde el marxismo se encontraría según Adolfo Sánchez Vázquez en los
trabajos de juventud de Marx, especialmente “Los manuscritos económicos
filosóficos”. En está obra, establece una relación entre arte y trabajo al ser ambas
cosas donde el hombre se determina asimismo y transforma la naturaleza. El arte
representaría para Marx un proceso de humanización, un modo particular del
hombre de relacionarse y transformar la realidad. La influencia del marxismo ha
sido importante en las vanguardias a través del Manifiesto Comunista, y
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posteriormente también en el surrealismo, ya que Bretón líder de dicho movimiento

afirmaba que el “Surrealismo debía caminar junto a la revolución marxista”. En un
viaje a México conoció a Trotsky, y redacto otra vez el Manifiesto con el título de
“Manifiesto por un arte revolucionario” ya que entendía la necesidad del artista de
experimentar con nuevas formas e ideas. También influyeron las ideas marxistas en
Chagall, kandisiky y sobre todo en el constructivismo ruso. El estudio de Freud por
parte de André Bretón influyó de forma decisiva en su formación de la teoría
surrealista, ya que no fue el primero en percatarse del poder misterioso de los
sueños y la importancia que tuvieron en el Surrealismo. Dalí, estaba muy interesado
en Freud, y en los tres viajes que realizó a Viena intenta conseguir una entrevista con
él, cosa que no llego a ocurrir ya que siempre le ponían excusas, parece ser que
Freud no tenía ningún interés en ver a Dalí (ya que no entendía el interés que tenía
por él el joven pintor). Finalmente durante la estancia de Dalí en Londres, en julio
de 1938, se llegó a realizar dicha entrevista. A raíz de la visita de Dalí a Freud, este
cambia de opinión sobre Dalí ya que dice: “hasta ahora me inclinaba a pensar que
los surrealistas, que parecen haberme elegido como santo patrón, eran unos locos
absurdos. Pero el joven español con sus ojos cándidos y fanáticos y su innegable
maestría técnica me ha sugerido otra apreciación”. Dalí después de la visita a Freud
comenta que habían hablado poco y que este sabía muy poco de él, aunque si
admiraba su pintura. Posteriormente Dalí hizo un dibujo de Freud realizado al
carbón “Retrato de Freud”, Dalí cuenta que la cabeza de Freud le recordaba a un
caracol, dicho retrato Freud no lo llegó a ver nunca, ya que no se lo quisieron
enseñar ya que Dalí sin saberlo dibujo la muerte de Freud. Muy diferente es la
postura de Lacan, fue muy activo en el mundo de los escritores, artistas e
intelectuales parisinos de la época fue amigo de André Bretón, Luis Buñuel, Salvador
Dalí y Picasso. El psicoanálisis lacaniano sin el surrealismo no habría llegado a ser lo
que es, pero hasta que punto y de qué surrealismo estábamos hablando?. Lacan
conservaba la amistad con Bretón aunque almorzaba con Bataille; se citaba con Dalí
aunque era de la corte de Picasso. Al contrario de Freud, fue Lacan el que solicito
una visita a Dalí, que ya era un pintor consagrado y él un joven psiquiatra. Lo mismo
ocurre con Picasso ya que Lacan lo conoce a mediados de los años 30 en París. El
malagueño ya era toda una celebridad y el francés iba camino de serlo y que tenían
en común una agitada vida sentimental. Lacan llegó a convertirse en médico
personal de Picasso y a raíz de ahí es cuando trata a una de las amantes Dora, a
instancias de Picasso. Para terminar voy hacer referencia a un texto de Alan Wood
político marxista y escritor, que en su libro El marxismo y el arte dice.: “Aunque
para la mayoría de las personas no es evidente la importancia que tiene el arte, si lo
es cuando intentamos imaginar el mundo sin arte; es decir, un mundo sin color, sin
música, sin fantasía o imaginación. Un mundo así sería completamente insoportable
porque sería un mundo inhumano. Las condiciones en las que vivimos y trabajamos
ya son bastante insoportables. Millones de personas encuentran consuelo en la
música, el baile, la literatura, y se implica emocionalmente en el cine, con las
estrellas cinematográficas y las series de televisión. Todas estas cosas son una
expresión del arte, otra cosa distinta es que sea bueno o malo. El arte pone un
elemento de color a un mundo incoloro. Lleva un rayo de esperanza a las vidas sin
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sentido. El arte en todas sus formas nos hace abrir los ojos, aunque sea sólo por un
momento fugaz, ante nuestra monótona existencia cotidiana, nos hace sentir que
hay algo más en la vida, que podemos ser mejores de lo que somos, que las
relaciones entre las personas pueden ser humanas, que el mundo puede ser un lugar
mejor. El arte es el sueño colectivo de la humanidad, la expresión del sentimiento
arraigado de que nuestras vidas no deberían ser así y que deberíamos luchar por
algo diferente.

Dr. Adolfo Vásquez Rocca

Doctor en Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Postgrado Universidad

Complutense de Madrid, mención Filosofía Contemporánea y Estética. Profesor de Postgrado del
Instituto de Filosofía de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso; Profesor de la Escuela de
Psicología y de la Facultad de Arquitectura UNAB. Miembro del Consejo Editorial Internacional de la
'Fundación Ética Mundial'. Director de Revista Observaciones Filosóficas. Profesor visitante en la
Maestría en Filosofía de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. – Profesor Asociado al Grupo
Theoria – Proyecto europeo de Investigaciones de Postgrado –UCM. Eastern Mediterranean University
- Academia.edu. Académico Investigador de la Vicerrectoría de Investigación y Postgrado, Universidad
Andrés Bello. –Investigador Asociado y Profesor adjunto de la Escuela Matríztica de Santiago –dirigida
por el Dr. Humberto Maturana. Consultor Experto del Consejo Nacional de Innovación para la
Competitividad (CNIC)– Ha publicado entre otros el Libro: Peter Sloterdijk; Esferas, helada cósmica y
políticas de climatización, Colección Novatores, Nº 28, Editorial de la Institución Alfons el Magnànim
(IAM), Valencia, España, 2008. Profesor de Postgrado, Magister en Biología-Cultural, Escuela
Matríztica de Santiago y Universidad Mayor 2013 – 2014.