TEMA 20 LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS

Introducción histórico – cultural

Las primeras décadas del siglo XX, en las que aparecen la mayoría de estos
movimientos artísticos o “ismos”, son unos años convulsos, marcados por el aumento de la
tensión internacional que acabará desembocando en la Primera Guerra Mundial; y, con
ello, el descrédito de las democracias y la aparición de los fascismos en diferentes países
europeos.

Todas estas condiciones crean el clima propicio para la aparición de ciertos estilos
como el Expresionismo, Dadaísmo o Surrealismo en los que el contenido de las obras es la
parte esencial de las mismas. Estos movimientos reflejan una huida ante una realidad que
no les gusta.

También es una época de grandes avances científicos en campos como la Física o la

Química. Teorías como la de la relatividad niegan la estructura del mundo tal y como se
conocía. Estos e refleja en el arte con unos estilos que buscan nuevas formas de reflejar la
realidad como el Cubismo o la Abstracción.

Por último, la sociedad se convierte en una sociedad de masas. La publicidad, la

política y, en algunos casos, hasta el arte, están enfocados a esta sociedad en la que el
consumo a gran escala empieza a ser algo habitual.

En resumen los movimientos de vanguardia son una serie de estilos muy diferentes
entre sí en muchos aspectos pero con varios puntos en común. Para empezar, algunos
artistas militaron en varios de estos “ismos” o, al menos, compartieron algunas de sus ideas
artísticas. Por otro lado, todos ellos tienen un objetivo común: el de ser la vanguardia, la
ruptura con el arte anterior que utilizaba un lenguaje similar desde el Renacimiento.

Fauvismo

Cronológicamente es la primera de las vanguardias, el nombre proviene del crítico

Louis Vauxcelles que utilizó peyorativamente el término fauve (fiera en francés) para
referirse a los violentos contrastes cromáticos que ofrecían los cuadros expuestos en el
Salón de Otoño de 1905. El estilo de este grupo se basa en los planos de color uniforme y
la yuxtaposición de colores más o menos estridentes lo que les acerca al
Neoimpresionismo. La vida de este movimiento fue corta.

HENRI MATISSE (1869 – 1954)

Este artista representa la imagen totalmente contraria de la que tenemos del artista
de vanguardia, no fue un bohemio, estudió en la universidad, nunca tuvo ningún escándalo,
etc. Además comenzó en la pintura bastante tarde, en comparación con lo habitual en
aquella época.
 Para él el color es lo más importante, sobre todo, en lo que se refiere a su capacidad
expresiva y decorativa, que no tiene que reflejar la realidad. Esto se refleja incluso en sus
obras tempranas como Lujo, calma y voluptuosidad, en ella se aprecia ya la libertad para
aplicar los colores mediante manchas, que, en algunas zonas del cuadro nos recuerdan a la
técnica puntillista.

En La alegría de vivir (1906), abandona definitivamente el puntillismo y el dibujo,

el contorno, pasa a ser más importante, al menos en lo que a las figuras se refiere. El fondo
aparece con manchas de color. En esta obra, de profundo lirismo, se aprecia todavía una
gradación en los colores que abandonará posteriormente donde los colores son totalmente
planos y se abandona también la perspectiva.

Otros pintores de este estilo fueron Andre Derain o Vlamnick.

Expresionismo

Dentro de este movimiento de vanguardia encontramos diferentes generaciones de

artistas que utilizan un lenguaje y recursos propios con el único objetivo de expresar una
serie de sentimientos. Normalmente la angustia y el dolor de las personas motivadas por el
sufrimiento de la vida u otras causas. En lo que al estilo propiamente dicho se refiere
encontramos diferentes formas de expresión aunque como vínculo común tenemos los
colores planos y un alejamiento de la realidad a través de diferentes métodos (temática,
paisajes, etc.). Es una de las vanguardias que más se desarrollará en el tiempo a través de
tres generaciones.

1ª generación: Finales del siglo XIX a principios del siglo XX, de carácter más
simbólico.

2ª generación: En torno a la década de los 10, relacionada con el Fauvismo.

3ª generación: La más fructífera ya que traspasó la pintura para llegar a la escultura,

arquitectura o cine. Comienza tras el fin de la Primera Guerra Mundial.

PRIMERA GENERACIÓN: No se trata de un grupo propiamente dicho, no existen

conexiones entre los artistas de esta generación, aunque coinciden en la forma de
expresarse.

EDWARD MUNCH (1863 – 1944) Noruego, se formó académicamente pero tras

descubrir el Simbolismo en un viaje a París, cambia su forma de pintar, pasando a
expresarse intensamente en sus obras. También sirvió como acicate para el Expresionismo
alemán tras su exposición en Berlín de 1892.

Munch representa sentimientos de angustia, dolor, soledad gracias al uso expresivo

del color y a la deformación de las figuras. Esto se aprecia en su obra más conocida, el
grito, en el que el propio gesto de la figura deforma el paisaje.
 JAMES ENSOR (1860 – 1949) Pintor belga. Su pintura es a la vez excéntrica por
el estilo que usa y crítica con la sociedad de su tiempo por los temas. Principalmente
censura la hipocresía y falsedad de la misma. De ahí que sus personajes aparezcan
frecuentemente con máscaras. En algunos casos sus obras también reflejan su ideología
izquierdista, como en la entrada de Cristo a Bruselas.

SEGUNDA GENERACIÓN: Se localiza principalmente en Alemania donde

coexisten varios grupos artísticos en Dresde y Múnich.

DIE BRÜCKE (el puente) Formado en Dresde en 1907 por un grupo de estudiantes
de arquitectura claramente revolucionario en lo que al concepto artístico se refiere. Son
admiradores de Van Gogh y Munch.

ERNST LUDWIG KIRCHNER (1880 – 1938) Es un pintor fuertemente atraído

por el colorido fauvista, pero esa atracción no se traslada a la forma de los objetos y la
figuras que son más cortantes y angulosas. Tras el traslado del grupo a Berlín se dedica a
retratar la animada vida nocturna de la capital alemana, como en calle con buscona de
rojo.

DER BLAUE REITER (el jinete azul) grupo formado en 1911. El nombre proviene
de un jinete que aparecía en la portada del almanaque de ese año obra de Kandinsky. En un
principio mantuvieron una fuerte expresividad que parecía anticipar la Primera Guerra
Mundial. Pero, poco a poco, comenzaron a centrarse más en la experimentación puramente
visual, lo que supuso que él sus miembros fueron desembocando en otros estilos.

WASSILY KANDISNKY (1866 – 1944) Nacido en Rusia se instaló en Múnich.

Allí realiza obras con un fuerte colorido relacionado con el Fauvismo. Su pintura pierde
expresividad y gana en simpleza y acaba decantándose por un estilo abstracto en el que la
línea y el lirismo tiene gran importancia.

FRANZ MARC (1880 – 1916) Pintor con un estilo más geometrizante quizá por
influencia cubista. Sus formas son cerradas y rotundas. Su progresión se vio cortada por su
muerte durante la guerra.

TERCERA GENERACIÓN: Esta generación destaca por la violencia tanto en la

temática como en la técnica, su pintura es agresiva, cargada de pintura y aplicada de un
modo violento en el lienzo. El uso de los colores también busca este objetivo. En estos
años el estilo se emplea en otros campos como la arquitectura, (Mendelsohn) la música
(Schönberg) o el cine (Wiene o Murnau)

EMIL NOLDE (1867 – 1956) Sus obras presentan un colorido extremo y es ese
mismo color el que configura las propias figuras y la escena. Abundan colores cálidos y
fuertes como amarillos y naranjas que se mezclan con agresividad como en Danza
alrededor del becerro de oro,
 OSKAR KOKOSCHKA (1886 – 1916) Pintor austriaco en el que la técnica
pictórica sirve como medio de expresión, además del propio tema del cuadro. El color
también se relaciona con la idea que quiere expresar el artista, como, por ejemplo, en la
tempestad.

Cubismo

Nos encontramos ante el movimiento de vanguardia más radical de las vanguardias

en lo que a planteamiento artístico se refiere. Este estilo no propone, como otros, una
alteración de la percepción de la realidad mediante el color o la expresión. El cubismo
propone rompe frontalmente la relación cuadro – realidad presente desde el Renacimiento.
El cuadro no va a mostrar el cómo se ve sino el qué se ve.

El objetivo es mostrar los objetos tal como son, con sus tres dimensiones, por eso se
utilizan diferentes puntos de vista y perspectivas incluso en un mismo objeto. El color y la
luz dejan de ser importantes. Los tonos usados son fríos, como azules, grises, verdes, por
ejemplo. Ese interés por la realidad hace que, en la evolución del estilo, se acaben
insertando objetos reales en las obras de arte cubistas (collages)

El cubismo tiene una vida breve, aunque no por ello su influencia en al arte del
siglo XX sea menor. Su cronología comienza en 1906 y acaba en 1914, con el inicio de la
Primera Guerra Mundial.

Dos elementos influyen en la gestación del Cubismo. Por un lado, la reducción de

los objetos a figuras geométricas simples presente en la obra de Cezanne. Por otro, la
exposición celebrada en París en 1906 sobre arte africano. A Picasso le impactó la
simplicidad y fuerza de las máscaras africanas.

1907 es un año importantísimo para el Cubismo, ya que en dicho año Picasso

finaliza dos obras que dan comienzo al estilo. El retrato de Gertrude Stein y las
señoritas de Avignon. Considerado por muchos como el primer cuadro cubista. Si bien
esto es cierto en las figuras de la derecha del cuadro. Las tres de la izquierda muestran una
esquematización tomada del arte africano (así como algún rostro que realmente es una
máscara africana, en este caso la cuarta) Pero es la figura de la derecha la realmente
cubista. Esta mujer está sentada de espaldas a nosotros pero se la ve el rostro al mismo
tiempo; el cubismo ha nacido. Picasso y su gran amigo Braque desarrollarán el cubismo en
sus diferentes fases.

- Analítico. Hacia 1910 ambos realizan obras en las que los objetos parecen prismas
vistos desde diferentes puntos de vista como en fábrica de Horta de Ebro de Picasso.

- Sintético. El objeto en cuestión se representa en un plano, mostrando todas las

formas geométricas que componen dicho objeto, por ejemplo en bodegón con mesa de
Braque. En este periodo también comienza a usar los collages, usando sillas o periódicos
reales.
 Por último Juan Gris, pintor español que fue uno de los grandes representantes del
cubismo sintético, pero sin caer en un excesivo toque científico, como sí le ocurrió a
Picasso. Sus obras guardan un toque real, más estético. Por ejemplo en naturaleza muerta
en una silla.

PICASSO (1881 - 1973) Uno de los grandes genios de la pintura universal. El

objetivo de su obra, sobre todo en los primeros años fue la evolución, el no quedarse
encasillado en un mismo estilo. En sus últimos años lo que hará será utilizar su estilo, o,
mejor dicho, estilos.

Nació en Málaga y comenzó su carrera pictórica en Barcelona, realizando obras allí

próximas al Decadentismo imperante en la ciudad condal, protagonizado por artistas como
Isidro Nonell. Pero en cuanto viaje a París quedará prendado de la vida artística y nocturna
de la ciudad de la luz y acabará estableciéndose allí. No sin dificultades al principio.

El suicidio de su amigo el pintor y poeta Casagemas le marca profundamente y

provoca el inicio de su primer periodo puramente personal, la etapa azul. En él, utiliza
principalmente este color dando a sus obras un toque triste y melancólico. Esto mismo se
traslada a los temas donde muchas veces roza el patetismo, como en entierro de
Casagemas o el guitarrista ciego. En estas obras vemos la influencia de El Greco en
aspectos tales como la composición o el alargamiento de las figuras.

En 1904, las cosas cambian para Picasso, sus condiciones de vida mejoran. Esto
hace vaya abandonando el azul y el rosa pase a ser el color protagonista de sus cuadros. .
Los temas también son más alegres, como familias, madres con hijos, personajes de circo.
No sólo es el uso del color rosa y otros colores cálidos, sino las propias figuras menos
cortantes y angulosas.

Tras el cubismo (ver más arriba) Picasso pasa por una serie de etapas artísticas que
muestran su interés por el aprendizaje y el cambio. Utilizó varios estilos, pero sus obras
siempre fueron reconocibles.

En la década de los 20, tras los convulsos años de la Primera Guerra Mundial pasa
por su periodo neoclásico. En él, las figuras son grandes, simples, rotundas. Esto lo
podemos apreciar en mujeres en la playa.

A finales de esa década pasa por su fase más expresionista, muy relacionada con el
Surrealismo, que estaba en boga en esos años. Además Picasso mantuvo relaciones de
amistad con algunos de los miembros del grupo. Esta fase, o mejor este estilo, que
recuperará en distintas ocasiones marca también la década de los 30 y una de sus obras más
conocidas, el Gernika. Esta obra es un encargo del gobierno español para el pabellón de la
Exposición Universal de París, intentando recabar apoyo internacional para su causa. En
dicho cuadro Picasso denuncia el bombardeo atroz de la ciudad vasca por parte de la
Legión Cóndor. Utiliza el blanco y negro para dar apariencia de periódico, además utiliza
mucha simbología que ya había aparecido en su obra. Esta tendencia de denuncia (que no
había tenido durante la Primera Guerra Mundial y por lo que fue criticado) sí que apareció
en este momento y también tras la Segunda Guerra Mundial cuando se afilia al Partido
Comunista con obras como la Guerra de Corea.

A partir de los 50 siendo ya un artista mundialmente reconocido, se dedica a otros

intereses artísticos como la cerámica, el grabado, etc. mostrando así su capacidad para ser
experimentando a pesar de su edad. También realiza series homenajeando a los grandes
artistas de todos los tiempos como Velázquez.

Futurismo

Es un movimiento italiano que se forma en torno al poeta Marinetti que publicó en

1909 el manifiesto futurista. En este manifiesto no sólo se incluyen los principios
artísticos del grupo sino también un cambio de concepción vital. La fuerza, la velocidad,
son los motores de la nueva sociedad. El arte anterior es algo estático y, por tanto,
despreciable. Entre los pintores de este movimiento destacan:

GIACOMO BALLA (1871 – 1958) Sus obras son dinámicas en cuanto a temática
pero, en lo que a técnica se refiere, es un pintor cercano al puntillismo. A medida que
evoluciona su obra, las figuras se descomponen como si de una serie de fotografías se
tratara para mostrar el movimiento. Por ejemplo en niña corriendo en un balcón.

UMBERTO BOCCIONI 1882 – 1916) Escultor que en sus obras tiene como único
objetivo mostrar el movimiento. Sus superficies son siempre muy pulidas, como en formas
únicas de continuidad en el espacio

FERDINAND LEGER (1881 – 1955) Mezcla el lenguaje cubista con el interés por
el movimiento futurista. Su estilo se caracteriza por el uso de formas tubulares, por lo que
se le conocía como tubismo.

PINTURA METAFÍSICA Carlo Carrá y Giorgio de Chirico se conocieron en un

hospital y decidieron formar un grupo artístico. Pero pronto se separaron el único pintor
que siguió este estilo fue de Chirico.

Su estilo es realista en la factura de las figuras, pero por ambientación y temática se

acerca al Surrealismo. Sus pinturas desprenden sensaciones de melancolía soledad,
abandono.

Abstracción

LA pintura no figurativa va a tener un importante desarrollo en los primeros años

del siglo XX. Se abandonan los temas concretos, no intentando mostrar nada en las obras.
Lo importante es la forma de expresión en sí misma, que variará mucho dependiendo del
artista o del grupo.

- KANDINSKY (1866 – 1944) Antiguo pintor expresionista de la segunda generación.

Además de la pintura también desarrolló una gran labor como escritor sobre teoría artística
como en Punto y línea sobre plano. Estaba también interesado en la música: de hecho,
concebía sus cuadros como una armonía musical en al que situaba las líneas y los colores.

Este estilo comienza a aparecer en 1917 tras un viaje a Rusia en el que descubre el
Constructivismo. Su estilo nunca permanecerá estático, pero siempre dentro de su
abstracción lírica, por lo que sus cuadros son muy reconocibles.

PAUL KLEE (1879 – 1940) También expresionista alemán en sus inicios,

desarrollará una obra muy personal en la que las referencias figurativas se mezclan con lo
puramente abstracto.

NEOPLASTICISMO

Estilo abstracto creado en Holanda, por artistas que desarrollaron su carrera en

torno a la revista De stijl. Estos artistas que abarcaban desde la pintura a la arquitectura
formaron el Neoplasticismo.

MONDRIAN (1872 – 1944) Su estilo, uno de los más conocidos de la pintura

abstracta, es totalmente ortogonal, con una fuerte presencia de la línea negra, entre las que
aparecen zonas de color plano. Estos colores suelen ser primarios (rojos, amarillos y
azules) aunque, algunas veces, el gris o el negro los complementan. No existe ninguna
referencia espacial ni temática.

RAYONISMO Y SUPREMATISMO

En la Rusia revolucionaria de 1917 no sólo se agitó la política, sino también el

mundo del Arte. Aparecen, en pintura, nuevos estilos relacionados con la Abstracción, que
era visto como el más vanguardista de los movimientos de vanguardia. El Suprematismo
encabezado por Kassimir Malevitch. Su pintura es abstracción pura, con formas
geométricas como cuadrados o círculos. La simpleza de color también es muy acusada.

DADAÍSMO

Los dos últimos movimientos que veremos en este tema, Surrealismo y Dadaísmo
tienen un importante aspecto en común. En ambos importa más el mensaje que el artista
quiere mandar a la sociedad que el cómo se ha hecho la obra. Esto nos aleja de otros
movimientos como el Cubismo o la pintura abstracta.

Este movimiento se forma durante la Primera Guerra Mundial, conflicto que puso
patas arriba los valores morales de la sociedad europea y que iba en contra de lo racional;
por ello si el mundo no era racional, ¿Por qué el arte debía de serlo?

Por eso forman en el Dadaísmo, dadá es una palabra que no significa nada, lo
mismo que sus obras. La temática no importa, a veces es incluso absurda. Otro de los
puntos que atacan es la imagen casi sagrada del artista como genio creador. Los dadaístas
pensaban que cualquiera podía ser artista. Fue uno de los movimientos más influyentes en
el desarrollo del arte del siglo XX.
 ARTISTAS

El grupo se formó en Zúrich en 1916, en el café Voltaire, donde se reúnen varios

artistas expatriados por causa de la guerra, en torno a Tristan Tzara.

MARCEL DUCHAMP (1896 – 1963) El más importante de los artistas del grupo y
uno de los más influyentes en el siglo XX. Ya había comenzado su carrera con
anterioridad con un estilo cercano al Cubismo. Su estilo niega la habilidad del artista
con los ready made, los objetos encontrados a los que descontextualiza cambiando su
significado como en la fuente. En otras ocasiones el azar, tema muy recurrente en el
grupo juega un importante papel como en el gran vidrio.

MAN RAY (1890 – 1976) Entre sus obras destacan las esculturas, relacionadas con
la obra de Duchamp de los ready made como en regalo: un objeto totalmente absurdo.
También se experimentó con la fotografía.

FRANCIS PICABIA (1879 – 1953) Utiliza un estilo relacionado con la mecánica,

en el que los objetos contemporáneos, como cafeteras son usados para mostrar algo
totalmente diferente, normalmente relacionado con los seres humanos.

El estilo dadá fue totalmente rompedor y polémico en su tiempo. Su exposición en

Berlín supuso un gran escándalo y un proceso judicial por incluir una foto de un cerdo
vestido con el uniforme del ejército alemán. También solían “descontextualizar” obras
famosas como hizo Duchamp con la Gioconda de Leonardo. El grupo tuvo una vida
corta y muchos de sus miembros militaron en otros como el Surrealismo.

Surrealismo

Uno de los moivimientos más importante dentro de las vanguardias. Surge en el

París de los años 20. En un principio fue un movimiento literario aunque luego se
trasladó a otras artes como la pintura o el cien.

El Manifiesto Surrealista, obra de André Bretón, ideólogo y líder del grupo. En él

aparecen los objetivos del mismo. Las teorías de Freud influyen mucho en los artistas
surrealistas. Buscaban, como su propio nombre indica ir más allá de la realidad para
atacar la bienpensante la moral burguesa imperante. Entre los objetivos destacan.

 Importancia de lo irracional, lo onírico, del mundo de los sueños.

 Gran interés por el erotismo y el sexo.
 El surrealismo es automático, es una idea expresada tal cual surge lo que sí
se puede realizar en escritura pero es más complejo en pintura, que es una forma de
expresión artística no inmediata.
 Por último, el objetivo de crear una nueva sociedad cambiando la moral de
la misma. Este interés por cambiar la sociedad hizo que muchos militaran en el Partido
Comunista.
 ARTISTAS
MAX ERNST (1891 – 1976) Militó en el Dadaísmo en Alemania. En sus obras
aparecen objetos irreales; además, incorpora la técnica del collage como en el elefante
de las Célebes.

YVES TANGUY (1900 – 1955) En sus obras destaca por un lado los vastos
horizontes de paisajes desnudos. Las formas abstractas que aparecen en ellos parecidas
a algas o amebas y la parquedad en colores (abundan los grises) son típicas en él. Entre
sus obras destaca Palacio sobre rocas de aristas.

MARC CHAGALL (1887 – 1985) Francés de origen bielorruso, realizó una pintura
onírica, cercana a algunos planteamientos surrealistas pero no la inmediatez.

RENÉ MAGRITTE (1898 – 1967) Pintor belga que introduce una atmósfera
extraña, inquietante. Su pintura es figurativa y muy realista en cuanto a la forma pero
con un significado extraño o contradictorio como en los amantes o el reino de las
luces.

JOAN MIRÓ (1893 – 1983) Pintor catalán que comenzó realizando pintura
figurativa pero su estilo evoluciona primero hacia el cubismo y posteriormente hacia la
abstracción. Los signos que utiliza en su pintura son infantiles. El pintar como los niños
es uno de sus objetivos, el otro es el mundo onírico, la recreación del mundo de los
sueños. En su pintura aparecen principalmente los colores primarios (rojos, amarillos y
azules) muchas veces con un carácter festivo como en carnaval del arlequín. Tiene
algunas excepciones como bodegón con zapatos viejos (1937) donde el negro adquiere
gran importancia, quizá por influencia de la Guerra Civil.

SALVADOR DALÍ (1904 – 1988) Pintor – showman del Surrealismo, su estilo

cumplió, al menos durante varios años, algunos de los postulados del grupo. Pero su
evolución pictórica es muy personal, siempre con el objetivo de llamar la atención
mediante la provocación y la excentricidad. Por ello, fue uno de los artistas más
reconocidos del siglo XX a nivel mundial, sobre todo en los 30 y 40.

La pintura de Dalí es muy realista, basada principalmente en el dibujo. Su primer

estilo reconocible es el que desarrolla en al década de los 20 con obras como muchacha
en la ventana, muy realista y nada provocadora, lo que enlaza su pintura con la de otros
pintores en esta década.

Sus primeros contactos con el Surrealismo se producen en la Residencia de

Estudiantes, donde entabla amistad con García Lorca y Buñuel. La relación artística con
el primero propició, además, la realización de dos películas un perro andaluz y la Edad
de Oro.

En el 29 conoce a Gala mujer rusa casada con Paul Elouard, pintor surrealista. Se
enamora de ella y consigue introducirse en el grupo surrealista. Desde ese momento, y
en los años siguientes, Dalí se convierte en el enfant terrible del Surrealismo, por sus
provocaciones, comentarios y polémicas con André Breton, líder del mismo. A pesar de
ella consigue dotar al movimiento de una imagen característica y reconocible en obras
como el gran masturbador o la persistencia de la memoria.

Su técnica queda definida en este momento: Precisión en el dibujo, grandes

horizontes con colores grises y una aparición de imágenes excéntricas y provocativas en
las que las formas blandas, los insectos y las referencias sexuales son habituales.

Tras la Segunda Guerra Mundial su ideología – que nunca estuvo muy clara – se
vuelve reaccionaria lo que provoca su expulsión del grupo, cosa que tampoco le importa
mucho. Regresa a España donde muestra afinidades con el régimen franquista. En lo
meramente artísticos e decanta por una complicación visual con cuadros
descompuestos, otros que cambian de aspecto según el espectador se aleja o se acerca
pero sin variar su estilo. Por ejemplo madonna de Port LLigat