República Bolivariana de Venezuela

Ministerio del Poder Popular para la Educación Superior.

Instituto Universitario Tecnológico “Antonio José de Sucre”

San Cristóbal – Estado Táchira

Análisis de el modelado y las vanguardias.

-Rafael Orlando Valero Ordoñez.

. . .

Agosto 2022.
 El modelado, una técnica de expresión artística.

La expresión artística es un impulso que nace de la necesidad de comunicar, a veces

es simplemente una necesidad creativa, de crear algo por medios específicos, ya sean
digitales, físicos o del momento como la danza y el teatro. Estrategias para estimular
este tipo de creaciones se han estado aplicando en los métodos de enseñanza, sobre
todo en la educación primaria.

El modelado es una técnica utilizada no solo en la escultura, sino también en la

pintura, diseño gráfico o mecánico, el modelado es un proceso anterior a una pieza
final, usualmente realizado aparte para que sirva de boceto o guía para una creación
final.

Modelar desarrolla el espíritu creador que tanto promueve el desarrollo pleno de la

personalidad, el sentido tridimensional también conocido como inteligencia
espacial, todo esto posible por dar sentido tridimensional, volumen y texturas a un
elemento en creación.

Modelar en la escultura es un proceso en el que se esboza primero una forma inicial,

luego se va seccionando y delineando la estructura original, quitando o añadiendo
más cantidad del material a esculpir.
Es bueno resaltar que el modelado es un proceso, no un arte final, por eso es tan
importante como una técnica de expresión artística, pues todo necesita ser planeado
antes de ser llevado a cabo.

Otro ejemplo es la deconstrucción geométrica en el dibujo, al descomponer

geométricamente un objeto al cual se quiere dibujar es más fácil entender su
anatomía y su interacción con la luz, creando una pieza mucho más cercana a la
realidad independientemente del estilo que se utilice.

Por lo tanto el modelado es un proceso esencial en toda expresión artística, pues al

momento de imaginar cosas en nuestra cabeza hay caos y las ideas suelen se más
rápidas que nosotros al momento de representarlas por lo que un modelado
permitirá grabar la esencia de ese momento de una manera más sencilla sin dejar
que se escapen cosas, también es una forma de que nuestras artes finales sean
mucho más prolijas, pues en el modelado puede que ya hayan ocurrida las fallas que
podían haber ocurrido.
 Vanguardias Artísticas.

Encontrando su origen en la segunda mitad del siglo XIX las vanguardias emergen
con un espíritu de lucha que sólo impulso a otros artistas a sumarse. La palabra
vanguardia encuentra sus raíces en ‘van guard’ una palabra usada para describir la
primera línea de un ejercito que va a la batalla, éste era el lugar más peligroso pues
estaban en la primera línea de fuego, donde más fácil era salir herido.

Los artistas eran comparados a estos soldados pues se agrupaban para combatir
conceptos e ideas establecidas sobre el arte y dadas por supuestas desde hace
mucho tiempo, por lo tanto, bien arraigadas en la academia. Estos artistas buscaron
romper los límites, empujarlos lo más lejos que pudieran y como respuesta de la
crítica recibieron gran hostilidad, exponiéndolos públicamente y censurándolos,
pero en vez de frenarlos, esta censura fue lo que avivo este sentido de lucha por su
arte.

Todo el conflicto que caracteriza esta época llena de revoluciones, contradicciones

éticas y muertes innecesarias forjaron el carácter de oposición de los artistas que se
sentían incomprendidos, comprometidos a oponerse a un mundo sumido en la
miseria y el conflicto.

En 1874 un grupo de pintores que serían llamados despectivamente como

impresionistas porque sus cuadros se interpretaron como meras “impresiones”
inconsistentes, presentaron por primera vez su trabajo en el local del fotógrafo
Nadar.

La fuerte crítica más el cierre de las puertas de los salones de exposición “oficiales”
quienes defendían la aplicación de un recetario histórico-artístico, frente a los
verdaderos valores de creación y del lenguaje plástico, incitaron a la creación de
salones de exposición alternativos, en donde a pesar de la censura los artistas
pudieran aun exponer su trabajo al público.

Esta vanguardia la caracteriza una técnica rápida y directa de pinceladas sueltas y

colores puros, tratando de capturar una impresión inmediata que produce la visión
de lo natural. Como podemos apreciar en la siguiente obra de Claude Monet
“Salida del sol” 1874.
Finalizado el desarrollo del impresionismo y gracias a avances científicos surgidos
del descubrimiento de la cuatricromía que conseguía muchos colores a partir de tres
primarios surge el neoimpresionismo, puntillismo o divisionismo, en donde la
pincelada es corta racional y estudiada, perdiendo espontaneidad y frescura, entre
los artistas de este neo impresionismo podemos encontrar a Georges Seurat.

Reproduciendo cosas mediante pequeños puntos de colores yuxtapuestos, cada uno

traduciendo los distintos tonos de color presentes, como podemos apreciar en
“Paraje en Bas-Butin” 1886
Después de estas importantes innovaciones en el mundo del arte encontramos
artistas a quienes se les clasifico como postimpresionistas En una exposición en
Londres en 1910, le une al impresionismo el hecho de comenzar su trabajo con el
impresionismo ya afianzado, les caracteriza un enfoque personal e innovador con
una visión subjetiva del mundo.

Van Gogh como un artista no profesional, plasmo en su pintura una necesidad

creativa salida desde lo mas hondo de su personalidad, su pincelada se hace más
gruesa, se agita y ondula como si fuera arrastrada por un torbellino que va
definiendo la forma de las cosas, incluso más allá de ellas mismas.

Van Gogh “Noche estrellada” 1889

1899-1909

Una propuesta más radical, basada en el aprovechamiento de los rudimentos

esenciales en la tarea de pintar, como lo son los colores, el fauvismo cuestiona el
arte como representación de la realidad, utilizando un arte subjetivo, expresando
sentimientos por medio del color.

Henri Mattise “Paisaje entre olivos” 1909

El cubismo pone un fin a las representaciones pictóricas desde un punto de vista
único, en favor de una comprensión corpórea y mental del objeto representado,
superando de esta manera a su rival representativo, fotografía, desarrollado
principalmente por Pablo Picasso y Braque.

Se aferra a la bidimensionalidad, aunque sugiere cierta profundidad con un

particular claroscuro, niega la luz impresionista y modula en tonos neutros y
pardos, mediante el uso de planos de color superpuestos, se introducen técnicas
como el collage. Este movimiento crea, a partir de la realidad, una imagen
propiamente nueva. No
busca parecerse a algo, sino
que algo le sirva de
herramienta para representar
algo más.

George Braque “El castillo de

la Roche-Guyon” 1909.
El futurismo y el expresionismo se desarrollan en Italia y en Alemania, sin usar
formas plásticas muy distintas, en principio, a las de sus antecesores, terminaron
por causar un ejemplo rompedor en el arte de principios de siglo.

El expresionismo surgido en Alemania, distorsiona las formas visibles, trata de

poner de relieve los aspectos más emotivos y turbulentos que laten en lo profundo
el alma. Esta vez no se trata de un grupo consciente, sino de varias oleadas de
grupos y artistas que, en lugar de mirar hacia el mundo externo, reflexionaban
sobre las perturbaciones del espíritu.

Sus valores emocionales eran generalmente turbios, contradictorios o angustiosos,

con una aparente intrascendencia de lo sensorial. Por medio de colores agresivos o
espectrales, las formas grotescas y violentas junto a un modo de ejecución áspero
e impulsivo, revelan una relación vital entre el artista y su creación.

El primer grupo que hace del expresionismo una actitud vanguardista y radical el El
grupo “Die Brüke” (El puente) se da a conocer desde 1905 en Dresde, pertenecen a
este grupo Ludwig Kirchner, Wassily Kandinsky, Franz Mar, entre otros.
“El jinete azul” Wassily Kandinsky 1911

En 1909
detonando el
futurismo, un
escritor italiano
llamado
Marinetti
publica en el
periódico
parisino Le
Figaro un
manifiesto, en
donde clamaba
por un mundo
nuevo.
Apelando a la
agresividad
juvenil como
instrumento
para acabar
con las
tradiciones corrompidas, a la violencia y la guerra como medio de regeneración.
Exaltaba también el progreso científico y técnico.
Tratando asuntos que ponían en relieve el frenesí de la vida moderna, al inicio usan
procedimientos cercanos al divisionismo, con pinceladas largas y separadas, que,
en ocasiones, paren atraídas por un flujo magnético.

Umberto Boccioni “Dinamismo de un ciclista” 1912.

El dadaísmo Fue una

actitud subversiva
que negaba todos los
valores culturales
establecidos por una
sociedad “de orden”,
que, paradójicamente, había incubado la locura destructiva de la primera guerra
mundial. Se le otorgo un papel mágico, como una identificación frente a la actitud
vital opuesta a lo que la sociedad consideraba
artístico o de buen gusto. Sus pilares son el
escándalo, la polémica y la provocación.

Marcel Ducham “Fuente” 1917.

El surrealismo que se origina en 1915, busca

canalizar el inconsciente como medio para
desbloquear el poder de la imaginación. Muy
influenciado por el psicoanálisis y rechazando el
racionalismo y el realismo literario, los surrealistas
creían que la mente racional reprimía el poder de la imaginación, atándola con
tabúes. Los artistas recurrían a sus sueños o inconsciente. Las imágenes creadas
son extravagantes, desconcertantes e incluso misteriosas, pues pretendían sacudir
al espectador de sus pretextos desde el confort.

René Magritte, “La condición humana”

1933

El suprematismo encuentra sus inicios en

1913. Esta invención de Kazimir Malevich,
fue uno de los mas radicales y tempranos desarrollos del arte abstracto. Su nombre
viene de la creencia de Malevich en la que él decía que el arte supremacista sería
superior a todo arte pasado y abriría el camino a la “supremacía del sentimiento
puro o percepción en las artes pictóricas”. Aunque el suprematismo parece ser
altamente austero y serio, había un gran tono de absurdísimo alrededor del
movimiento.
 Kazimir Malevich “Ocho
rectángulos rojos” 1915.

En 1915 el constructivismo florece en Rusia, inicialmente era una luz en el camino

para las esperanzas e ideas de los artistas rusos que apoyaban las metas de la
revolución. Toma prestadas ideas del cubismo, suprematismo y el futurismo, pero
en su núcleo es una forma completamente nueva de aproximación a la
representación de objetos, buscando abolir la
preocupación por la composición y sustituirla
por la “construcción”. Se llamo así por su
detenida técnica de análisis en los materiales
modernos, creyendo que sus ideas podrían
usarse para la producción en masa, sirviendo así
al fin de la sociedad comunista.

Vladimir Tatlin “Monumento a la tercera

internacional” 1919-1920
Piet Mondrian articula el neoplasticismo desde 1917, apoyándose en los
elementos más básicos de la pintura: el color, la línea y la forma, para así
representar verdades universales y absolutas. En composiciones asimétricamente
balanceadas se lograba convenir una armonía por debajo de la realidad, una visión
utópica de la sociedad. Acomodaban los elementos de forma jerárquica en una
grilla irregular, esto debido al desconcierto que causaba el entorno en el artista.

Piet Mondrian “Composición con

colores planos n. 5” 1917.

Segundas vanguardias

Con la segunda gran desgracia mundial, la Segunda Guerra Mundial y la creciente

crisis política y cultural favorece el surgimiento de nuevos panoramas artísticos,
debido a los nuevos medios de comunicación en masas y el alto desarrollo
tecnológico estas tendencias ocurren muy rápidamente, ya mas acostumbrados a
este tipo de avances el proceso resulta menos traumatico.

La primeras vanguardias dan tranquilidad y sosiego al espectador, ya no eran fruto

de artistas incomprendidos que querían liberarse y escandalizar, sino que se
convierten en nuevas y atractivas tendencias. Adquitiendo tintes podernos,
atractivos y exclusivos.

Arte informal o informalismo el artista informal rompe con las anteriores

tradiciones del trabajo naturalista, figurativo y geométrico, para abrazar formas
anti-composicionales , técnicas gestuales, influenciados espontanea e
irracionalmente por el surrealismo. Michel Tapié describía que no estaban
interesados en movimientos sino “en algo más raro, individuos auténticos. Esta
tendencia se desarrolló en Europa, América Alemania y Japón, haciendo el
informalismo una reacción internacional a los eventos mundiales.
 Wols “Todo ha
terminado” 1946-1947

Tendencias racionalistas.

Nueva abstracción americana Afirma la obra como estructura materia. Destaca

más la composición que los elementos anecdóticos presentes, una clara
bidimensionalidad y colores saturados, en formas simples para que ninguna tome
protagonismo, sino que el fin sea el conjunto.
Minimal art Inspirada en el arte oriental, bajo el lema “menos es más”, de modo
que si algo puede resolverse con un mínimo de elementos no se añadiría ni una
más, produciendo así imágenes limpias, aparentemente vacías y simples, con una
gran carga estética más que la función.

Sol LeWitt “123454321”, 1971.

Arte Cinético Fundamentado en el movimiento, más presente en escultura que en

pintura, pueden ser obras de movimiento propio (movidas por motores o
mecanismos), obras de ilusión óptica (al ejecutar una acción el espectador
experimenta cosas).

Tendencias Neo-representativas.

Pop art Con una estética de aspecto

ifantil y un lenguaje bidimensional,
muestra pocas veces una pincelada,
utiliza tinta plana y colores muy
saturados.
 Hiperrealismo se asocia al pop art pues
ambas toman inspiración en las
fotografías, tiene una meticulosidad
exagerada en su ejecución, un alto
conocimiento técnico, la fotografía fue su
principal competencia, apelando a
escenarios imposibles y ángulos forzados,
consiguiendo así su lugar en el arte.

Tendencias conceptuales.

Podría considerarse hijas del dadaísmo por compartir muchas premisas dadaístas.
Es una vanguardia de denuncia hacia una sociedad sin conciencia y crítica con su
trabajo, buscando incitar la reflexión y a cuestionarse aspectos afianzados del
mundo artístico y su mercado.