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Lucie-Smith, Edward.

Movimientos en el Arte desde moderno floreció quizás en forma más notable en la


1945. B.A., Emecé, 1979. sociedad más capitalista del mundo, la de los
Capítulo uno Estados Unidos, el proceso de democratización [8]
“Moderno tardío” ha tornado a los artistas crecientemente descontentos
En 1945 terminó una guerra mundial. Ciertas con la idea de que son productores de mercaderías
fechas constituyen convenientes líneas divisorias para un mercado de lujo –mercaderías cuya
para los historiadores del arte. En este caso, la línea preciosidad se refleja en el alto precio que se pide
es algo más que “conveniente”, dado que coincide por ellas. Nuevamente, cuando el énfasis pasó del
con una genuina crisis en el desarrollo de la pintura producto del artista a su personalidad, muchos
y la escultura del siglo XX. Fue alrededor de esta pintores y escultores no pudieron resistir la tentación
época cuando las artes visuales se embarcaron en un de hacer del ser humano, así como de la obra, un
nuevo rumbo, cuya dirección hubiese sido difícil de artículo comerciable. El comprador de ciertos tipos
predecir en 1939. En parte, los cambios se debieron de pop art –las Cajas de Brillo de Andy Warhol, por
a la guerra en sí. Donde tanto había sido alterado, no ejemplo– está comprando no tanto un objeto sino un
podía esperarse que el arte sobreviviese sin ser derecho a un cierto modo de vida.
influido por los acontecimientos. Europa estaba
sacudida y exhausta. En los países invadidos por los La posición del artista como una especie de paria
alemanes, los artistas modernos tuvieron grandes favorecido en nuestra sociedad, nos crea muchas
dificultades para sobrevivir. Las energías de la dificultades en nuestro intento de definir su rol.
Escuela de París se agotaron por una emigración Quizá la forma más lógica de abordarlo es adoptando
masiva. Mientras tanto, los Estados Unidos se la posición existencialista, y ver al hombre que hace
convirtieron (junto con Rusia, donde todavía arte como uno que desafía al resto de la sociedad y
reinaban el stalinismo y el realismo socialista) en al mismo tiempo acepta [9] una especie de apuesta
una de las dos potencias mundiales y en la más rica con la vida. En su famosa conferencia “El
y poderosa de las dos. Desde principios de la década Existencialismo es un Humanismo”, pronunciada en
del 30 en adelante, la vida artística de Norteamérica, 1946, Jean-Paul Sartre admitió que un postulado
y esencialmente Nueva York, se enriqueció con olas básico de su filosofía era que “la existencia está
tras olas de émigrés, que huían del terror nazi. Estos antes que la esencia o, si ustedes quieren, que de-
recién llegados fueron absorbidos más fácilmente de bemos empezar desde lo subjetivo”. Para Sartre, el
lo que lo hubiesen sido en otros lados, porque la individuo debe esforzarse para ser “hombre hasta los
población de los Estados Unidos era en sí misma una últimos límites, hasta el absurdo, hasta la noche de
amalgama de todos los países europeos. lo desconocido”. A pesar de que el existencialismo
era una de las filosofías más difundidas en el
Sin embargo, sería pretender demasiado, que el período inmediato de la posguerra, no puede decirse
arte de la posguerra representara algo que los artistas hayan conseguido cumplir sus
completamente nuevo y sin precedentes. Sus raíces planes. Lo que hizo el existencialismo, sin embargo,
están hondamente insertadas en el rico suelo del fue promover un sentimiento generalizado de que el
modernismo, que había tenido sus comienzos junto hombre estaba solo en el mundo, y que ahora,
con los albores del siglo. En verdad, el arte que liberado de todos los sistemas de creencias, el
vemos crear hoy a nuestros contemporáneos me creador debía encontrar su salvación solamente en el
parece a mí como “moderno tardío” casi en el arte, reinventándolo desde el comienzo. De aquí el
sentido en que Juan Bautista Tiépolo es “barroco énfasis algo tendencioso en la idea de “originalidad”
tardío”. Si uno acepta que el modernismo puede –el artista estaba deseoso de tener descendientes,
considerarse como una categoría de estilo [7] –como pero no antecesores– y era, [10] por lo menos en
el manierismo, el barroco o el neoclasicismo– cuanto a ese punto, tan subjetivo como Sartre lo
entonces con toda seguridad ha tenido una carrera hubiese deseado.
notablemente larga. Incluso la segunda etapa de su
desarrollo, que constituye el tema de este libro, ha Sin embargo, irónicamente, la historia de las
durado un cuarto de siglo. Esta fase, como el artes visuales en el cuarto de siglo pasado ha sido el
manierismo, o como la etapa final del barroco, relato de una serie de otros estrechismos y
empuja hacia adelante tendencias que ya estaban movimientos, que se han sucedido unos a otros a un
latentes en un contexto cultural anterior, en cierta ritmo cada vez más rápido. El expresionismo
manera más sólido e interesante. En sentido estricto, abstracto fue seguido por el assemblage, el pop art,
ha sido más notable por llevar a extremos la pintura en color, el op art, el arte cinético, el arte
exagerados ideas preexistentes que por crear nuevas mínimo*, el arte conceptual y el hiperrealismo.
invenciones. Este proceso de exageración y *Otras denominaciones del arte mínimo o minimal
osificación ha producido un cierto número de art: ABC, estructuras primarias, arte reduccionista,
llamativas contradicciones en las actitudes tanto cool art, arte literal, arte de rechazo, efectos
hacia el arte como hacia los artistas de mediados del específicos.
siglo XX.
Todos estos movimientos representan una
Por un lado, hubo un continuo énfasis en la reclasificación y reevaluación de las ideas que ya se
sagrada individualidad propia del artista. En muchos conocían antes de la guerra. El expresionismo
casos, esta individualidad o sentido de originalidad, abstracto está enraizado en el surrealismo; el
se convirtió en el sujeto de la obra de arte. Por otra assemblage y el pop art surgen más allá del
parte, el artista quiso abandonar esta posición y surrealismo y el dadaísmo; el op art y el arte cinético
sumergirse en la tecnología; para imitar los procesos están fundados en experimentos hechos en el
científicos, haciendo experimentos, más que Bauhaus; el arte mínimo combina de manera
ejecutando obras de arte. Mientras que el arte interesante influencias del dadaísmo y del Bauhaus.

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A pesar de que el arte ha oscilado desde lo Mínimo. Parece que los minimistas han
extremadamente y casi desesperadamente personal a comprendido, finalmente, que lo distante en
lo fríamente impersonal, los términos del conflicto sí mismo tiene que ser lo distante como un
estaban prefijados. Pero la mayoría de estos fin en sí mismo, y que esto significa lo más
“resurgimientos” estilísticos difiere de los originales alejado de todo y nada que sea menos que
de preguerra en que ellos desarrollan y exageran la eso. Parece también que han comprendido
forma tomada en préstamo, mientras que restan que el arte más original y más alejado en los
importancia o expulsan totalmente el contenido. cien años pasados, apareció siempre como si
se hubiese separado de todo lo previamente
Quizás el ejemplo más conspicuo es la relación conocido como arte. En otras palabras, lo
entre el pop art y el dadaísmo. Uno de los primeros más alejado generalmente viraba hacia la
dadaístas, Raoul Hausmann, señaló línea que separa el arte del no-arte. Los
sentenciosamente que “Dadá cayó como una gota de minimistas no han descubierto realmente
lluvia desde el Cielo. Los neodadaístas han nada nuevo a través de esta concepción, [13]
aprendido a imitar la caída, pero no la gota”. Marcel pero han sacado conclusiones de ella con una
Duchamp fue mucho más franco, y dijo en una carta nueva compatibilidad que debe parte de su
dirigida a Hans Richter en 1962: novedad a la reducción del área en que las
cosas pueden ser con seguridad no-arte.
“Este neodadaísmo, que llaman Suponiendo que el aspecto inicial del no-arte
Nuevo Realismo, Pop Art, Assemblage, etc., ya no estaba disponible en la pintura, puesto
es un camino fácil basado sobre lo que hacía que ahora una tela sin pintar se presenta en
Dadá. Cuando descubrí los ready- mades sí como un cuadro, la frontera entre el arte y
pensé en desalentar a la estética. En el el no-arte debía buscarse en la
neodadaísmo han tomado mis ready- mades y tridimensionalidad, donde se encontraba la
les han encontrado belleza estética. Les tiré a escultura y también estaba todo material que
la cara el portabotellas y el mingitorio como no era arte”. 2
un desafío y ahora los admiran por su belleza
estética”. 1 Como los manieristas más refinados del siglo
XVI, los artistas modernos han estado intentando
descubrir qué puede hacer el arte cuando sólo se
Estas críticas son justas, pero quizá fuera de trata de arte. Parece que la respuesta suele ser a
foco. Allí donde el dadaísmo desafió el orden menudo “muy poco”. El único punto con el que yo
estético y social existente, el arte de posguerra no estaría de acuerdo con el análisis de Greenberg es
convirtió ese desafío en un orden. Un síntoma de lo con su opinión de que el arte mínimo, entonces el
que yo he llamado la “osificación” del modernismo “último” estilo, de alguna manera surgió a través de
ha sido la mutación del concepto de avant- garde por un esfuerzo de la voluntad.
el de underground. El artista underground difiere de
sus predecesores de avant- garde en que se cree tan Sin embargo, a pesar de esto, hay más interés
permanentemente alienado que es muy poco lo que popular en el arte moderno que antes, y el artista,
puede hacer. La única solución que él puede ofrecer quiéralo o no, continúa jugando un papel en la
es utópica, y es la de erigir en conjunto una sociedad sociedad. Vale la pena detenerse aquí antes de
alternativa. Mientras tanto, se retira a una fortaleza considerar detalladamente los varios movimientos
del arte por el arte. O eso es lo que le gustaría que he mencionado, para tener en cuenta un cierto
pensar, dado que los miembros del underground muy número de pautas típicas del mundo del arte de
pocas veces pueden resistir la notoriedad. [11] posguerra. No parece ser muy naïf, por ejemplo,
traer a colación la forma en que las obras de arte
contemporáneas se exhiben y venden.
Un ataque frontal a esta actitud fue llevado a
cabo por el destacado crítico Clement Greenberg, La gran mayoría de los artistas depende de lo
durante un debate sobre el arte mínimo, es decir, el que se ha dado en llamar el “sistema galería de
arte que busca arrojar todo lo que sea ajeno al arte-crítico”. Esto significa que los medios por los
proceso estético, y quizá gran parte del proceso en sí. que se hace una reputación en las primeras etapas,
Greenberg dijo: todavía descansan principalmente en la exposición
individual en una galería privada, acompañada por
“Durante la década del 60, fue como si el comentarios favorables en los diarios y revistas de
arte –por lo menos aquel que consigue para arte especializadas. Una exposición conveniente y
sí la mayor atención– se hubiese fijado para coherente tiene, por supuesto, una ventaja. Desde el
él, como un problema, la tarea de desenredar punto de vista del crítico es más fácil de analizar. En
lo distante “en sí mismo”, de lo meramente Norteamérica, en particular, un artista exitoso
singular, lo incongruente o lo socialmente especialmente durante los años de posguerra ha
chocante. tendido a convertirse en un “producto”,
empaquetado y promovido como tal. El pop art dio
El Assemblage, Pop, Ambientalismo, Op, una abierta bendición a procedimientos ya
Cinético, Erótico y [12] todas las otras establecidos. [14] Una vez que un artista se ha
variedades del arte Novedad, parecen ser ubicado dentro de la jerarquía, un gran número de
muchos momentos en el tratamiento de este museos, y una gran cantidad de grandes
problema, cuya solución parece que ha coleccionistas, se sienten impulsados a comprar un
llegado ahora bajo la forma de lo que se ha ejemplar de su obra. Sin embargo, una vez que esta
llamado Estructuras Primarias, ABC o arte necesidad ha sido satisfecha, antes de hacer otra

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compra, muy probablemente esperan a que el artista de San Pablo y las exhibiciones “Documenta” en
en cuestión cambie su estilo. Kassel, fueron muy pronto una cuestión de prestigio
nacional. El arte se alineó junto al deporte como
Inevitablemente, esto ha tenido un cierto efecto medio pacífico de lucha entre las naciones. Al mismo
práctico. Picasso, con sus varios estilos o períodos, tiempo, el modernismo, bajo su nueva apariencia, se
cada uno marcado por una ruptura en el estilo y un convirtió en una de las cosas que las naciones
nuevo comienzo, ya había santificado la idea de que subdesarrolladas envidiaban y trataban de imitar a
un artista debe tomar un solo tema o idea, las desarrolladas.
impulsarlo hasta el fin, y elegir entonces un nuevo
camino. En el período de posguerra, sus, variaciones En lugares tales como la India y el Japón, ya
sobre temas de otros pintores (Las Meninas, [15] entre las dos guerras, la cultura tradicional estaba en
Mujeres de Argelia) constituyeron una gran parte de un estado de decadencia; en consecuencia, era
su producción, y ejercieron una influencia natural que los artistas de esos países se inspirasen y
importante. El ejemplo de Picasso, aliado a recreasen sobre los modelos norteamericanos y
consideraciones puramente comerciales, alentó al europeos. Esto funcionó mejor en algunos lugares
artista contemporáneo a estandarizar su producto, y a que en otros. Japón, dotado ya en esa época con una
progresar cuando lo necesita, sólo de a dramáticos cultura urbana y tecnológica que se parecía mucho a
saltos. Cada vez más a menudo, un artista que hoy la que se encontraba en Estados Unidos o Europa,
presenta una exposición, muestra un grupo de obras produjo después de la guerra un grupo de artistas
interrelacionadas que sirven para interpretar unas que rivalizó con sus iguales de Occidente. Aun así,
con otras, luego, después de un intervalo artistas como el abstraccionista informal Jiro
conveniente, mostrará un nuevo y diferente conjunto. Yoshihara, que son indudablemente originales, con
un sabor propio que proviene de la tradición
Hablar solamente de la relación del artista con caligráfica japonesa, no nos llegan como artistas
su marchand, los críticos y sus benefactores claves de la época; son importantes en una escala
inmediatos es, sin duda, describir equivocadamente nacional, no internacional. Lo mismo sucede con los
la función del arte contemporáneo. Cualquier artistas pop y neodadaístas que representan a la
enumeración de la evolución de las artes visuales generación más joven en el Japón. Es significativo
desde la guerra, debe tener en cuenta el hecho de que uno de los más interesantes de éstos, Arakawa,
que obras de una naturaleza extremadamente viva en Nueva York.
“avanzada” y hermética llegan ahora a la masa del
público a través de ambiciosas exhibiciones, que De manera similar, los diversos artistas cinéticos
generalmente tienen lugar en museos, en su mayor que analizaré en un capítulo posterior de este libro,
parte con auspicios gubernamentales u otros son en gran parte expatriados; las exhibiciones
patrocinios oficiales. nacionales traídas a Europa desde varios países
sudamericanos no han hecho nada para sugerir un
Inmediatamente después de la guerra, las nuevo idioma significativamente diferente del usado
grandes figuras del arte moderno fueron honradas por los artistas en la propia Europa o en los Estados
con un tropel de exposiciones a lo largo del mundo. Unidos. No hubo recurrencia al fenómeno del arte
En cierto sentido, esto parecía un resarcimiento por popular mejicano: los murales pintados por Diego
la hostilidad de los nazis; en otro, era una forma de Rivera y su escuela, que despertaron gran interés en
remarcar el hecho de que la cultura estaba volviendo los Estados Unidos, aun cuando la tradición popular
a empezar de nuevo. El público estaba dispuesto ha continuado en una forma atenuada en el propio
para estas exhibiciones; se convirtieron, aunque [17] Méjico. De entre las grandes reputaciones de
fuesen pocas, en un hecho aceptado para el los años treinta, la de Rivera parece ser la que ha
entretenimiento de masas. A medida que pasaron los caído más bajo en los años recientes.
años, no eran únicamente a los maestros reconocidos
a quienes se honraba con estas muestras. El arte Lo que ha ocupado la escena,
contemporáneo era “noticia”; se convirtió en parte de internacionalmente, es la lucha por la primacía entre
la moneda corriente del periodismo. Hubo una París y Nueva York, que le ha dado al arte
avalancha de libros sobre arte moderno; estos a su contemporáneo, al menos parte de su dinamismo
vez sirvieron para educar al público, y fomentaron artificial. Los minimistas norteamericanos critican
así el ansia por más exhibiciones. Los directores de irritados la "complicación" europea; los críticos
museos estaban siempre tras el rastro de la novedad. americanos ponderan la “inmadurez”
Tan pronto se descubría una nueva tendencia, se norteamericana. Mientras tanto, en París, hay quejas
organizaba una muestra para consagrarla. de la arrogancia americana y perplejidad por la
aversión a “nuestros” artistas. Pero, a pesar de que
La aceptación del arte moderno en el mundo de París ha sido forzada a compartir el dominio con
posguerra creó una situación anómala que aún debe Nueva York, cada una es todavía la única desafiante
resolverse. El arte no sólo estaba en una fase de de la otra. Un nuevo estilo tiende a extenderse
autoestima, sino que el mito básico del modernismo, gradualmente, hacia afuera, desde estos dos centros.
heredado desde antes de la guerra, era un mito de La abstracción informal era una novedad en Delhi
revolución [16] contra todo lo que estaba establecido cuando Nueva York y París ya se estaban cansando
y aceptado. Y sin embargo, gradual e de ella. El “arte moderno”, tan firmemente apoyado
inevitablemente, el arte complicado con la por el gobierno comunista de Cuba, está atrasado en
maquinaria del Estado. El Estado se convirtió en uno gran parte de diez a quince años con respecto a la
de sus principales mecenas; y las grandes muestras moda en Europa. Cualquier visitante a una de las
artísticas internacionales, tales como la Bienal de grandes ferias de arte internacionales está
Venecia, la Bienal de los jóvenes en París, la Bienal familiarizado con esas pautas.

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ha dado en llamar “cultura pop” que fue más honda
Un suceso especialmente importante en la lucha que las superficialidades de gran parte de la pintura
por la supremacía entre París y Nueva York, fue el pop. Las artes visuales empezaron a ensanchar aun
triunfo del expresionismo abstracto en Europa más su base popular. Ya no era simplemente una
durante los últimos años de la década del 40: el cuestión de masas convergiendo a los museos, para
primer ataque norteamericano a la fortaleza europea. disfrutar del arte que les proveía la burocracia. Los
El aspecto económico del arte se vio profundamente visitantes tomaban nota de lo que veían, y el arte
afectado por ello. Los Estados Unidos habían sido [19] de posguerra, a pesar de su frecuente poca
desde tiempo atrás un buen mercado para el arte consistencia y exageración, comenzó a generar
europeo. Los coleccionistas americanos fueron los nuevas modalidades. Evidentemente, estas
primeros, aunque no los primeros de todos, en ser deficiencias propias lo hacían en cierta forma más
compradores de pinturas impresionistas. El fácilmente asimilable. Las formas que generó, sin
excéntrico Dr. Albert Barnes adquirió una vez todo embargo, prohijaron algo sólido: un nuevo alcance
lo que contenía el estudio de Soutine. Pero hay de actitudes sociales.
muchos testimonios que muestran lo difícil que era,
en los primeros años del modernismo, vender arte El modernismo, y en particular el arte moderno,
norteamericano contemporáneo a los mecenas comenzaron a crear sus propios agrupamientos
norteamericanos. El impresionismo [sic] sociales casi desde el comienzo. Los que se reunían
[expresionismo] abstracto cambió esto al triunfar en en el estudio de Picasso en 1908, con el propósito de
Europa. Lo cambió en un momento en que, más que honrar (o mofarse de él) al gran pintor autodidacto
nunca, los Estados Unidos se habían convertido en la Henri Rousseau, formaban una sociedad por lo
potencia económica dominante del mundo. En el menos tan unida como la de los jóvenes románticos
boom artístico de los años 50, los artistas americanos que se presentaron al estreno de Hernani de Víctor
fueron los más beneficiados por el surgimiento del Hugo. A través de todas las sucesivas fases del
interés en coleccionar arte contemporáneo. La faz modernismo, los artistas se han estado reuniendo
[18] económica reforzó el aspecto del estilo. Los con amigos que pensaban lo mismo. A veces estos
europeos quedaron impresionados con la vitalidad grupos se autodenominaban, o se les daba un título;
norteamericana, luego con la capacidad adquisitiva, otras veces existían sin los beneficios del bautismo.
y finalmente con la importancia de la opinión Pero había algo más que esto. Los años que van
norteamericana. Los centros artísticos menores de entre 1918 y 1939 muestran una lenta pero siempre
Europa –Milán, Bruselas, Zurich, y más que nada creciente aceptación del modernismo, por parte de
Londres– fueron a la larga quizá, más por lo menos un sector del público educado. A los
profundamente afectados que París. surrealistas no les faltaban patrocinantes ni
admiradores de moda Pero la aceptación no se
De hecho, Inglaterra presenta un caso extendía muy hacia abajo en la escala social Con
especialmente interesante. En los años entre las raras excepciones, el arte avant- garde fue de
guerras, el pequeño y esforzado grupo de artistas incumbencia de la clase alta o por lo menos de la
ingleses de avant- garde miraba casi exclusivamente clase media alta.
a París. Clive Bell, uno de los críticos más
importantes del período, expresó su opinión una vez Los años de la posguerra habrían de cambiar esta
diciendo que un pintor inglés de primer nivel nunca situación. El arte moderno fue publicitado mucho
estaría por encima de un francés de segundo. Estaba más ampliamente; había traído aparejado el apoyo
pensando en la distancia entre Sickert y Degas. oficial; más y más gente tomaba contacto con él.
Nunca se le hubiese ocurrido hacer una comparación Estos factores sobrepasaron su hermetismo. Si bien
de un artista norteamericano. El arte inglés está hoy sería falso decir que hizo conversiones en masse
mucho más visiblemente influido por los Estados entre la vieja generación, empezó a haber un acuerdo
Unidos que por Francia: el Canal de la Mancha es de tácito, incluso entre aquellos a quienes no les
pronto más ancho que el Atlántico. gustaba o no comprendían que aquí, para mejor o
para peor, estaba el arte representativo de la época y
Pero si al arte moderno se le ha infiltrado el que nada se podía hacer para retroceder el reloj.
nacionalismo, hay ciertos efectos sociales que ha Hubo también efectos más positivos. El arte
generado por su propia cuenta. El ejemplo que moderno apeló especialmente a los jóvenes, y no
inmediatamente salta a la memoria es el del pop art. necesariamente a los jóvenes de clase media, ya que
La pintura y la escultura de los años inmediatos a la era algo tradicionalmente rebelde En la sociedad de
posguerra parecieron, en sus varias manifestaciones, la abundancia, la lucha entre las clases se estaba
ofrecer un refugio contra las presiones del medio transformando en una lucha entre generaciones.
urbano y una protesta contra su mecanización e Mientras tanto, en todos lados, la gente joven tenía
inhumanidad. El pop art puso por delante el enfoque más tiempo libre y más educación [20] que antes.
de que este medio ofrecía experiencias que podían Empezaron a crear una forma de vida que les era
ser estructuradas. El argumento acertó, sin tener en propia. Fue a esta forma de vida y a este público
cuenta el hecho de que el pop art en sí contenía una joven a quienes se empezaron a dirigir los artistas
extraña dicotomía, importándole tanto la sintaxis de modernos.
la representación como lo que estaba representando.
Un territorio completamente nuevo estuvo a Los efectos del encuentro fueron explosivos. La
disposición de los artistas. En gran parte, era el cultura pop consumió ideas a un ritmo gigantesco,
mismo en que vivían, las cosas que los rodeaban. porque su propio ritmo parecía requerir que ninguna
idea se desarrollase demasiado. Era más fácil dejar
Creció, principalmente como resultado de esto, una y reemplazarla por otra. Muchas de estas ideas
una simpatía entre el arte contemporáneo y lo que se venían ahora, directa o indirectamente, de los

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pintores y escultores. Los diseños op de las telas son fueron planeados ambientes y teatros de este tipo,
un buen ejemplo. El dinamismo del arte pero nunca fueron ejecutados. El surgimiento de la
contemporáneo, su rápida renovación de estilos, muestra psicodélica en los últimos años coincidió
igualaba el ritmo de una cultura que se basaba sobre con el extendido uso de las drogas alucinógenas, y
la obsolescencia. También estaba el hecho de que la estas exhibiciones son popularmente entendidas
propia naturaleza de la moda estaba cambiando: más como que dan al espectador o participante, el mismo
y más una moda no era la llegada, triunfo y campo de sensaciones.
declinación de una preferencia o estilo, sino lo que
podría llamarse un estilo sobre estilos, tanto como la Las exhibiciones psicodélicas son un ejemplo
pintura y la escultura eran un arte sobre el arte. El extremo de la tendencia a redefinir la propia
narcisismo de la moda contemporánea ha sido naturaleza del arte –tema que se desarrolla a lo largo
comentado a menudo. de este libro. El arte, me parece a mí, ha estado
haciendo firmes progresos en una dirección por lo
Gradualmente comenzó a hacerse sentir un menos: tiende a ocuparse cada vez menos del objeto
nuevo fenómeno: la alianza de los extremos contra el tangible, y es el mero agente que pone en marcha
medio. El arte todavía se diseminaba lentamente una serie de cambios fisiológicos y psicológicos
cuando se apartó de sus centros principales. Pero en dentro del espectador. Es en este punto donde la
esos centros no era cuestión de una idea que se doctrina romántica de le dérèglement de tous les
filtraba lentamente, encontrando su camino desde los sens y el culto de la tecnología, finalmente consiguen
círculos selectos en etapas sucesivas. Más estrechar sus manos.
exactamente, las nuevas ideas saltaban directamente
desde los artistas principales al mundo de la cultura Un arte del tipo que acabo de describir es
popular, creando un mundo donde lo fantástico era naturalmente hostil al sistema marchand-crítico.
aceptado como una cosa corriente, y dejando de lado Porque este sistema, que creció entre el capitalismo
en el camino a la gente de edad mediana y la clase de fines del siglo XIX, está basado sobre la
media. suposición [22] de que la obra de arte de hecho es
tangible, que es objeto físico que debe venderse a un
Inglaterra dio un notable ejemplo de este tipo de cliente, siendo este cliente un individuo o una
desarrollo. Aquí, el período de posguerra vio una institución que tiene el deseo de poseer el objeto en
gran expansión en el número de escuelas de arte, cuestión y el dinero para pagarlo. El comercio de
hasta el punto que éstas comenzaron a ofrecer una arte en gran escala es un ejemplo clásico de una
educación liberal que rivalizaba con la que se podía economía de mercado libre, hoy en día difícil de
obtener en las universidades, siendo muy diferente encontrar en otros lados en una forma tan pura.
de estas últimas en los principios (en Norteamérica,
donde las universidades y las escuelas de arte están Pero este método de comercializar la obra de un
a menudo ligadas, la división es menos notable). En artista, está fuera de tono en relación al público que
Inglaterra, una educación en una escuela de arte acabo de describir. Los jóvenes son ricos
tendía a ser más libre que su equivalente colectivamente. Su poder de compra es legendario en
universitaria; demandaba menos estudio formal, pero las grandes agencias de publicidad. De sus bolsillos
un mayor grado de flexibilidad intelectual. Como se fluyen las grandes sumas embolsadas por los
centraba [21] sobre el fenómeno visual, era músicos pop. Pero en forma individual, a pesar de
internacional, más que naciona1 en su énfasis: no era que a menudo pueden pagar el costo de la entrada
cuestión de enseñar arte inglés como las para una exhibición o el precio de un poster, no
universidades enseñaban literatura inglesa o historia pueden pagar al artista una suma justa por el tiempo
inglesa. o la energía requerida para producir una escultura
“única” o una pintura “única”. Evidentemente, es
Dado que es difícil probar que los varios dudoso que el “público de la cultura popular” quiera
experimentos en la educación artística que se han comprar obras de arte “únicas” ni aun si tuviese
hecho en Inglaterra en los pasados treinta años dinero disponible. Con seguridad, esas obras
produjeron mejores artistas, el impacto sobre la deberían ser desechables, de acuerdo a la tendencia
cultura popular ha sido innegable. Tomando un a la rápida obsolescencia que gobierna la vida
ejemplo muy específico pero importante, los Beatles económica y cultural de este público cada vez más
tenían estrechas relaciones con el Liverpool College incrementado.
of Art y prácticamente todo grupo pop importante en
Inglaterra, desde la llegada de los Beatles, tenía La tendencia de la obra de arte a democratizarse
alguna clase de conexión con una escuela de arte. a sí misma ha estado sujeta a interpretaciones
Muchos de los músicos empezaron a tocar cuando ampliamente diferentes. El crítico francés Pierre
eran estudiantes de arte. La música popular se Restany está conforme y es optimista:
encargó de manejar el estilo de vida tipo arte
moderno; y allí donde iban los músicos, los seguían “Abandonando el viejo concepto del objeto
los fanáticos. único, el “producto de lujo” para uso
individual, el artista está en proceso de
La conexión entre los desarrollos del arte inventar un nuevo lenguaje de comunicación
moderno y los de la música popular pueden verse en entre los hombres. Renunciando a su
su máxima expresión en las exhibiciones ambiguo papel, aquél de aventurero marginal
psicodélicas que son hoy puestas en escena en una y productor independiente, el artista estará
forma u otra por muchos grupos. Los antecedentes de preparado para su devastador papel en la
las exhibiciones psicodélicas pueden por supuesto sociedad del futuro: la organización del
buscarse en la década de 1920 y el Bauhaus, donde tiempo libre”. 3

5
Pienso ciertamente que el esquema general del
desarrollo, como se muestra en este libro, sugiere
que el arte se está moviendo desde la extrema
subjetividad hacia la relativa objetividad; desde lo
casi desafiante hecho a mano, hasta el objeto creado
en serie; desde la hostilidad a la tecnología hacia el
intenso interés en sus posibilidades. [24]

6
1
Hans Richter, Dada-Art and Anti-Art, Londres, Thames & Hudson y Nueva York, Mr Graw-Hill, 1966, págs 207-8
2
Clament Grenberg, “Recentnes of sculpture·, en American Sculpture of the Sixties, catálogo de una exhibición en el Museo del Condado de Los Ángeles,
28/abril 25/junio 1967, y en el Museo de Arte de Filadelfia, 19/septiembre 20/octubre 1969, pág. 27.
3
Pierre Restany, catálogo de la muestra Superland, Lund, Suecia, 1967