TEMA 7

EL GESTO Y LA MATERIA: EL INFORMALISMO

Después de la segunda guerra mundial se produjo un gran desarrollo de la

abstracción, desplazando al surrealismo, movimiento que estaba inmerso
en un estado de agotamiento y letargo, de tal manera que sino llega a ser
por el informalismo estaría abocado a la desaparición .El informalismo
mantiene la ideología del surrealismo, pero no su figuración.

El informalismo, también llamado “arte otro”, fue una abstracción

expresiva, vital y palpitante. Este movimiento carece de principios
normativos homogéneos, el nexo de unión fue su carácter abstracto.

El informalismo dista mucho de ser una tendencia con principios normativos

“homogéneos y disciplinados.

Es la suma de unos planteamientos y experiencias que siguieron cauces

diversos.

-expresividad en el gesto (expresionismo abstracto)

-Pintura de acción (acción painting)

-Pintura de materia, que establece el encuentro con la naturaleza “nuevo

paisaje”

-Realidad inédita e inadvertida, desconocida.

-Caligrafías pictóricas donde se aprecia la impronta del arte oriental.

El arte otro introduce una clara fractura n el arte contemporáneo que se

manifiesta en dos aspectos:

1) Es una corriente universal que supera los límites de los grupos anteriores de vanguardia.
2) Es una corriente que rompe con la noción tradicional del grupo, aunque existieron grupos como COBRA
(Copenhague, Bruselas, Ámsterdam)o los españoles “Dan Al Set “y “El Paso” .

La tendencia del informalismo marco un antes y un después en el arte del siglo XX. Al ser una suma de intentos
individuales de un gran numero de artistas en los lugares más diversos del planeta.

Calificativos como “expresionismo abstracto”, “Pintura de acción “”pintura gestual “o “pintura de materia”,
aunque todas estas acepciones forman parte del arte otro, ninguna sirve para definirlo por que los artistas que
lo crearon se forman en un mundo plástico indefinible, como una repulsa a las concepciones formales
prexistentes y plantea la forma como algo impreciso dinámico, contrario a toda metafísica y de aquello que
suponga inmutabilidad.

La referencia de la abstracción como común denominador solo sirve parcialmente para una corriente nueva
que no deseaba afirmarse desde definiciones concretas sino desde la ambigüedad de su indefinición.

Debe su nombre de Arte otro a Michel Tapié, mas que una corriente nueva es una forma de entender el arte

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sin limitaciones ni cortapisas.

El informalismo desarrolla un interés común por el

valor de la materia que configura una realidad
“otra “o desde la poética espontanea de la
mancha y el trazo, la única forma existente en la
pintura informalista es propia materia trabajada o
descubierta por el artista.

Al principio de los 70 esta pintura entra en crisis y la mayor parte de sus protagonistas abandonan esta
corriente y el ejercicio mismo de la pintura, pues este movimiento de “suma de diferencias individuales” dio
cabida a muchos individuos más preocupados por desahogar a través de la pintura que proporcionar un
contenido plástico a su existencia.

2. EL PAISAJE DE LA MATERIA

El surrealismo ,con el cual el informalismo tiene una deuda incuestionable en su inicio, había destacado –la
magia que lo real puede adquirir cuando lo interpreta fuera de los cauces y
las miradas convencionales-fuera de los hábitos y vicios de la lógica y la
rutina.

El informalismo plantea el valor de una realidad inadvertida y olvidada,

orientando hacia un nuevo valor del material mismo, utilizando el soporte
como elemento expresivo.

Es evidente que la pintura de materia tuvo un rápido arraigo en la obra de

muchos autores como Tapies (pintura con cruz en rojo, Lucio
Muñoz(trabajos en madera),Burri (pinturas en arpilleras )Millares.

Quitando y poniendo materia como es el caso de Lucio Millares, podemos

decir que la obra no esta acabada si no que se detiene en su proceso de
ejecución y creación, por que lo que hace es una indagación con la realidad
de la materia misma.

Esta nueva valoración de la materia aporta una nueva apreciación de lo

casual y lo fortuito, el autor deja de representar y crea la imagen con la misma materia en la que se concentra
el valor expresivo de la obra, para articular una poética, en torno a una realidad que nuestras coordenadas
lógicas y estéticas no nos habían permitido advertir.

Esta nueva sensibilidad tuvo una proyección en el valor de las obras de arte y los objetos. El valor añadido por
el paso del tiempo ,las imperfecciones de la marca de la polilla en una escultura y la degradación de los
materiales con esta nueva estética acaban convirtiéndose en un valor añadido ,surgiendo de ello las nuevas
técnicas de restauración .

3. EL GESTO Y EL ACTO DE PINTAR.

Mientras que los surrealistas tardaban en el proceso de creativo desde el

impulso hasta la terminación de la obra, debido a que el arte el conocimiento
y la ética deben estar unidos en la obra, por el contrario la pintura de acción o
la pintura gestual unen el resultado con el acto mismo de pintar.

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La pintura de acción de Jacksón Pollock, constituye un claro ejemplo de una proyección directa de la idea y el
resultado.

La pintura realizada mediante dripping (técnica de vertido sobre el lienzo, muy usada por Pollock) proyecta el
trazo con una actitud espontanea, surgía así una pintura que era una radiografía del subconsciente del pintor
de su estado anímico y de sus inquietudes existenciales.

Aunque presenta similitudes de con la pintura de acción la pintura gestual de otros autores, constituye una
forma distinta de desarrollar el acto de pintar.

Willen , De Kooning o Frank kline ,no trabajan realizando un acto dinámico del pintor en relación con el lienzo,
se podría decir que se halla más próxima a la forma tradicional de pintar, proyectan en la pintura un estado de
animo a través de la aplicación espontanea del gesto ,con el pincel o la brocha sobre el lienzo ,Kline redujo el
color al blanco o negro acentuando el valor espontaneo del gesto como protagonista de la pintura ,la obra de
Kooning siguió una expresividad con referencias figurativas semiocultas de una expresividad inquietantes, en
la que la presencia del gesto se sobrepone a la pintura, el Español Antonio Saura es un caso análogo que
desarrolla esta poética de lo gestual a través de un mundo goyesco, la pintura gestual fue una tendencia que
siguieron algunos españoles como Rafael Canogar que simplifica el color para acentuar los componentes
expresivos utilizando solo el negro el blanco y el gris con algún toque de rojo,
como podemos ver en “la Tolona “ para desarrollar composiciones explosivas de
angustia y rebeldía .

Aun sabiendo que querían pintar o hacer desde el principio de la obra, el azar de
un chorreón fortuito o una mezcla de color con mas o
menos pasta ,durante el proceso de ejecución de la
obra podía cambiarla. En este sentido la aportación
principal de la pintura gestual fue la de eliminar las
barreras que se interponían, en el transcurso de la
ejecución, entre la idea y el resultado.

Los informalistas intentaban establecer un nexo de

unión entre esta forma de pintar y el primitivismo-el
buen salvaje libre de contaminaciones culturales – el primitivismo se identificó
con la gestualidad y con la caligrafía de lo espontaneo, como hallamos en la obra
de Georges Mathieu.

En su exposición realizada en 1947, llamada l´Imaginaire intentaba agrupar a

aquellos que representan la libertad más absoluta frente alas teorías contra
aquellos que parecían seguir las huellas del cubismo, del constructivismo y del
surrealismo.

Con sus caligrafías no estaba sino poniendo en practica algunos de los principios
fundamentales de estas tendencias ,Mathieu estaba intentado mantener una
relación directa entre el impulso y el resultado, eliminando los condicionantes
intermedios de la razón .Es lo L´informel, termino utilizado por Mathieu en 1951
en su “Bosquejo de una embriología de los signos “ como sinónimo de una
expresión liberada de los convencionalismos plásticos y los sistemas plásticos
prexistentes, una forma “ otra “ de entender la pintura con la pureza e
ingenuidad de un primitivo.

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El primitivismo tuvo una otras dimensiones con la obra de Jean Dubuffet,
graffiti, pintura de monigotes y de imágenes espontaneas, aparentemente
indefinida, formada por signos, Testimonio efímero de lo espontaneo.

El arte otro era una tendencia basada en el culto a lo individual y lo

espontaneo.

4. El expresionismo abstracto un arte norteamericano.

Durante las últimas décadas del siglo XIX y los primeros cincuenta años del XX Paris había sido el centro
neurálgico de la renovación artística, la segunda guerra mundial y la ocupación de los alemanes en Francia
altero esta situación, la situación de Estados Unidos que aun estando
inmersos en el conflicto no se hallaban cerca geográficamente, dio lugar que
este país pudiera asumir el papel de centro de refugio de la cultura frente al
fascismo. Nueva York se convirtió en el baluarte de la cultura de la
vanguardia aunque a lo largo del siglo XX estados unidos solo había jugado
un papel secundario en el plano artístico.

En 1913 una gran exposición de arte moderno en Nueva York , el Armory

Show ,contrasta con el academicismo imperante en el arte norteamericano,
convirtiéndose así en el referente del arte del norte de América.

Con el comienzo de la II guerra mundial, comenzó a germinar la idea que

estados unidos debería ser el centro de defensa del arte contra la barbarie
nazi, el gobierno organiza la semana para la compra del arte norteamericano
con sucesivas ediciones anuales, creando la conciencia de crear un arte
propiamente americano. El artista americano tenia que asumir ante un Paris
ocupado el desarrollo del arte de vanguardia, Stuart Davis afirma que aunque
influenciado por el arte Europeo intentara desarrollar un arte netamente
americano.

Greenberg y otros críticos centran su atención en Jackson Pollock, como pintor representante del nuevo arte
norteamericano.

A partir de 1945 se aprecia un creciente interés por el arte de vanguardia apoyado por los medios de
comunicación y la euforia de la victoria en la segunda guerra mundial.

Se basa fundamentalmente en una tendencia artística, el expresionismo abstracto,

Pollock fue el artista que por su actitud revulsiva y su forma agresiva de pintar incidió
más en la idea de un arte nuevo, que desvinculado de las tradiciones artísticas,
expresase el nuevo espíritu norteamericano de hacer arte de acción, con sus nuevas
propuestas dentro del informalismo se convirtió en referencia del arte nuevo
americano.

Sin embargo Franz Kline y Willen de Kooning, también fueron estandarte del nuevo
arte americano con una pintura completamente distinta .Kline es un pintor gestual de
honda expresividad, que parte de la combinación de del blanco y negro para construir
estructuras cuyas imágenes nos recuerdan un desarrollo de formas propias de un
mundo industrial y técnico, pero eliminando la construcción formal y geométricas, la

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 mancha de color es su principal elemento, pero es una mancha expresiva y
dinámica.

Mark Rothko y Clifford Still son los máximos representantes de la poesía de

la mancha 5de color, convierten la simplificación cromática del cuadro en
paginas de un profundo lirismo, en la pintura de Clifford Still la mancha
adquiere primacía al centrar la expresividad en la misma realidad del color,
su pintura muestra de una intensidad en donde los colores contrastan y se
contraponen como formas vivientes y cortadas, mostrando un dinamismo
contrapuesto ala serenidad de la pintura de Rothko ,donde se combinan
formas de color de perfiles desdibujados y ambiguos. La pintura de Rothko
no fue ajena a la transmisión de imágenes que revelan la expresión de una
actitud y un sentimiento ante el mundo, como pone de manifiesto sus
últimos cuadros en los que el negro lo invade todo.

5. El caso español.

El Intento de renovación del arte español de los últimos cincuenta años partió de la Primera Bienal
Hispanoamericana del Arte de 1951. Supuso una ruptura oficial con la actitud del Régimen, un cambio de
actitud de las instancias oficiales hacia el arte moderno.

Esta rápida recuperación se produjo gracias a la existencia de una modernidad

anterior a la Guerra Civil, con la reconstrucción de la Escuela de Vallecas con
Alberto Sánchez y Benjamín Palencia. Después de la guerra hubo un grupo de
artistas (Luis Castellanos, Álvaro Delgado, Francisco San José y Carlos Pascual
de Lara), se agruparon en torno a Benjamín Palencia constituyendo la
segunda Escuela de Vallecas.

En 1947 se creó el Grupo Pórtico en Zaragoza, formado por Fermín Aguayo,

Santiago Lagunas, Eloy Jiménez Laguardia, José Baqué Ximénez y Alberto
Pérez Piqueras. En 1949 se orientó hacia la abstracción.

Dau al Set, creado en Barcelona en 1948, por el poeta Joan Brossa, los
pintores Cuixart, Ponc, Tapies y Tharrats, y el filósofo Arnau Puig, a los que se
incorporó el crítico de arte Juan-Eduardo Cirlot.

En 1949 se celebró la Primera Semana Internacional de arte Contemporáneo de Santander, impulsada por
Goeritz. Todos estos acontecimientos ponen de manifiesto el hecho de que la renovación de los cincuenta
había comenzado antes de los cincuenta.

La presencia de la abstracción y la herencia surrealista crearon un caldo de cultivo apto para el gran desarrollo
de la abstracción informalista de los años cincuenta. El Informalismo surgió en España por los viajes al exterior,
como París. También por la celebración de algunas exposiciones que pusieron en contacto a pintores
españoles con los planteamientos de la nueva expresividad abstracta. El “Arte Otro” se expuso en la Sala
Gaspar en Barcelona, donde participaron artistas como Appel, Burri, Mathieu, Salles, De Kooning, Pollock, y
españoles como Tapies, Tharrats, Vilacasas, Canogar, Feito, Millares y Saura.

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 El Informalismo español alcanzó unas características propias muy acentuadas.
Se desarrollaba una actitud existencial ante la vida, a través de unos
componentes puros de la pintura, como el gesto, la materia, la mancha y la
expresión libre del color para plasmar un grito desgarrado y sin limitaciones. El
Grupo El Paso (Saura, Millares, Rivera, Suárez y Feito) fue de gran importancia,
destacando la expresividad y el gesto y utilizando un número reducido de
elementos que alcanzaron la categoría de protagonistas: la materia, la
expresividad, el color. Son escasos los desarrollos que se planteen la
abstracción lírica de Fernando Zobel, o como exaltación expresiva de color
como la pintura de José Guerrero. Pero si se ahondó en la experimentación de
una expresividad en la que el color se presenta como un ejercicio de reducción.
Expresión de un comportamiento.

Para muchos pintores informalistas españoles el problema del color desarrolló una aparente contradicción: la
negación del color en el ámbito de una pintura cuyo lenguaje se sustenta en la expresividad, el valor de la
materia y el gesto. A través de ello se planteaba una actitud rebelde y de repulsa política. Se ha denominado el
mito obsesivo del compromiso. El compromiso se articuló a través de la desgarrada expresividad del gesto y el
obsesivo patetismo de color, hasta crear “el color de la negación del color”. La negación del color, que produce
un color como el de las pinturas negras, convertido en pura expresión se convirtió en una referencia de
afirmación ideológica. La expresividad, que se hallaba en sintonía con el Expresionismo abstracto y el valor del
color como negación del color, surgieron partiendo de las referencias suministradas por la tradición plástica
española (Goya).

Los informalistas españoles procuraron realizar un arte de vanguardia estableciendo una relación con las raíces
autóctonas de la pintura española contempladas con una nueva mirada.

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