26. Las técnicas de expresión en el dibujo y la pintura. Materiales.

Introducción.

1. ELEMENTOS GRÁFICO PLÁSTICOS DEL DIBUJO Y LA PINTURA.

1.1. Los materiales.

1.2. Los elementos gráficos.
1.3. La representación del volumen y el espacio.

2. EVOLUCIÓN DE LOS MATERIALES ARTÍSTICOS.

3. EL DIBUJO.

3.1. Técnicas: características, materiales y soportes.

3.1.1. Lápiz de grafito.

3.1.2. Lápices de colores.
3.1.3. Lápices compuestos
3.1.4. Carboncillo.
3.1.6. Rotuladores.
3.1.7. Pasteles y ceras.
3.1.8. Punta de plata.

4. LA PINTURA.

4.1. Pigmentos, soportes, materiales y herramientas.

4.1.1. EL óleo.
4.1.2. El temple.
4.1.3. Tinta.
4.1.4. La acuarela.
4.1.5. El gouache.
4.1.6. Los acrílicos.

5. DESAFIOS Y FUTURO DE LAS TÉCNICAS DE EXPRESIÓN EN EL DIBUJO Y LA PINTURA.

6. CONCLUSIÓN.
Introducción.

A lo largo de la historia, las técnicas artísticas han condicionado enormemente la naturaleza y la

forma de las obras de arte. Así, la flexibilidad y ductilidad de la pintura al óleo permitió que la
pintura abandonara los muros y se trasladara a soportes más livianos, como la tela, lo cual no solo
facilitó el traslado de las obras, sino que, al mejorar la plasticidad, permitió representar fundidos,
degradados y modelados más elaborados y con apariencia más natural. Al igual que las necesidades
expresivas, los materiales, instrumentos y procedimientos evolucionan con el tiempo y conforman
un legado técnico-artístico cuyo conocimiento será un requisito indispensable para enriquecer los
recursos de cualquier persona dispuesta al estudio o a la producción de obras artísticas.

1. ELEMENTOS GRÁFICO PLÁSTICOS DEL DIBUJO Y LA PINTURA.

1.1. Los materiales.

Los materiales para el dibujo son muy variados, pudiéndose definir como tal cualquiera que sea
capaz de trazar una línea visible y con cierta durabilidad en el tiempo. Carboncillos, sanguina, punta
de plomo, punta de plata, grafito, tinta, pasteles…

En cuanto a los útiles, los materiales de dibujo pueden presentarse en forma de lápices, barras,
portaminas, rotuladores, bolígrafos, estilográficas… y utilizarse además con plumilla o pincel.
Además, contamos con la posibilidad de utilizar técnicas pictóricas como la pintura al óleo, la pintura
acrílica, la acuarela… utilizadas como expresión del dibujo.

Respecto a los soportes para el ejercicio del dibujo, consideramos como tales aquellos que permiten
la adherencia del pigmento a la superficie sin que ésta se dañe. Hay que pensar en la técnica más
adecuada para cada soporte, teniendo en cuenta que desde el dibujo sobre muro hasta el realizado
en papel han de procurar la mejor adaptación del uno al otro. El color de la superficie también ha de
ser considerado ya que el color blanco requiere un fondo más oscuro para resaltar.

Soportes rígidos: Tabla, muro, piedra.

Soportes maleables: Lienzo, pergamino, papiro, cartón, papel, láminas plásticas.

1.2. Los elementos gráficos.

Se consideran elementos gráficos todos aquellos componentes simples que estructuran y dan
cuerpo a un dibujo. Los más utilizados son: el punto, la línea, la mancha, la textura y el color.
Cada uno de estos elementos de sensibilización de superficies puede emplearse en una doble
dimensión: una objetiva y técnica, orientada más a representar con exactitud los objetos y la otra
subjetiva o creativa, enfocada a expresar las emociones del autor. Esto no significa, que estas dos
dimensiones del dibujo sean excluyentes, puesto que en muchas ocasiones se complementan entre
sí. En el dibujo propio del diseño, estas variantes técnica y creativa se integran para representar los
renders de los productos industriales.

1.3. La representación del volumen y el espacio.

Existen recursos o “trucos visuales” que nos ayudan a obtener imágenes planas que recuerden la
percepción del volumen y el espacio que obtenemos a través de la vista. Estos recursos gráficos
utilizados, sobre todo en la pintura figurativa, se pueden relacionar con la distribución de los
elementos en la composición o con el uso del color y el tratamiento pictórico de las superficies.

La ilusión óptica tridimensional en el plano se consigue con la suma de los siguientes factores:

– El empleo de las perspectivas de los diferentes sistemas de representación.

– La disminución progresiva de tamaño.
– El claroscuro.
– La intensidad y el contraste de los colores.
– El grado de definición del contorno de las formas.
– La superposición de formas o traslapo.

2. EVOLUCIÓN DE LOS MATERIALES ARTÍSTICOS.

La historia de las técnicas gráfico-plásticas es un viaje fascinante que abarca diversas épocas y
movimientos artísticos. Cada periodo ha dejado su marca distintiva, contribuyendo a la evolución
continua del arte visual.

2.1. Prehistoria.

Los pigmentos utilizados en este periodo temprano eran principalmente minerales inorgánicos de
tierra, produciendo tonos ocres y rojizos mediante la oxidación del hierro, así como tonos negros a
base de manganeso. Se empleaban también carbón vegetal y el negro humo, derivados del hollín. En
cuanto a los tintes, se encontraron evidencias de tintes naturales, extraídos de insectos, bayas o
cortezas, especialmente durante el Neolítico.

Estos pigmentos se mezclaban con aglutinantes como sangre, caseína (leche) y, de manera más
común, grasa animal. Las superficies utilizadas para estas expresiones artísticas eran las paredes
rocosas de las cuevas, siendo también destacables las piedras pintadas de la cultura Azilense.

2.2. Edad Antigua.

En la Edad Antigua, la paleta de pigmentos se enriqueció con la incorporación de minerales

inorgánicos como el blanco de plomo, conocido desde el siglo IV a.C., el amarillo de plomo (blanco
de plomo calcinado) y el oropimente (sulfuro de arsénico). En Mesopotamia y Egipto, se empleaba el
lapislázuli, una piedra semipreciosa, como azul ultramar, y la malaquita destacaba como pigmento
verde.

El negro marfil, derivado de huesos calcinados, figuraba entre los pigmentos negros. Los aglutinantes
incluían resinas, aceites y ceras. Los soportes rígidos eran predominantemente murales y,
especialmente, la técnica del fresco, utilizada en Creta, Egipto y Roma. La escultura, en su mayoría,
se pintaba. Surgieron soportes flexibles estandarizados, el papiro y el pergamino, para reemplazar el
cuero prehistórico.

2.3. Edad Media.

La Edad Media conservó las tradiciones de la Edad Antigua, como la pintura al temple sobre tabla y
el fresco en la pintura mural. Una innovación destacada fue la iluminación de manuscritos, conocida
como miniaturas debido al uso frecuente del minio, una tinta roja. Otros colores se obtenían de
variados pigmentos, como el lapislázuli para el ultramar y el amarillo de plata para tonos dorados y
brillantes. La técnica del temple de huevo fue ampliamente empleada, al igual que la aplicación de
pan de oro, láminas finas de oro adheridas con cola animal.

La llegada del papel, inventado en China en la Edad Antigua y posteriormente introducido en España
por los árabes alrededor de 1150, fue un hito crucial. Su rápida expansión por toda Europa condujo a
una drástica reducción en los costos de producción de libros, democratizando el acceso a la
información y el conocimiento.

2.4. Renacimiento.

El Renacimiento desempeña un papel crucial en la historia del arte occidental, acelerando

descubrimientos y transformaciones.

En cuanto a las técnicas pictóricas, los hermanos Van Eyck desempeñan un papel fundamental al
impulsar la técnica del óleo sobre tabla, que se generaliza primero en Flandes y luego en Italia y el
resto de Europa. La generalización del papel durante la baja Edad Media impulsa el arte del dibujo,
aunque el pergamino sigue siendo utilizado durante varios siglos.

En el dibujo se emplean herramientas como la punta de plata y barras de óxidos ferrosos,

especialmente la sanguina. Aunque el grafito cristalino comienza a utilizarse gracias al
descubrimiento de una mina en Inglaterra, su alto costo limita su uso.

2.5. Barroco.

Durante este periodo, se consolidan y expanden los descubrimientos e innovaciones del

Renacimiento, incluyendo técnicas como el óleo, la acuarela y la calcografía. El óleo sobre tabla se
consolida como el medio artístico por excelencia, aunque la policromía sigue siendo común y bien
desarrollada en la imaginería religiosa.

El surgimiento de la escuela tenebrista, liderada por Caravaggio, se caracteriza por fondos oscuros y
marcados contrastes de valores. En las artes gráficas, el Barroco presencia una expansión
significativa de la calcografía, practicada por destacados artistas como Rubens y Rembrandt.

2.6. Siglo XIX. Romanticismo, Realismo, Impresionismo y Postimpresionismo.

Durante el siglo XIX los adelantos técnicos se plasman en el descubrimiento de multitud de nuevos
pigmentos sintéticos. En la técnica aparece la litografía y la fotografía. Esta última técnica cambiará
para siempre las reglas de la representación naturalista. Aparece el Impresionismo que renuncia al
verismo del dibujo académico.

2.7. Siglo XX. Vanguardias. Cubismo. Futurismo. Constructivismo. Fauvismo. Dadaísmo.

Surrealismo.

En las tres primeras décadas del siglo XX se produce una auténtica revolución de los
convencionalismos de la representación gráfica. A mediados del siglo XX, empieza en el periodo de
entreguerras y acaba en los años 60 se producen grandes avances en la fabricación de pinturas
sintéticas.

Se consolida la Fotografía como un lenguaje gráfico paralelo e independiente a la Pintura y las Artes
Gráficas.
Siguiendo la estela del Dadaísmo y los ready made de Duchamp aparecen una serie de medios en los
que se reformula el objeto artístico. En algunos, como el arte conceptual llega a desparecer, en otros
se convierte en un acto presente ejecutado por el artista, que puede dejar registros físicos. Otras
corrientes como el Land Art, exploran contextos, el propio paisaje, y materiales sin procesar, nuevos
para el arte gráfico.

3. EL DIBUJO.

3.1. Técnicas: características, materiales y soportes.

3.1.1. Lápiz de grafito.

El lápiz de grafito es fácil y cómodo de utilizar. No requiere grandes preparativos y se adapta

perfectamente a los distintos espíritus de los artistas. Una ventaja que ofrece este material es que
tiene la facilidad de ser borrado limpiamente por una goma (de plástico o de caucho), lo que te
permite realizar todos los necesarios hasta conseguir los resultados buscados.

El grafito se adapta a una gran variedad de superficies sobre las que se puede trabajar. Se puede
utilizar sobre papeles de todo tipo y color: lisos, pulidos, encerados, finos, papeles gruesos, con
textura, con grano, con fibra, etc. También se puede trabajar con este material sobre otras
superficies que no sean papel como el cartón, metal, plástico, piedra o madera.

3.1.2. Lápices de colores.

La madera coloreada de los lápices es sólo la estructura que soporta y mantiene la mina interior que
es la que da el color. Las minas pueden tener distinta dureza o blandura como en los lápices de
grafito.

El papel más apropiado para trabajar con lápiz de color es el papel satinado (brillante y sin poros),
pero puede ser interesante utilizar otro tipo más grueso si se quieren conseguir nuevas texturas.

3.1.3. Lápices compuestos

La mina de estos lápices se consigue con pigmentos diversos mezclados con tiza, talco o caolín y una
sustancia aglutinante como es la goma de celulosa. Existe una gran variedad en el mercado, algunos
de ellos pueden diluirse en agua, como los lápices acuarelables, o en trementina.

Los lápices de colores no se pueden mezclar previamente, sino que hay que hacerlo en el papel,
superponiendo los colores. Los procedimientos para conseguir efectos de degradado y texturas son
similares al lápiz convencional. El soporte ideal es un papel grueso o rugoso que retenga el pigmento
que se desprende.

Lápiz compuesto negro. Es un lápiz graso y blando que permite dibujar un tono negro muy intenso.
En ocasiones se utiliza en dibujos de carboncillo para marcar más los perfiles.

Lápiz sanguina. Es un lápiz con una mina de color rojizo o marrón y nos permite mezclarlo con agua
para crear efectos de degradado.

Lápiz sepia. Es un lápiz, parecido a la sanguina pero cuya mina tiene un tono castaño oscuro. Es ideal
para bocetos y retratos.
 3.1.4. Carboncillo.

Se trata de uno de los materiales para dibujar más primitivos. Existen incluso ejemplos de dibujos
rupestres hechos con este material. Las barritas de carboncillo se consiguen calcinando madera de
sauce, vid o brezo en hornos cerrados. El resultado es un palillo carbonizado en su totalidad.

El papel sobre el que se frota ha de ser granulado para que retenga el polvo de carbón, por tanto, los
dibujos han de fijarse pulverizando un spray fijativo o laca.
El carboncillo se afila con papel de lija. Se borra con gran facilidad, golpeándolo con un trapo al
principio, para pasar a utilizar gomas especiales cuando el dibujo esta más elaborado.

3.1.5. Rotuladores.

El rotulador es uno de los instrumentos de dibujo más reciente. Lo inventaron los japoneses a
mediados de la década de los sesenta. Lo crearon y difundieron como un instrumento para la
escritura. Al comienzo tenían la punta de fieltro. Estos rotuladores resultaban perfectos para los
trazos de la escritura japonesa que normalmente se realiza con un pincel puntiagudo. Es un material
muy adecuado para abocetar rápidamente ideas o tomar apuntes del natural ya que tiene la virtud
de autoalimentarse constantemente y la tinta que utiliza seca con gran rapidez. Esta característica
permite también yuxtaponer y superponer colores de manera inmediata. Ha sido siempre un
material muy utilizado por los ilustradores y diseñadores, aunque hoy día está siendo desplazado por
las técnicas de dibujo digitales.

3.1.6. Pasteles y ceras.

Son pigmentos en polvo aglutinados con goma de tracanto. El pastel se presenta en unas barras de
forma cilíndrica compuestas de pigmentos en polvo cohesionados con goma arábiga. No utiliza
aglutinante que lo fije al soporte por lo que es fácil alterarlo o eliminarlo mediante un trapo. Por este
motivo necesita de un fijador para su total adherencia al papel.

Las ceras están compuestas por grasa animal y aceite de linaza o parafina (cera) como aglutinante. El
porcentaje de cera y grasa varía de unas marcas comerciales a otras haciéndolas más o menos
blandas con lo que se pueden conseguir efectos muy distintos. El color con las ceras duras ofrece
una superficie más lisa que la que se obtiene con las más blandas. Suelen presentarse en barritas
con forma cilíndrica. Variando el soporte y las formas de trabajarlas se obtienen resultados muy
dispares.
Normalmente se trabajan las ceras por frotación por lo que el papel deberá ser fuerte. Puede ser de
distintos granos. El soporte o la superficie sobre la que se dibuja es el papel y la cartulina, aunque
también puede ser la tela o la madera.

3.1.7. Punta de plata.

Algunos metales en forma afilada han sido utilizados para trabajar el dibujo sobre una superficie
preparada para tal fin.

La punta de plomo, la punta de oro y la punta de plata también son empleadas desde hace siglos,
aunque actualmente hayan caído en desuso por la facilidad de uso y precio económico del grafito.

Numerosos artistas han utilizado esta técnica desde el siglo XIII, adquiriendo enorme popularidad
entre el XIV y el XV, cuando los maestros Perugino, Leonardo da Vinci, Rafael o Durero, firmaron
numerosos dibujos hechos con un estilete, casi siempre de plata, pero también podía ser de oro,
cobre o plomo. Se dibuja sobre un papel o pergamino previamente tratado con gesso otro tipo de
aglutinante (cola de conejo, goma arábiga…) y comprobaron cómo el resultado mejoraba con el
tiempo, gracias a la oxidación.

4. LA PINTURA.

4.1. Pigmentos, soportes, materiales y herramientas.

4.1.1. EL óleo.

Se presenta en tubos de pintura pastosa con los que podemos conseguir múltiples efectos de
claroscuro, colores y texturas. Su nombre proviene del aglutinante que contiene, ya que los colores
se fabrican con pigmentos desleídos en aceites, como el de linaza, de nuez o de adormidera. El
diluyente apropiado es la trementina o el aceite, por lo que se pueden conseguir tonos
prácticamente transparentes, así como controlar el empaste de la pincelada según se utilice más o
menos trementina.

El soporte más utilizado es el lienzo, que es una tela de lino o algodón con una imprimación para que
permita resbalar y adherir la pincelada. Esta tela está tensada sobre un bastidor de madera. También
sirven como soportes los tableros de madera pegados a un bastidor de madera. Pero también se
puede utilizar madera o cartón.

4.1.2. El temple.

Temple es una palabra de origen italiano. Viene de la frase "pingere a tempera", que significa "pintar
al temple". Generalmente se hace con yemas de huevo combinadas con pigmento para formar una
emulsión que podría diluirse con agua y aplicarse con un pincel. Existen muchas variables de
temples; temple de agua, temple de barniceta, temple de caseina, temple de jabón de cera, temple
de aceite, etc.

La pintura al temple suele trabajarse en barias capas sucesivas que se van acumulando para
representar una imagen. Tiene un veloz tiempo de secado, lo cual fue visto por algunos como una
desventaja a lado de la pintura al óleo, puesto que dificulta la mezcla suave de los tonos. Sin
embargo, su veloz tiempo de secado es también visto por otros como una enorme ventaja.

4.1.3. Tinta.

Es una técnica para pintar o dibujar muy tradicional. Se trata de pigmento negro aglutinado en una
solución grasa e indeleble, aunque también hay tintas acrílicas en el mercado. El resultado es una
pintura negra y cubriente que se aplica con pinceles suaves.

Los dibujos a tinta exigen una técnica muy compleja, debido fundamentalmente a dos motivos:
Se necesita una técnica muy segura, es decir, mucho control en el trazo porque la tinta no puede
borrarse y el dominio del claroscuro, en el caso de las tintas acrílicas (que podemos diluir enagua
para conseguir los grises), y del blanco y negro, en el caso de las tintas grasas.

4.1.4. La acuarela.
Las acuarelas se elaboran mezclando pigmentos muy finos con goma arábiga como aglutinante. Esta
técnica se disuelve en agua y permite trasparencias y gran luminosidad, respetando siempre el
blanco del papel para los tonos más claros. Podemos encontrar los colores en forma de pastillas o
tubos. También existen las llamadas acuarelas líquidas. El pincel para acuarela debe ser de pelo muy
suave sin perder su forma.

En cuanto al soporte, existen en el mercado una gran variedad de papeles, que deben ser específicos
para acuarela. Éste suele tener una superficie rugosa y otra más plana. Se trata de un papel capaz de
absorber el agua de las pinceladas sin que se deteriore. Existen papeles de diferentes grosores o
granos. Cuanto más grano, más textura tiene el papel y retiene más agua.

4.1.5. El gouache.

Son pigmentos aglutinados con goma arábiga y un espesante, como el sulfato de bario. Los colores
se aplican con un pincel de pelo suave. Estos colores son muy opacos y cubrientes cuando los
mezclamos con poca agua. De manera que podemos degradar el color, añadiendo más agua para
hacer un color menos saturado o transparente. Es preciso, por tanto, controlar la cantidad de agua
que añadimos para multiplicar los efectos.
El soporte es el papel, que ha de ser grueso, como la cartulina o el cartón, para que absorba el agua
que contiene cada pincelada.

4.1.6. Los acrílicos.

La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX. Es una clase de pintura que contiene un
material plastificado, siendo normalmente el látex el aglutinante. Aunque son solubles en agua, una
vez secas son resistentes a la misma. Destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al
secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo.

Las pinturas acrílicas se pueden usar sobre papel, cartón, tableros preparados o lienzo. Las únicas
superficies que no sirven son las que se han imprimado con aceite.
En cuanto a los pinceles pueden ser empleados los mismos que se usan en otros medios solo que,
debido a la rapidez del secado, conviene lavarlos inmediatamente después de usarlos.

5. DESAFIOS Y FUTURO DE LAS TÉCNICAS DE EXPRESIÓN EN EL DIBUJO Y LA PINTURA.

Las técnicas gráfico-plásticas, firmemente arraigadas en la historia del arte, enfrentan desafíos y
exploran nuevas fronteras en el escenario creativo actual. Este abanico de posibilidades y obstáculos
es un testimonio de la evolución constante del arte.

El avance de la tecnología ha llevado a un aumento en la creación de arte digital, desplazando

algunas formas tradicionales, de modo que el uso tradicional de estas técnicas debe encontrar
maneras de integrar la tecnología sin perder su esencia.

Artistas contemporáneos exploran la fusión de diferentes técnicas y medios, desdibujando las líneas
entre la pintura, el dibujo y la tecnología. Esto crea nuevas formas de expresión artística. Aunque lo
digital ha ganado terreno, hay un resurgimiento en la apreciación de lo manual. Las técnicas
tradicionales como el grabado, la acuarela y el dibujo a mano están siendo redescubiertas. La
conectividad global permite que artistas colaboren a través de fronteras. Proyectos colaborativos y
colectivos están ganando popularidad, llevando las técnicas gráfico-plásticas a nuevas alturas.
Desde un punto de vista ecológico, los artistas están experimentando con materiales no
convencionales, desde desechos reciclados hasta nuevas sustancias que amplían las posibilidades
expresivas.

6. CONCLUSIÓN.

Como ya hemos visto, las técnicas de expresión en el dibujo y la pintura a lo largo de la historia
revelan la riqueza y diversidad de expresiones artísticas que han evolucionado desde la Prehistoria
hasta la actualidad.

El estudio detallado de las técnicas, tanto secas como húmedas, proporciona una comprensión
profunda de la variedad de herramientas y medios que los artistas han utilizado para expresar sus
visiones. Desde la delicadeza del trazo hasta la riqueza de la textura.