Luz, color y texturas: Luz, color y textura en las

artes visuales

En los anteriores temas has lidiado con la "piel"

de las formas: luces, colores y texturas. Te has
acercado a estos importantes atributos de la
forma desde diferentes ópticas, los has conocido
en profundidad y algo has experimentado con
ellos. Ahora le toca el turno a dejarte seducir por
el amplio abanico de posibilidades creativas que
pueden ofrecerte, tanto por separado como
combinados unos atributos con otros, porque es
así como vas a encontrártelos en la vida real.
Piensa en una naranja como la de la imagen, en
la luz que hace posible no sólo ver su forma sino
también su color y sus sombras. Si podemos
tocarla además de verla, sentimos su volumen,
apreciamos su textura al pasar los dedos sobre
ella, aunque también es apreciable a simple
vista, más o menos acentuada por la incidencia
Imagen de wikimedia commons /cc
de la luz.
Y si tenemos que pintarla, debemos recurrir
tanto a nuestras sensaciones como a nuestra habilidad y experiencia para combinar
adecuadamente estos atributos de forma convincente por medio de las técnicas artísticas. Es
lo que vas a descubrir con este tema, aventurándote más allá de las formas, penetrando en
los secretos del color, explorando las texturas entre las luces y las sombras del arte.
Aunque pueda parecerte un tema muy largo, se hará corto tu viaje a traves del cine, la
fotografía, el grabado, el teatro de sombras y por supuesto, la pintura. Tómate tu tiempo,
haz los descansos que necesites, respira hondo y disfruta de este viaje lleno de magia, luz y
color.

Los componentes esenciales de toda obra de arte podrían resumirse en composición,

forma, técnica y significado. Los contenidos formales se traducen plásticamente en
una serie de atributos visuales en las formas artísticas: luz, color, textura. Cada uno
de ellos ha sido potenciado en un periodo histórico o movimiento artístico concreto,
pero casi siempre se han empelado de forma conjunta. En las anteriores unidades
didácticas dedicadas a la forma y la composición te familiarizaste y trabajaste con
los grados de iconicidad, así como jugaste con sus elementos espaciales (fondo,
figura, contorno, silueta, ...) o escalares (dimensión, proporción,...).
En este último tema de la presente unidad vas a centrarte en cómo los creadores en
las distintas especialidades artísticas y visuales han utilizado e interpretado con
distintas intenciones expresivas algunos de estos elementos que has estudiado de
forma más teórica en los temas anteriores como son la luz, el color o la textura. Y
además, te va a tocar a tí tambien poner a prueba estos conocimientos con el GIMP y
otras herramientas de dibujo y creación que te sorprenderán.
 Arte griego a todo color
He aquí algo realmente curioso que tal
vez no sabías: seguramente te has
acostumbrado a ver desde siempre,
tanto en las reproducciones de los
libros como en los museos, las
esculturas clásicas (en particular, las
estatuas griegas antíguas) en su color
mas o menos blanco que creemos
"original" del mármol o la piedra,
como la imagen que estás viendo del
Discóbolo que te resultará familiar. El
caso es que te costará imaginar esas
estatuas llenas de colorines. Sin
embargo, así eran concebidas en
realidad, como se ha podido averiguar
por los restos de pigmentos
encontrados en ellas...Si te pica la
curiosidad en ver el arte griego a todo
color clica aquí
Discóbolo, en Wikimedia Commons, con licencia CC
1. Juegos de luces

Dedica unos segundillos a ver ese poético vídeo. Corresponde al "Toro Nagashi", una
antiquísima tradición japonesa de soltar a la deriva en el río o en el mar miles de farolillos
de papel de seda iluminados con velas y decorados con dibujos e inscripciones, como forma
emotiva de honrar a sus antepasados o para hacer peticiones colectivas de buenos augurios
en tiempos difíciles. La luz (o su ausencia) es algo que siempre, desde las más remota
antigüedad, ha despertado curiosidad y admiración en los seres humanos. El fuego, el día o
la noche, los fenómenos naturales como los relámpagos o los eclipses han formado parte de
la simbología y del imaginario colectivo en mitologías, cuentos y religiones de todo el
mundo. No en vano celebramos con una explosión de luces fiestas como la Navidad, las
ferias, las verbenas locales y otros tantos eventos públicos y privados.
En cierta forma, la evolución del arte ha estado condicionada a la luz. La luz hace posible la
vida, aunque ciertos organismos se hayan acostumbrado a vivir en la más absoluta
oscuridad, como la fauna abisal. Hablando de oscuridad ¿Has estado en las Cuevas de
Altamira? Recuerda una historia inicial al inicio de curso donde se hablaba de éstas, de
cómo el anónimo artista magdaleniense supo combinar los relieves de la rocas en sus
pinturas, propiciando -por mediación de las fluctuantes sombras generadas por las llamas
vivas de las antorchas- crear la sensación fantasmagórica en los atónitos espectadores de
que aquellos bisontes y ciervas tan sabiamente pintados realmente se movían por el techo
de la cueva. Luces y sombras. Vivimos en un mundo con luz.
Desde entonces captar, capturar o reproducir la luz que baña los objetos, los paisajes o las
personas ha sido uno de los caballos de batalla de muchas generaciones de artistas, de
científicos e inventores que tras un largo proceso de experimentación ha desembocado en
algo que hoy nos es tan familiar como la fotografía o el cine, inventos en los que la luz es su
principal "estrella" invitada y que sin ella, simplemente, no existirían. Hasta el mismo
Picasso llegó a pintar literalmente con luz. En los siguientes apartados iniciarás un
fascinante recorrido que te llevará por el mundo de la pintura, el grabado, el teatro, la
fotografía, el cine y resto de artes visuales contemporáneas. Te va a encantar este viaje,
encenderá tu mente.

Vivimos en un mundo con luz, y es la luz la que nos permite no solo vivir, sino
contemplar, ser capaces de asombrarnos con aquello que catalogamos de horrible o
bello, como por ejemplo, las obras artísticas.
La luz se asimila a la vida, al calor. Nuestros antepasados la adoraban y veneraban; la
posesión del fuego fue de hecho, uno de los grandes hitos de la historia de la
humanidad. La evolución de todos los medios de comunicación visuales ha ido pareja
al conocimiento y dominio del fenómeno de la luz.

La magia de la naturaleza

Por cierto, hablando de luces y colores, The Aurora es un espectacular time lapse
sobre las Auroras Boreales que vale la pena verlo a pantalla completa, porque a veces
la naturaleza y en concreto el cielo, pueden llegar a ser artísticos y gigantescos
lienzos llenos de sensaciones, texturas y colores. Pero no es magia sino ciencia,
incluso algo tan poético y pictórico como un rojo atardecer tiene, desde la perspectiva
del color, como seguramente pudiste comprobar -cuando se hablaba en el primer
tema del color luz- una explicación científica.
1.1. En la pintura y artes visuales

Por razones obvias, desde el punto de vista artístico es importante conocer el fenómeno de
la luz y su incidencia en la creación plástica.
Recuerda alguna experiencia personal: una puesta de sol, la sinfonía de colores que tiene el
bosque en otoño, un pueblecito de relucientes casas blancas en una ladera, esos fuegos
artificiales espectaculares, etc..., imágenes que te permitirán apreciar hasta que punto la
luz es capaz de "seleccionar" o conseguir que nuestra atención se fije en un punto
determinado.
La luz modela las figuras a través de las sombras. Ya en temas anteriores (especialmente
cuando trabajaste las técnicas y procedimientos del claroscuro) tuviste ocasión de
familiarizarte con conceptos tales como la iluminación natural y artificial, así como las
distintas sombras propias y arrojadas que generan en los objetos. También, si estas cursando
la asignatura de Cultura Audiovisual, encontrarás en el Tema 2 de la Unidad 3 bastante más
información acerca del uso de la luz.
Cuando hemos afinado lo suficiente nuestra percepción sobre el uso de la luz mediante la
observación, seremos capaces de apreciar su gran importancia plástica en pinturas y dibujos,
que es en lo que nos vamos a centrar en este apartado donde haremos un breve recorrido
por la Historia del Arte rastreando la forma en que los artistas en distintas épocas hasta
nuestros días, han hecho uso de la luz en sus obras. Ahora, te invitamos a ver esta
presentación que también va a servirte como repaso de conceptos estudiados anteriormente.
Esta escena pertenece a "El sol del membrillo" una película documental dirigida por
Victor Erice en 1992 donde explora el paciente y meticuloso proceso creativo del
pintor y escultor manchego Antonio López, en su afán por pintar la luz que penetra,
a ciertas horas del día, entre los frutos de un membrillero. ¿Pensabas que pintar un
arbol frutal podía llegar a ser tan complejo? Antonio López lucha durante la filmación
del documental con dos caballos de batalla: la luz cambiante y el paso del tiempo: las
ramas ceden, los membrillos maduran y se pudren...
1.2. En el grabado calcográfico

Estampa de la serie "Los disparates" de Goya , de dominio público "La Melancolía" de Durero, de

Ver imagen ampliada Ver imagen am

El empleo de la luz que hacen los artistas grabadores va a depender en última instancia de
las distintas técnicas del grabado calcográfico. Hay unas técnicas más adecuadas que otras
para conseguir interesantes efectos de claroscuro, como el aguatinta o el aguafuerte.
Muchos artistas han sido excelentes grabadores como Durero, Rembrandt, Goya o el
mismo Picasso. En esta presentación sobre la Historia del Grabado puedes apreciar las
distintas técnicas calcográficas con ejemplos realizados por muchos de estos conocidos
artistas. Observa cómo éstos han resuelto las zonas de luces y sombras.
1.3. En el teatro de sombras

¿Te gustó esta muestra de teatro de sombras de Valeria Guglietti? ¿Has visto en directo
alguna vez una representación de este tipo? Las sombras chinescas tal vez constituyan la más
antígua representación teatral de nuestra historia. No cuesta imaginar a nuestros antepasados
ver proyectadas sus sombras a la luz del fuego en las paredes de las cuevas. No cuesta
imaginar que hubiesen fantaseado con ellas, que hubiesen aprendido a "interpretar" su mundo
a través de sus sombras y sus miedos. Algo de esto está implícito en el famoso "Mito de la
Caverna" de Platón, que muy posiblemente te suene de Filosofía. Estaba naciendo el concepto
de "proyección", el espectáculo y en otras palabras, el germen del cine...

Unas simples manos o siluetas recortadas, una sábana, un foco de luz, sombras y una historia
que contar en la oscuridad. No se necesitan mayores medios para crear esa "magia". Estos
espectáculos "encienden" (nunca mejor dicho) la imaginación tanto en las edades adultas como
en las infantiles. Su historia es muy antigua y en muchas culturas han constituido toda una
afición popular y una rama del arte, como los tradicionales teatros de sombras turcos o chinos.
Algunas de sus marionetas o figuras en sí mismas son verdaderas obras de arte, como estas
tres muestras (china, turca y balinesa, respectivamente) que puedes ver más abajo.

De Only Sequel en Flickr con licencia CC De Kivanç Nis en Flickr con licencia CC De Chadica en Flickr con

En el resto de las Artes Dramáticas occidentales la iluminación de escenarios y personajes

desempeña un importante papel expresivo y estético. Si has ido a alguna representación
teatral seguramente comprendas el porqué.

De Kamikazow en WC bajo licencia creative commons

1.4. En la fotografía y el cine

Archivo de Wikimedia Commons , de dominio público

La luz es el elemento físico que hace visibles las formas, colores y espacios en el mundo
visual. Es por tanto un concepto clave para entender la fotografía y por extensión el resto de
artes e industrias audiovisuales como el cine. Pasamos a estudiar ( en el segundo curso se
profundizará en estos temas) cómo se interpreta y utiliza la luz en las distintas artes
visuales, centrándonos en dos de ellas, la fotografía y el cine.

La luz en la fotografía
Por lo dicho anteriormente, es fácil entender la importancia de la luz en el quehacer
fotográfico. Porque es la luz la que evidencia los contornos, el relieve, la apariencia del
mundo real, el color o la textura de las formas y su ubicación en el espacio. Todos estos
elementos emergen de manera diferente en función de la procedencia de la luz y de su
cantidad y calidad, esto es, según la luz sea fuerte o débil, blanca o de color, directa, difusa,
reflejada, etc. Lidiar con la luz es el principal caballo de batalla de todo aficionado o
profesional de la fotografía. Pero antes que nada, un repaso a algunas cuestiones técnicas.
 Si actualmente cursas la
asignatura de Cultura
Audiovisual, ya te habrás
familiarizado con la práctica
fotográfica a través de las
tareas y del tema dedicado a
la fotografía y sus
técnicas, por lo que estos
conceptos los conocerás.
Siempre que quieras, puedes
pasarte por los contenidos de
la asignatura para aprender
algo más acerca de las
cámaras fotográficas,
objetivos, encuadres,
angulaciones, etc. Como
podrás comprobar, la luz es
un tema recurrente, de
hecho sin fuente de luz,
podemos aventurar que no
hay fotografía.
En este videotutorial te
explican el funcionamiento
básico de una cámara reflex
. Recuerda que hacer buenas
fotos a los ejercicios de
Dibujo es fundamental, así
que te conviene saber usar
adecuadamente una cámara
fotográfica, reflex en este
caso.

La luz en el cine
El cine ha profundizado mucho en el campo de la iluminación. De hecho, un buen director de
fotografía en una película tiene un papel esencial ya que puede conseguir valores
expresivos, estéticos o emotivos muy significativos que atraen y encandilan a los
espectadores. Basta recordar la iluminación tenebrosa de una película de terror, los fuertes
contrastes en blanco y negro de una película de cine negro o la exaltación de una escena
"romántica" mediante luces suaves y difusas. Si cursas la asignatura de Cultura Audiovisual
podrás conocer con mayor profundidad algunos de estos aspectos, en todo caso puedes clicar
en este enlace y busca el apartado del tema llamado "iluminación". Aquí tienes un ejemplo
con retazos de secuencias del gran cineasta japonés Akira Kurosawa. Observa la
importancia plástica que tiene la iluminación en muchas de las escenas.
Hay artistas que hacen una interesante utilización de las técnicas científicas como por
ejemplo, los Rayos X que se utilizan para hacernos radiografías. Tal es el caso de este
artista que nos hace visible la estructura interior de muchos objetos, con una indudable
factura estética. Otros, como el español Daniel Canogar
(http://www.danielcanogar.com/) utilizan frecuentemente las tecnologías de la luz en
sus proyectos e instalaciones multimedia, como estas cajas de luz o lightbox que
proyectan fantasmagóricas formas en la pared. Vale la pena echar un vistazo a su web.

El fotograma (también llamado "rayograma") es una vieja y artesanal técnica de

laboratorio fotográfico donde no es necesario el concurso de una cámara. Las
impresiones se realizan directamente en el papel fotográfico a través de la exposición
de luz con una ampliadora en el cuarto oscuro, creando la impronta o silueta de
objetos depositados sobre el papel fotográfico.
Experimenta. Los efectos y transparencias son muy artísticos, como has podido
comprobar en el vídeo anterior, que hace un recorrido por los orígenes y los artistas
representativos (los surrealistas y dadaístas, sobre todo) de esta curiosa técnica,
hoy ya en deshuso. Pero si te pica la curiosidad y quieres experimentar -de forma
digital- con esta técnica, puedes hacerlo con la aplicación Fauxtogram del Red
Studio del MOMA y compartir tus "rayogramas" en el foro o para incluirlos en los
fondos de la fotogalería de Dibujo Artístico. Aquí tienes un ensayo, a la izquierda
algunos de los objetos expuestos y la derecha, el rayograma resultante, en varias
exposiciones:

Imágenes de elaboración propia

Experimenta superponiendo distintos objetos y variando la exposición con la barra deslizante inferior de la aplicación.
Puedes hacerlo en una sola exposición o en varias, pero ten en cuenta que se van oscureciendo (sobreexponiendo) los
objetos del paso anterior.
1.5. Experimenta con Gimp: la luz

Con GIMP dispones de muchas herramientas para manipular la luz y el color de tus
imágenes fotográficas. Nos vamos a centrar en las herramientas "Umbral" "Niveles",
"Curvas" y "Brillo y contraste" que afectan mas directamente a la luz, aunque
evidentemente cualquier alteración d ela luz va a su poner una alteración cromática.
Algunas de las mismas como "umbral" ya tuviste ocasión de usarlas en anteriores tareas.
A continuación te vamos a proponer un ejercicio resuelto paso a paso con el que modificar
la luz de una fotografía mediante la aplicación de varios efectos. Es interesante que te
descarges esta imagen (o si lo deseas, una tuya propia) y realices la práctica guiada para
familiarizarte con las herramientas de Gimp.

Pues manos a la obra, esta práctica guiada te servirá de guía para experimentar con las
luces y las sombras en GIMP. Es recomendable que la visualices a pantalla completa
clicando en el icono de expansión que tienes abajo a la derecha, en la barra del menu
inferior y en la tecla Escape (ESC) para volver a la página y al tamaño original.
Igualmente, tienes la posibilidad de descargarte esta presentación para verla sin
necesidad de internet. Clica abajo en ver solución.
2. Todo es de color

Antes que nada, vamos a justificar con música el nombre de este apartado: todo es de color.
Es el tema de la canción de un mítico grupo musical, uno de los máximos exponentes del
llamado rock sinfónico andaluz. Habrá quien lo recuerde y quien apenas lo conozca, pues
tiene unos años. Efectivamente, estamos hablado del grupo Triana. Escuchemos este
sugerente "Todo es de color" y luego seguimos...

Tal vez os hayáis fijado en las imágenes del video: un torrente de sensaciones, lugares, colores
y texturas aderezadas con una de nuestras señas de identidad: la luz, esa luz luminosa del sur
tan deseada por propios y extraños. Porque sin luz no serían posible los colores. Luz y color
han sido una obsesión para muchos artistas a lo largo de la historia. "El color es mi obsesión
diaria, la alegría y el tormento" llegó a decir el gran pintor de los estanques y nenúfares,
Claude Monet.
Iniciamos el recorrido empezando por la pintura para detenernos en otros campos como la
fotografía, el cómic o las artes gráficas y digitales , donde volveremos a experimentar el color
con las inmensas posibilidades artísticas del editor Gimp. Recuerda, todo es de color.
Les't Colour Proyect es un programa internacional promocionado por conocidas
marcas comerciales de tintes y pinturas encaminado a realizar intervenciones sociales
y artísticas en distintas partes del mundo. El objetivo es marcar la diferencia tanto en
entornos urbanos degradados como en algunos edificios e instituciones por medio del
color. La web del proyecto está en inglés pero se pueden explorar las distintas
intervenciones a lo largo del mundo, algunas de ellas en España e incluso en
Andalucía. En un mapa como el que aparece en la captura de arrriba podéis
localizarlos.
2.1. En la pintura

Hablar del color en la pintura daría no para un tema, sino para una unidad completa y nos
quedaríamos cortos. Hablar de pintura es hablar de color. En el segundo tema de esta unidad
ya tuviste ocasión de conocer de cerca algunas peculiaridades acerca de los colores. Aquí
daremos solo algunas "pinceladas" más. En el segundo curso de Dibujo Artísitico
seguramente tendrás ocasión de profundizar en muchos de estos aspectos. Pero antes, mira
este vídeo para ir "entrando en color".

En realidad, al hablar de las técnicas pictóricas se supone que en todas ellas interviene el color
de manera más o menos protagonista, aunque su misión ha estado limitada a la forma durante
muchas épocas. Globalmente, y para su mejor comprensión, podemos dividir este
"protagonismo plástico" del color con respecto a la forma en cuatro apartados o etapas a lo
largo de la historia, que se pasarán a comentar más abajo, en la autoevaluación : supeditado,
equilibrado, exaltado e independiente. Observa primeramente, para ubicarte, esta línea de
tiempo con ejemplos ilustrativos de la historia del arte desde 1800 en adelante. Clica en los
bocadillos para ver ampliadas las imágenes...
Una línea de tiempo más extensa ( pintura,escultura, arquitectura, etc., desde la prehistoria
hasta nuestros días) la puedes visualizar en la web Observatorio

Ahora, repasemos un poco todo lo anterior con el test que tienes a continuación (clica
en el botón de abajo para orientarte antes de hacer el test) :
El color en el arte on PhotoPeach

En el siguiente vídeo, aparte de dar un repaso a cuanto has visto en los temas
precedentes acerca del color, puedes ver distintos ejemplos de cómo los artistas lo
han aplicado en sus obras, en especial, en lo relativo al usos de los distintos tipos de
contrastes...

Los siete tipos de contrastes cromáticos

Un taller de pintura en tu bolsillo

La pintura también ha llegado a las consolas y dispositivos móviles. Hay cientos de
aplicaciones disponibles -muchas de ellas gratuitas, otras de pago pero adsequibles)
para pintar con los móviles y tabletas de última generación. La ventaja, el reducido
tamaño de estos dispositivos y las muchas herramientas disponibles. En esta página
encontrarás, por ejemplo, muchas aplicaciones para dibujar y pintar con dispositivos
que funcionen con el sistema operativo de Google, Android y en esta otra para
iPhone. El video que sigue a continuación, es una demostración con la aplicación Art
Academy desarrollada para consolas Nintendo DS donde se reinterpreta en clave
cromática un cuadro del artista expresionista aleman Franz Marc, actualmente en el
Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.
2.2. En las artes gráficas y digitales

Señal de imagen RGB en una gran pantalla digital de "leds" / elaboración propia

Cuando hablamos de "color digital" simplemente hablamos del procesamiento del color por
medio de un ordenador. La palabra "digital", como se puede deducir, se deriva de dígito, que
a su vez se deriva del latín digitus, "dedo" (ya que los dedos, como sabemos, son una ayuda
común al contar). En resumen, "digital" quiere decir "representado mediante números".
"Digital" es lo opuesto a "analógico". Un reloj con manecillas es analógico. Si carece de ellas
y sólo tiene números, es digital. Una fotografía hecha con un carrete de película es
analógica. Una imagen tomada con una cámara digital es digital. Pero ¿qué es exactamente
el color digital? Es el color de las imágenes digitales, es decir de las imágenes formadas por
números. Algo sabes de esto cuando se habló del píxel en un tema anterior dedicado a las
herramientas digitales.
Sin entrar en profundidades técnicas, nos centraremos en explicar algunos conceptos y
terminos claves relativos al color que nos van a ser familiares cuando en un futuro
trabajemos profesioalmente con dibujos, imágenes o fotografías digitales.
Ya conoces por el primer tema cómo funciona un sistema RGB. Muchas veces te
preguntarás el porqué en unos monitores o televisores el color de las imágenes se ve de una
forma y en otros de otra. Pongamos un ejemplo, imagina que tienes ante tí una imagen
digital de 100 × 200 píxeles. . Es decir, tiene unos 20.000 píxeles (100 × 200), cada uno
de los cuales tiene tres componentes (uno por cada color primario RGB) y cada componente
tiene un valor que puede variar entre 0 y 255. La imagen se almacena así en la memoria del
ordenador como una serie de 60.000 números (como resultado de multiplicar 20.000 × 3),
cada uno de ellos con un valor asignado entre 0 y 255. Estos valores se asocian a su vez a
unos perfiles con cada imagen.
Dicho de otro modo y más fácilmente entendible, cuando la imagen se ve en el monitor al
que se hace referencia en el perfil, los colores mostrados serán exactos. Cuando la imagen
se vea en otro monitor, con otras características (calibrados con "valores" distintos) los
mismos números producirían distintos colores, o sea, la imagen se verá con otros colores.
Por ello, una cosa que debe hacer todo diseñador gráfico o fotógrafo profesional es calibrar
sus monitores o pantallas de trabajo para que muestren sus imágenes sin distorsiones
cromáticas entre unos y otros. En el siguiente apartado "saber más" encontrarás más
detalles si te interesa este tema.

Los valores hexadecimales

Del modelo llamado RGB de los tres colores-luz básicos (rojo R, verde G y azul B) se
derivan todos los colores pensados que ves en tu monitor . De tal manera que cada
color que ves en tu pantalla tiene asignado su código hexadecimal, en donde por
ejemplo el blanco es #FFFFFF, el negro es #000000, así sucesivamente. Hexadecimal
es porque son seis dígitos de números y letras (de la A a la F), que se dividen en
tres canales de dos dígitos para cada color. Asi, por ejemplo, el código hexadecimal
99FFCC (o 99ffcc) es un color concreto . Conocer y manejar dichos códigos ayuda
mucho a elegir o modificar un color exacto para un sitio web a través del editor de
plantillas HTML, por ejemplo.
Cómo calibrar un monitor
Ya has podido darte cuenta de la importancia del color en determinados sectores
profesionales como son la fotografía y el diseño gráfico e industrial. No todos lo
aparatos y pantallas reproducen el color de una forma exacta o fideligna. Por eso es
importante saber calibrar tu monitor de la forma que se ajuste a tus intereseres
profesionales. En esta web de fotografía te dan algunas orientaciones.
Recuerda que el
píxel es la
menor unidad
posible de color
con la que se
compone
cualquier
imagen digital
en un
ordenador. Los
pixeles también
se utilizan como
unidad para
medir la
resolución de
una pantalla,
una imagen y de
algunos
dispositivos
como por
ejemplo las
cámaras
digitales (que
utilizan los
megapixeles).
En cuanto a las
imágenes, estas
pueden medirse
a través del
ancho y del
largo en píxeles,
por ejemplo una
imagen de
800x600, lo que
significa que
está conformada
por 480 mil
píxeles. Se
habló de esto en
la Unidad 2, por
si quieres
echarle
nuevamente un
vistazo..
Recuerda
también que
hay muchos
formatos
digitales de
imágenes. Hay
unos como los
TIFF o RAW
que se emplean
en fotografía
profesional. Dan
la máxima
calidad de
imagen y
fidelidad de
 color pero son
archivos muy
pesados y
requieren
Una curiosidad, en esta web han reunido a conocidos logotipos y programas
marcas comerciales
muy
clasificados según su gama cromática potentes y
especializados
para trabajarlos.
Sin embargo, las
imágenes que se
utilizan para las
páginas web se
guardan en tres
formatos mas
"ligeros" que
seguramente ya
conoces de
temas
anteriores: JPG,
GIF y PNG.
Con GIMP también podemos tener las imágenes en modo Cuando
Indexado que reduce el número de colores a un máximo de trabajamos en
256 y, por último, también nos permite guardar cualquier GIMP
imagen en escala de grises desde el blanco hasta el negro. Lo habitualmente lo
comprobarás en la práctica guiada de este apartado dedicado al hacemos en el
color. El vídeo de arriba juega artísticamente con la modo RGB que
descomposición y el color de los píxeles de una fotografía. proporciona 8
bits por canal de
color,
consiguiendo
imágenes de 24
bits y que nos
permiten tener
imágenes con
millones de
colores para
reproducir
imágenes
fotográficas con
una calidad más
que aceptable y
sin ocupar
muchos megas.
2.3. En los medios audiovisuales

Aunque el estudio y práctica del color en los medios audiovisuales es más apropiado hacerlo
en profundidad en asignaturas como Cultura Audiovisual, daremos aquí sólo algunas
pinceladas (de color, claro).
Apuntar que, tanto en fotografía como en cine y televisión, en paralelo a los avances
técnicos se ha pasado progresivamente del blanco y negro al color. Y también que, tanto de
una forma como de otra, muchos fotógrafos y directores de cine han hecho verdaderas obras
maestras, como el botón de muestra del vídeo anterior donde se hace un peculiar remix por
la historia del cine desde los orígenes hasta los años 90´s del siglo XX.
En fotografía, la lista de fotógrafos/as que han hecho de las imágenes en blanco y negro
una obra de arte es inmensa. Destacar a iconos como Cartier Bresson, Brassaï, Diane Arbus,
Rober Cappa, Helmut Newton, William Klein y tantos otros. Tómate unos minutillos en echar
un vistazo a esta web Made in Photo donde podrás apreciar algunas muestras de
reconocidos fotógrafos internacionales tanto en blanco y negro como en color.
Muchos géneros -como el cine negro o de terror - se expresan mejor en blanco y negro
que en color, aunque como todo, es cuestión de gustos. Hoy día el blanco y negro en el cine
apenas se usa, aunque es frecuente encontrar bellos anuncios que prescinden del color,
como éste, de hace algunos años, de Iberia
Han sido también muchos los cineastas que han dado especial importancia al color de sus
películas. Por señalar alguno, pondríamos de ejemplo un capítulo de Los Sueños del
realizador ( y pintor) japonés Akira Kurosawa (especialmente el dedicado al pintor Van
Gogh) donde hace una curiosa inmersión en algunos de los cuadros del pintor holandés.
Fíjate en el tratamiento cromático de los paisajes.

Otros cineastas han hecho experimentos "cromáticos" y psicológicos, como la triología Azul-
Rojo- Blanco del director Krzysztof Kieslowski , en alusión a los tres colores de la bandera
francesa y los ideales revolucionarios de libertad, igualdad y fraternidad. Como botón de
muestra, un clip de Azul ...
En algunos casos, el color y el arte tienen un protagonismo especial en los créditos iniciales,
como en la película "Robind Hood" de Ridley Scott

Muchos cinéfilos reniegan de las clásicas películas originales en blanco y negro que
desde hace algunas décadas vienen siendo coloredas con las modernas técnicas
digitales. Los puristas consideran que esta práctica es un sacrilegio, mientras que los
ejecutivos y productoras consideran que el proceso puede ayudar a popularizar los
clásicos de Hollywood entre el público joven, reacio a ver películas en blanco y negro,
que las consideran "viejas". La polémica está servida.
Y como curiosidad en positivo , recientemente han emitido por televisión una serie
sobre la 1ª Guerra Mundial usando imágenes de archivo en blanco y negro (las
únicas disponibles en aquella época). La novedad es que esta serie se ha coloreado
usando la más moderna tecnología por ordenador, devolviendo por primera vez el
color a la Primera Guerra Mundial. Aquí tienes una muestra :

Aunque el tema del cómic se estudiará más adelante, aquí tienes un anticipo con
este tutorial para colorear una tira de comic manga con GIMP, por si te interesa
experimentar, aunque es recomendable que antes, realices la práctica guiada sobre
el color que está propuesta en el siguiente subapartado.
2.4. Experimenta con Gimp : el color

El color en Gimp: Introducción

Tanto en Dibujo Artístico II como en Fundamentos del Diseño, asignaturas que te
encontrarás en el 2º curso del Bachillerato de Artes, tendrás ocasión de profundizar en la
utilización del color con GIMP. Ahora sólo haremos un pequeño repaso a los modos de color
que ya te anticipamos en el apartado dedicado a las artes gráficas : A continuación
conocerás las distintas paletas de color con las que trabaja GIMP para hacer, a continuación,
algunos ejercicios guiados , a partir de los cuales, podrás experimentar con el color de las
imágenes de forma creativa y artística. Es fácil y los resultados son muy llamativos.
Primeramente, unas nociones básicas para moverte por el GIMP.
Al crear una imagen en GIMP podemos hacerlo en base a tres modos de color: RGB (todo
color, de 24 bits), Escala de grises (8 bits de grises) y Color indexado (8 bits con escala
de un color). Todos ellos indicados para imágenes que van a ser expuestas en una pantalla
de ordenador. En el caso de que vaya a ser impresa hay que "traducir" el sistema RGB al
sistema ( o paleta) CMYK, que es, como seguramente ya sepas, un modo de color
sustractivo, el utilizado por las impresoras e imprentas en general para reproducir todo tipo
de gráficos a color. Para acceder a estos tres modos nos vamos al menú de la ventana
principal y hacemos clic en Imagen y a continuación en Modo. En la tabla de abajo tienes
una comparativa de los tres modos de color antes descritos.

Color en modo "RGB" Color en modo "Indexado" Color en modo "escala de

Primer paso: ¿Cómo elegir un color en GIMP?

Si queremos empezar eligiendo un color de fondo o para pintar, desde la caja de
herramientas podemos acceder a las distintas paletas ( 4 en este caso) desde donde elegir
un color sólido (RGB) con el que pintar. De izquierda a derecha nos encontramos las
siguientes paletas de color:
1. Paleta GIMP
Es a la que se accede por defecto (con el icono del logo de Gimp) y tiene el siguiente
aspecto:
 1. Pestañas para acceder a los otros tipos de paleta.
2. Selección del color.
3. Elección de la saturación del color.
4. Elección directa conociendo la cantidad de cada
color y su tono, saturación y brillo.
5. Introducción del valor hexadecimal.
6. Colores recientemente utilizados.
7. Comparación entre los colores actual y anterior.

Para la elección de cualquier color podemos utilizar la zona señalada con los números 2 y 3,
primero elegimos el tono y luego su saturación. Otra opción es introducir los valores de cada
color RGB o de HSV (en español sería TSB, Tono, Saturación y Brillo) en la zona 4, aunque
-por ahora- mejor es no complicarse.

RGB
Los valores RGB varían desde 0 (nada del color) hasta 255 (todo el
color).

HSV

Los valores de HSV corresponden a:

- H=Tono. Define el color real y se mide como una posición en la
rueda de colores estándar, expresándose en grados entre 0º y 360º.
- S= Saturación. Es la fuerza o pureza del color, la cantidad de gris
que se añade al tono del color y se mide como el porcentaje
comprendido entre 0% (color gris) y 100% (saturación completa del
color).
- V= Brillo. Es la luminosidad u oscuridad relativa al color elegido y
se mide con un porcentaje comprendido entre 0% (negro) y 100%
(blanco).

Podemos introducir el valor hexadecimal directamente en el espacio destinado a ello. Este

valor corresponde a la expresión en hexadecimal de los valores en decimal correspondientes
a R (rojo), G (verde) y B (azul) como ya viste anteriormente en otro apartado.
2. Paleta impresión
Al hacer clic en la pestaña con la imagen de una impresora accedemos a la paleta CMYK,
que trabaja con colores sustractivos. Esto sólo es especialmente interesante si nuestro
trabajo va destinado a imprimirse en una ilustración, cartel, etc.
 El único cambio que observamos está en la zona central-izquierda donde aparecen unos
deslizantes, que nos permiten cambiar la cantidad de color C (cian); M (magenta); Y
(amarillo) y K (cantidad de negro). Todos ellos con un porcentaje de 0 a 100.
3. Paleta Triángulo
Al hacer clic en la pestaña con un triángulo circunscrito en una circunferencia, accedemos a
la paleta Triángulo.

En la circunferencia podemos elegir los tonos de color y en el triángulo el brillo y la

saturación. Dos pequeños círculos nos permiten elegir, arrastrando el ratón, uno el tono y el
otro la saturación y el brillo.
4. Paleta Acuarela
Accedemos a la paleta Acuarela haciendo clic en la pestaña que tiene el icono del pincel.
Nos permite elegir en una mezcla de colores diluidos (acuarela) el color deseado.
Pues ya conoces las distintas formas de generar un color en GIMP. Ahora, pasaremos a la
práctica. Intenta realizar algunas de las propuestas del siguiente apartado.
(Las capturas de pantalla de este apartado forman parte de un Curso de formación para el
profesorado sobre GIMP impartido por Pedro Godina, con licencia creative commons.)

Todos estos métodos anteriormente descritos nos permiten seleccionar un

determinado color, como frente o fondo. No es necesario manipularlos todos, basta
con que sepamos utilizar uno de ellos. Lo que nos interesa ahora son conocer las
muchas opciones en GIMP para manipular o transformar el color de una imagen,
aunque sólo nos centraremos en esta ocasión en conocer algunas herramientas
mediante los cuales podemos trabajar y transformar de forma creativa el color de
nuestras imágenes personales. Hasta la fotografía más insulsa podemos convertirla en
una pequeña obra de arte. A todas estas herramientas se accede ( siempre en modo
RGB ) desplegando el menú "Colores" de la ventana central de GIMP, como se
observa en la captura de pantalla siguiente:
En el desplegable "Colores" encontrarás un gran número de herramientas de
transformación cromática . Vamos a destacar algunas de ellas:
Balance de color : para corregir los valores RGB de la imagen
Tono y saturación: te permite alterar el tono y la saturación de la imagen
Umbral: te transforma la imagen en color en un alto contraste de blanco y negro.
Colorear : permite generar una imagen monocromática ajustando los valores de
tono, matíz y saturación.
Curvas: Te permite alterar el color de dos formas, mediante una curva y a mano
alzada
Invertir : invierte los colores de la imagen por sus complementarios.
Mapa : Te permite alterar de forma psicodélica los colores
Posterizar : crea un efecto de "poster" o "affiche" aplanando" los colores de la
imagen
Retinex : crea un alto contraste de colores en la imagen
Ahora vamos a poner en práctica todo lo anterior. Descárgate la imagen de Tim
Burton que vamos a usar de modelo (en la diapositiva 2 abajo tienes el enlace) en tu
ordenador. Vamos a realizar una serie de manipulaciones con el color de esta imagen.
En la siguiente presentación tienes al menos 10 ejemplos resueltos, aunque puedes
experimentar introduciendo o combinando nuevos parámetros y valores:

Es recomendable que la visualices a pantalla completa clicando en el icono de expansión

que tienes abajo a la derecha, en la barra del menu inferior y en la tecla Escape (ESC)
para volver a la página y al tamaño original. Igualmente, tienes la posibilidad de
descargarte esta presentación para verla sin necesidad de internet. Clica abajo en ver
solución
3. Un mundo de texturas a tu alcance

Collage con ensamblaje de objetos realizado con la aplicacion online SeaSaws que verás en el apartado 3.3

Todas las obras artísticas presentan ciertas características visuales y, muchas veces, táctiles.
Por regla general, las pinturas y dibujos se conciben para un hipotético espectador visual por
lo que la textura solo es un atributo de la forma que sólo se pueden apreciar a simple vista
pero en escultura, la textura se puede, por lo general, tocar. Evidentemente no en museos o
cuando hablamos de obras de arte famosas protegidas por distintos dispositivos para
salvaguardar su integridad física. DE esto se hablará más adelante, en el apartado dedicado
a la función de la textura en la escultura.
Las distintas técnicas artísticas configuran un amplio catálogo de texturas enriquecidas por
los muchos materiales, procedimientos y utensilios de los que puede disponer el artista que,
además, le da su impronta o sello particular, en el sentido que podemos en pintura hablar de
un "estilo" de pinceladas muy distintas en un Van Gogh o en un Cezanne, por poner dos
ejemplos ilustrativos. En determinadas expresiones artísticas como el Informalismo o el Arte
Povera, la textura es el elemento mas significativo, pero de esto también se hablará en otro
subapartado de este tema.
Igualmente en el campo de la edición y el arte digital, las texturas cobran gran importancia,
siendo un recurso gráfico muy utilizado en publicidad, ilustración, cómic, animación digital,
etc. Podrás experimentar con las texturas digitales en el subapartado "Experimenta con
Gimp:las texturas".

Llamamos textura a la apariencia matérica que se obtiene al aplicar sobre un soporte

(físico o digital) diferentes técnicas gráficas o artísticas. La realización e invención de
nuevas texturas ayuda al desarrollo de la imaginación y la creatividad, a la vez que se
enriquece la obra con calidades matéricas. De hecho, en el campo de las tecnologías
digitales de dibujo y animación las texturas gráficas tienen una especial importancia
para modelar superficies e imitar casi cualquier textura o superficie real, siendo casi
imposible distinguir en algunas películas los objetos o personajes reales de los
sintetizados digitalmente, como tendrás ocasión de comprobar.
3.1. En el dibujo y la pintura

Como ya antes se ha mencionado, cada técnica pictórica en particular tiene su propia textura
o apariencia visual. Identificamos fácilmente una pintura al óleo de una acuarela o un pastel
de los rotuladores a color, por poner un ejemplo. Estas texturas se ven a su vez enriquecidas
por dos casuísticas más: la forma o estilo mediante el cual el artista hace uso de cada una
de las técnicas, las herramientas (pinceles, lápices, plumillas, etc.) y por otro, los soportes
empleados para cada una de ellas que van desde un pequeño papel hasta gigantescas
bóvedas de iglesias y palacios, como la famosa Capilla Sixtina decorada "al fresco" por
Miguel Angel y otros conocidos artistas del Renacimiento italiano como Boticelli. Por cierto,
pincha aquí si quieres hacer una alucinante visita virtual en 360º, aunque no te
entretengas demasiado porque debes echar un vistazo a esta presentación sobre las
texturas:

Por poner un ejemplo gráfico, con la acuarela se obtiene efectos bien diferentes según el
papel utilizado sea más o menos rugoso o tenga más o menos gramaje. De hecho, hay
artistas que trabajan fundamentalmente con texturas: son los llamados "matéricos"
abstractos como Manuel Millares, Lucio Muñoz o Antoni Tápies. En el espectacular
Museo de Arte Abstracto de Cuenca encontrarás una amplia representación de estos y
otros pintores españoles, muchos de ellos pertenecientes al llamado Grupo El Paso. Estos
artistas buscan la expresividad a través del valor simbólico y material de las texturas, siendo
muchos de ellos los que incorporan a sus obras objetos de diversa procedencia: telas,
alambres, cuerdas, fragmentos de madera, etc.
El estudio pormenorizado de los soportes (tipos, preparación, etc.) será estudiado en el
segundo curso de esta asignatura, así como una mayor profundización acerca del uso e
importancia de las texturas en el arte contemporáneo, aunque en "saber más" podrás ver un
anticipo.
Repasemos ahora las distintas técnicas tradicionales de dibujo y pintura. Muchas ya las
trabajaste en las anteriores unidades, al estudiar las técnicas húmedas y secas :
acuarelas, témperas, tintas, lápices, sanguinas, carboncillos, tintas chinas, acrílicos, óleos,
etc. Muchas de estas técnicas son perfectamente combinables obteniendo uan gran riqueza
de texturas gráficas. También en el tema anterior ya conociste algunas de ellas, como el
esgrafiado. Te vamos a proponer experimentar nuevas texturas gráficas con distintas
técnicas de expresión artísticas. Los enlaces te llevarán a varios videotutoriales de
Educathyssen que explican paso a paso todo el proceso a seguir:
Collage con texturas
Tinta china con témpera (falso grabado)
Pintura acrílica

Aunque de momento no lleguemos a pedirte trabajar con las técnicas antes descritas,
deberías por tu cuenta experimentar con ellas, descubrir nuevas texturas y posibilidades
expresivas con las que enriquecer artística y técnicamente tus dibujos y pinturas.A veces
incluso, los pequeños accidentes o errores dan lugar a interesantes hallazgos plásticos.
Picasso solía decir que el "genio" era un 10% inspiración y un 90% transpiración. Lo
que nos quiso decir sencillamente el universal artista malagueño es que hay que
trabajar mucho para que la inspiración suceda y tenga lugar.

Con respecto al estilo, ya se habló de la "textura" que cada artista imprime a su obra
mediante la cual reconocemos su estilo y su forma de pintar. Vamos a hacer una prueba
tipo test donde tienes que averiguar entre tres posibles artistas a quien corresponden
los detalles ampliados de las pinceladas que se muestran. Al final aparecerán
reproducidas las obras correspondientes a dichos detalles, extraídos mediante capturas
de pantallas de Google Art Project, un espectacular portal de arte más que
recomendable de visitar, con reproducciones de obras de algunos de los más importantes
museos del mundo y con una calidad de detalle excepcional. Tienes un enlace
permanente en la barra lateral del aula, en la sección Museos. Si aún no lo conoces te
va a encantar, pero no te entretengas ahora mucho en la visita, que tienes "tarea" por
aquí...

Por su pincelada les conocerás

Vamos a experimentar con PsykoPaint una impresionante aplicación online,
mediante la cual vamos a pintar literalmente sobre cualquier fotografía que será
nuestra "víctima", para darle la apariencia de verdaderos cuadros mediante una serie
de pinceles, paletas, filtros y texturas. Puedes pintar a mano alzada creando los
trazos definidos en cada “pincelada”. De esta forma, hay infinitas posibilidades para
cada fotografía, con resultados que pueden llegar a ser sorprendentes. Este vídeo
puede darte una idea de lo que puedes hacer con esta aplicación web. El resto
depende de tí, elige una imagen que te proporciona de ejemplo o sube una de tus
fotografías personales y prueba, te va a encantar, una vez que empiezas ya no puedes
parar, psykopaint es adictivo...
Es interesante que te registres ( de todas formas, es gratis) para poder descargarte y
compartir tus creaciones en alta calidad, así como publicar en la galería de PsykoPaint o
disponer de un perfil de usuario. Clicando en "ver solución" tienes un práctico tutorial:
"Van Gogh en 5 minutos".

El Arte Povera, corriente artística originada en Italia a principio de los 60, se basa
en el uso de materiales "pobres" (cartón, desechos de la basura, cristales, piedras,
papeles, ropas, etc.) en oposición a otras corrientes que utilizan materiales más
"dignos" o "apropiados" para el arte contemporáneo. En este vídeo puedes apreciar
algunas obras características pertenecientes a esta tendencia.
3.2. En la escultura

La función de las texturas en la escultura se tratan en profundidad en la asignatura de

Volumen. Si cursas esta materia, recordarás que fue un tema estudiado largo y tendido en
la Unidad 1. Si no la cursas, en este apartado se darán algunas nociones básicas relativas al
empleo de las texturas en la escultura a través de sus técnicas y materiales. Echa un vistazo
a esta presentación que traza un recorrido por la historia d e la escultura.

Por razones obvias, podrás entender que la textura en la escultura es un detalle importante.
Cada técnica requiere de unos materiales y herramientas que configuran la textura final de
la obra, siendo el artista quien -al igual que ocurre en la pintura- le da su "toque" personal y
reconocible, o lo que lo mismo, su "estilo". Una escultura de Giacometti tiene una textura
radicalmente distinta a otra de por ejemplo, Cánova, tanto en la técnica como en los
procedimientos empleados. Una escultura de barro tendrá una textura diferente a otra de
hierro, de mármol o de bronce. Por regla general, las texturas están suspeditadas a la forma
y al "motivo". Dicho de otra manera, si contemplamos el impresionante Moisés de Miguel
Ángel, atendemos más a la mole del "personaje" que al mármol con el que está esculpido.
Sin embargo, otros artistas como Rodín o Brancusi empezaron a "reivindicar" el
protagonismo de la textura en sus obras, en el sentido que ésta tiene un papel visual y
plástico importante, como podrás observar en los ejemplos propuestos.

La lástima es que en muchas ocasiones, como dijimos antes, las esculturas expuestas en
museos y galerías rara vez pueden tocarse para evitar su previsible deterioro motivado por
los cientos de miles de visitas.Afortunadamente, muchas esculturas y monumentos que se
conciben para su exposición pública en plazas, parques y jardines pueden tocarse con total
libertad, especialmente para los pequeños que disfrutan colándose en sus huecos o
subiéndose a ellas para jugar, acercándose de forma lúdica al arte contemporáneo.
 Escultura de Botero en Barcelona / de Lalupa bajo creative commons

Cuando te topes con una de estas esculturas en las calles o plazas de tu ciudad o localidad,
tómate unos minutos en tocarla, analizar el material con el que está hecha, sentir su textura
a lo largo de sus superficies, experimentar las sensaciones táctiles que te transmite al cerrar
los ojos: aspereza, dureza, suavidad, aristas, formas curvas, etc. Intenta imaginar esa
misma obra realizada con otra técnica o con otros materiales.
Con la llegada de los nuevos materiales (cemento, acero cortén, fibra de vidrio, poliéster,
laminados, metacrilato, PVC,...) muchos escultores contemporáneos los han adaptado y
utilizado en sus proyectos y obras, ampliando el espectro de las técnicas tradicionales
escultóricas como el modelado, la talla o la fundición. Por otro lado, el ensamblaje o reciclaje
de objetos permite al artista experimentar con ellos y crear nuevas formas escultóricas,
como ya hiciera Picasso en algunas de sus pioneras esculturas de objetos ensamblados
fundidas en bronce.

Arte y reciclaje
Mira el siguiente videoreportaje sobre una exposición colectiva itinerante de artista
cubanos donde la materia prima de partida son viejos figoríficos o "refrigeradores"
que cada artista ha "tuneado" segun su estilo e intencionalidad plástica. Observa la
creatividad y riqueza de soluciones, así como la variedad de texturas utilizadas en
cada una de las obras expuestas. ¿ Estaría bien tener en casa una "nevera" tan
artística, verdad ? Ya sabes, no tires tu viejo frigorífico, puede tener una segunda
 oportunidad como obra de arte.

También en la línea de "segundas oportunidades" y de reciclar objetos -en este caso los
que podemos encontrar paseando por la orilla de la playa- trabaja la pareja de artistas
de este vídeoreportaje . Recuerda: tapones, boyas, restos de juguetes, plásticos...todo
desecho puede tener su "minuto de gloria" y llegar a formar parte de una obra de arte,
es cuestión de verlos con ojos artísticos y no como desechos.
3.3. Las texturas digitales: diseño y animación

En el campo de las tecnologías digitales de dibujo y animación las texturas gráficas tienen
una especial importancia, solo tienes que echar un vistazo a la cartelera cinematográfica
para comprobar el grado de virtuosismo alcanzado especialmente con la llegada del 3D,
tanto en las películas infantiles como otros géneros, con sonados éxitos de taquilla como
"Avatar". El grado de realismo de muchas texturas es tal que a veces es prácticamente
imposible distinguir lo que es real de lo que es un producto digital, incluso podemos
confundir si un actor en la pantalla es real o meramente "digital". A ello ha contribuido el
gran avance que han experimentado en el campo de las texturas y la animación los
programas de edición gráfica. Como botón de muestra, puedes echar un vistazo a un
interesante audiovisual de Alex Roman, un joven realizador español que ha construido el
siguiente cortometraje de forma "casera" y donde todo lo que ves, en un 90 % es digital,
aunque cueste creerlo por el grado de realismo de las texturas que muestran las imágenes.
Es más que recomendable que lo veas a pantalla completa clicando el icono que está entre
"HD" y Vimeo. En el enlace de más abajo puedes ver el "making of" de su laborioso proceso
de ejecución.

¿Quieres ver cómo lo hizo? Pincha aquí

En este curso, como te anticipábamos con el vídeo de la historia inicial, nos hemos
centrado solo en experimentar las texturas digitales desde un punto de vista artístico, es
decir, la forma en que podemos utilizar algunos programas de edición gráfica para
familiarizarnos con sorprendentes filtros y efectos con los que modificar artísticamente la
apariencia y textura de nuestros dibujos y fotografías. En el siguiente apartado
"Experimenta con Gimp" podrás comprobarlo mediante una práctica guiada.

¿Recuerdas el collage del barco que encabezaba un apartado anterior? Te vamos a

proponer experimentar el collage con texturas mediante Sea- Saws, una aplicación
online interativa de NGA Kids que te puede permitir generar curiosos y originales
collages a partir del "reciclaje" y ensamblaje de distintos objetos como los que te
puedes encontrar en la orilla de la playa: conchas, maderas, fragmentos de plástico,
cristales, tapones, etc. Para hacertelo más fácil, mira este videotutorial
 Nota: es posible que para abrir SEA-SAWS, la aplicación te solicite instalar un plugging de Adobe.

Blender es un potente programa profesional de animación digital y además, es

software libre. Con él se pueden sintetizar infinidad de texturas digitales que imitan
casi cualquier superficie real. Las posibilidades de Blender son inmensas: sus
herramientas permiten crear objetos, esculpirlos, iluminarlos, pintarlos con texturas y
animarlos en escenas complejas. En el segundo curso (en Dibujo Artístico y en
Diseño) tal vez veamos algo ya que es un programa complejo que requiere ciertos
conocimientos técnicos en el campo de la animación digital en 3D y por desgracia, no
se dispone de mucha información en español pero sus resultados son espectaculares,
como puedes comprobar en la calidad gráfica de este cortometraje de animación
(recomendable verlo a pantalla completa), uno de las primeros realizados en código
abierto (Open Source, en inglés) enteramente con este software libre: Elephants
Dream
Si te interesa más información sobre descargas y tutoriales de Blender, clica aquí.
3.4. Experimenta con Gimp: texturas

Bueno, pues manos a la obra. Vamos a manipular una imagen fotográfica con GIMP
aplicándole distintos efectos y filtros artísticos . En temas y tareas anteriores ya tuviste que
lidiar con los filtros. En esta ocasión exploraremos con mayor detenimiento sus muchas
posibilidades. Nos vamos a ir a Flickr para descargarnos la siguiente imagen con licencia
creative commons. Clica en descargar tamaño grande y guardala al tamaño especificado
(1024 x 652) en tu ordenador. Luego seguimos.

Fotografía de francesco sgroi en Flickr bajo licencia cc

Los filtros de GIMP están diseñados para mejorar una imagen a priori sosa o sin un interés
especial, para disimular los defectos que pueda tener o para crear una imagen totalmente
diferente y original. Pueden hacer otras muchas cosas con una imagen: distorsionarla,
conseguir efectos tridimensionales, fantásticos o de pintura que son los que mayormente nos
interesan en esta ocasión. Las posibilidades son prácticamente ilimitadas.
La raíz de los filtros proviene de la fotografía convencional donde añadíamos una serie de
filtros (un cristal puesto delante del objetivo de nuestra cámara) para modificar las
características de la luz que llegaba a nuestro soporte sensible, ya sabes, el papel
fotográfico. Las posibilidades de los filtros digitales son muchísimo mayores porque podemos
aplicar un filtro una y otra vez y, sobre todo, hacerlo una vez que tenemos la fotografía
realizada y si no nos convence, deshacemos el filtro y probamos con otro o combinamos
varios. Es lo realmente interesante, su reversibilidad. El límite lo pones tú.

Para poder aplicar un filtro, primero debemos tener activa una imagen y realizar una
selección, en caso de que queramos aplicar el filtro solo sobre esa parte de la imagen o
en su defecto, sobre la imagen completa. Y recuerda que cuando trabajamos con capas,
no podemos aplicar un filtro a más de una capa a la vez. La mayor parte de los filtros de
GIMP sólo pueden aplicarse a imágenes RGB, aunque ya sabes por lo estudiado
anteriormente que podemos pasar cualquier imagen que esté en otro modo de color al
modo RGB
Primeramente vas a familiarizarte con la tipología y familia de filtros que te puedes
encontrar en GIMP. Echa un vistazo a la siguiente captura de pantalla, cortesía de Pedro
Godino:

Si te fijas, hay tres "familias" de filtros que se han marcado en tres colores distintivos:
distorsiones (magenta), artísticos (verde) y canal alfa (azul). Aunque eres libre de
experimentar con cualquiera de ellos, en esta ocasión nos centraremos en los filtros
artísticos y en concreto, en el primero de la "familia verde" (ocasiones habrá de
experimentar con los demás) que a su vez nos ofrece un amplio abanico de posibilidades
(lienzo, brillo, cubismo, gimpresionista, etc.) como puedes observar en la siguiente captura:
Bien, una vez localizados e identificados los filtros (es posible que, según la versión de Gimp
que tengas instalada, éstos pueden tener un nombre ligeramente diferente) ya va siendo
hora de empezar a practicar con ellos. En la siguiente presentación verás los cambios de
textura que experimenta la imagen al aplicarle los distintos filtros artísticos. Para no
complicar las cosas, aplicaremos el filtro a la imagen completa.

Práctica guiada
Abre GIMP y busca en tu ordenador la imagen que te hemos propuesto más arriba. En
la siguiente presentación veras el efecto producido en la imagen por algunos de los
filtros artísticos. Para orientarte se ha intentado incluir una captura a la izquierda con
los ajustes realizados. Puedes hacer la práctica guiada tal cual o introducir otros
valores y experimentar. Especial atención se ha prestado al paquete de efectos
incluidos en el filtro GIMpresionista, con el cual se han realizado solo algunas
variantes de las muchas posibilidades y combinaciones que ofrece. Igualmente, se
recomienda ver a pantalla completa.
Al igual que las anteriores presentaciones, también puedes descargártela en Power Point
en tu ordenador desde slideshare.