El arte abstracto es el contrario del figurativo (es

decir, la representación de objetos identificables

mediante imágenes reconocibles). Por tanto la
abstracción no representa «cosas» concretas de la
naturaleza sino que propone una nueva realidad.
Propone un «arte puro» mirando más allá de nuestra
realidad.

Si bien desde el primer arte elaborado por el ser

humano ya tenemos ejemplo de abstracción (desde
las cuevas prehistóricas hasta las decoraciones en
iglesias románicas), es oficialmente Kandinsky el
primero en teorizar sobre esto (aparte tenemos a los
neoplasticistas o a los suprematistas, y un poco antes
figuras aisladas como la de Hilma af Klint).

El arte abstracto existe independientemente de la

realidad, la aleja. El arte abstracto no representa nada
en realidad, pero como eso es imposible (¡hasta un
lienzo en blanco representa algo!) los artistas
abstractos tiraron (tiran) por dos vertientes
diferenciadas:

Por un lado al arte abstracto expresivo: subjetivo y

espontáneo, improvisado a veces, donde el
protagonismo es de la expresividad del artista, que
prescinde de estructura y se vuelca en el gesto, el
material y el sentimiento que provoca la obra. Es por
tanto altamente ambigüo e interpretable.
Por otro está el arte abstracto geométrico: que
pretende ser objetivo y universal, planificado, en la
que la composición es estructurada y que evita toda
expresividad mediante el uso de la geometría. Suele
defender una factura impersonal y pretende evocar
claridad y precisión.
Una cosa se me hizo manifiesta: que la objetividad, la
descripción del objeto, no era necesaria en mis
pinturas y queHistoria
Siglo xix
Véanse también: Romanticismo, Impresionismo,
Postimpresionismo y Expresionismo.
Nocturno en negro y oro: el cohete que cae (1874),
Detroit Institute of Arts.
Las primeras innovaciones en el planteamiento
artístico se atribuyen a artistas como James McNeill
Whistler quien, en su pintura Nocturne in Black and
Gold: The falling Rocket, («Nocturno en negro y oro:
el cohete que cae», 1872), puso más énfasis en la
maravilla visual que en la representación de los
objetos.5 Asimismo, un interés objetivo en lo que se
ve aparece en cuadros de John Constable, J. M. W.
Turner,6 Camille Corot y la mayoría de los pintores de
plen air de la escuela de Barbizon.7

Siglo xx

Hilma af Klint, El Cisne, 1915.

Véanse también: Pintura contemporánea, Fovismo y
Cubismo.
Paul Cézanne había comenzado como impresionista
pero su reconstrucción lógica de la realidad desde
diferentes puntos espaciales,8 usando el color para
crear módulos y planos,9 se convirtió en la base de un
nuevo arte visual que más tarde desarrolló el cubismo
de Georges Braque y Pablo Picasso.

Los pintores expresionistas exploraron el uso grosero

de la superficie pictórica, dibujando distorsiones,
exageraciones y color intenso. Los expresionistas
produjeron pinturas cargadas emocionalmente que
eran reacciones y percepciones de la experiencia
contemporánea; y reacciones al impresionismo y
otras direcciones más conservadoras de la pintura de
finales del xix. Aunque artistas como Edvard Munch y
James Ensor se vieron influidos principalmente por la
obra de los postimpresionistas fueron decisivos para
el advenimiento de la abstracción en el siglo xx con
obras como El grito y La entrada de Cristo a
Bruselas.10
El posimpresionismo tal como lo practicaron Paul
Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh y Paul
Cézanne tuvo un enorme impacto en el [[arte del siglo
xx]] y llevó al advenimiento de la abstracción del siglo
xx. La herencia de pintores como Van Gogh, Cézanne,
Gauguin y Seurat fue esencial para el desarrollo del
arte moderno. A comienzos del siglo xx, Henri Matisse
y otros jóvenes artistas incluyendo a los precubistas
Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice
de Vlaminck revolucionaron el mundo artístico de
París con pinturas de paisajes y figuras «salvajes», de
mucho colorido y expresivos, que los críticos llamaron
fovismo. El crudo lenguaje de color tal como lo
desarrollaron los fauves11 directamente influyeron a
otro pionero de la abstracción Vasili Kandinski.

Aunque el cubismo al final depende del tema

representado fue junto con el fovismo el movimiento
artístico que directamente abrió la puerta a la
abstracción en el siglo xx. Pablo Picasso hizo sus
primeras obras cubistas basándose en la idea de
Cézanne de que toda representación de la naturaleza
puede reducirse a tres sólidos: cubo, esfera y cono.
Con la pintura Las señoritas de Aviñón, de 1907,
Picasso creó dramáticamente un cuadro nuevo y
radical representando un burdel primitivo y crudo con
cinco prostitutas, mujeres violentamente pintadas,
que recordaban máscaras tribales africanas y sus
nuevas creaciones cubistas. El cubismo analítico fue
desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y
Georges Braque, desde alrededor de 1908 hasta 1912.
El cubismo analítico, la primera manifestación clara
del cubismo, fue seguido por el cubismo sintético,
practicado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan
Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp e innumerables
artistas hacia los años veinte. El cubismo sintético se
caracteriza por la introducción de diferentes texturas,
superficies, elementos de collage, papier collé y gran
variedad de objetos diversos unidos. Los artistas de
collage como Kurt Schwitters y Man Ray y otros
influidos por el cubismo fueron decisivos para el
desarrollo del movimiento llamado dadaísmo.
Desde principios de siglo las conexiones culturales
entre artistas de las principales ciudades europeas y
norteamericanas se habían vuelto extremadamente
activos conforme se esforzaron por crear una forma
de arte que igualara las altas aspiraciones del
modernismo. Las ideas fueron capaces de influirse
mutuamente a través de libros de artistas,
exposiciones y manifiestos de manera que muchas
fuentes estaban abiertas a la experimentación y
formaron la base de la diversidad de modos de
abstracción. El siguiente extracto, de The World
Backwards, proporciona alguna impresión de las
interconexiones de la cultura de la época:

El conocimiento de David Burliuk de los movimientos

de arte moderno debió ser extremadamente
actualizados, pues la segunda exposición del
movimiento Sota de Diamantes, celebrada en enero
de 1912 (en Moscú) incluyó no sólo pinturas enviadas
desde Múnich, sino algunos miembros del grupo
alemán Die Brücke, mientras que de París vinieron
obras de Robert Delaunay, Henri Matisse y Fernand
Léger, así como de Picasso. Durante la primavera
David Burliuk impartió dos conferencias sobre el
cubismo y planeó una publicación polémica, que Sota
de Diamantes iba a financiar. Fue al extranjero en
mayo y regresó determinado a rivalizar con el
almanaque Der Blaue Reiter que había emergido de
los impresores mientras el estaba en Alemania. en
realidad les perjudicaba…
1. Vasili Kandinsky, 1866 – 1944
Se cree que este artista ruso fue el impulsor del arte
abstracto. Kandinsky tuvo una vida muy interesante:
nació en Moscú, creció en Odessa, donde estudió
arte, y más tarde regresó a Moscú para asistir a la
universidad. Después, justo antes de la Revolución
Rusa, se trasladó a Múnich. En Alemania, fue testigo
del ascenso de los nazis al poder antes de trasladarse
a Francia en 1933, donde vivió el resto de su vida. Sus
obras, de diferentes estilos artísticos, invitan a la
reflexión. Algunos de sus cuadros más famosos son
Círculos en el círculo (1923) en el Museo de Arte de
Filadelfia, Amarillo, rojo y azul (1925) en el Centro
Pompidou de París y Composición VII (1913) en
Galería Estatal Tretiakov de Moscú.

2. Jackson Pollock, 1912-1956

Jackson Pollock, pintor expresionista abstracto
americano, es mundialmente conocido por sus
coloridas obras realizadas con la técnica de dripping,
en la que se deja “gotear” la pintura sobre el lienzo. El
artista fue portada de la revista Life y exhibió sus
obras en la Bienal de Venecia en 1948. Algunas de sus
pinturas más reconocidas son Mural (1943), que
Peggy Guggenheim encargó para su casa de Nueva
York; La Loba (1943), que se exhibe en el MoMA; y
No. 5, que se vendió al precio récord de 140 millones
de dólares durante una subasta en el 2006.

3. Piet Mondrian, 1872-1944

Este artista holandés es conocido por su estilo
neoplasticista. Su forma de expresarse a través del
uso de colores primarios y formas geométricas es tan
extraordinario que Yves Saint Laurent diseñó vestidos
inspirados en su trabajo. Dos de sus obras más
reconocidas, Broadway Boogie-Woogie (1942-1943) y
Composition in Planes (1914) se exhiben en el MoMA,
y muchas de sus pinturas se encuentran repartidas
por el mundo
4. Agnes Martin, 1912 – 2004
Agnes Martin, pintora minimalista abstracta, pasó la
mayor parte de su vida adulta en Taos, Nuevo México.
Sus delicadas obras, a menudo representan
cuadrículas y formas geométricas que pueden
provocar una sensación de calma en el espectador.
Entre sus obras más destacadas cabe mencionar
Untitled (1992) en el Guggenheim de Nueva York,
Harbour 1 (1957) en el MoMA y Happy Holiday (1999)
en la Tate Modern.

Características del Arte Abstracto

Renuncia a la imitación de la naturaleza, es decir, al

figurativismo.
Los elementos plásticos son los protagonistas: la línea,
el punto, el color, el plano, la geometría, el material y
la composición.
El artista utiliza los colores, las figuras, las líneas y las
formas como quiera, para escapar de la realidad
conocida.
El espectador admira la obra desde un punto de vista
más intuitivo y estético.
El Arte Abstracto permite que los pensamientos y
nociones más difusas se expresen en las obras.
Tipos de Arte Abstracto
Existen dos tipos de Arte Abstracto: la abstracción
lírica y la abstracción geométrica. Esta división surgió
tras el impulso final del expresionismo y el fauvismo,
por un lado, y la vanguardia cubista por el otro lado.
Cada uno de estos tipos de Arte Abstracto, a su vez,
tienen movimientos que se agrupan de acuerdo al
tipo de abstracción que practican.

Año
En tanto corriente, el origen del arte abstracto suele
fijarse en el año 1910 con la aparición de la obra
Primera acuarela abstracta del pintor ruso Vasili
Kandinsky o Kandinski.