TEMA 20: LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS

Fauvismo (H. Matisse). Cubismo (J. Gris). Futurismo (U. Boccioni).

Expresionismo (E. Munch). Los inicios de la abstracción (Kandinsky).
Dadá y Surrealismo (R. Magritte).

I. FAUVISMO
Movimiento pictórico francés de escasa duración (entre 1904 y 1908, aproximadamente) que
revolucionó el concepto del color en el arte contemporáneo. El término fauves, literalmente “fieras”,
fue una etiqueta peyorativa aplicada por la crítica con motivo de la primera exposición, en el Salón de
Otoño de 1905, aunque los miembros del grupo ya pintaban en ese estilo con anterioridad a esta
fecha.
Los fauvistas rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas en
favor de los colores violentos y del objeto, introducidos por los postimpresionistas, para crear un
mayor énfasis expresivo. Alcanzaron una intensa fuerza poética gracias al fuerte colorido y al dibujo
de trazo muy marcado, desprovisto de dramatismo lumínico.
Así el color vuelve a ser el ingrediente fundamental, llegándose a aplicar la pasta directamente
del tubo. Se inclina por la mancha plana y ancha. El color se independiza del objeto. La línea
recupera su energía con trazos gruesos y nítidos. La luz suele desaparecer y con ella la profundidad;
las composiciones propenden al plano único. Los temas son los mismos del Impresionismo.
Cada pintor fauvista experimentó con las premisas del estilo a su modo. Destacaron autores
como André Derain (El puente de Westminster); Raoul Dufy (Carteles en Trouville); Maurice de
Vlaminck es el autor de paisajes dramáticos, inspirados en Van Gogh (Paisaje con árboles rojos);
Rouault destaca la línea, sus formas patéticas derivan hacia el expresionismo.
Hacia 1908, no obstante, todos habían abandonado su vinculación al grupo, aunque
mantuvieron en su obra la constante del colorido como elemento expresivo de la pintura.
Henri Matisse: (1869-1954)
Líder del grupo será el que se mantenga más fiel a los principios fauvistas. Busca la solidez,
propugna la obra como creación de la mente. Señalar sus obras Retrato de Madame Matisse, El
mantel, armonía en rojo, La danza.
En 1892 abandonó su carrera de abogado y fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de la
capital francesa. Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica y conservadora, por
lo que su primer estilo consistía en una forma convencional de naturalismo.
La verdadera liberación artística de Matisse, en términos del uso del color como configurador
de formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Paul Gauguin, Paul Cézanne y Vincent
van Gogh. Más tarde, entre 1903 y 1904, Matisse se enfrentó a la pintura puntillista de Henri Edmond
Cross y Paul Signac. Matisse adoptó esta técnica pero la modificó aplicando pinceladas más amplias.
Hacia 1905 había producido unas imágenes cuya audacia cromática rompía con todo lo anterior.
Entre estas obras destaca Raya verde (Madame Matisse), un retrato con notas expresionistas de su
mujer. Ese mismo año Matisse expuso junto a pintores de la misma tendencia como André Derain y
Maurice de Vlaminck. Como consecuencia de esta exposición, el grupo es bautizado como les fauves
(literalmente 'las bestias salvajes') por su uso estridente del color, distorsión de las formas y su
sentido expresionista en la captación de emociones.
A medida que fue considerado como el cabecilla del radicalismo artístico, Matisse se ganó la
aprobación de la crítica influyente y de los coleccionistas. Entre los encargos más importantes que
recibió se encuentra el del coleccionista ruso que le pidió unos paneles murales ilustrando temas de
danza y música: La Música y La Danza. Sus figuras de bailarines, y, en general, todas sus figuras
humanas, responden, en primer lugar, a la expresividad de la forma, y sólo secundariamente a los
detalles anatómicos. Matisse, junto al contenido intelectual, siempre destacó la importancia del
instinto y la intuición en su producción artística.

II. CUBISMO
Movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo objetivo principal era el de
alejarse de la representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie

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del cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos. Desarrollado principalmente por Georges Braque
(1882-1963) y Pablo Picasso (1881-1973) hacia 1907, alcanzó su apogeo alrededor de 1914 y
continuó evolucionando durante la década de 1920. Al rechazar la representación realista seguida
desde el renacimiento, el cubismo significó un cambio crucial en la historia del arte, convirtiéndose en
el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística. Fue una revolución contra el realismo de la
pintura tradicional, la importancia que se daba al efecto de la luz y el color y la ausencia de formas del
impresionismo. Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía a la línea y la
forma.
Su fuente inspiradora más directa es la obra de Paul Cézanne. La expresión más frecuente
dentro del cubismo presenta un enfoque analítico y abstracto del tema; el artista determina y pinta las
formas geométricas básicas que componen el objeto, sobre todo el cubo o el cono, o los planos
básicos que revelan las formas geométricas subyacentes. Los interiores se representan mediante
transparencias, la luz desaparece definitivamente y la exaltación del plano es más intensa.
Se pueden distinguir dos fases, en ninguna de las dos se pretende reproducir en detalle el
aspecto real de los objetos:
El cubismo analítico: Los temas se reducen a figuras estáticas y bodegones, los colores son
apagados y la paleta muy restringida (grises, marrones, verdes y amarillos, o recurrió a obras
pintadas en diferentes tonalidades de un mismo color), una maraña de líneas hacia difícil reconocer
las figuras representadas.
El cubismo sintético: Presenta un objeto desde diferentes ángulos, imposibles de ver
simultáneamente en realidad, unificados en una estructura compositiva. Se configura a base de
grandes planos de color uniforme y contornos geométricos precisos, se introducen colores más
brillantes. Es frecuente encontrar papeles pegados y otros objetos combinados con la pintura
propiamente dicha.
Además de Pablo Picasso y Georges Braque (Naturaleza muerta con naipes), otros pintores
cubistas importantes fueron: Albert Gleizes, Robert Delaunay, Fernand Léger (La escalera), Marcel
Duchamp (Desnudo bajando una escalera, nº 2).
En escultura el ideal cubista tuvo bastantes seguidores, aunque la mayoría pasaron por el estilo
a modo de ensayo episódico. Entre los más destacados están Picasso, Duchamp-Villon, Lipchitz;
Brancusi (1876-1957) (La musa dormida, Pajaro en el espacio); y Archipenko (1887-1964) (Pierrot
Carrusel, Mujer peinándose).
Juan Gris: (1887-1927)
Pintor español desarrolló su actividad principalmente en París. Está considerado como uno de
los maestros del cubismo, estilo que cultivó de una manera muy personal, combinando elementos
aprehendidos de Georges Braque y Pablo Picasso junto con otros propios e individuales.
Nació en Madrid y estudió durante dos años en la Escuela de Artes y Oficios. Cansado del
ambiente madrileño, en 1906 decidió trasladarse a París. Allí tuvo oportunidad de conocer a Picasso,
Apollinaire, Max Jacob y Braque, entre otros. Hasta 1911 no pudo dedicarse plenamente a la pintura.
Las obras realizadas en esta época plantean el problema de la incidencia de la luz sobre los objetos
(Naturaleza muerta).
A principios de 1912, empezó a incorporar elementos cubistas a sus cuadros, como la
utilización de fondos fragmentados y la multiplicidad de puntos de vista. En 1915 pasó el verano con
Picasso, periodo en el que empezó a desarrollar la técnica del papier collé (formas recortadas en
papel y pegadas al lienzo), dedicándose durante todo el año a la realización de collages.
Desde finales de 1914, particularmente en sus collages, es posible apreciar en su obra un
progresivo acercamiento hacia el cubismo sintético. Los trabajos realizados entre 1918 y 1920 se
caracterizan por la poderosa plasticidad de sus composiciones y su pureza de expresión, como se
puede observar en Arlequín con violín (1919). En contraste, el periodo entre 1921 y 1924 está
marcado por una mayor intensidad en el uso del color. Después de 1925 utilizó sobre todo el gouache
y la acuarela y realizó algunas ilustraciones para libros de poesía. Los cuadros de sus últimos años
son los mejores: representan la máxima expresión del estilo cubista, en un equilibrio perfecto entre la
espiritualidad de su contenido y su estructura compositiva.
Un ejemplo típico de su técnica de papier collé es Vasos y periódico. Parte de sus pinturas
cubistas son naturalezas muertas, entre las que se incluyen Guitarra y botella , El tablero de ajedrez y
Botella y frutero.

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III. FUTURISMO
Movimiento artístico de comienzos del siglo XX que rechazó la estética tradicional e intentó
ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el
movimiento. El poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti recopiló y publicó los principios del futurismo
en el manifiesto de 1909. Al año siguiente los artistas italianos Balla (Niña corriendo en un balcón),
Boccioni (Dinamismo de un ciclista, Formas únicas de continuidad en el espacio (escultura)), Carrà,
Russolo y Severini (Dinamismo de una bailarina) firmaron el Manifiesto técnico de la pintura futurista,
en el que insisten en el tema de la velocidad como expresión de la vorágine de la vida moderna. El
futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso
acciones consecutivas, una especie de serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en
un solo plano. El futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1914.
Umberto Boccioni (1882-1916)
Pintor, escultor y teórico italiano, fue uno de los líderes del movimiento futurista. En 1910,
escribió el Manifiesto del futurismo en el que hacía la revolucionaria propuesta de que los artistas se
liberaran del pasado y abrazaran el mundo moderno con su movimiento, su velocidad y su
dinamismo. Aunque había tenido influencia del cubismo, se abstuvo de utilizar líneas rectas y recurrió
a los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En su pintura, como puede verse en
Dinamismo de un ciclista), expresa la sensación del dinamismo presentando una secuencia de varios
movimientos al mismo tiempo. En sus obras escultóricas, que combinan madera, hierro y cristal,
Boccioni pretende ilustrar la interacción que se establece entre un objeto en movimiento y el espacio
que lo rodea. Con su obra Formas únicas de continuidad en el espacio, Boccioni intentó mostrar el
modo en que el cuerpo humano interactúa con su entorno a medida que se mueve.

IV. EXPRESIONISMO
Corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más
que la representación de la realidad objetiva. El movimiento expresionista apareció en los últimos
años del siglo XIX. El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma
más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las
emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan
con el fin de intensificar la comunicación artística. Aunque el término expresionismo no se aplicó a la
pintura hasta 1911, sus características se encuentran en el arte de casi todos los países y periodos.
Los precursores del expresionismo vanguardista aparecieron a finales del siglo XIX, en especial
Edvard Munch (El grito, Ansiedad), que utiliza colores violentos y exagera las líneas para conseguir
una expresión más intensa.
Edvard Munch (1863-1944)
Nacido en Noruega, en un ambiente infeliz y puritano, su infancia transcurrió de forma trágica,
marcada por la muerte de su madre y de su hermana víctimas de la tuberculosis, y al lado de su
padre médico, donde conoció la impotencia de los pobres ante la enfermedad. Munich comenzó a
pintar a la edad de 17 años. Una beca le permitió proseguir sus estudios durante un breve periodo de
tiempo en París, donde estudió a los antiguos maestros, a los impresionistas y experimentó una gran
atracción por la obra de Van Gogh y Gauguin.
Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un
estilo mucho más personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas
con la enfermedad y la muerte. Inició una intensa y angustiosa búsqueda ahondando en los dramas
de la psique. En sus obras se combina con una inédita eficacia un dibujo cerrado, ondulado, con un
color irreal, vivaz y forzado, pero tremendamente expresivo. Sus cuadros y obra gráfica, tristes y
angustiosas representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales, tratan de
exteriorizar el miedo y la soledad del hombre ante la muerte, abrieron el camino al desarrollo del
expresionismo.
La exposición de sus cuadros en Berlín en el año 1892 revolucionó la vida artística de la
ciudad. Munch y sus partidarios trabajaron durante toda la década de 1890 en pro del desarrollo del
arte expresionista alemán.
La tensión de estas obras alcanza su punto culminante en el cuadro titulado El grito (1893). El
hombre, situado en primer plano con la boca abierta y con las manos tapándose los oídos, aparece
representado de un modo absolutamente deforme, reducido a una apariencia ondulante en un paisaje
de pesadilla. Ésta es probablemente su obra más conocida junto con el angustioso Niño enfermo
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(1881-1886), en el que el usa un único color dominante y una atmósfera conmovedora. Pinta también
tristes y melancólicas escenas, como El puente, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros
indefinidos, o Tarde en el paseo Karl Johan (1892) donde los paseantes burgueses de Oslo han
quedado convertidos en una multitud solitaria, una procesión de “fantasmas” en la que Munch plasma
su visión profundamente pesimista de la humanidad. El reflejo de sus ansiedades sexuales puede
verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes
víctimas o como vampiresas devoradoras de vida. Tal es el caso, por ejemplo, de un cuadro titulado
La Virgen (1894-1895), en el que la dulce figura femenina de la iconografía tradicional ha sido
sustituida por el desnudo de una mujer de belleza depravada.
Los diez años siguientes desde 1898 fueron agotadores para Munch, con constantes viajes. En
1908 su estado de ansiedad alcanzó tal magnitud que hubo de ser hospitalizado. En 1909 regresó a
Noruega. La relativa tranquilidad que dominó su vida desde 1909 en adelante tiene su reflejo artístico
en los murales de la Universidad de Oslo (1910-1916) y en el vigoroso y brillante colorido de sus
paisajes, que cobran un carácter más realista y relajado pero sin la eficacia expresiva de su pintura
precedente. Aunque los últimos cuadros no son tan torturadores como sus primeros trabajos, hacia el
final de su vida el artista realizó una serie de autorretratos que marcan una vuelta a la introspección
de años anteriores, como Entre el reloj y la cama (1940), en los que se cuestiona repetidamente
sobre su propio destino.
Otros autores
El grupo expresionista más importante del siglo XX, denominado Die Brücke (El puente),
apareció en Dresde (Alemania). Tienen una técnica similar a los fauvistas en cuanto a la intensidad
de las siluetas y las masas cromáticas, pero difieren por su concepción atormentada, por la
plasmación de las angustias interires del ser humano. Destacan pintores como Kirchner (1880-1938)
(Calle de Dresde, Calle de Berlín), y Nolde (1867-1956) (Danza en torno al becerro de oro, El
juerguista).Es un arte abyecto y angustiado a un tiempo.
El otro grupo destacado es el que surge en Munich denominado Der Blaue Reiter (El jinete
azul), integrado por pintores como Marc (Los pequeños caballos azules), Paul Klee y el ruso Wassily
Kandinsky. Kandinsky (1866-1944) (La salida a Johannstrasse, Ciudad árabe) sostiene que todo arte
autentico es la expresión externa de una necesidad interior. Con su concepción de la pintura como
expresión de las emociones mediante colores, el arte pictórico se aproxima a la música. Estos autores
terminan evolucionando hacia el arte abstracto.
La siguiente fase del expresionismo surgió de la desilusión a la I Guerra Mundial. Se
caracterizó a la vez por su pesimismo existencial y por una actitud ante la sociedad sumamente
satírica y cínica. El expresionismo se había convertido en un movimiento internacional, y la influencia
de los alemanes ya se podía apreciar en los trabajos de artistas foráneos, como el pintor austriaco
Oskar Kokoschka (1886-1980), sus obras constituyen una manifestación del asco por la degradación
a la que ha llegado la humanidad (La tempestad, Mujer de azul). Otros autores destacados son
Rouault, Permeke y Modigliani.

V. LOS INICIOS DE LA ABSTRACCIÓN

La pintura abstracta surge alrededor de 1910, y sus consecuencias múltiples han hecho de ella
una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.
El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación y tiende a
sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Este lenguaje se
ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y
desembocan en la llamada abstracción lírica o informal, o bien a partir de la estructuración cubista,
que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. La obra de arte se convierte
en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza, representa simplemente combinaciones de
colores que intentan expresar, con un lenguaje sin formas, la necesidad interior.
Wassily Kandinsky (1866-1944)
Nacido en Moscú y con 30 años se trasladó a Munich para iniciarse como pintor. Aunque sus
primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, a partir de 1909, después de un viaje a
París en el que quedó profundamente impresionado por la obra de los fauvistas y de los
postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre. Murnau: la
salida a Johannstrasse (1908) y Pintura con tres manchas (1914), son dos de las obras que realizó en
Munich antes de volver a Rusia tras el comienzo de la I Guerra Mundial. Hacia 1913 comenzó a

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trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente abstractas dentro del arte
moderno: no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el lenguaje
musical, del que tomaban los títulos.
Su investigación sobre las posibilidades de la abstracción le sitúan entre los innovadores más
importantes del arte contemporáneo. Desempeñó un papel fundamental, como artista y como teórico,
en el desarrollo del arte abstracto. Llegó, entre 1910 y 1912, a una abstracción impregnada de
efusión, idealmente representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de
Munich Der Blaue Reiter, del que él mismo formaba parte. No rompe con los elementos figurativos del
expresionismo, pero dirá que “el elemento interior determina la obra de arte”, el exterior será simple
emanación instrumental. Durante este periodo realizó tanto obras abstractas como figurativas,
caracterizadas todas ellas por el brillante colorido y la complejidad del dibujo.
Después de la I Guerra Mundial sus abstracciones se volvieron cada vez más geométricas, a
medida que se alejaba del estilo fluido de su primera época para introducir trazos muy marcados y
diseños claros. Composición VIII nº 260 (1923), por ejemplo, es un armónico conjunto de líneas,
círculos, arcos y otras formas geométricas simples. En Amarillo-rojo-azul (1925) la disposición de los
colores y las formas geométricas proporciona una dimensión cósmica al cuadro, que puede ser
interpretado como la oposición entre el amarillo y el azul, símbolos en este caso del día y la noche. En
obras muy posteriores como Círculo y cuadrado (1943) su estilo se hace más elegante y complejo, y
logra, así, obras de un bellísimo equilibrio.
Otros autores
Paul Klee (Senecio) en sus clases de la Bauhaus explica como los elementos gráficos
adquieren significación por una descarga de energía dentro de la mente.
El constructivismo: Se buscan relaciones matemáticas entre las formas coloreadas. Construyen
los cuadros más abstractos de la pintura moderna con la utilización de colores primarios, dispuestos
en franjas delimitadas por líneas horizontales, verticales y posteriormente diagonales. Es patente el
influjo del cubismo. La abstracción de Mondrian (Composición con rojo, amarillo y azul) se elaboró a
partir de la retícula cubista, a la que progresivamente redujo a trazos horizontales y verticales que
encierran planos de color puro. Por su simplificación, el lenguaje del neoplasticismo, nombre que dio
a su doctrina artística, satisfacía las exigencias de universalidad del artista.
En paralelo a la abstracción constructivista se desarrolló una abstracción llamada ‘biomórfica’,
que nació a finales de la década de 1910 y retomadas por artistas como Joan Miró.

VI. DADÁ O DADAÍSMO

Movimiento que abarca todos los géneros artísticos y es la expresión de una protesta nihilista
contra la totalidad de los aspectos de la cultura occidental, en especial contra el militarismo existente
durante la I Guerra Mundial e inmediatamente después. El movimiento Dada fue fundado en 1916 por
Tzara y otros intelectuales que vivían en Zurich (Suiza). En París inspiraría más tarde el surrealismo.
Tras la I Guerra Mundial el movimiento se extendió hacia Alemania y muchos de los integrantes del
grupo de Zurich se unieron a los dadaístas franceses de París. En 1922 el grupo de París se
desintegró.
Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo
tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos
deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones
teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo de que éste
reconsiderara los valores estéticos establecidos. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de
desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los
elementos de las obras. El pintor y escritor alemán Kurt Schwitters destacó por sus collages
realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp expuso
como obras de arte productos comerciales corrientes -un secador de botellas y un urinario- a los que
denominó ready-mades. Aunque los dadaístas utilizaron técnicas revolucionarias, sus ideas contra las
normas se basaban en una profunda creencia, derivada de la tradición romántica, en la bondad
intrínseca de la humanidad cuando no ha sido corrompida por la sociedad.
Como movimiento, el Dada decayó en la década de 1920 y algunos de sus miembros se
convirtieron en figuras destacadas de otros movimientos artísticos modernos, especialmente del
surrealismo.

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VII. SURREALISMO
En pintura y escultura, el surrealismo es una de las principales tendencias del siglo XX. Surge
en torno a la figura de Breton y trata de plasmar el mundo de los sueños, de los fenómenos
soterrados por la consciencia. En el Primer manifiesto del Surrealismo (1924) Breton define el
propósito del grupo. Los recursos utilizados por los pintores presentan una cierta cohesión de
escuela: animación de lo inanimado, metamorfosis, aislamiento de fragmentos anatómicos, maquinas
fantásticas, confrontación de cosas incongruentes, perspectivas vacías, creación evocativa del caos.
La pintura surrealista es muy variada de contenidos y técnicas. Miró (1893-1983), en su etapa
de grafismos infantiles, se mueve dentro de los presupuestos de este movimiento. De Chirico (1888-
1978) será el poeta del misterio, pintor de casas inhabitadas y calles desiertas (Misterio y melancolía
de una calle, Hector y Andrómaca).
René Magritte (1898-1967)
Pintor belga, es una figura principal del movimiento surrealista. Su primera exposición individual
fue en Bruselas en 1927. Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en un estilo cercano al
surrealismo, que predominó a lo largo de su larga carrera. Diestro y meticuloso en su técnica, es
notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos comunes en contextos
poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se
denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico. Buena
muestra de su magnífico hacer es el cuadro La llave de los campos (1936), expresión francesa que
sugiere la liberación de cualquier restricción mental o física.
Aparte de elementos fantásticos, exhibía un ingenio mordaz, creando versiones surrealistas de
obras famosas, como en su lienzo Madame Récamier de David (1949, colección privada), en la que el
famoso retrato de Jacques Louis David es parodiado, al sustituir a la mujer por un elaborado ataúd.
Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas. Magritte pinta numerosas paradojas, haciendo dudar de
la estabilidad de nuestra percepción (El hijo del hombre, El falso espejo, La voz de los vientos).

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