ARTE ABSTRACTO

Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que

remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y
estructurales. La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la
imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural (mimesis); rechaza cualquier
forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.

El concepto de arte abstracto se aplica a muchas y distintas artes visuales: pintura

(pintura abstracta), escultura (escultura abstracta) y artes gráficas (artes gráficas
abstractas). Su aplicación a otras artes plásticas, como la arquitectura (arquitectura
abstracta) o a artes no plásticas (música abstracta, danza abstracta o literatura
abstracta), es menos evidente, pero existe uso bibliográfico de tales expresiones.

Se entiende por arte abstracto el que prescinde de toda figuración (espacio real,
objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se
representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva). Una obra abstracta,
entendida de forma estricta, no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí
misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

CARACTERÍSTICAS DEL ARTE ABSTRACTO

 Se aleja de la mímesis de la apariencia externa. La obra de arte abstracta existe

independientemente de la realidad.

 El grado de abstracción puede ser parcial o absoluto. En el arte abstracto puro

no existen rastros reconocibles figurativos, mientras que la abstracción parcial
conserva partes del referente a la vez modifica otras.

 Énfasis en la propia expresividad de los elementos esenciales del arte y su

organización.

 También los materiales y procedimientos adquieren significado más allá de su

aspecto técnico.

 El título de las obras puede ser explicativo y ayudar a transmitir un mensaje.

ORIGEN DEL ARTE ABSTRACTO

Siglo XIX

Tres grandes movimientos artísticos precedieron al arte abstracto: Romanticismo,

impresionismo y expresionismo.

Las primeras innovaciones en el planteamiento artístico se atribuyen a artistas como

James McNeill Whistler quien, en su pintura Nocturne in Black and Gold: The falling
Rocket, («Nocturno en negro y oro: el cohete que cae», 1872), dio más énfasis a la
sensación visual que a la representación de los objetos. Asimismo, un interés objetivo
en lo que se ve aparece en cuadros de John Constable, J M W Turner, Camille Corot y la
mayoría de los pintores de plen air de la escuela de Barbizon.

Siglo XX

Paul Cézanne había comenzado como impresionista pero su reconstrucción lógica de la

realidad desde diferentes puntos espaciales, usando el color para crear módulos y
planos, se convirtió en la base de un nuevo arte visual que más tarde desarrolló el
cubismo de Georges Braque y Pablo Picasso.

Los pintores expresionistas exploraron el uso grosero de la superficie pictórica,

dibujando distorsiones y exageraciones y color intenso. Los expresionistas produjeron
pinturas cargadas emocionalmente que eran reacciones y percepciones de la
experiencia contemporánea; y reacciones al impresionismo y otras direcciones más
conservadoras de la pintura de finales del XIX. Aunque artistas como Edvard Munch y
James Ensor se vieron influidos principalmente por la obra de los postimpresionistas
fueron decisivos para el advenimiento de la abstracción en el siglo XX con obras como
El grito y La entrada de Cristo a Bruselas.

El posimpresionismo tal como lo practicaron Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van
Gogh y Paul Cézanne tuvo un enorme impacto en el arte del siglo XX y llevó al
advenimiento de la abstracción del siglo XX. La herencia de pintores como Van Gogh,
Cézanne, Gauguin y Seurat fue esencial para el desarrollo del arte moderno. A
comienzos del siglo XX, Henri Matisse y otros jóvenes artistas incluyendo a los
precubistas Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck
revolucionaron el mundo artístico de París con pinturas de paisajes y figuras «salvajes»,
de mucho colorido y expresivos, que los críticos llamaron fauvismo. El crudo lenguaje
de color tal como lo desarrollaron los fauves directamente influyeron a otro pionero de
la abstracción Vasili Kandinski.

Aunque el cubismo al final depende del tema representado fue junto con el fauvismo el
movimiento artístico que directamente abrió la puerta a la abstracción en el siglo XX.
Pablo Picasso hizo sus primeras obras cubistas basándose en la idea de Cézanne de que
toda representación de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos: cubo, esfera y
cono. Con la pintura Las señoritas de Aviñón, de 1907, Picasso creó dramáticamente un
cuadro nuevo y radical representando un burdel primitivo y crudo con cinco prostitutas,
mujeres violentamente pintadas, que recordaban máscaras tribales africanas y sus
nuevas creaciones cubistas. El cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por
Pablo Picasso y Georges Braque, desde alrededor de 1908 hasta 1912. El cubismo
analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo
sintético, practicado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes,
Marcel Duchamp e innumerables artistas hacia los años veinte. El cubismo sintético se
caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage,
papier collé y gran variedad de objetos diversos unidos. Los artistas de collage com
Kurt Schwitters y Man Ray y otros influidos por el cubismo fueron decisivos para el
desarrollo del movimiento llamado dadaismo.

Música

Algunos acercamientos al arte abstracta tenía conexiones con la música. La música

proporciona un ejemplo de una forma de arte que usa los elementos abstractos del
sonido y las divisiones del tiempo. El mismo Vasili Kandinski, que también era músico,
fue inspirado por la posibilidad de marcas y color asociativo resonando en el alma. La
idea había sido propuesta por Charles Baudelaire, que todos nuestros sentidos
responden a diversos estímulos pero los sentidos están conectados en un nivel estético
más hondo.

Íntimamente relacionado con esto, está la idea de que el arte tiene La dimensión
espiritual y puede transcender la vida de cada día, alcanzando un plano espiritual. La
Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la India,
China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que Piet Mondrian, Vasili
Kandinski, Hilma af Klint y otros artistas trabajando hacia el «estado sin objeto» se
vieron interesados en lo oculto como una manera de crear un objeto «interior». Las
formas universales e intemporales que se encuentran en geometría: el círculo, el
cuadrado y el triángulo se convirtieron en elementos espaciales en el arte abstracto;
eran, como el color, sistemas fundamentales que estaban por debajo de la realidad
visible.

Abstracción lírica

Cronológicamente, el lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis está considerado, por sus

composiciones no figurativas fechadas en 1904, como el primer pintor abstracto. Pero la
abstracción como un estilo moderno internacional, coherente, vio sus verdaderas bases
establecidas por Vasili Kandinski. Su obra ilustra la llamada abstracción lírica. Llegó,
entre 1910 y 1912, a una abstracción impregnada de sentimiento, idealmente
representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de Múnich Der
Blaue Reiter, del que él mismo formaba parte. A partir de 1912, casi todos los artistas
europeos hicieron experimentos en esta línea.

Para el año 1911 se habían creado muchas obras experimentales que buscaban el «arte
puro». En Francia, Robert Delaunay elaboró, desde 1912, a partir de las teorías de
Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores, sus Ventanas y sus primeras
Formas circulares cósmicas abstractas, mientras que Frank Kupka exponía en el Salón
de Otoño de 1912 Amorfa, fuga de dos colores y en 1913 Planos verticales azules y
rojos. En 1913 el poeta Guillaume Apollinaire llamó orfismo a la obra de Robert y Sonia
Delaunay. Lo definió como el arte de pintar nuevas estructuras a partir de elementos
que no han sido tomados prestados de la esfera visual, sino que habían sido creados
totalmente por el artista... es arte puro.

Vanguardia rusa

En la misma época, en Rusia, Mijaíl Lariónov y Natalia Goncharova llevaron hasta la

abstracción pura su método de transcripción del fenómeno luminoso, al que
denominaron rayonismo (Luchizm). Sus dibujos usaban líneas como rayos de luz para
hacer una construcción. Muchos de los artistas abstractos en Rusia se convirtieron en
constructivistas creyendo que el arte no era ya nunca más algo remoto, sino la vida
misma. El artista debía convertirse en un técnico, aprendiendo a usar las herramientas
y materiales de producción moderna. ¡El arte a la vida! era el eslógan de Vladímir
Tatlin, y de todos los futuros constructivistas. Varvara Stepánova y Aleksandra Ekster y
otros abandonaron la pintura de caballete y pusieron sus energías en el diseño para
teatros y la obra gráfica.

Kasimir Malévich completó su primera obra enteramente abstracta, la suprematista,

Cuadrado negro en 1915. Otro miembro del grupo suprematista, liubov Popova, creó las
Construcciones Arquitectónicas y Construcciones de Fuerza Espacial entre 1916 y 1921.
Malévich, Anton Pevsner y Naum Gabo argumentaban que el arte era esencialmente
una actividad espiritual; para crear el lugar del individuo en el mundo, no para
organizar la vida en un sentido materialista y práctico. Muchos de aquellos que eran
hostiles a la idea de producción materialista del arte abandonaron Rusia. Anton Pevsner
fue a Francia, Gabo marchó primero a Berlín, luego a Inglaterra y al final a los Estados
Unidos. Vasili Kandinski estudió en Moscú luego se marchó a la Bauhaus. A mediados de
los años veinte el período revolucionario (de 1917 a 1921) cuando artistas habían sido
libres de experimentar, estaba acabado; y para los años treinta sólo estaba permitido el
arte del realismo social.

Otras abstracciones

Piet Mondrian fue evolucionando su lenguaje abstracto, de líneas horizontales y

verticales con rectángulos de color, entre 1915 y 1919, el neoplasticismo fue la estética
que Mondrian, Theo van Doesburg y otros del grupo De Stijl pretendían reformar el
medio del futuro. En Italia el futurismo, mezclado con la influencia Bauhaus, guio el
camino hacia un arte abstracto con una paleta de color distintivamente cálida como en
las obras de Manlio Rho y Mario Radice.

En el período de entreguerras (1918-1939), Theo van Doesburg, después de haber sido

uno de los principales defensores del neoplasticismo, renovó de manera decisiva el arte
abstracto al mantener que la creación artística sólo debía estar sometida a reglas
controlables y lógicas, excluyendo así cualquier subjetividad.

El manifiesto del arte concreto, que publicó en París en 1931, dio lugar a la tendencia
del mismo nombre que tuvo un gran desarrollo en Suiza con Max Bill y de Richard Paul
Lose, en Francia con François Morellet, y en todas las formas de arte sistemático
nacidas después de la guerra. Estas tendencias entraron entonces en competencia con
las diversas corrientes tachistas y gestuales (Jean Bazaine, Alfred Manessier, Pierre
Soulages y Georges Mathieu, entre otros) que el crítico Michel Tapié reagrupó bajo la
denominación de arte informal.

La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de

finales de la década de 1940 con la Action Painting (Jackson Pollock, Willem de Kooning,
Franz Kline) y con la Colour-Field Painting (Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford
Still).

Estas tendencias fueron desbancadas a partir de 1960 por la aparición del arte
minimalista, que marcó un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura
mientras que en Europa y Latinoamérica el Op Art y el arte cinético conocían sus horas
de gloria (Yaacov Agam, Jesús Soto, Carlos Cruz-Díez, Víctor Vasarely, Nicolas Schöfer
y Bridget Riley, entre otros).

El final de la década de 1960 vivió el desarrollo de una abstracción centrada en el

análisis de sus propios componentes, con los grupos BMPT y Support(s)-Surface(s) en
Francia, o bien orientada hacia los problemas de definición de la naturaleza de la
imagen con Sigmar Polke y Gerhard Richter en Alemania. Las tendencias a la vez
neoexpresionistas y neogeométricas que se pusieron de manifiesto durante la década
de 1980 mostraron un nuevo periodo de interés por la abstracción, que siguen
adoptando numerosos artistas inspirados por las más variadas motivaciones.

Pintores y artistas abstractos

 Paul Klee, (1879-1940).

 Piet Mondrian, (1872-1944).
 Theo Van Doesburg, (1883-1931)
 Mercedes Pardo, (1922-2005).
 Vladímir Tatlin, (1885.1953)
 Aleksandr Ródchenko, (1891-1956)
 Kazimir Malévich, (1878-1935)
 Frank Stella, (1936).
 Esteban Castillo, (1941).
 Georg Baselitz, (1938).
 Sigmar Polke, (1941).
 Anselm Kiefer, (1945).
 Pedro Sandoval, (1966).
 Hans Hartung, (1904-1989).
 Modesto Ciruelos, ( 1908-2002).
 Jean Fautrier, (1897-1964).
 Georges Mathieu, (1922).
 Alberto Burri, (1915).
 Antonio Saura, (1930).
 Pablo Serrano, (1908-1985).
 Luigi Veronesi, (1908-1998).
 Ad Reinhardt, (1913-1967).
 Arshile Gorky, (1904-1948).
 Franz Kline, (1910-1962).
 Jackson Pollock, (1912-1956).
 Mark Rothko, (1903-1970).
 Héctor Poleo, (1918-1989).
 Gustavo Arias Murueta, (1927).
 Juan Pablo Fernández, (1918-1986)
 Fernando de Szyszlo, (1925)