Arte abstracto

El arte abstracto es una forma de expresión artística que prescinde de toda figuración y propone una nueva realidad distinta a la
natural.1 Usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de
referencias visuales del mundo real.2 Abarca movimientos como el expresionismo abstracto, el suprematismo,3 el action
painting, De Stijl o el constructivismo.4

Índice
Historia
Siglo XIX
Siglo XX
Música
Abstracción lírica
Vanguardia rusa
Otras abstracciones
Véase también
Referencias
Bibliografía
Enlaces externos

Historia

Siglo XIX
Véanse también: Romanticismo, Impresionismo, Postimpresionismo y Expresionismo.
Las primeras innovaciones en el planteamiento artístico se atribuyen a artistas como
James McNeill Whistler quien, en su pintura Nocturne in Black and Gold: The falling
Rocket, («Nocturno en negro y oro: el cohete que cae», 1872), puso más énfasis en la
sensación visual que en la representación de los objetos. Asimismo, un interés objetivo
en lo que se ve aparece en cuadros de John Constable, J. M. W. Turner, Camille Corot y
la mayoría de los pintores de plen air de la escuela de Barbizon.

Siglo XX
Véanse también: Pintura contemporánea, Fovismo y Cubismo.
Paul Cézanne había comenzado como impresionista pero su reconstrucción lógica de la
realidad desde diferentes puntos espaciales,5 usando el color para crear módulos y
planos, se convirtió en la base de un nuevo arte visual que más tarde desarrolló el Nocturno en negro y oro: el
cubismo de Georges Braque y Pablo Picasso. cohete que cae (1874), Detroit
Institute of Arts.
Los pintores expresionistas exploraron el uso grosero de la superficie pictórica,
dibujando distorsiones, exageraciones y color intenso. Los expresionistas
produjeron pinturas cargadas emocionalmente que eran reacciones y
percepciones de la experiencia contemporánea; y reacciones al impresionismo y
otras direcciones más conservadoras de la pintura de finales del XIX. Aunque
artistas como Edvard Munch y James Ensor se vieron influidos principalmente
por la obra de los postimpresionistas fueron decisivos para el advenimiento de la
abstracción en el siglo XX con obras como El grito y La entrada de Cristo a
Bruselas.

El posimpresionismo tal como lo practicaron Paul Gauguin, Georges Seurat,

Vincent van Gogh y Paul Cézanne tuvo un enorme impacto en el arte del siglo
Hilma af Klint, El Cisne, 1915.
XX y llevó al advenimiento de la abstracción del siglo XX. La herencia de
pintores como Van Gogh, Cézanne, Gauguin y Seurat fue esencial para el
desarrollo del arte moderno. A comienzos del siglo XX, Henri Matisse y otros jóvenes artistas incluyendo a los precubistas
Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck revolucionaron el mundo artístico de París con pinturas de
paisajes y figuras «salvajes», de mucho colorido y expresivos, que los críticos llamaron fovismo. El crudo lenguaje de color tal
como lo desarrollaron los fauves directamente influyeron a otro pionero de la abstracción Vasili Kandinski.

Aunque el cubismo al final depende del tema representado fue junto con el fovismo el movimiento artístico que directamente
abrió la puerta a la abstracción en el siglo XX. Pablo Picasso hizo sus primeras obras cubistas basándose en la idea de Cézanne de
que toda representación de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos: cubo, esfera y cono. Con la pintura Las señoritas de
Aviñón, de 1907, Picasso creó dramáticamente un cuadro nuevo y radical representando un burdel primitivo y crudo con cinco
prostitutas, mujeres violentamente pintadas, que recordaban máscaras tribales africanas y sus nuevas creaciones cubistas. El
cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque, desde alrededor de 1908 hasta 1912. El
cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo sintético, practicado por Braque,
Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp e innumerables artistas hacia los años veinte. El cubismo
sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage, papier collé y gran variedad
de objetos diversos unidos. Los artistas de collage com Kurt Schwitters y Man Ray y otros influidos por el cubismo fueron
decisivos para el desarrollo del movimiento llamado dadaísmo.

Desde principios de siglo las conexiones culturales entre artistas de las principales ciudades europeas y norteamericanas se habían
vuelto extremadamente activos conforme se esforzaron por crear una forma de arte que igualara las altas aspiraciones del
modernismo. Las ideas fueron capaces de influirse mutuamente a través de libros de artistas, exposiciones y manifiestos de
manera que muchas fuentes estaban abiertas a la experimentación y formaron la base de la diversidad de modos de abstracción. El
siguiente extracto, de The World Backwards, proporciona alguna impresión de las interconexiones de la cultura de la época:

El conocimiento de David Burliuk de los movimientos de arte moderno debió ser extremadamente
actualizados, pues la segunda exposición del movimiento Sota de Diamantes, celebrada en enero de 1912 (en
Moscú) incluyó no sólo pinturas enviadas desde Múnich, sino algunos miembros del grupo alemán Die
Brücke, mientras que de París vinieron obras de Robert Delaunay, Henri Matisse y Fernand Léger, así como
de Picasso. Durante la primavera David Burliuk impartió dos conferencias sobre el cubismo y planeó una
publicación polémica, que Sota de Diamantes iba a financiar. Fue al extranjero en mayo y regresó
determinado a rivalizar con el almanaque Der Blaue Reiter que había emergido de los impresores mientras el
estaba en Alemania.

Música
Algunos acercamientos al arte abstracto tenían conexiones con la música. La música proporciona un ejemplo de una forma de arte
que usa los elementos abstractos del sonido y las divisiones del tiempo. El mismo Vasili Kandinski, que también era músico, fue
inspirado por la posibilidad de marcas y color asociativo resonando en el alma. La idea había sido propuesta por Charles
Baudelaire, que todos nuestros sentidos responden a diversos estímulos pero los sentidos están conectados en un nivel estético
más hondo.

Íntimamente relacionado con esto, está la idea de que el arte tiene La dimensión espiritual y puede transcender la vida de cada
día, alcanzando un plano espiritual. La Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la India,
China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que Piet Mondrian, Vasili Kandinski, Hilma af Klint y otros artistas
trabajando hacia el «estado sin objeto» se vieron interesados en lo oculto como una manera de crear un objeto «interior». Las
formas universales e intemporales que se encuentran en geometría: el círculo, el cuadrado y el triángulo se convirtieron en
elementos espaciales en el arte abstracto; eran, como el color, sistemas fundamentales que estaban por debajo de la realidad
visible.

Abstracción lírica
Cronológicamente, el lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis está considerado, por sus composiciones no figurativas fechadas
en 1904, como el primer pintor abstracto. Pero la abstracción como un estilo moderno internacional, coherente, vio sus
verdaderas bases establecidas por Vasili Kandinski. Su obra ilustra la llamada abstracción lírica. Llegó, entre 1910 y 1912, a una
abstracción impregnada de sentimiento, idealmente representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de
Múnich Der Blaue Reiter, del que él mismo formaba parte. A partir de 1912, casi todos los artistas europeos hicieron
experimentos en esta línea.

Para el año 1911 se habían creado muchas obras experimentales que buscaban el «arte puro». En Francia, Robert Delaunay
elaboró, desde 1912, a partir de las teorías de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores, sus Ventanas y sus primeras
Formas circulares cósmicas abstractas, mientras que Frank Kupka exponía en el Salón de Otoño de 1912 Amorfa, fuga de dos
colores y en 1913 Planos verticales azules y rojos. En 1913 el poeta Guillaume Apollinaire llamó orfismo a la obra de Robert y
Sonia Delaunay. Lo definió como el arte de pintar nuevas estructuras a partir de elementos que no han sido tomados prestados
de la esfera visual, sino que habían sido creados totalmente por el artista... es arte puro.

Vanguardia rusa
Véanse también: Vanguardia rusa y Futurismo (arte).
En la misma época, en Rusia, Mijaíl Lariónov y Natalia Goncharova llevaron
hasta la abstracción pura su método de transcripción del fenómeno luminoso, al
que denominaron rayonismo (Luchizm). Sus dibujos usaban líneas como rayos
de luz para hacer una construcción. Muchos de los artistas abstractos en Rusia se
convirtieron en constructivistas creyendo que el arte no era ya nunca más algo
remoto, sino la vida misma. El artista debía convertirse en un técnico,
aprendiendo a usar las herramientas y materiales de producción moderna. ¡El
arte a la vida! era el eslogan de Vladímir Tatlin, y de todos los futuros
constructivistas. Varvara Stepánova y Aleksandra Ekster y otros abandonaron la
pintura de caballete y pusieron sus energías en el diseño para teatros y la obra
gráfica.
Círculo negro (motivo 1915, pintado
Kazimir Malévich completó su primera obra enteramente abstracta, la 1924) de Kazimir Malévich.
suprematista, Cuadrado negro en 1915. Otro miembro del grupo suprematista,
liubov Popova, creó las Construcciones Arquitectónicas y Construcciones de
Fuerza Espacial entre 1916 y 1921. Malévich, Anton Pevsner y Naum Gabo argumentaban que el arte era esencialmente una
actividad espiritual; para crear el lugar del individuo en el mundo, no para organizar la vida en un sentido materialista y práctico.
Muchos de aquellos que eran hostiles a la idea de producción materialista del arte abandonaron Rusia. Anton Pevsner fue a
Francia, Gabo marchó primero a Berlín, luego a Inglaterra y al final a los Estados Unidos. Vasili Kandinski estudió en Moscú
luego se marchó a la Bauhaus. A mediados de los años veinte el período revolucionario (de 1917 a 1921) cuando artistas habían
sido libres de experimentar, estaba acabado; y para los años treinta sólo estaba permitido el arte del realismo social.6

Otras abstracciones
En 1906 la artista sueca Hilma Af Klint (1862-1944), pionera del arte abstracto,
creó la serie Pinturas para el templo en los que abordan la espiritualidad, la
evolución del ser humano y las religiones del mundo. La obra de la artista no se
hizo pública hasta 1986, veinte años después de su muerte, por expreso deseo de
Klint quien consideraba que su obra no sería entendida por el público.7

Piet Mondrian fue evolucionando su lenguaje abstracto, de líneas horizontales y

verticales con rectángulos de color, entre 1915 y 1919, el neoplasticismo fue la
estética que Mondrian, Theo van Doesburg y otros del grupo De Stijl pretendían
reformar el medio del futuro. En Italia el futurismo, mezclado con la influencia
Bauhaus, guio el camino hacia un arte abstracto con una paleta de color
distintivamente cálida como en las obras de Manlio Rho y Mario Radice.8
Composición en rojo, amarillo, azul y
negro, 1926. Muestra del estilo azul.
En el período de entreguerras (1918-1939), Theo van Doesburg, después de
neoplasticista de la pintura abstracta
haber sido uno de los principales defensores del neoplasticismo, renovó de
de Piet Mondrian.
manera decisiva el arte abstracto al mantener que la creación artística sólo debía
estar sometida a reglas controlables y lógicas, excluyendo así cualquier
subjetividad.

El manifiesto del arte concreto, que publicó en París en 1931, dio lugar a la tendencia del mismo nombre que tuvo un gran
desarrollo en Suiza con Max Bill y de Richard Paul Lose, en Francia con François Morellet, y en todas las formas de arte
sistemático nacidas después de la guerra. Estas tendencias entraron entonces en competencia con las diversas corrientes tachistas
y gestuales (Jean Bazaine, Alfred Manessier, Pierre Soulages y Georges Mathieu, entre otros) que el crítico Michel Tapié
reagrupó bajo la denominación de arte informal.

La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de la década de 1940 con la Action
Painting (Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline) y con la Colour-Field Painting (Barnett Newman, Mark Rothko,
Clyfford Still).

Estas tendencias fueron desbancadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista, que marcó un nuevo periodo de interés
por la geometría y la estructura mientras que en Europa y Latinoamérica el Op Art y el arte cinético conocían sus horas de gloria
(Yaacov Agam, Jesús Soto, Carlos Cruz-Diez, Victor Vasarely, Nicolas Schöfer y Bridget Riley, entre otros).

El final de la década de 1960 vivió el desarrollo de una abstracción centrada en el análisis de sus propios componentes, con los
grupos BMPT y Support(s)-Surface(s) en Francia, o bien orientada hacia los problemas de definición de la naturaleza de la
imagen con Sigmar Polke y Gerhard Richter en Alemania. Las tendencias a la vez neoexpresionistas y neogeométricas que se
pusieron de manifiesto durante la década de 1980 mostraron un nuevo periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando
hasta nuestros días numerosos artistas, como Ian Davenport, Juan Uslé, Pablo Rey o Jan Maarten Voskuil, inspirados por las más
variadas motivaciones.
Véase también
Pintura abstracta
Escultura abstracta

Referencias
5. Herbert Read, A Concise History of Modern Art,
1. Chilvers, Ian (2001). Diccionario del arte del siglo XX Thames and Hudson
(https://books.google.es/books?id=8Z-GYKRF6tMC&
pg=PA4&dq=arte+abstracto+es+expresi%C3%B3n+ 6. Gray, Camilla. The Russian Experiment in Art, 1863-
art%C3%ADstica&hl=es&sa=X&ved=0ahUKEwik3tP 1922, Thames and Hudson, 1962.
oqrzYAhVDCewKHXTfDHoQ6AEIMjAC#v=onepage& 7. G. Montilla, Cristóbal (22 de octubre de 2013). «La
q=arte%20abstracto%20es%20expresi%C3%B3n%2 pintora secreta que inventó la abstracción» (https://w
0art%C3%ADstica&f=false). Editorial Complutense. ww.elmundo.es/elmundo/2013/10/21/andalucia_mala
ISBN 9788474916003. Consultado el 3 de enero de ga/1382379662.html). www.elmundo.es. Consultado
2018. el 20 de enero de 2019.
2. Arnheim, Rudolph. Visual Thinking. 8. Hizli, Serdar. From Futurism Towards Abstract
3. Preckler, Ana María (2003). Historia del arte Painting-
universal de los siglos XIX y XX (https://books.googl
e.es/books?id=MJ_edWCq2UoC&pg=PA179&dq=art
e+abstracto+suprematismo&hl=es&sa=X&ved=0ahU
KEwj_lbaSq7zYAhXP_aQKHVNQAPIQ6AEIJzAA#v=
onepage&q=arte%20abstracto%20suprematismo&f=f
alse). Editorial Complutense. ISBN 9788474917079.
Consultado el 3 de enero de 2018.
4. Foster, Hal; Bois, Yve-Alain; Krauss, Rosalind E.;
Buchloh, Benjamin H. D. (27 de octubre de 2006).
Arte desde 1900 (https://books.google.es/books?id=1
s_nCnKSX-sC&pg=PA221&dq=arte+abstracto+De+S
tijl&hl=es&sa=X&ved=0ahUKEwiXuPGmq7zYAhWJ4
KQKHfmlBvEQ6AEILTAB#v=onepage&q=arte%20ab
stracto%20De%20Stijl&f=false). Ediciones AKAL.
ISBN 9788446024002. Consultado el 3 de enero de
2018.

Bibliografía
Compton, Susan (1978). The World Backwards: Russian Futurist Books 1912-16. The British Library.
ISBN 0714103969.
Gooding, Mel (2001). Abstract Art (Movements in Modern Art series). Tate Publishing. ISBN 1854373021.
Stangos, Nikos (editor) (revised 1981). Concepts of Modern Art. Thames and Hudson. ISBN 0500201862.
OCLC 901082100 (https://www.worldcat.org/oclc/901082100).

Enlaces externos
Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Arte abstracto.

Mimesis and abstraction (http://d-sites.net/english/abstraction.htm)

Investigación científica en el arte moderno (http://arxiv.org/abs/physics/0703091)
Artistas abstractos estadounidenses (http://www.americanabstractartists.org/)
Arte abstracto, inteligencia visual y neurología (http://www.revistadelibros.com/articulos/arte-abstracto-inteligenci
a-visual-y-neurologia)

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