VANGUARDIAS ARTISTICAS DEL SIGLO XX

MARIA CAROLINA DIAZ RODRIGUEZ

NATALIA CACERES DIAZ
ISAAC ROMERO DANCOURT
SEBASTIAN PEREZ FRANCO

UNIVERSIDAD DEL SINU ELIAS BECHARA ZAIMUN

HISTORIA Y TEORIA DE LA ARQ. II
ARQUITECTURA
MONTERIA – CORDOBA
13/04/2021
VANGUARDIAS ARTISTICAS DEL SIGLO XX

Se le da el nombre de vanguardias históricas a los estilos artísticos que surgieron en la

primera mitad del siglo XX. Estas tuvieron como principal objetivo el romper con los estilos
del pasado y crear un manifiesto del sentido del presente. Los valores establecidos en
siglos pasados comienzan a verse rebatidos y el artista se centra en estos cambios
situándose en una nueva dimensión e innovación en todos los campos de la expresión
artística. Sin embargo, la búsqueda de lo nuevo seguía con la convivencia en la
permanencia del pasado por lo que se categorizo como un momento agitado y complejo.

Los movimientos vanguardistas son más una actitud ante el arte que una estética, la cual
dará un rechazo a la imitación de la naturaleza para fijar su foco de atención del lenguaje
de las formas y los colores.

FAUVISMO. (empleo provocativo del color)

El fauvismo o fovismo es un movimiento artístico que surge entre los años 1904 a 1908
que se caracterizó por la utilización de colores puros, de modo a delimitar, proporcionar
volumen, relieve y perspectivas en las obras.

La alegría de vivir

Artista: Henri Matisse

Fecha de creación: 1905–1906

es un buen ejemplo de los principios del fauvismo y se ha tomado como un ícono de esta
vanguardia

Los colores, como corresponde al fauvismo, son intensos y expresivos. Matisse combinó
varias tonalidades de amarillos y ocres que contrastan con el rosado de los cuerpos. Los
árboles muestran el contraste de los verdes y rojos, colores complementarios. A pesar de
que el colorido no representa objetivamente los elementos plasmados en esta obra, el
conjunto está armónicamente concebido en una unidad cuya característica más
sobresaliente es la expresividad intensa de las figuras y los colores.

CUBISMO

Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX.
No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

Autor: Pablo Picasso / Obra: Juan Gris

Esta obra fue interpretada por el pintor pablo Picasso quien fue el iniciador del cubismo, el
retrato es de juan gris en el año 1912.

Esta imagen es de la vanguardia del cubismo ya desaparece la perspectiva tradicional y

comienza a dar forma a partir de figuras geométricas como pueden ser el cuadrado,
triangulo, circulo, etc.

FUTURISMO.

La pintura futurista buscó expresar el movimiento real, enalteciendo la velocidad expuesta

por las figuras en sus obras de arte.

El arte futurista se encuadra en los movimientos del vanguardismo que surgen en los
inicios del siglo XX. Esta corriente artística expresa la forma plástica del dinamismo, la
velocidad, el movimiento de humanos, animales y objetos. El futurismo influenciará las
siguientes vanguardias artísticas como el cubismo y el abstraccionismo En el ámbito de las
artes plásticas como en la escultura, el futurismo se representó en máquinas, ferrocarriles
y otros objetos en movimiento, como también identificó a la guerra y el patriotismo.

Formas únicas de continuidad en el espacio

Autor: Umberto Boccioni

Creación: 1913

los futuristas crearon un arte vanguardista de gran alcance y sus investigaciones los
llevaron a descubrir anticipadamente los aspectos más sobresalientes de la cinemática y la
plasmación del movimiento de los objetos.

Esta escultura representa una figura humana que está moviéndose, caminando, y la
vemos desde su perfil izquierdo. Conforme se mueve, va dejando en el espacio tras de sí
las formas de diversas partes de su anatomía que están como quedándose rezagadas y se
van diluyendo. Es como si se tomara una fotografía de un objeto en movimiento con el
objetivo abierto. La figura es de un gran dinamismo no solo por esta plasmación de
continuidad, sino además porque algunos otros.

Dadaísmo.
Los dadaístas se caracterizaron por oponerse a la guerra y tener una cierta tendencia
hacia la anarquía que se oponía y cuestionaba los movimientos artísticos de la época.

En este sentido, el dadaísmo encontró en lo ilógico un camino para expresar su propuesta

artística, la cual llegó a convertir en un estilo de vida que rechazaba toda tendencia
tradicional.

L.H.O.O.Q, MARCEL DUCHAMP (1919). representación de la técnica ready- mades hecha

sobre una tarjeta postal con la imagen la mona lisa, de leonador da vinci, en la que
duchamp dibujó a lápiz un bigote y perilla.

Marcel Duchamp fue un artista y ajedrecista francés. Especialmente conocido por su

actividad artística, su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del dadaísmo. Al
igual que el citado movimiento, abominó la sedimentación simbólica en las obras artísticas
como consecuencia del paso del tiempo y exaltó el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo
contemporáneo. Duchamp es uno de los principales valedores de la creación artística
como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación,
preparación o talento.

“LHOOQ” (1919). Una parodia de la famosa Gioconda de Davinci, a la que el artista le

pintó bigotes y las siglas LHOOQ debajo, que al deletrear en francés suena como “ella
tiene calor en el trasero”. Este es un claro ejemplo de dadaísmo puesto que se acoge a
unos de las principales características del dadaísmo. Ya que convierte una obra de arte de
mucho prestigio en otra obra de arte que genera burla y que gracias a esto se genera un
nuevo pensamiento en los espectadores a la hora de apreciar el arte.

ASTRACCION LIRICO.

La abstracción lírica es una tendencia dentro de la pintura abstracta que se desarrolló a

partir de 1910 que se toma usualmente como referencia para marcar el comienzo de la
pintura abstracta: Iniciando con una acuarela del pintor Vasili Kandinski titulada
precisamente Primera acuarela abstracta.

Obra: el ritmo, alegría de vivir / Autor: Roberto delaunay

La astraccion lirica es una pintura astracta que fue fundada a partir del año 1910, la pintura
es a base de acuarelas con formas y colores muy llamativos para la audiencia, para la
creación de esta vanguardia se utiliza una gran varieda de acuarelas de diferente color en
la que se coloca dentro de figuras o formas dentro de la pintura. Mostrando asi unos
enfoques espesificos y claro a la hora de interpretar la obra.

Constructivismo.

La arquitectura constructivista fue una forma de arquitectura moderna que floreció en la

Unión Soviética en la década de 1920 y principios de 1930. Combinó tecnología avanzada
e ingeniería con un propósito social declarado comunista. Aunque se dividió en varias
facciones rivales, el movimiento produjo muchos proyectos pioneros y edificios
terminados, antes de perder el favor alrededor de 1932. Ha dejado marcados efectos en
desarrollos posteriores en la arquitectura.

Es uno de los teatros más grandes de Rostov-on-Don. Su edificio, que define el aspecto
de la Plaza del Teatro, es conocido en el mundo arquitectónico como un monumento
tardío del constructivismo.

Este edificio hace parte del constructivismo porque se puede evidenciar que el
arquitecto genero una simultaneidad entre la luz y los espacios, su forma se basa de
diferentes cubos con de diferentes proporciones que también proporcionan
visualmente figuras geométricas pesadas y es un edificio libre de ornamentaciones.

Suprematismo.

El suprematismo fue un movimiento artístico enfocado en formas geométricas

fundamentales (en particular, el cuadrado y el círculo), que se formó en Rusia entre 1915 y
1916. Fue fundado por Kazimir Malévich.
Se evita cualquier referencia de imitación de la naturaleza recurriendo a módulos
geométricos y el uso a blanco y negro.
 Autor: Kazimir Malevich / obra: el afilador de cuchillos

Esta obra fue interpretada por el pintor Kazimir Malevich que lleva como nombre la obra,
el afilador de cuchillos, la obra hace referencia al suprematismo ya que esta
completamente compuestas por líneas y figuras geométricas (círculos, cuadrados,
triángulos, etc) que a diferencia del cubismo ellas no dan una perspectiva obvia si no que
pueden representar cualquier cosa ya sea la idea fundamental del autor o la imaginación
que tenga el lector.

NEOPLASTICISMO.

arte desarrollado dentro del movimiento artístico de lo abstracto

es una corriente artística propuesta por Piet Mondrian en 1920, que surge en la búsqueda
de un arte que no tuviera elementos accesorios, sino sólo los más elementales, para llegar
a la esencia de un lenguaje plástico objetivo reduciéndola a formas geométricas y colores
puros para hacerla universal.
Composición II en rojo, azul y amarillo

Artista: Piet Mondrian

Fecha de creación: 1930

Composición II en Rojo, Azul y Amarillo es quizás una de las obras más conocidas del
pintor neerlandés Piet Mondrian (1872-1944). Sus composiciones en blanco y negro, con
detalles tricolores, forman parte de la cultura popular y han servido de inspiración para la
moda e innumerables artistas.

Se ve la de estética. Lenguaje plástico objetivo y como consecuencia, universal.

Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente).

Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar
a la esencia. Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales:
líneas, planos y cubos.

SURREALISMO. inspirar olvidando la realidad.

• Sus representaciones son acerca del inconsciente, de fantasías y de sueños, así

como de la irracionalidad

Un ejemplo del surrealismo en la pintura es el cuadro por Salvador Dalí; Sueño causado
por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo ante del despertar 1944.
“He ilustrado por primera vez el descubrimiento de Freud sobre el sueño típico con una
larga trama argumental, consecuencia de un accidente instantáneo que provoca el
despertar. Del mismo modo que la caída de un listón sobre el cuello de un durmiente
provoca, simultáneamente, el despertar y un sueño que termina con la cuchilla de la
guillotina, el zumbido de la abeja provoca aquí el pinchazo del dardo que despertará a
Gala. Toda la biología creativa surge de la granada reventada. El elefante de Bernini,
situado en el fondo lleva un obelisco con los atributos papales.”

S. DALI.

Salvador Dalí fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español del siglo XX.
Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo.

Es mayormente conocido por sus obras surrealistas en las cuales trató siempre de captar
objetos y situaciones a través de una visión desprejuiciada.

Ahora bien, esta pintura cumple con las principales características del surrealismo ya que

1. En ella Dalí deja de lado la realidad y se concentra en pintar la fantasía de un

sueño. Inventa un universo figurativo propio en donde una mujer levita dormida
sobre una roca en un paisaje marino en el que reina la calma. es un escenario
bastante surreal. Bajo su cuerpo igualmente flotan gotas de aguas. El propio
nombre del cuadro describe la escena que se presenta “El zumbido de la abeja
provoca un sueño en Gala, que se materializa en la parte superior por la explosión
de otra granada de la que sale un pez de cuya boca, a su vez, surgen dos
enfurecidos tigres y una bayoneta” (Gala es su mujer y musa)
 2. Utilizo su imaginación como lógica a la hora de pintar.
3. es un cuadro de carácter figurativo, se distinguen perfectamente las figuras y
predomina sobre el color.
4. Dalí utilizo elementos de su entorno como si fueran fotografías instantáneas que
luego traslado al cuadro.

EXPRESIONISMO. deformación de la realidad.

Busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la
representación de la realidad objetiva.

Trata temáticas oscuras y sórdidas como la soledad, la miseria, la muerte, el sexo.

Principalmente con el objetivo de reflejar la amargura existencialista de esos años

Emil Nolde, Crucifixion, 1912. Óleo sobre lienzo.

Emil Nolde fue uno de los pintores del expresionismo alemán, su estilo consideraba una
manifestación elevada del espíritu germánico. Lo mejor de su producción artística son sin
duda sus potentes cuadros de temática religiosa.

“al pintar hubiera querido que los colores, a través de mí como pintor, se desarrollasen en
la tela con la misma consecuencia con que la naturaleza misma crea sus figuras, como se
forman los minerales y las cristalizaciones, como crecen el musgo y las algas, como bajo
los rayos del sol debe entreabrirse y brotar la flor”.
Crucifixión es una obra representativa del expresionismo porque tiene colores muy
agudos, figuras angulosas con rostros como máscaras y no muy bien definidos (influencia
del arte primitivo) una composición abigarrada, en la cual las figuras ocupan casi todo el
espacio y apenas dejan ver el fondo. Trata además una temática sórdida como lo es la
muerte. Una masacre. Y al mismo tiempo muestra una deformación de la realidad al
pintar una escena tan importante como lo es la crucifixión de cristo con este estilo.

ART POP. ESTETICA DE LA VIDA COTIDIANA.

Una de las características más llamativas de este movimiento es la repetición, usada como
un factor para crear iconos y métodos para anestesiar a la sociedad sobre problemas
graves. El arte ya no imita a la vida sino que la vida imita al arte.

Los artistas de este movimiento acudieron al uso de todos esos elementos cotidianos que
se estaban convirtiendo en los nuevos símbolos de la sociedad para crear sus obras
dearte.

Un ejemplo representativo de este movimiento es

Díptico de Marilyn (Andy Warhol)

Andy Warhol, fue un artista plástico y actor estadounidense que desempeñó un papel
crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. pintó lienzos cuya temática se basaba en
algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Eliminó
progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una
repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo
del consumo o los medios de comunicación.

El díptico de Marilyn es un representativo del art pop porque reúne características propias
de este movimiento tales como:

• representar un producto consumido por las masas, por lo tanto, la actriz aquí fue
representada como tal (producto perteneciente a la cultura popular)
• se incrementa la tonalidad de algunos elementos marcados del rostro aludiendo a
conocidas exageraciones del glamur y la vida de las estrellas.
• la proporción, a modulación, la subdivisión del espacio compositivo en partes
iguales o en familias de partes iguales, el ritmo por transición que es un salto visual
de un objeto a otro o de un área a otra de la imagen. La repetición.

Hiperrealismo.

El hiperrealismo es un género de pintura y escultura que se asemeja a la fotografía. El

hiperrealismo es considerado un avance del fotorrealismo por los métodos utilizados. 1 El
término se aplica a un movimiento y estilo de arte independiente que surge en Estados
Unidos y Europa a finales de 1960 y a principios de 1970.
El término hiperrealismo es también aplicable a la escultura y los cómics (Luis García, Alex
Ross, etc).
CLAUDIO BRAVO RETRATO DE MARIA LUISA VELASCO

El hiperrealismo es un género de la pintura y escultura en el cual buscas el perfeccionismo

haciendo así la obra muy real tanto que se asemejan a la fotografía, esta obra es del
género hiperrealismo ya que se las características de la vanguardia se cumplen en la
tonalidad de colores de la mujer que se muestra en la imagen, y se tiene un gran manejo
de la luz y sombra en ella dando así una sensación realista.

Arte óptico y cinético.

Op-Art puede definirse como un tipo de arte abstracto o concreto que consiste en formas
geométricas que crean varios tipos de ilusión óptica. Por ejemplo, cuando se ven, las
imágenes de Op-Art pueden hacer que el ojo detecte una sensación de movimiento (por
ejemplo, hinchazón, deformación, parpadeo, vibración) en la superficie de la pintura. Y los
patrones, formas y colores utilizados en estas imágenes generalmente se seleccionan por
sus cualidades ilusorias, en lugar de por su contenido sustantivo o emocional. Además, los
artistas ópticos utilizan espacios positivos y negativos para crear las ilusiones deseadas.

Carlos Cruz-Diez: Couleur Additive. Série 32 Uno 4 ABD, 2002, 40 x 40 cm, París, Francia.

Hacia 1950, las investigaciones de Cruz-Diez lo llevan a plantear en sus obras el principio
de color aditivo (couleur additive), a partir del cual elabora una serie que lo acompañará a
lo largo de los años. En esta, el artista trabaja el concepto de la irradiación del color, según
el cual, al contacto de dos planos de color, se forma la ilusión de una línea más oscura.
Esto fue llamado por Cruz-Diez como “módulos de acontecimiento cromático”.

Para concluir los movimientos vanguardistas surgidos en el siglo xx tuvieron una gran
importancia para la consolidación del arte contemporáneo, ya que significó un
rompimiento a las técnicas establecidas en siglos anteriores. Inspiró al artista a crear
nuevas ideas, nuevos conceptos.