TRABAJO PRÁCTICO DE ARTES VISUALES

ROCOCÓ Y NEOCLASICISMO
ALUMNO. Francisco Pérez Berduc

CONSIGNA: Describir y plasmar los colores predominantes de cada obra

seleccionada.
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El rococó fue un movimiento artístico europeo de origen francés

que se caracterizó por su estilo alegre y provocador, y el gusto por la
decoración excesiva. Se manifestó en la pintura, la arquitectura, las artes
decorativas y la escultura.

El arte rococó se desarrolló a principios del siglo XVIII, en el período de

transición entre el barroco y el arte neoclásico. Pese a que comparte con el
barroco el interés por la profusión de detalles, se distingue de este por
sustituir su solemnidad y dramatismo por el placer y el divertimento.

Carácter gracioso y festivo

El arte rococó fue, ante todo, un estilo que buscaba expresar gracia y
alegría. Su carácter era festivo. Aunque el rococó fue recargado en la
decoración, sus atmósferas buscaron ser luminosas y entusiastas.

Humor y picardía
El arte rococó es expresión de una élite que se divierte. Por ello, tiene una
gran dosis de humor y picardía que suprime cualquier intento de
solemnidad. Por ello, el rococó expresa también el relajamiento de la
etiqueta.

Temas sin pretensión moralizante o didáctica

El rococó fue un arte atento al detalle y a la ornamentación excesiva. Los
artistas, diseñadores y arquitectos enriquecieron la decoración de las obras
con elementos tan profusos como imaginativos. No era extraño encontrar
elementos de las culturas orientales como fauna, la flora y toda clase de
motivos.

Uso de tonos pasteles y blancos

Una de las formas que encontraron los artistas del rococó para aportar
gracia y alegría fue cambiar la paleta de colores terrosos, oscuros e
intensos por tonos pasteles y blancos. Esto fue aplicado tanto en la pintura
como en la decoración arquitectónica, gracias a lo cual todo quedaba
envuelto en gracia y sensualidad.

Arte liberado de su función propagandística

El rococó liberó al arte de su papel propagandista. El arte ya no estaba al

servicio de las causas eclesiásticas o absolutistas, y ello influía en la libertad
temática y de estilo. El arte ya no tenía que ser el vehículo de una "verdad",
ni necesitaba ser serio. Bastaba con que fuera plácido.

Arquitectura rococó
 Fachada del Hotel
de Soubise, París.

La arquitectura del rococó se caracterizó por ser austera en los acabados

exteriores, pero muy rica y profusa en la decoración interior. Los espacios
interiores eran más pequeños y tratados con mayor intimidad, gracias al
uso de formas delicadas y gentiles.

La decoración interior se destacó por su ingenio e imaginación. Los apliques

dorados estuvieron a la orden del día, al servicio de las más variadas
formas curvas con motivos florales, conchas marinas y toda clase de
sinuosidades. Los colores fueron siempre luminosos y alegres.

El arquitecto francés Germain Boffrand fue el responsable de introducir el

rococó en Francia, y lo puso especialmente al servicio del orden
monárquico, aunque eventualmente desarrolló proyectos religiosos.
Participó en proyectos como el Place Vendôme de París, el Conservatorio de
Versalles, el Hotel de Soubise en París y el Castillo de Lunéville.
En la paleta predomina el dorado. Los colores de los frescos son pasteles
y el tema no es sacro.

Interior del Palacio Sanssouci, Postdam.

La estética rococó fue muy valorada en Austria y los Estados alemanes que
formaban parte del Imperio Sacro Romano Germánico, tanto en arquitectura
religiosa como en arquitectura civil.

OBRAS SELECCIONADAS COMO MUESTRA

Colores de la paleta: pasteles y mucho blanco. Los colores más oscuros no

son de la paleta del marrón.

La paleta es predominantemente pastel y blanco. Solo arriba a la derecha

vemos un tono oscuro.

Neoclasicismo
El Neoclasicismo nació como reacción contra el hedonismo y la frivolidad del
rococó. Su impulso inicial no vino de la mano de los artistas sino de los
filósofos, los representantes de la Ilustración en Francia. Hombres como
Diderot y Voltaire protestaron contra el relajamiento moral del estilo
rococó y, por asociación, contra el régimen que lo había engendrado.
Reclamaban un arte racional, moral y con principios. Pedían un arte dirigido
por la razón y no por el sentimiento, en el que la perfección técnica
dominara sobre la improvisación y la imaginación.
David. La cólera de Aquiles, 1819. Kimbell Art museum. Texas.

Templo de Hera en Paestum, por Antonio Joli, un preneoclásico italiano.

La principal fuente de inspiración del artista debía ser la naturaleza, pero

como esta es imperfecta se debía escogerse de ella lo mejor, sin dar cabida
a la fealdad o a la imperfección. Las obras, pues, debían ser realistas, pero
idealizadas. Los personajes debían desarrollar musculaturas perfectas y
proporciones canónicas, semejantes a las de las esculturas clásicas griegas.
Los escenarios arquitectónicos debían recrear el pasado clásico de forma
veraz. Los paisajes naturales habían de ser bellos y tranquilos.
Falta de expresividad. Los sentimientos no debían ser mostrados o si se
mostraran debían ser contenidos y fríos. Cuando había que aportar pasión
a la escena, algunos pintores utilizarán recursos teatrales, gesticulaciones
grandilocuentes con los brazos, que todos entendían como parte del
mensaje trascendente con el que se quería ennoblecer la escena. Pero, la
mayor parte de las veces, los rostros adoptaban una actitud contenida e
impasible, no importando cuán intenso fuese el sentimiento que podía
dominar en el tema, puesto que así conservaban esa belleza ideal, sin que el
dolor o la alegría deformara sus rasgos.
Pelagio Palagi, Los desposorios de Amor y Psique, 1808.

Las composiciones eran concebidas de forma geométrica, equilibrada y

estática. Cuando en un grupo había que establecer una relación de
movimiento, resultaba mesurado y con posturas muy estudiadas. No hay
temas anecdóticos que distraigan del motivo principal. Todo acontece en
primer plano trasmitiendo rápidamente y sin duda el mensaje.
La luz era clara y fría, ya que si se adoptaran tonos dorados se introduciría
en la obra una sensualidad que se rechazaba en la estética neoclásica. No
se renuncia al claroscuro, que sigue utilizándose por algunos autores,
porque la luz intensa dirigida permitía aclarar aún más la prioridad
compositiva, dejando en penumbra lo más secundario.
Técnicamente, la factura era impecable; es decir, la superficie del cuadro
parecía esmaltada porque difícilmente se apreciaban las pinceladas.
Predomina el dibujo, la forma, sobre el color.

Los colores son pálidos, convencionales, y el dibujo es el

objetivo prioritario del pintor. Contornos bien definidos, bellas líneas y
cuidado del detalle... buscando una semejanza con la escultura.

BIBLIOGRAFÍA
Para el rococó: https://www.culturagenial.com/es/rococo/

Para el neoclasicismo: http://algargosarte.blogspot.com/2014/10/la-pintura-

neoclasica-caracteristicas.html