Índice.

● 4. El triunfo de la razón (página 31 del powerpoint)

● Carpeaux y la escultura del segundo imperio (página 36)
● La renovación escultórica (página 60 del powerpoint)
● La escultura en la etapa clasicista: Neoclásico (página 69 del powerpoint) Houdon, Canova y
Thorvaldsen

INICIOS ESCULTURA SIGLO XIX

La escultura se conoce como la gran manifestación artística del siglo XIX redescubierta por la
historiografía moderna relegada a las implicaciones de tipo político, religioso, económico y social o
cotidiano. Se considera entonces el gran arte del siglo XIX. Tanto los movimientos culturales como
los lenguajes plásticos del momento se vieron reflejados en la escultura y sentidos por los escultores.
Además, se debe destacar la relación entre otras artes como la colaboración de escultores y arquitectos
en el mismo proyecto, la realización de piezas escultóricas por parte de los pintores y escultores que
diseñaron en ocasiones objetos decorativos. Esta gran articulación de producción escultórica se
produjo en Occidente desde la época del Congreso de Viena hasta los primeros años del siglo XX. Se
consideró la manifestación artística más ecléctica en todos los sentidos posibles. Toda escultura lleva
un proceso técnico de ejecución que no puede separarse del resultado final, se encuentra la relación
entre otras artes y la escultura ya que previo a la obra resultante se realizan:

- Uno o varios dibujos previos

- Uno o varios modelos de arcilla
- Modelo en tamaño real de yeso
- Uno o varios ejemplares en mármol u otro material pétreo
- Bronce u otro material de fundición

1. PERVIVENCIA Y EVOLUCIÓN DE LOS MODELOS CLÁSICOS

Obras (para encontrarlo antes o poner ejemplos)

- El león de Lucerna 1819-1821. Bertel Thorvaldsen. OBRA DEL POWER
- Cristo bendiciendo. 1821-1827. Bertel Thorvaldsen. OBRA DEL POWER
- Hebe (1806). OBRA DEL POWER. Bertel Thorvaldsen
- Jasón y el toisón de oro OBRA DEL POWER. Bertel Thorvaldsen
- Ganímedes ofreciendo la copa, (1804). OBRA DEL POWER. Bertel Thorvaldsen
- Ganímedes dando de beber a Júpiter, (1817). OBRA DEL POWER. Bertel Thorvaldsen
- IGLESIA DE NUESTRA SEÑORA DE COPENHAGUE. OBRA DEL POWER. Bertel
Thorvaldsen

La idea de la escultura estaba fijada en la realización de obras de carácter clásico o academicista.

Desde escultores como Thorvaldsen hasta Maillol estuvo caracterizada por la inspiración
grecorromana característica de la época ya fuera en la iconografía o en las formas. No obstante, a lo
largo de la centuria se produjeron obras totalmente diversas ya que los artistas estaban pasados por las
influencias barrocas y renacentistas. Se crea entonces una corriente heredera del Neoclasicismo
Winclermaniano historicista y arqueológico de los modelos de la Antigüedad clásica pero con cierta
sensibilidad heredada del movimiento romántico.
 2. LA EXALTACIÓN DEL ESPÍRITU ROMÁNTICO

Aunque la escultura previa tuvo influencias del lenguaje romántico, la asimilación de este no llevó a
construir un lenguaje formal alejado de los ideales clásicos antiguos. Sin embargo, realizan cierta
interpretación plástica en la que se da cierta ruptura con los antiguos moldes y comienzan a introducir
los ideales románticos. En Francia, las experiencias escultóricas de Gericault de pequeño tamaño, se
trató de extraer de la materia la expresión de un sentimiento apasionado y violento como el grupo de
Ninfa y Sátiro donde habría que destacar las influencias de Miguel Ángel. No obstante, habría que
prestar mayor atención a la figura de François Rude quien desempeña un papel verdaderamente
importante en la renovación escultórica y quien está a favor del emperador Napoleón. Destacan sus
obras Pescador napolitano el cual revela procedentes plásticos de la tradición renacentista francesa e
italiana y La partida de los voluntarios. Se centró en representar fuerzas desatadas y movimientos
incontrolables. Por otro lado, destaca Antoine Louis Bayre (1796-1875) quien se interesó por la
desigual lucha entre animales como en su obra Tigre devorando a un ciervo, es fruto de una
observación más naturalista y una exaltada dramatización causada por la incorporación del claroscuro.
Con temas de carácter humano, religioso o literario fueron los preferidos de Auguste Preault, exploró
las posibilidades de transformación de la materia al representar las emociones de los seres de
circunstancias extremas. Antoine-Louis Barye hasta que no entró en el taller del orfebre Fauconnier
no empezaría a modelar los pequeños animales, la escultura de animales, resucita de un género que
desde la antigua Roma sólo esporádicamente había tenido un cierto esplendor en el tardomanierismo
con escultores como Tacca.

En Inglaterra, destacan los modelos historicistas que estuvo sometido a la repetición de prototipos
antiguos. Impide la exploración de un universo sentimental por lo que se pasa directamente al estilo
realista. La escultura estaba restringida a un círculo más íntimo. Destacan Francis Chantre
(1781-1841), escultor de inspiración neoclásica que realizó el monumento funerario de David Pike
Watts con una puesta en escena de carácter casi naturalista y su rival Mathew Coles Wyatt con el
monumento funerario a la quinta duquesa de Rutland y Thomas Woolner, uno de los miembros
fundadores de la hermandad prerrafaelita. La expresión de sentimientos íntimos se agudizó en la
escultura en la época victoriana. En Italia el historicismo fue una constante entre todos los escultores
europeos de la época romántica, ya fuera grecorromano, medieval, renacentista o barroco. Carlo
Marochetti formado en París y Roma al que se le debe el Monumento al duque Emanuel Filiberto,
se tiende a una reconstrucción del personaje del siglo XVI como si el escultor hubiese tratado de crear
una ilusión. Lorenzo Bartolini, autor de la Tumba de la condesa Zamoyska, remite a una tipología
renacentista de monumento fúnebre.

3. ECLECTICISMO ACADÉMICO Y DIVERSIDAD TIPOLÓGICA

El erudito bagaje de conocimientos histórico-artísticos y las crecientes exigencias de la sociedad,

favorecidas por un considerable progreso material y técnico, proporcionaron un marco idóneo para el
extraordinario desarrollo del eclecticismo escultórico durante varias décadas. La capacidad de
asimilación y transformación de esta corriente fue tan grande que incorporó también muchos aspectos
del Realismo.

Carpeaux y los escultores franceses del Segundo Imperio

3 escultores: Cordier, Carrier-Belleuse y Carpeaux. Cordier y Carrier-Belleuse fueron mucho más
famosos en su tiempo que en la actualidad.
 ● CARPEAUX:(1827-1875) fue el escultor más importante de su tiempo. Durante su estancia
en Florencia quedó absolutamente impresionado por la obra de Miguel Ángel, que constituyó
siempre su principal fuente de inspiración. Como trabajo final de su pensión en Roma llevó a
cabo el grupo escultórico titulado “El Conde Ugolino y sus hijos”, una obra que resume los
amplios conocimientos adquiridos entonces, que habrían de servirle como experiencia
decisiva en el futuro. El tema, extraído del Infierno de Dante, permitía un variado análisis del
desnudo y de las diversas reacciones expresivas de cada uno de los personajes. A partir de
1863 se convertirá en el más prestigioso escultor de la corte de Napoleón III. Carpeaux utilizó
recursos precedentes de la plástica barroca, sus obras están cargadas de un tema frívolo con
fines puramente decorativos. Demuestra veneración a los viejos maestros. Sus figuras quedan
envueltas en un frenesí básico de liberación formal que experimenta la escultura a finales del
siglo XIX. Estuvo atraído por la retórica decorativa del siglo pasado, y los trabajos
ornamentales. Su elaboración más importante fue la de grupos de pequeñas figuras de
encargos con materiales muy diversos destinadas al adorno de interiores. Su estilo se ha
clasificado como neo rococó, encarnó a la perfección el gusto por lo pomposo y banal de la
alta sociedad francesa. Algo a destacar son los bustos que realizó, con una rica policromía al
natural conseguida con piedras de distintos colores. Sus trabajos a veces tratan temas cercanos
a la tradición. La danza fue su obra más importante. Obtuvo premios de la escuela de bellas
artes, dos en concreto. dinamismo, realismo y audacia indiscutible en sus obras, además de
una fuerte tensión psicológica.

● CHARLES CORDIER Romanticismo, orientalismo. (1827-1905) Se hizo internacionalmente

famoso gracias a sus estudios etnológicos con fines estético-científicos. Realizaba bustos
policromados a base de piedras de distintos colores. Debutó en el salón con Said Abdala de la
tribu Mayac, una obra que reflejaba ya su pasión por la etnología y la antropología. claro
heredero de la seducción que siente el romanticismo por lo exótico, consigue que su obra sea
distinta en la precisión etnográfica. de hecho, llegó a ser pionero de la escultura policromada.
a pesar de los críticos, tuvo una gran aceptación popular.

Emmanuel Frèmiet, alcanzó su consagración en fecha más tardía, iniciando su formación dentro de
la línea animalística de Barye, al que sucedió como profesor de las colecciones de historia natural del
Jardin des Plantes.

● CARRIER-BELLEUSE(1827-1887) Escultor prolífico y versátil, a rasgos generales se

engloba su estilo dentro de una corriente neorrococó. Su primer gran éxito llegó en 1863, el
emperador le compró su grupo de mármol, Bacante con una herma de Dionisio, para los
jardines de las Tullerías. Durante toda su carrera diseñó una gran variedad de esculturas
decorativas, desde joyas hasta chimeneas y grandes ornamentaciones arquitectónicas: 2
torcheres para la Ópera de París. Fue muy admitido en el Salón por sus provocativos desnudos
femeninos. Poseía un estilo Neo Rococó que encarnaba a la perfección el gusto de la alta
sociedad francesa.

Ejercicios de pensionado, exposición y museo

El proceso de formación de un escultor no varió sustancialmente a lo largo del siglo XIX:
comenzaban sus estudios en la Escuela de Bellas Artes al mismo tiempo que frecuentaban el taller
privado de algún escultor de renombre que le pudiera avalar en el futuro. Una vez poseían los
conocimientos suficientes se presentaban a diversas pruebas de habilidad técnica, entre la que
destacaba el Prix de Rome, cuyo triunfo permitía estudiar en el extranjero, generalmente a Roma. Una
vez conseguían este premio alcanzaban definitivamente el prestigio necesario para ejercer su carrera
profesional, ratificada con la adquisición de sus obras por parte del Estado.

Gusto privado y necesidades públicas

Alcanzada su formación, la carrera profesional posterior del escultor tampoco sufrió excesivas
transformaciones a lo largo del siglo. Es más, a causa de las similares circunstancias que concurrían
en los encargos y la complejidad técnica que requería la elaboración de una escultura, se produjo
incluso una cierta unificación estilística que tendió a enmascarar los aspectos más personales.
En Francia, donde en tiempo de la Tercera República llegó a haber varios reputados especialistas,
destacan el pintor salonista Jean-León Gerôme, que realizó desnudos femeninos en mármoles de
colores; Alexandre Falguière, que exhibía pequeñas figuras de diosas o ninfas basadas en modelos
reales; y sobre todo, Antonin Mercié, continuador de la sensualidad neo florentina que habría que
enlazas con corrientes modernistas, como refleja su David.

Los encargos públicos se convirtieron en el motor esencial de la escultura decimonónica. A ello

contribuyó en primer término, el singular desarrollo alcanzado por el monumento conmemorativo. La
ciudad decimonónica constituyó un espacio ideal para la proliferación de esculturas.

4. LA DUCTILIDAD DE LA SUPERFICIE

La modernización de la escultura, como en la pintura produjo una doble vía: por un lado se encuentra
la realidad donde se realizaba una visión intrascendente y fugaz de las cosas y la que estaba basada en
la imaginación que trataba de sugerir una idea más allá de lo visible. En la escultura estos caminos
fueron muy parejos puesto que los resultados tuvieron al menos un punto en común: la ductilidad de
la superficie y la destrucción de los límites tradicionales del objeto escultórico.

La fugacidad de la visión de las cosas.

Aunque los principios del impresionismo eran esencialmente pictóricos también hubo escultores que
se preocuparon por expresar con sus propios medios parecidas sensaciones. Uno de los más singulares
fue Edgar Degas quien llevó a cabo colectivamente sus cuadros de bailarinas, bañistas o caballos y
piezas escultóricas con temas similares aunque no las dio a conocer. Todas eran pequeñas hechas en
cera y de apariencia experimental. El instante no puede ser tan duradero como la permanente materia
escultórica, sugiere que genera una tensión extraña entre la idea y su forma. Sin embargo, el que más
se aproximó a la representación fugaz de las cosas visibles fue Medardo Rosso. Trata temas
absolutamente intrascendentes como La edad de oro. Fue mucho más allá de los dos sentidos: el
modelado el cual deja de ser compacto para explorar la posibilidad de destruir los límites materiales y
la transformación perceptiva que supone una variable incidencia de la luz sobre el objeto. La pieza
adquiere cierta inmaterialidad.

Singularidad de Rodin
- EL HOMBRE DE LA NARIZ ROTA, 1863-1864
 - LA EDAD DE BRONCE, 1875-1876
- LA DEFENSA, 1879
- ADÁN, 1880
- EVA, 1881
- MUJER ACURRUICADA, 1880-1882
- JE SUIS BELLE, 1882
- UGOLINO Y SUS HIJOS, 1882
- LA ETERNA PRIMAVERA, 1884
- LA BELLE HEAULMIERE
- LOS BURGUESES DE CALAIS, 1889
- IRIS MENSAJERA DE LOS DIOSES, 1891
- MONUMENTO A BALZAC, 1898
- Puerta del Infierno, 1880-1917

Cuando Rodin expone sus obras se da a su vez la renuncia de tres grandes escultores a su exposición:
Meunier, Rosso y Degas. En su obra se proyecta la mejor tradición occidental que va más allá de los
iniciales problemas realistas y visuales hasta que llega a enlazar con el Simbolismo- En cuanto a su
carrera, fracasó en sus intentos de entrar en la Escuela de bellas Artes y trabajó como ayudante de
decoración que a su vez asistía a los cursos de dibujo de Bayre. Sus obras dependían de un sistema
artístico tradicional. Las primeras piezas de Rodin que dio a conocer en los salones fueron desnudos
masculinos que conciliaba el realismo anatómico con cierta sensualidad inspirada en Donatello y
Miguel Ángel la cual era muy familiar para el público de París. Esta conciliación entre lo tradicional
y lo nuevo fue determinante para que el gobierno francés le encarga Las puertas del Infierno donde se
encontraban sus obras más célebres como El pensador o El beso. Su escultura no obedecía a una
descripción plástica pormenorizada, consecuencia de una percepción externa que condujese a un
resultado cerrado y completo, sino que en obras como la Danaide sugiere siempre una transformación
visual derivada de su concepción fragmentaria: la figura emerge de una masa que parece recibir vida
en el interior para irradiarla en el exterior.

El esteticismo simbolista
Las diversas corrientes modernistas parten de los antiguos convencionalismos académicos pero sin
renunciar a ellos. Tanto en lo formal como en el poder sugestivo de los temas impregnados de una
trascendencia espiritual, en oposición al empírico realista y a la banal historicista. En Inglaterra las
teorías esteticistas defendían el arte por el arte a pesar de oponerse a la cultura oficial victoriana se
genera en un grupo de intelectuales. La concepción escultórica ligada a este fenómeno tuvo un
carácter nuevo en la medida de que era diferente aunque no se produjo al margen de los tradicionales
mecanismos institucionales británicos ni estos pusieran trabas para su desarrollo. Edward Onslow y
Alfred Gilbert fueron los escultores británicos más significativos en la producción de piezas. Por lo
general, tendían a ser evocadores de un lirismo indolente y melancólico de temas mitológicos como
Perseo, Eros o Ícaro, encaran la perfección de la forma ligera.

NEOCLASICISMO
Movimiento abiertamente idealista. Influencia Barroca. Tras el siglo XIX, la decadencia de la
escultura, como modalidad a elegir (arte tridimensional) para plasmar la idea artística se vio
justificada por:
- la dependencia excesiva de los modelos clásicos
- la renuncia al naturalismo.
Unido a la falta de originalidad, el conflicto entre realismo e idealismo supuso un riesgo estético
durante el periodo clasicista.
Con respecto a las posibilidades de la pintura clasicista, la escultura presentaba mayor facilidad para
liberarse de las ideas literarias y de las ilusiones. Se buscó un camino a la escultura pura, que
paradójicamente, le confirió frialdad y una incompetencia académica o un vano academicismo.
Los maestros de la escultura Neoclásica fueron:
- Jean Antoine Houdon
- Antonio Canova
- Gottfried Schadow
- Sergel
- Thorvaldsen

Con la excepción de las grandes obras de Canova y Thorvaldsen, la escultura no consiguió adquirir
una importancia de primer plano durante la época neoclásica. Desde el mismo Renacimiento toda la
escultura europea se había venido basando en el ejemplo paradigmático de la antigüedad. Demasiado
cara y demasiado aparatosa, nunca pudo sobresalir como un campo especialmente favorecedor para
las innovaciones. A pesar de todo, la escultura neoclásica mantiene unas características generales que
la diferencian de la del periodo inmediatamente precedente. De entrada, domina un claro abandono de
los contrastes, una exclusión casi radical del elemento pictórico. La aspiración a la elegancia de la
línea creada por el volumen visto de perfil y una monocromía esencial, producen una escultura en
general incolora, sobria, de formas contenidas y opuestas a cualquier tipo de efecto.

En Inglaterra, Italia y Dinamarca, Flaxman, Canova y Thorvaldsen, respectivamente, van a crear

unas formas tan diferentes entre sí como neoclásicas todas, aceptando la tradición de buen grado y con
mucha más facilidad que la pintura.

Jean Antoine Houdon (1741-1828) (el menos clasicista)

No pretendía lograr una pureza doctrinaria de estilo. En su primera y mayor etapa fue un escultor
barroco. Es clasicista por tener un ligero aspecto ideológico del mismo movimiento: arte estatuario
más que escultórico. El barroco de Houdon es más sereno y ligeramente más frío, a la vez que
conserva la vivacidad y naturalidad en sus obras. Esta tendencia a la naturaleza rompe con la idealidad
barroca y le hace acercarse a la idealización del clasicismo.
Cuando la escultura realista del siglo XIX intenta mantenerse en un cierto nivel artístico se encuentra
próxima al arte de Houdon. Fenómeno observable en las obras de Carpeaux y Rodin.

Datos Biográficos:
Recibe su primera educación artística de Jean Baptiste Pigalle, Jean Baptiste Lemoyne, René-Michel
y Slodtz.
Viajo a Italia donde realizó labores escultóricas, a su vuelta a Francia comienza a trabajar en una
extensa serie de retratos de distintas personalidades: Gustavo III de Suecia (1785), Catalina II de
Rusia (1773), Napoleón (1806), Diderot (1775), La Fontaine (1783), Rousseau (1778) y Voltaire
(1778) entre otros.
Viajó a Estados Unidos, realizando un busto y una estatua para George Washington y un retrato de
Benjamin Franklin.
Las estatuas de tamaño natural de Houdon, a excepción de la de G.W., fueron obras anteriores a su
última fase y cronológicamente pertenecen al clasicismo.
JOHN FLAXMAN: En Inglaterra, John Flaxman, amigo de Blake, es el primero en sumergirse en
una línea de revival capaz de llevarle tanto a un exquisito neoclásico como a un mundo visionario
bíblico y medievalizante. Interesado al mismo tiempo y con la misma pasión por la escultura clásica y
por la gótica de su país. Sin embargo, las dos figuras más importantes en todo panorama de la
escultura neoclásica serán Canovas y Thorvaldsen, aunque cada uno interprete el Neoclasicismo de un
modo muy distinto.
Antonio Canova [añadido]

BERTEL THORVALDSEN
Nacido en Dinamarca y principal representante de los ideales neoclásicos junto a Cánova. Influenció
la mitad del continente europeo. Como característica principal es que no solo realiza obras con ideales
neoclásicos sino que añade las implicaciones emotivas que pueden producir en el espectador como sus
obras Cristo bendiciendo o El león de Lucerna.
Fue uno de los grandes protagonistas de este periodo, 1770-1844 es su cronología, nació en
Copenhague. El maestro, el que inició y descubrió esa nueva forma de mirar fue Canova. Fue el
precursor y el que abrió la puerta a la nueva manera de expresarse. La segunda generación la
protagonizó Thorvaldsen. La realidad de este autor es que tiene menos búsquedas y resultados en
internet que Canova.
OBRAS:
Se fija sobre todo en la antigüedad griega, como su entorno, pero descubre que aquí está la esencia
que él busca. Compone una figura, la que presenta como resultado de su obra, Jasón con el vellocino
de oro, de 1803. Plantea el resumen de todo lo que él ha ido aprendiendo. Descubre el desnudo
heroico. Virtuosismo técnico del que es capaz. Está demostrando un movimiento pausado. En ese
momento, considera que termina, porque se tiene que volver, pero aparece un coleccionista inglés en
su estudio y se queda impresionado, y se le considera el Fidias del norte. Se le encarga esta obra, le
paga por delante antes de hacerla, cosa que fue un error. No la pasa al mármol directamente, tarda 25
años en hacerlo, porque Thorvaldsen en realidad está mirando la fase siguiente. Cuando Hope le
reclama la escultura, él siempre le decía que le pasara otra, porque esta era de juventud. Hope quería
esta porque conoció su obra.
Amor y Psique, ha descubierto la mitología, de Copenhague tiene una formación básica, pero en roma
conoce a varios arqueólogos, que reconoce que su preparación en el ámbito histórico no es buena,
pero le ayuda. Aporta la nueva manera que tiene de entender la escultura, en esta obra es un homenaje
del amor, es como entiende él a la escultura. Adolescentes sin formar, canova años antes hizo el
mismo tema, la diferencia de ver es clara, canova hizo figuras ideales, y la relación es muy intensa, y
nuestro autor no es así, es su manera de entenderlo y de comprender el arte muy personal.
Adonis, 1808-1832, ambiente natural este tema, y el modelo del desnudo ideal. Análisis del mundo
clásico y griego, que le lleva a estudiar la curva praxiteliana y la manera de colocar la figura, tiene que
ser visible desde todos los puntos de vista.
El día y la noche, de 1815. Son el resumen de la perfección a la llegó, no solo como perfección, sino
como creación de una idea. Se ha visto todavía hoy replicados. Tuvieron un gran éxito desde el primer
momento desde que los esculpió. Hizo una figura elegante con movimiento sutil, plegados de
movimientos, antorcha que simboliza el amanecer, ella esparce las rosas. Ella está casi dormida con
dos niños en los brazos, alegoría del sueño y de la muerte, lechuza que hace un corte vertical. Sus
compañeros pintores tomaron notas de sus propios relieves, uno de ellos lo hizo en pintura y en
grabado, en 1822.
 - Autorretrato, 1839. Bertel Thorvaldsen
- El león de Lucerna 1819-1821. Bertel Thorvaldsen.
- Cristo bendiciendo. 1821-1827. Bertel Thorvaldsen.
- Hebe (1806). OBRA DEL POWER
- Jasón y el toisón de oro OBRA DEL POWER
- Ganímedes ofreciendo la copa, (1804). OBRA DEL POWER
- Ganímedes dando de beber a Júpiter, (1817). OBRA DEL POWER
- IGLESIA DE NUESTRA SEÑORA DE COPENHAGUE. OBRA DEL POWER

David d’Angers o el clasicismo lírico (no está en el power)

- Realizador de retratos
Para él, el rostro se convierte en un espejo del alma interior. Su especialidad fue denominada “cabeza
de expresión”, el artista explora a través de rasgos físicos los distintos estados de ánimo humanos pero
en obras de músicos o escritores se ve más reflejada la personalidad. Refleja también una clara
influencia causada por los mármoles del Partenón por lo que comenzó a mostrar un clasicismo más
naturalista y sensible. Además de retratos realiza monumentos funerarios tanto relieves como
esculturas exentas. David d’Angers sabe conservar un interesante punto intermedio entre el
clasicismo y algunas de las concepciones románticas. Casi todas las realizaciones de la época suelen
considerarse románticas tanto por la libertad como por incluir entre ellas las de Géricault, Delacroix,
Friedrich, Goethe o Schiller. Era capaz de concebir su pasión por los retratos como un deber moral y
estético. Durante su estancia en la Academia francesa de Roma David debió conocer a James Pradier
aunque tenían muy poco en común. Mientras que a James Pradier se le suele considerar como un mero
epítome sin provenir del neoclasicismo.

Una vez promulgado el Antiguo Régimen, se comienzan a utilizar las tipologías procedentes del
mundo antiguo como el monumento ecuestre a causa del recuerdo de ilustres caballeros y monarcas
absolutos. Con la llegada del nuevo estado nacido de las revoluciones comenzaron a utilizar símbolos
externos asociados al poder pertenecientes a la Antigüedad. Uno de los principales escultores fue
Christian Daniel Rauch, autor de varios monumentos públicos algunos con ideales góticos y otros con
ideales clásicos con actitud germánica. En España, el academicismo clasicista estuvo muy implantado,
uno de los más destacados procedente de la generación neoclásica hispana es Antonio Solá, Manuel
Vilar i Roca, los llamados “escultores de cámara”, José Piquer caracterizado por un realismo
inspirado en la tradición imaginera y Ponciano Ponzano.

Uno de los temas más tratados durante la evolución del clasicismo y el siglo XIX fue el desnudo.
Estaba marcado por la influencia antigua ya que el desnudo constituye un prototipo clásico por
antonomasia. No obstante, como era de esperar, a lo largo del siglo sufrió transformaciones que lo
alejan del ideal clásico. Cayó en un proceso de arqueologismo y observación del natural que lo llevó a
perder importancia. Los escultores norteamericanos fueron los que menos prejuicios tuvieron a la hora
de adaptar la cultura europea. Uno de los ejemplos más destacados es Hiriam Powers con La Venus
pintada o James Pradier con la Odalisca sentada, relacionada con Ingres. Recurre entonces a todos
los componentes del eclecticismo.
THORVALDSEN.
ANTONIO CANOVA neoclasicismo.
En contraposición con Houdon, Canova sí representó héroes y genios en los que personifica valores
supremos, a veces los retrataba con trajes antiguos y tomaba préstamos de la antigua escultura
romana. Algunas de esas estatuas fueron para el Papa Clemente XIV, Leticia Bonaparte (como
Agripina), George Washington (como un general romano), Napoleón (figura desnuda y colosal).
Intentaba descubrir leyes elementales de la forma escultórica. Estuvo influido por un pintor y
arqueólogo escoces, Gavin Hamilton, observable en el dominio de un plan a la hora de crear una
composición, concepción y función.
Las obras de Canova son heroicas y están llenas de gracia al mismo tiempo, sin caer en la melosidad o
excesiva suavidad, esto se ve en el grupo de Eros y Psique.
Algunos monumentos funerarios de Canova revelan los ecos y la transformación de las ideas barrocas.
la solemnidad de su obra presenta un aspecto teatral. Paulina Borghese como Venus es el máximo
logro del arte de Canova, parte de un modelo clásico del que se aparta en mayor grado que en el resto
de obras.

Toda su producción está en razón de la búsqueda de una realidad tangible: el intento de convertir,
primero la arcilla, luego el mármol, en carne; dándoles autonomía propia, desligará sus figuras del
entorno físico

Datos Biográficos: Nació en Venecia, siempre tuvo dotes para la escultura, estudió aquí, en 24
instalado en Roma con la beca. En España tuvo una relación directa en 1815 con el rey, para decorar
las casas de las afueras de Madrid. Le habla de 8 esculturas, las cuales solo hace 4, las esculturas las
colocaba en hornacina, no concebía una escultura que no se pudiera ver desde cualquier punto de
vista. El rey tomó en consideración esto, en 1805 encargó a los 4 pensionados en roma esas esculturas.
Canova tenía una manera de terminar las esculturas, una vez acabado y pulido, le daba una
terminación de romper el blanco tan blanco de carrara, a lo largo de su carrera fue haciendo pruebas
para dar sensación de natural, usando hollín, y le gustaba usar el “agua di rotta”, donde colocaba los
instrumentos de hierro para que se limpiaran, el agua cogía un tono rojo y lo pasaba por toda la
escultura. Dejaba que los colaboradores le adelantaran el trabajo, fue un hombre enfermo, éxito social
increíble, les invitaban a todas las exposiciones, pero se enfermaba mucho y trabajaba mucho
también. No comía apenas, necesitaba mucho tiempo para recuperarse.
El planteamiento de belleza ideal es propio también, hace retratos idealizados, plantea ese concepto
con una belleza más distante, no fría, quiere que sea así, y para que el rostro sea menos expresivo, no
talla el iris de los ojos, no lo ha hecho en la escultura que estamos mencionando. Dejando la escayola
a sus colaboradores, nos falta un dato, qué es lo que sucede, alguien encarga a sus colaboradores la
segunda versión, la que tenemos hoy en el Museo del Prado
INFO ALGUNAS OBRAS: Canova tardaba semanas y meses en las esculturas, hacía varias a la vez,
llegó a hacer hasta cuatro versiones de una misma obra, sus colaboradores trabajan sobre modelos,
como la de Hebe, de 1825, la hizo en cuatro oportunidades, la idea de conocer las obras bien es
porque hay varias versiones. Mientras está trabajando está leyendo textos clásicos, porque considera
que debe conocerla bien. En 1815 hace esta obra de Venus y Marte y en 1822. Murió en Venecia en
1822, meses antes de entregar la obra. Se le entierra en Posanio, su cuerpo se entierra, pero su corazón
se deja en Venecia haciendo un monumento funerario. “Sacado de puntos”, sistema que utilizó
teniendo la escultura en escayola marcada con clavos de bronce, y las plomadas se iban dejando caer.
Estructura de madera encima del bloque de mármol entero. Mármol de Carrara es el material, por la
obsesión de conseguir el mismo resultado que los clásicos con el mármol blanco. Venus y Cupido
1807, hecha en España porque su autor nunca salió de este país, por tanto, el mármol es de España. La
idea de este grupo es lo que Canova entendía por arte neoclásico, vemos mitología, elegía casi
siempre el momento más dulce y amable, en este caso es el momento del amor. Tienen dos hijos, Eros
y Anteros (dios del amor y dios de la correspondencia). Ginés y Cupido, Amor y Psiquis. Esa visión
de la mitología siempre mira hacia la antigüedad, Canova sentía más admiración por la escultura
griega, en la cadera de Marte se ve la curva praxiteliana, también aprendió el estudio del desnudo, casi
siempre son de adolescentes, perfectos, gran sensualidad, es muy equilibrado. Tiene que ver el
equilibrio con el movimiento, siempre hace composiciones leves y muy elegantes, como el de ella de
las piernas, es muy sensual y movimiento muy leve. Elegancia que se ve perfectamente.

ROMANTICISMO
UNA APROXIMACIÓN A LA ESCULTURA ROMÁNTICA

- Preault
- David D’Angers
- James Pradier
- Antoine-Louis Barye
- François Rude

En el Salón de 1834, Auguste Préault presentó Tuerie, en ella hay reminiscencias visuales de La Balsa
de la Medusa y connotaciones religiosas. David d’Angers sabe conservar un interesante punto
intermedio entre el clasicismo y algunas de las concepciones románticas. Casi todas las realizaciones
de la época suelen considerarse románticas tanto por la libertad como por incluir entre ellos los de
Géricault, Delacroix, Friedrich, Goethe o Schiller. Era capaz de concebir su pasión por los retratos
como un deber moral y estético. Durante su estancia en la Academia francesa de Roma David debió
conocer a James Pradier aunque tenían muy poco en común. Mientras que a James Pradier se le suele
considerar como un mero epítome sin provenir del neoclasicismo. Antoine-Louis Barye hasta que no
entró en el taller del orfebre Fauconnier no empezaría a modelar los pequeños animales, la escultura
de animales, resucita de un género que desde la antigua Roma sólo esporádicamente había tenido un
cierto esplendor en el tardomanierismo con escultores como Tacca.
François Rude, es el escultor más importante de este momento aunque en su vida y en su obra la
política representa un papel importante. En Mercurio atándose las sandalias aladas se ve este
movimiento aunque no fue hasta 1830 que presentó Pescador napolitano desde un movimiento
romántico. Debió encontrar en alguna de las pinturas de la vida popular italiana que apelaban al gusto
romántico por gente y lugares lejanos. Rude fue el primero en aislar una figura de este repertorio y
convertirla en un tema principal. Su obra más importante es La Marsellesa.

FRANÇOIS RUDE

(RESUMEN BIOGRAFÍA INTERNET)Ingresó en la Academia de Dijón, donde estudió con Devosge. A

comienzos del siglo XVIII emprende un viaje a París, y colabora con Gaulle en la Columna de la Grande
Armée. Hacia 1814 se traslada a Bruselas y se encarga de varios proyectos de decoración, en los que pone de
manifiesto su estilo neoclásico. En 1828 regresó a París y ganó con El Pescador Napolitano la Legión de Honor.
En estos años emprende uno de los proyectos más ambiciosos; los esbozos para las esculturas de Arco del
Triunfo y comienza a esculpir el friso. Jacques Louis David fue uno de sus principales referentes artísticos. Fue
uno de los máximos representantes del clasicismo, aunque sus creaciones adquieren un tinte romántico. Decoró
numerosos edificios públicos como la Cámara de Diputados, donde esculpió la figura de Prometeo. Otra de sus
obras más célebres es El bautismo de Cristo, que realizó para la iglesia de la Madeleine. François Rude, es el
escultor más importante de este momento aunque en su vida y en su obra la política representa un
papel importante. En Mercurio atándose las sandalias aladas se ve este movimiento aunque no fue
hasta 1830 que presentó Pescador napolitano desde un movimiento romántico. Debió encontrar en
alguna de las pinturas de la vida popular italiana que apelaban al gusto romántico por gente y lugares
lejanos. Rude fue el primero en aislar una figura de este repertorio y convertirla en un tema principal.
Su obra más importante es La Marsellesa.
ANTOINE ETEX, ENTRE EL TARDO CLASICISMO Y EL ROMANTICISMO.

(biografía de internet por si pregunta) Étex fue alumno de Louis Dupaty, James Pradier,
Jean-Auguste-Dominique Ingres y Félix Duban. En el año 1829, obtuvo un segundo Premio de Roma
por la obra titulada Muerte de Jacinto, compartido con Joseph Brian. El Premio incluyó dos años de
estancia en Roma. Visitó Italia, Argelia, Córcega, España, Alemania e Inglaterra.
Expuso sus obras por primera vez en el Salón de París de 1833, entre ellas se incluían una
reproducción en mármol de su "Muerte de Jacinto", y el modelo en escayola del colosal grupo
escultórico de "Caín y su estirpe maldita por Dios". Dado el éxito alcanzado por esta obra Adolphe
Thiers, que era en ese tiempo ministro de obras públicas, le encargó en ese momento la ejecución de
dos grupos de y La Resistencia del pueblo francés contra los aliados en 1814 y La Paz de 1815,
adosados a la fachada este del Arco de Triunfo de París. Estos últimos , que le darían fama y
reputación, fueron presentados ejecutados en mármol en el Salón de 1839. En 1841 presentó en el
Salón de París la tumba de Géricault que le valdría para ser condecorado con la cruz de la Legión de
Honor.
ANTOINE-LOUIS BARYE ROMANTICISMO REALISTA FRANCÉS
Trabajó casi siempre el bronce, destacando sus esculturas de animales en lucha, para los que tomaba
apuntes realizados en el zoológico del Jardín de las Plantas de París. Aunque su material favorito fue
el bronce, también esculpió en piedra unos grupos escultóricos para el Louvre como La Paz, Fuerza,
Guerra y Orden.1​
Entre 1864 y 1865, colaboró con el arquitecto Viollet-le-Duc, en el monumento conmemorativo
erigido en memoria de Napoleón Bonaparte y sus cuatro hermanos. El proyecto fue un encargo de
Napoleón III. El conjunto está formado por una estatua ecuestre de Napoleón, obra de Antoine Louis
Barye; Las estatuas que representan a Luis y José son obra de Jean Claude Petit, las de Lucien y
Jérôme Bonaparte de Émile Thomas y Jacques Léonard Maillet respectivamente. El monumento se
levanta en la plaza del general de Gaulle de Ajaccio

MODERNISMO/IMPRESIONISMO
RODIN ESCULTURA MODERNA.
Escultura el beso: Escultura sensual más conocida, cuanto más se aprecia, más parece de carne y
hueso, ha tenido varias etapas, entre ellas detestada por el propio autor. Ha inspirado y provocado
otros artistas. Es el momento en que el romance se transforma en erotismo. Hay muchas versiones de
esta obra. El beso está casi escondido, el verdadero erotismo es aquello que no muestra del todo, como
en esta ocasión. Se sitúa entre una época y la siguiente, es crucial, por un lado, hace que seas
consciente de la tradición clásica de Grecia y roma, y, por otro lado, constituye el inicio de la
escultura moderna.
Es un reflejo claro de la posición del artista en la historia, Rodin se considera mejor escultor desde
Miguel Ángel, es tan conocido por su obra como su apetito sexual. El beso podría ser el inicio de un
viaje erótico. Fue rechazado tres veces por la Real Academia de Bellas Artes. A los 35 se marchó a
Italia en búsqueda de la obra de MA. Le llamaba toda la atención, sobre todo ante los esclavos, figuras
aparentemente inacabadas. Se sintió fascinado también por las puertas del baptisterio de Florencia,
puertas del palacio de ghiberti, organizadas en paneles.
Con la aparición sincrónica de dos escultores, el francés Rodun y el alemán Hildebrand, permitió la
consolidación de modo definitivo el camino hacia una clara renovación. El primero con su obra y el
segundo con su teoría, ejercieron una influencia decisiva en todo referido a un cambio radical de
actitudes el cual estaba abiertamente declarado al Realismo y al Ilusionismo. Es una búsqueda de la
escultura autónoma y la renuncia definitiva de la dependencia de la pintura. El principi de reforma
escultórica de Hildebrand estaba ligada a la reflexión intelectual. Sin embargo, Auguste Rodin llevó
una carrera diferente. La Edad de Oro, enviada al salón de 1877, llevó a Rodin a atraer público y
elogios. Sus proporciones recuerdan al David en bronce de Donatello y la posición y la expresión
facial tienen una deuda evidente con el Esclavo moribundo de Miguel Ángel. Según cuenta Kenneth
Clark, Rodin siempre intentó excluir la Edad de Oro de sus exposiciones ya que decía que no tenía la
suficiente fuerza. La representación de Un hombre andando, encarnó casi todas las cualidades de la
estatuaria de Rodin. La década de 1880 fue la más creativa puesto que, realizó una serie de bustos que
representaban a conocidas figuras literarias o artísticas que eran amigos suyos. Además, va a recibir
un encargo por parte del Estado de hacer un portal esculpido para el Museo de Artes Decorativas de
París. Durante varios años continuó modificando y haciendo añadidos a su modelo. Rodin escogió el
Infierno de Dante como tema sin conocer la obra completa.
Los conocimientos que a partir de aquí quiso acumular fueron siempre fragmentarios y asistemáticos.
En las Puertas del Infierno, Rodin nos da lo mejor y lo peor de sí mismo. Lo peor porque incide
inevitablemente en el manierismo de la escultura arquitectónica decorativa y porque además se
empeña en ilustrar una angustia espiritual que en absoluto sintió personalmente y que tomó prestada
de sus amigos literatos. Lo mejor, porque este proyecto acabó siendo el tipo de obra más idónea para
su indiscutible genio.
Al principio, Rodin imaginó Las Puertas como un portal en sí, como Las Puertas del Paraíso de
Ghiberti. Sin embargo, pronto abandonó esta idea de elaborados rectángulos y creó en su lugar dos
paneles cavernosos con un fondo, turbulento y escarpado, que podía absorber, así como expulsar, a
una multitud de figuras.
En 1884, Rodin supo del interés, por parte del gobierno de la ciudad de Calais, por erigir un
monumento a Eustache de St. Pierre que se había entregado, junto con otros cinco importantes
ciudadanos, al rey Eduardo III como rehenes a cambio de los cuales se levantaría el sitio de Calais
que habían impuesto los ingleses en 1347. Lo que más atraía a Rodin era la idea de realizar un
monumento dedicado a un grupo de personas y no a un solo individuo aunque para realizarlo se centró
en la reacción individual de cada personaje representado. Tras varias discusiones y pormenores, el
significado final de la obra cambió por completo, dejando de representar un acontecimiento concreto
y pasando a representar un monumento a las dificultades humanas y a sus reacciones distintas, que
son profundamente conmovedoras por su complejidad emocional, aunque por esa misma razón es un
monumento privado y no público.
Cuando la sociedad de hombres de letras decidió patrocinar un monumento a Honoré de Balzac en
1890, realizó el encargo principal a Chapu quien tan sólo creó el modelo preparatorio bastante
convencional de un Balzac sentado antes de morir en 1891. Emile Zola, presidente de la sociedad
pidió a Rodin la realización del encargo acordando terminar este en 1893 aunque lo entregó 5 años
después. El aspecto de Balzac era conocido públicamente a causa de numerosas caricaturas, cuadros
y la escultura de David D’Angers. El parecido físico no suponía un gran problema pero Rodin quería
ir más allá de la capa superficial y buscar una forma de modelar toda la personalidad de Balzac y
hacerlo sin añadidos de figuras alegóricas. El único elemento común en todas es que Balzac está de
pie. Lo representa sin atuendo y es rechazado por la sociedad, Rodin le añade posteriormente una
austera bata que se ponía de noche mientras trabajaba dejando que la atención se concentre en la
cabeza maciza.