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C.I. 28.561.005
Escuela #48
Arts Nouveau
Cada movimiento artístico ha tenido una explicación y un por qué referente a su
nombre o aquellos términos que se han elegido para designarlo.
En el caso de este estilo artístico, encontramos la particularidad que
oficialmente en Francia y en el resto del mundo ha sido conocido como Art
Nouveau pero luego el nombre varía dependiendo de la región. Sin embargo,
internacionalmente se lo conoce así y esto hace referencia a la idea de que el
mismo representó un estilo de arte nuevo, moderno, renovado en comparación a
lo que se venía exponiendo en la época en la que surgió.
Cuando hablamos del origen de este estilo, debemos situarnos especialmente
en la Europa de fines del siglo XIX y principios del XX, más específicamente entre
1890 y 1910.
Art Nouveau tomó su nombre de la Maison de l’Art Nouveau (Casa del Arte
Nuevo), una galería de arte abierta en 1895 por el marchante de arte franco-
alemán Siegfried Bing que presentó el nuevo estilo. En Francia, el Art Nouveau
también fue llamado a veces por el término británico «Estilo moderno» debido a
sus raíces en el movimiento Arts and Crafts, Style moderne, o Style 1900.
También a veces se lo llamó Style Jules Verne, Le Style Métro (después de Hector
Entradas de metro de hierro y vidrio de Guimard), Art Belle Époque y Art fin de
siècle.
Esta obra es un grabado en madera de una alta calidad artesanal que sirve de
base para la impresión de la portada del libro de Wren. Un grabado en el que
Mackmurdo recrea formas naturalistas y abstractas empleando para ello las
características formas curvas típicas del modernismo. La portada se adorna con
imágenes vegetales y florales que decoran y aportan movimiento e imprimen
energía al conjunto.
Víctor Horta
Gante, Bélgica, 1861 - Bruselas, 1947) Arquitecto belga. En los inicios de su
carrera, a partir de 1893, creó un lenguaje original, basado en el predominio de la
línea curva y en la integración de los elementos arquitectónicos y decorativos, con
lo que se convirtió, junto con Henry Van de Velde, en uno de los pioneros y
principales representantes del modernismo arquitectónico en Bélgica, como lo
fueron Antoni Gaudí en España u Otto Wagner en Austria. En la Casa Tassel, en
Bruselas, su primera realización, se advierte ya esta orientación estilística, que
culminó en el Casa Solvay, caracterizada por una original decoración diseñada por
él mismo e inspirada en motivos vegetales.
La Casa Tassel fue en su momento una obra rupturista que generó una viva
polémica entre la sociedad de Bruselas. En ella conviven armónicamente
estructura y ornamentación, sobre la base de los materiales más modernos de su
época, el vidrio y el hierro, que por primera vez eran utilizados en una vivienda
particular. Otra de las innovaciones que aporta el arquitecto es la distribución de la
planta del edificio: Víctor Horta sustituyó el formato típico de los vestíbulos de las
casas belgas, un pasillo, por un espacio octogonal más amplio.
En 1897 dirigió las obras de la Casa del Pueblo, edificio destinado a albergar
las oficinas del sindicato de trabajadores socialistas, en el que consiguió de nuevo
una estrecha relación entre estructura y decoración. Un buen ejemplo de ello es la
ornamentación del techo de la planta de oficinas, que está dibujada por las
mismas vigas de sustentación. Víctor Horta evolucionó posteriormente hacia una
mayor sobriedad y, tras una estancia en Estados Unidos a comienzos del siglo XX,
pasó a cultivar una arquitectura purista con la que no logró tanto éxito como había
obtenido con sus edificios modernistas.
Esta construcción se realizó entre los años 1892 y 1893 en Bruselas, Bélgica.
Una vivienda unifamiliar en la que Horta empleó materiales como la cerámica, la
madera, el vidrio, el hierro o la piedra. La obra se convirtió en una de las primeras
construcciones en plasmar y materializar los principios del Modernismo.
Henri de Toulouse-Lautrec
(Albi, Francia, 1864 - Malromé, id., 1901) Pintor, dibujante y cartelista francés.
Fue uno de los artistas más representativos de la bohemia parisiense finisecular,
cuyos personajes y ambientes reflejó en sus cuadros con una insólita libertada
creativa, preludiando las nuevas tendencias del arte contemporáneo. Toulouse-
Lautrec se relacionó, entre otros creadores, con Vincent van Gogh, Pierre Bonnard
y Paul Gauguin, y de este último tomó algunos rasgos estilísticos, como el uso de
los contornos pronunciados. Pero las obras que más influyeron en su peculiar
estilo fueron las de Edgar Degas y las estampas japonesas ukiyo-e. Del grabado
japonés tomó la liberación del color de toda función descriptiva, su extensión en
amplias superficies y la línea sinuosa, mientras que de los maestros del
impresionismo admiraba especialmente la captación de la realidad inmediata.
Este parque está integrado en el paisaje que se destaca por sus columnas
inclinadas, excavadas de forma aparentemente tosca en las laderas e
introduciendo la naturaleza al cubrirlas con enredaderas. Una de sus señas más
llamativas e icónicas son los bancos serpenteantes decorados con pequeños
fragmentos de baldosas cerámicas, una seña distintiva de la artesanía catalana.
Las formas onduladas, los arcos, los mosaicos son todos típicos del Art Nouveau
catalán, en los que participan equipos de artesanos especializados.
Lo que trajo el movimiento y fue toda una revolución, fue acabar con lo clásico,
incorporo estructuras orgánicas con la “línea látigo” del Art Nouveau. Nace en vista
que los arquitectos no tenían quien plasme sus ideas en el mobiliario que se
integraría a su construcción, por lo que tuvieron que diseñarlos ellos mismos y
buscar la manera de hacerlo; pero con los materiales que trajo la revolución
industrial, facilitaron la fabricación a los nuevos diseñadores y los incentivaron,
estos fueron el hierro y el vidrio.
El aporte del Art Nouveau fueron las estructuras orgánicas, fue un medio de
potenciar la inspiración de los artistas, que les da una nueva perspectiva del
diseño y mayores oportunidades de mostrar su creatividad; eso sí, tomando en
cuenta siempre la funcionalidad, la estética y los materiales a usar.
Las raíces del Art Deco se encuentran en la tradición artesanal y las artes
decorativas francesas, y en Francia el "nuevo" estilo incorporó gran parte del
pasado. El Art Deco es a menudo interpretado como una reacción formal contra
las tendencias curvilíneas del Art Nouveau, sobre todo por su amplio uso de las
formas rectilíneas y la geometría en todos los géneros del diseño.
En el diseño gráfico, el estilo Art Deco era una mezcla ecléctica donde
predominaban las formas rectilíneas y geométricas, las líneas en zigzag se
tomaron tanto del baile popular asociado al Charleston como de los zigurats de
Egipto, país que recibió considerable atención tras el descubrimiento de la tumba
de Tutankamón en 1922.
De hecho gran parte de la obra gráfica asociada al Art Decó fue producida
después de 1925, los "livres d'artistes" y los catálogos de exhibición eran parte de
una elegante tradición tipográfica francesa. A finales de 1920 se produjo un
movimiento general hacia la utilización de grandes titulares en las cabeceras de
las revistas y espaciados generosos con cenefas y motivos egipcios usados como
decoración en los bordes. Como ejemplo de los tipos de letra asociados al estilo
Art Nouveau están la Noir Bifur (1929) y la Acier (1936), ambas diseñadas por
A.M. Cassandre.
El Art Deco se enfrenta muy a menudo con los principios de la modernidad que
buscaba un diseño funcional a través del uso mínimo de materiales y enfatizaba la
producción industrial y la estandarización, además el historicismo, el eclecticismo
y la aparente superficialidad del Art Deco fueron mal vistos por los modernistas,
tanto por razones estéticas como por razones políticas.
Características Compositivas
No presenta exuberancia y exageración como sí lo hacía el Art Nouveau ya
que el contexto sociopolítico de la época de entreguerras era muy complejo
y suponía una búsqueda de la simplicidad y de las formas más autenticas
antes que del lujo y del gasto.
Buscó la decoración por encima de la funcionalidad.
La característica principal de esta modalidad de arte básicamente es la
geometría vigente del cupo, es decir, para entenderlo mejor se basa en la
línea recta, la esfera y los zigzags que son una técnica imprescindible.
Las formas son más simples y planas, el interés por la belleza y el arte
nunca fueron dejados de lado.
Intenta representar diversas abstracciones que muestren la naturaleza con
sus fluidos acuáticos, nubes ondulantes y rayos luminosos producidos por
el sol.
Usa imágenes de fuentes congeladas de manera ascendente.
Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la
velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas.
También representaban elementos fitomorfos se utilizan las flores, los
cactus, las palmeras, representados por medio de delineaciones
geométricas.
Comienza a usar nuevos materiales como por ejemplo son el plástico, la
madera de ébano, el cromo, las pinturas naturales de zapa, de tiburón,
entre otros materiales menos utilizados es otros estilos como la baquelita, el
cromo, el palisandro y el carey.
En la arquitectura, además de usarse de forma continua las figuras
geométricas, entre estas formas geométricas es común encontrar rayos o
líneas oblicuas, círculos, arcos de medio punto, puntas redondeadas,
triángulos, líneas rectas. También se recurre a los acabados
escalonadamente y con proas marítimas que son los que sostienen los
mástiles. Además de usar puertas ochavadas, arcos y utiliza diversos y
lujos materiales como puede ser el aluminio, el mármol y el granito.
La utilización de figuras humanas. Estas figuras representaban hombres
obreros, gimnastas y en general los habitantes de la época, aunque
también hacia una grata representación de mujeres que eran participes de
la producción económica e iban vestidas con una moda mucho más
atrevida y con el pelo corto a modo de chico, además en diversas
representaciones de mujeres estas fumaban y eran participes de cocteles,
por lo tanto se podía presentir que la mujer estaba dotada de una gran
libertad.
Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas azteca, maya
o inca y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos
arqueológicos de Egipto, mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos o
indios.
Jean Dupás: desarrolló un estilo abstracto altamente personal que con sus
alargamientos y sus expresiones deshumanizadas, supo captar con gran
precisión el espíritu de la época.
El diseño industrial hizo un nombre para sí mismo durante la era de Art Deco.
Durante los años 30, las compañías de fabricación comisionaron los consultores
del diseño industrial producir una variedad de mercancías. Influenciado por
esfuerzos de desarrollar un automóvil más aerodinámico, los diseñadores
industriales adoptaron las formas aerodinámicas para un número de objetos.
Hecho de los últimos materiales, tales como plásticos, cromo y aluminio, las
mercancías domésticas tenían una mirada moderna, alta de la velocidad y estaban
disponibles para cada uno debido a la producción en masa. En la arquitectura, la
obsesión del Art Déco por el diseño se refleja en el efecto decorativo más que en
la estructura, en oposición al funcionalismo.
Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrene, André Groult, André Mare y Louis Sue tomó
parte, la presentación de nuevas obras que actualizan los estilos tradicionales
francesas de Luis XVI y Louis Philippe con más angular esquinas inspirados en el
cubismo y colores más brillantes inspirados en el fauvismo y los Nabis.
Jules Leleu fue un diseñador de muebles tradicionales que se movió
suavemente en Art Deco en la década de 1920; diseñó el mobiliario para el
comedor del Palacio de Elíseo.
https://www.hisour.com/es/history-of-art-nouveau-27653/
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http://www.historiadisgrafico.com/el-art-deco.html
https://www.admagazine.com/arquitectura/art-deco-el-movimiento-inspirado-en-
las-primeras-vanguardias-20200803-7211-articulos