UNIVERSIDAD GALILEO

FACOM
CURSO: TENDENCIAS CONTEMPORÁNEAS DEL ARTE
CARRERA: LICENCIATURA EN CUMUNICACIÓN Y DISEÑO

Guía No 4
Tendencias Contemporáneas del arte y el diseño

Nombre: _Carlos Enrique Vargas González_____________ Sección: _H1_____________

Instrucciones: Desarrolla los siguientes temas que a continuación se presentan.

No olvides que pronto serás un Licenciado en COMUNICACIÓN Y DISEÑO
GRÁFICO, por lo tanto, te recuerdo que en tus guías debes ilustrar tus textos
Al finalizar envíala al ges en la fecha indicada por el catedrático

1. Ubica cronológicamente al Modernismo artístico

El Modernismo artístico fue un movimiento cultural y artístico que tuvo lugar

aproximadamente desde finales del siglo XIX hasta mediados del siglo XX. Sin
embargo, es importante tener en cuenta que el Modernismo no tiene una fecha de
inicio o finalización precisa, ya que se desarrolló de manera diferente en diversas
disciplinas artísticas y en diferentes partes del mundo.

En el contexto de las artes visuales y la pintura, el Modernismo artístico se puede

dividir en varios períodos y corrientes, que incluyen el Impresionismo, el
Postimpresionismo, el Cubismo, el Expresionismo, el Surrealismo y muchas otras
corrientes innovadoras.

Impresionismo: Finales del siglo XIX (década de 1870) - principios del siglo XX.
Postimpresionismo: Finales del siglo XIX (década de 1880) - principios del siglo
XX (hasta alrededor de 1910).
Cubismo: Inicios del siglo XX (desde
aproximadamente 1907 hasta la década de
1920).
Expresionismo: Inicios del siglo XX (alrededor
de 1905) - década de 1920.
Surrealismo: Década de 1920 en adelante.
 2. ¿Qué clase social se identifica como los protagonistas del Modernismo?

Los protagonistas del Modernismo artístico

no se limitan a una clase social específica,
ya que este movimiento artístico abarcó
una amplia gama de artistas y creadores de
diferentes orígenes y clases sociales. Sin
embargo, en algunas ocasiones, se asocia
con la burguesía urbana, que estaba
experimentando cambios significativos en
la época.

3. Concepto de utopía dentro del arte

El concepto de utopía dentro del arte se refiere a

la representación de visiones idealizadas y
perfectas en la obra artística. Estas visiones a
menudo buscan expresar un mundo mejor, ya sea
en términos sociales, políticos, culturales o
estéticos. Las utopías artísticas pueden ser una
crítica a la realidad actual o una exploración de
posibilidades futuras.

4. ¿Qué relación encuentras entre el Modernismo y la industrialización del

mundo?

La relación entre el Modernismo artístico y la industrialización del mundo es

compleja y multifacética. La industrialización, que se produjo principalmente en
Europa y América del Norte durante el siglo XIX, tuvo un impacto significativo en la
sociedad, la economía y la cultura, y esto se reflejó en los movimientos artísticos
modernistas de la época. Aquí hay algunas formas en las que la industrialización
influyó en el Modernismo:

Cambio en la Vida Urbana: La industrialización llevó a un rápido crecimiento de

las ciudades y a cambios en el estilo de vida urbano. Los artistas modernistas
capturaron estos cambios en sus obras, representando la vida en las calles, la
arquitectura moderna y la agitación de las ciudades industriales.

Nuevos Materiales y Tecnologías: La industrialización introdujo nuevos materiales

y tecnologías, como el acero, el vidrio y la máquina de vapor. Estos materiales
inspiraron a los artistas a experimentar con nuevas formas y técnicas en la escultura
y la arquitectura, llevando al surgimiento de movimientos como el Art Nouveau y el
Art Decó.

Romanticismo y Crítica Social: La industrialización también dio lugar a una

reacción artística contra la mecanización y la urbanización desenfrenada. Muchos
artistas modernistas, influenciados por el Romanticismo, expresaron una nostalgia
por la naturaleza y una crítica a la alienación humana en un mundo cada vez más
industrializado.

Cambio en la Percepción del Tiempo y el Espacio: La industrialización aceleró

el ritmo de vida y cambió la percepción del tiempo y el espacio. Esto se reflejó en
movimientos como el Cubismo y el Futurismo, donde los artistas experimentaron
con la representación simultánea de múltiples perspectivas y el movimiento
dinámico.

Impacto en la Cultura de Masas: La industrialización también contribuyó al

surgimiento de la cultura de masas, con la producción en masa de objetos y medios
de comunicación. Esto influyó en el Dadaísmo y el Surrealismo, movimientos que
desafiaron las normas culturales y jugaron con la idea de lo irracional y lo absurdo.
 5. ¿Cuál fue el impacto entre la tecnología y el arte?

La tecnología tuvo un impacto significativo en el arte modernista. La invención de la

fotografía, la electricidad y el cine, entre otros avances tecnológicos, influyó en la
forma en que los artistas creaban y presentaban sus obras. Estos avances
tecnológicos permitieron nuevas formas de expresión artística y exploración de la
percepción visual.

6. ¿Cuál fue el aporte tecnológico que trajeron los migrantes europeos a

América, detalla: ingleses, irlandeses, italianos, polacos y judíos

Los migrantes europeos contribuyeron de diversas maneras a la tecnología en

América:
• Los ingleses aportaron a la industrialización y la expansión de la
infraestructura ferroviaria.

• Los irlandeses desempeñaron un papel importante en la

construcción de canales y carreteras.

• Los italianos contribuyeron en campos como la construcción, la

gastronomía y la música.

• Los polacos hicieron contribuciones en la industria manufacturera

y la minería.

• Los judíos se destacaron en diversos campos, incluyendo la

ciencia, la medicina y el negocio.
 7. Hechos sociales que dieron paso al Modernismo

Los hechos sociales que dieron paso al Modernismo incluyen la urbanización

acelerada, la industrialización, la agitación política y social, y la búsqueda de nuevas
formas de expresión artística en respuesta a los cambios en la sociedad.

8. Características del Modernismo literario

Las características del Modernismo literario incluyen la búsqueda de la originalidad,

el rechazo de las convenciones literarias tradicionales, el énfasis en la subjetividad,
el simbolismo, la experimentación con la forma y el lenguaje, y la preocupación por
temas como el existencialismo, la alienación y la crisis de identidad.
 9. ¿Cómo impactó el Modernismo en Francia y su relación con los principios
de la revolución francesa

El Modernismo tuvo un impacto significativo en Francia, influyendo en la literatura,

la pintura, la música y la arquitectura. Aunque Francia ya había experimentado
movimientos artísticos importantes, como el impresionismo, el Modernismo trajo un
enfoque en la subjetividad y la experimentación formal. La relación con la
Revolución Francesa radica en la búsqueda de la libertad y la expresión individual,
que también fueron valores fundamentales en la Revolución.

10. ¿Característica del Art Noveu

El Art Nouveau es un estilo artístico que se caracteriza por líneas curvas y formas
orgánicas inspiradas en la naturaleza, así como la decoración detallada y el uso de
motivos florales. También enfatiza la sinuosidad y la elegancia en el diseño. Fue
una reacción al historicismo y a la producción en masa de la Revolución Industrial.
 11. Características y obras trascendentales del arte en metal y en vidrio, bien
combinadas

El arte en metal y vidrio bien combinados se puede observar en el Art Nouveau,

donde se utilizan estos materiales para crear lámparas, muebles y otros objetos
decorativos. Obras trascendentales de este período podrían incluir la lámpara
Tiffany y las creaciones de Émile Gallé, conocido por su trabajo en vidrio y muebles
con elementos naturales.

12. Breve historia de la construcción de la Torre Eiffel

La Torre Eiffel, ubicada en París, Francia, fue construida como la pieza central de
la Exposición Universal de 1889 para celebrar el centenario de la Revolución
Francesa. Diseñada por el ingeniero Gustave Eiffel, la construcción comenzó en
1887 y se completó en 1889. La torre de hierro forjado tiene una altura de 324
metros y se convirtió en un ícono de la arquitectura y la ingeniería. Originalmente,
la Torre Eiffel fue criticada por algunos, pero con el tiempo se ha convertido en un
símbolo reconocido en todo el mundo de Francia y su capital, París.
 13. Datos biográficos de:

Rubén Darío:

• Fecha de nacimiento: 18 de enero de 1867.

• Lugar de nacimiento: Metapa, hoy conocida
como Ciudad Darío, Nicaragua.
• Fecha de fallecimiento: 6 de febrero de
1916.
• Lugar de fallecimiento: León, Nicaragua.
• Rubén Darío es conocido por su influencia
en la poesía en lengua española y por su
contribución al Modernismo, un movimiento
literario que buscaba la renovación y la
innovación en la poesía y la literatura en
general. Sus obras más destacadas
incluyen "Azul..." (1888), "Prosas Profanas"
(1896) y "Cantos de vida y esperanza"
(1905). Su poesía se caracteriza por su
lenguaje elegante, su uso de metáforas y su
influencia de la estética simbolista.

b. José Martí:

• Fecha de nacimiento: 28 de enero de 1853.

• Lugar de nacimiento: La Habana, Cuba.
• Fecha de fallecimiento: 19 de mayo de 1895.
• Lugar de fallecimiento: Dos Ríos, Cuba.
• José Martí es conocido por su incansable
lucha por la independencia de Cuba y su
defensa de los valores de la libertad y la
justicia. Sus obras literarias y periodísticas
desempeñaron un papel importante en la
promoción de la causa independentista
cubana. Algunas de sus obras más notables
incluyen "Versos Sencillos" y "Ismaelillo".
c. José Asunción Silva:

• Fecha de nacimiento: 27 de noviembre de

1865.
• Lugar de nacimiento: Bogotá, Colombia.
• Fecha de fallecimiento: 23 de mayo de 1896.
• Lugar de fallecimiento: Bogotá, Colombia.
• José Asunción Silva es famoso por su
poesía melancólica y la exploración de
temas como la fugacidad de la vida, el amor,
la muerte y la soledad. Sus obras a menudo
reflejan una profunda sensibilidad y una
comprensión de la belleza efímera de la
existencia humana. Algunas de sus obras
más conocidas incluyen "Nocturno" y
"Versos a la Muerte".

d. Julio Herrera:

• Fecha de nacimiento: 25 de enero de

1875.
• Lugar de nacimiento: Montevideo,
Uruguay.
• Fecha de fallecimiento: 18 de marzo de
1910.
• Lugar de fallecimiento: Montevideo,
Uruguay.
• Julio Herrera Reissig es conocido por su
contribución al modernismo y al
movimiento de vanguardia en la poesía
latinoamericana. Fue un poeta
experimentador que desafiaba las
normas poéticas tradicionales y buscaba
la innovación en su trabajo. Algunas de
sus obras más conocidas incluyen "Los
Parques" y "Las violetas del Anáhuac".
e. Leopoldo Lugones:

• Fecha de nacimiento: 13 de junio de

1874.
• Lugar de nacimiento: Villa de María del
Río Seco, Córdoba, Argentina.
• Fecha de fallecimiento: 18 de febrero de
1938.
• Lugar de fallecimiento: Buenos Aires,
Argentina.
• Leopoldo Lugones es considerado uno
de los poetas y escritores más
influyentes en la literatura argentina y
latinoamericana de su tiempo. Es
conocido por su obra poética, sus
ensayos y sus relatos. Su poesía abarcó
desde el modernismo hasta el
vanguardismo, y se caracterizó por su
experimentación con el lenguaje y la
forma.

f. Amado Nervo:

• Fecha de nacimiento: 27 de agosto de

1870.
• Lugar de nacimiento: Tepic, Nayarit,
México.
• Fecha de fallecimiento: 24 de mayo de
1919.
• Lugar de fallecimiento: Montevideo,
Uruguay.
• Amado Nervo es conocido por su poesía
lírica y sus escritos de carácter romántico
y espiritual. A lo largo de su vida, trabajó
como diplomático y periodista, lo que le
permitió viajar y vivir en varios países,
incluyendo México, España y Uruguay.
g. Rafael Arévalo Martínez:

• Fecha de nacimiento: 15 de abril de

1884.
• Lugar de nacimiento: Guatemala
City, Guatemala.
• Fecha de fallecimiento: 12 de marzo
de 1975.
• Lugar de fallecimiento: Ciudad de
Guatemala, Guatemala.
• Rafael Arévalo Martínez es
reconocido por su poesía, ensayos
y narrativa, y se destacó como uno
de los exponentes del Modernismo
literario en América Latina. Al igual
que otros modernistas, su trabajo se
caracterizaba por la búsqueda de la
belleza, la sensibilidad artística y la
experimentación con el lenguaje.

h. Enrique Gómez Carrillo:

• Fecha de nacimiento: 27 de febrero

de 1873.
• Lugar de nacimiento: Ciudad de
Guatemala, Guatemala.
• Fecha de fallecimiento: 9 de octubre
de 1927.
• Lugar de fallecimiento: París, Francia.
• Enrique Gómez Carrillo es conocido
por su trabajo como escritor y
periodista. Fue una figura prominente
en el Modernismo literario y jugó un
papel fundamental en la difusión de la
literatura y la cultura latinoamericana
en Europa. Vivió en varias ciudades
europeas, incluyendo París, Madrid y
Roma, donde mantuvo relaciones con
destacados escritores, artistas y
figuras literarias de la época.
 14. Concepto de Vanguardismo

El Vanguardismo es un movimiento artístico y literario que se caracteriza por la

búsqueda de la innovación, la experimentación, la ruptura con las convenciones
establecidas y la exploración de nuevas formas de expresión. En el contexto de la
literatura y las artes visuales, el Vanguardismo tiende a desafiar las normas
tradicionales y a menudo busca reflejar los cambios sociales y culturales de la
época.

15. ¿Qué acontecimiento social provocó el nacimiento del Vanguardismo?

El Vanguardismo se originó en el contexto de importantes transformaciones sociales

y culturales de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. La industrialización, la
urbanización, los avances tecnológicos, las tensiones políticas y los cambios en la
percepción de la realidad desempeñaron un papel importante en el nacimiento de
este movimiento.
 16. Identifica las 4 etapas del desarrollo del Vanguardismo

El desarrollo del Vanguardismo se puede dividir en cuatro etapas principales:

• Vanguardia histórica: Esta etapa se desarrolló a fines del siglo XIX y

principios del XX, y se caracteriza por la introducción de nuevas formas de
expresión y la ruptura con las convenciones artísticas tradicionales.
Movimientos como el simbolismo y el impresionismo fueron precursoras del
Vanguardismo.

• Vanguardia clásica: Esta etapa se desarrolló a

principios del siglo XX y se caracteriza por la
consolidación de los movimientos
vanguardistas, como el futurismo, el dadaísmo,
el expresionismo y el cubismo. Estos
movimientos abogaban por la experimentación
y la innovación en las artes.

• Vanguardia de entreguerras: Durante el período

de entreguerras (1918-1939), se produjo una
intensificación de la experimentación artística y
literaria, con movimientos como el surrealismo
y el constructivismo. Estos movimientos
reflejaron el impacto de la Primera Guerra
Mundial y la crisis social de la época.

• Vanguardia posterior a la Segunda Guerra Mundial: Después de la Segunda

Guerra Mundial, surgieron nuevas tendencias vanguardistas, como el
informalismo y el expresionismo abstracto, que reflejaban las consecuencias
de la guerra y la Guerra Fría.

17. Enumera las 10 Vanguardias, reconocidas como movimiento artístico

• Futurismo
• Dadaísmo
• Expresionismo
• Cubismo
• Surrealismo
• Constructivismo
• Suprematismo
• Abstracción geométrica
• Informalismo
• Expresionismo abstracto
Estimado Licenciado Joaquín,

Atentamente me dirijo a usted con la intención de reiterar mis más sinceras

disculpas por no enviar la guía 3 en tiempo y forma. Realmente la situación me
sobrepaso, ya que tuve que llevar de emergencia a mi sobrina de 2 meses al hospital
por problemas respiratorios, los cuales derivaron en una neumonía y al encontrarse
mi hermano en ese momento fuera del país tuve que ser yo quien se hiciera cargo
de la situación.

Como le comenté en mi correo, hice mi guía con mucho esmero y dedicación, como
suelo hacerlo, y en el momento de estrés olvide por completo que solo me hacia
falta enviarla y lo recordé aproximadamente 1 hora y media después del limite
establecido en GES

Le ruego me disculpe por tomar más de su tiempo y a la vez le solicito me sea

considerada la guía 3 con todas las penalizaciones que usted considere pertinentes.

Realmente mi intención es no afectar mi promedio ya que cada punto es muy

valioso.

Adjunto le envío la guía para que usted pueda verificarla.

De ante mano le agradezco de corazón su tiempo y disposición para con mi

solicitud.

Atentamente

Carlos Vargas
UNIVERSIDAD GALILEO
FACOM
CURSO: TENDENCIAS CONTEMPORÁNEAS DEL ARTE
CARRERA: LICENCIATURA EN CUMUNICACIÓN Y DISEÑO

Guía No 3
Tendencias Contemporáneas del arte y el diseño

Nombre: __Carlos Enrique Vargas González_____________ Sección: __H1____________

Instrucciones: Desarrolla los siguientes temas que a continuación se presentan.

No olvides que pronto serás un Licenciado en COMUNICACIÓN Y DISEÑO
GRÁFICO, por lo tanto, te recuerdo que en tus guías debes ilustrar tus textos
Al finalizar envíala al ges en la fecha indicada por el catedrático

1. ¿De qué naciones proviene el movimiento artístico del romanticismo?

El movimiento artístico del Romanticismo surgió a finales del siglo XVIII y principios
del siglo XIX en Europa, especialmente en Alemania y el Reino Unido, y se extendió
a otras naciones europeas y más allá. Algunas de las naciones más influyentes en
el desarrollo del Romanticismo incluyen:

Alemania:
Sturm und Drang: Un movimiento literario precursor del Romanticismo surgió en
Alemania en la segunda mitad del siglo XVIII. Autores como Johann Wolfgang von
Goethe y Friedrich Schiller fueron figuras prominentes en este movimiento.
Reino Unido:
Inglaterra: Artistas y escritores británicos jugaron un papel crucial en el desarrollo
del Romanticismo. Poetas como William Wordsworth, Samuel Taylor Coleridge y
Lord Byron, y pintores como J.M.W. Turner, fueron influyentes en este período.

Francia:
Francia: Aunque Francia estaba más centrada en movimientos artísticos como el
Neoclasicismo durante gran parte del siglo XVIII, el Romanticismo también dejó su
huella en la literatura y el arte francés. Escritores como Victor Hugo y pintores como
Eugène Delacroix son ejemplos notables.
España:
España: El Romanticismo llegó a España a principios del siglo XIX. Escritores como
Gustavo Adolfo Bécquer y José de Espronceda fueron figuras clave en la literatura
romántica española.

Italia:
Italia: Aunque Italia fue un centro importante del Renacimiento y el Barroco, el
Romanticismo también tuvo su impacto en el país. Giacomo Leopardi fue uno de los
poetas románticos más destacados de Italia.
Estados Unidos:
Estados Unidos: En el ámbito literario, autores estadounidenses como Washington
Irving, Edgar Allan Poe y Nathaniel Hawthorne fueron parte del movimiento
romántico. También se pueden ver influencias románticas en la pintura
estadounidense, especialmente durante el período conocido como el Hudson River
School.

Además de estas naciones, el Romanticismo también influyó en otros países

europeos y se extendió a América Latina durante el siglo XIX, contribuyendo
significativamente al desarrollo de la literatura y las artes en esas regiones.

2. ¿Concepto de romanticismo artístico?

El Romanticismo artístico es un movimiento cultural y artístico que floreció a finales

del siglo XVIII y principios del siglo XIX, especialmente en Europa, aunque también
se manifestó en otras partes del mundo. Este movimiento se caracterizó por un
énfasis en la emoción, la individualidad, la libertad creativa y la expresión personal.
A diferencia de los estilos artísticos anteriores, el Romanticismo se alejó de las
normas y las estructuras rígidas y se centró en la experiencia subjetiva y la
imaginación.
Algunos de los rasgos distintivos del Romanticismo artístico incluyen:

El Romanticismo artístico fue un movimiento cultural, artístico y filosófico que se

desarrolló a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX en Europa, y
posteriormente se expandió a otras partes del mundo. Este movimiento se
caracterizó por un enfoque en la emoción, la imaginación, la individualidad y la
libertad creativa. Los artistas románticos buscaron expresar la intensidad de las
emociones humanas, explorar la naturaleza humana y celebrar la individualidad y la
originalidad.

El Romanticismo artístico se alejó de las normas clásicas y del racionalismo de la

Ilustración, y en su lugar, valoró la subjetividad, la intuición y la experiencia personal.
Los románticos se sintieron atraídos por la naturaleza, lo exótico, lo medieval y lo
misterioso. También se interesaron por los sentimientos de melancolía y nostalgia,
así como por la exploración de lo sublime, que se refiere a la sensación de asombro
y temor ante la grandeza y la majestuosidad de la naturaleza.

En términos de estilo artístico, los románticos experimentaron con una variedad de

formas y técnicas. En la pintura, se caracterizó por pinceladas expresivas, colores
vibrantes y composiciones dramáticas. En la literatura, los escritores románticos
crearon obras llenas de emoción y pasión, y frecuentemente se centraron en temas
como el amor, la tragedia y la naturaleza. En la música, el Romanticismo dio lugar
a composiciones emotivas y complejas, explorando una amplia gama de emociones
a través de la música.

En resumen, el Romanticismo artístico fue un movimiento que celebró la libertad

creativa, la emoción humana y la belleza en la naturaleza y en la experiencia
personal. Fue un período en el que los artistas buscaron expresar sus sentimientos
más profundos y explorar la complejidad de la experiencia humana a través de
diversas formas artísticas.
 3. Mencione por lo menos tres principios ideológicos del romanticismo, como
movimiento artístico-social

1. Individualismo y Libertad Creativa:

Principio Ideológico: Los románticos valoraban la individualidad y la libertad

creativa por encima de las normas y las tradiciones establecidas. Creían en
la importancia de la expresión personal y abrazaban la originalidad y la
singularidad en el arte y en la vida.

Aplicación en el Arte: Los artistas románticos se esforzaron por encontrar

su voz única y expresar sus emociones y visiones personales en sus obras.
Esto llevó a una diversidad de estilos y temas, ya que cada artista exploraba
su individualidad creativa.

2. Naturaleza y Emoción sobre la Razón:

Principio Ideológico: Los románticos creían en la superioridad de la

naturaleza y la emoción sobre la razón y la lógica. Veían la naturaleza como
una fuente de inspiración sublime y sentían que las emociones humanas eran
esenciales para comprender el mundo y la existencia.

Aplicación en el Arte: Los paisajes naturales fueron un tema recurrente en

la pintura romántica, capturando la majestuosidad y la belleza de la
naturaleza. Además, los escritores románticos exploraron las profundidades
de las emociones humanas en sus obras literarias, creando personajes y
tramas cargadas de sentimientos y pasiones.

3. Rechazo de las Restricciones Sociales y Políticas:

Principio Ideológico: Los románticos se rebelaron contra las restricciones

impuestas por las estructuras sociales y políticas de la época. Cuestionaron
las jerarquías sociales y las limitaciones impuestas por la aristocracia y el
clero, defendiendo la libertad individual y la igualdad.

Aplicación en el Arte: A través de sus obras, los artistas y escritores

románticos a menudo expresaban su descontento con las injusticias sociales
y políticas. Cuestionaban la autoridad y defendían la libertad del individuo
frente a las opresiones sociales y políticas.
Estos principios ideológicos del Romanticismo influyeron profundamente en
el arte, la literatura y el pensamiento social de la época, dejando un legado
duradero que ha seguido siendo una fuente de inspiración para las
generaciones posteriores.
 4. ¿Cómo surgieron las ciencias del comportamiento humano (psicología)

El surgimiento de las ciencias del comportamiento humano, particularmente la

psicología, es un proceso complejo que involucra diversas influencias filosóficas,
científicas y sociales a lo largo de los siglos. Aquí te presento un resumen de los
eventos y pensadores clave que contribuyeron al desarrollo de la psicología como
disciplina científica:

Filosofía Antigua:
En la antigua Grecia, filósofos como Sócrates, Platón y Aristóteles
reflexionaron sobre la naturaleza de la mente y el comportamiento humano.
Aristóteles, por ejemplo, escribió extensamente sobre la memoria, las
emociones y la percepción.

Renacimiento y la Era Moderna:

Durante el Renacimiento, hubo un interés renovado en la observación y la
experimentación. Sin embargo, la mayoría de las ideas sobre la mente y el
comportamiento aún estaban influenciadas por la filosofía.
En el siglo XVII, filósofos como René Descartes propusieron teorías dualistas
sobre la mente y el cuerpo, sugiriendo que la mente y el cuerpo son entidades
separadas.

Ilustración y Empirismo:
Durante el siglo XVIII, la Ilustración y la filosofía empirista enfatizaron la
importancia de la observación y la experiencia. Filósofos como John Locke
argumentaron que la mente es una "tabla rasa" en la que la experiencia
escribe.

Fundación de la Psicología Experimental:

Wilhelm Wundt (1879): A menudo se le considera el padre de la psicología
moderna. Estableció el primer laboratorio de psicología en Leipzig, Alemania,
y abogó por el enfoque científico para estudiar la mente.
Edward Titchener: Estudiante de Wundt, Titchener popularizó el
estructuralismo, un enfoque que descomponía la experiencia en elementos
estructurales básicos.

Psicología Funcionalista:
William James: Un influyente psicólogo funcionalista estadounidense que se
centró en cómo las funciones mentales ayudan a los individuos a adaptarse
a su entorno.

Psicoanálisis y Conductismo:
Sigmund Freud: Desarrolló la teoría del psicoanálisis, que se centraba en
los procesos inconscientes y la influencia de los deseos reprimidos en el
comportamiento.
 John B. Watson: Fundador del conductismo, un enfoque que se centraba en
el estudio del comportamiento observable y medible en lugar de procesos
mentales no observables.

Psicología Cognitiva y otras Perspectivas:

Décadas de 1950 y 1960: Surgió la psicología cognitiva, que se enfoca en
los procesos mentales como la memoria y el pensamiento.
Perspectivas Actuales: La psicología contemporánea se basa en diversas
teorías y enfoques, incluyendo la psicología evolutiva, la neuropsicología, la
psicología social y otras disciplinas interdisciplinarias.

La psicología ha evolucionado a lo largo de los siglos, pasando de reflexiones

filosóficas a una disciplina científica rigurosa que utiliza métodos empíricos para
investigar y comprender el comportamiento humano y los procesos mentales. Hoy
en día, la psicología es una disciplina diversa que abarca una amplia gama de
enfoques y áreas de estudio.

5. ¿Cómo describirías el siguiente concepto: “el arte emocional”

El concepto de "arte emocional" se refiere a obras de arte que se crean con la

intención de transmitir y evocar emociones en el espectador. En lugar de
simplemente representar objetos o escenas de la realidad, el arte emocional se
centra en expresar sentimientos, estados de ánimo y experiencias humanas a través
de formas, colores, composición y otros elementos artísticos.
En el arte emocional, los artistas utilizan su creatividad para capturar la esencia de
las emociones humanas, ya sean alegría, tristeza, amor, miedo, esperanza o
cualquier otra emoción. Estas obras a menudo son poderosas y conmovedoras, ya
que pueden resonar profundamente con los espectadores, provocando respuestas
emocionales y reflexiones personales.

El arte emocional puede adoptar diversas formas y estilos, desde pinturas y

esculturas hasta fotografías, instalaciones y performances. Lo que une a estas
formas de arte es su capacidad para conectar a las personas a nivel emocional,
ofreciendo una experiencia que va más allá de la mera apreciación estética y que
toca el corazón y la mente del espectador. En última instancia, el arte emocional
busca crear una conexión emocional genuina entre el artista y el público, invitando
a los espectadores a explorar y sentir el mundo de una manera más profunda y
significativa.

6. ¿Cómo impactó en romanticismo en América Latina (luego de sus

independencias)

El Romanticismo, como movimiento artístico y cultural, tuvo un impacto significativo

en América Latina después de las independencias de los países de la región en el
siglo XIX. Este período fue marcado por una búsqueda de identidad cultural y
nacional, y muchas de las ideas románticas resonaron fuertemente en las mentes
de los escritores, poetas y artistas latinoamericanos. Aquí hay algunas formas en
las que el Romanticismo influyó en América Latina después de las independencias:
Nacionalismo y Patriotismo:
Los escritores románticos latinoamericanos se centraron en temas nacionales,
glorificando la historia, las leyendas y las tradiciones de sus países recién
independizados. Celebraron héroes locales y se convirtieron en voces importantes
para la construcción de la identidad nacional.

Exaltación de lo Indígena y lo Autóctono:

El Romanticismo impulsó un interés renovado en las culturas indígenas y locales.
Los escritores y artistas comenzaron a valorar las tradiciones y las creencias de los
pueblos originarios, buscando inspiración en su riqueza cultural.

Naturaleza y Paisaje:
La belleza de la naturaleza latinoamericana se convirtió en un tema prominente en
la literatura y el arte románticos. Los paisajes exuberantes y diversos de la región
fueron celebrados en las obras románticas, inspirando un sentido de conexión con
la tierra y la naturaleza.

Rechazo del Colonialismo y la Opresión:

Los escritores románticos criticaron el legado colonial y la opresión social. Se
convirtieron en voces de resistencia, denunciando las injusticias y abogando por la
libertad y la igualdad.

Exploración de lo Sobrenatural y lo Místico:

Muchas obras románticas incorporaron elementos del folclore y lo sobrenatural.
Leyendas, mitos y supersticiones fueron temas comunes, añadiendo un toque de
misticismo a la literatura y el arte.

Desarrollo de una Lengua y Literatura Propias:

Los escritores románticos contribuyeron a la consolidación y el enriquecimiento del
idioma español y portugués en América Latina. Crearon una literatura distinta y
única que reflejaba las experiencias y las sensibilidades de la región.

Influencia en las Artes Visuales:

En la pintura, el Romanticismo también influyó en la representación de temas y
paisajes latinoamericanos. Artistas como Eugenio Landesio en México y José María
Espinosa en Colombia, por ejemplo, se inspiraron en las temáticas románticas.

Este enfoque romántico hacia la identidad, la naturaleza y la cultura ayudó a

establecer una base para las expresiones artísticas y literarias que definirían las
identidades nacionales de los países latinoamericanos en el siglo XIX y más allá.
Las ideas y las sensibilidades del Romanticismo contribuyeron significativamente a
la formación de la cultura y la literatura latinoamericanas después de las
independencias.
 7. Cronológicamente cuando ubicas el romanticismo

El Romanticismo fue un movimiento cultural, artístico, literario y filosófico que se

desarrolló principalmente durante los siglos XVIII y XIX. Aunque las fechas precisas
pueden variar según las regiones y las disciplinas artísticas, se puede ubicar
cronológicamente el Romanticismo de la siguiente manera:

Finales del siglo XVIII a mediados del siglo XIX: Esta es la época en la
que el Romanticismo se desarrolló plenamente en Europa y América del
Norte. Comenzó a finales del siglo XVIII como una reacción contra las
restricciones del Neoclasicismo y el Racionalismo de la Ilustración.

1789: A menudo se toma como el año de inicio del Romanticismo debido a la

Revolución Francesa, que marcó un cambio significativo en las estructuras
políticas y sociales de Europa y también influyó en las artes y la cultura.

Primeras décadas del siglo XIX: Durante estas décadas, el Romanticismo

se extendió por Europa y América del Norte, llegando a su apogeo en la
primera mitad del siglo XIX. En esta época, la literatura, la pintura, la música
y la filosofía románticas florecieron.

Segunda mitad del siglo XIX: A medida que avanzaba el siglo XIX, el
Romanticismo comenzó a ceder paso a otros movimientos artísticos y
filosóficos, como el Realismo y el Impresionismo en las artes visuales. Sin
embargo, muchas de las ideas y sensibilidades románticas perduraron en
obras de artistas posteriores.

Es importante tener en cuenta que el Romanticismo no se desarrolló de la misma

manera ni en el mismo momento en todas las regiones del mundo. En algunas
partes, como América Latina, por ejemplo, el Romanticismo influyó fuertemente en
la literatura y el arte durante las luchas por la independencia del dominio colonial
europeo en el siglo XIX. Por lo tanto, las expresiones artísticas y literarias
románticas pueden variar en términos de fechas específicas según la región.
 8. Impacto del romanticismo en Italia, España y Portugal

El Romanticismo dejó una marca profunda en Italia, España y Portugal durante el

siglo XIX, influenciando diversas áreas como la literatura, el arte, la música y el
pensamiento político. Aunque cada país tenía su contexto cultural único, compartían
ciertos temas y enfoques románticos. A continuación, se detalla el impacto del
Romanticismo en cada uno de estos países:

Italia:

Nacionalismo y Unificación: El Romanticismo italiano jugó un papel

fundamental en el movimiento por la unificación de Italia en el siglo XIX.
Escritores como Giuseppe Mazzini promovieron la idea de una Italia unida y
soberana, lo que finalmente se logró en la segunda mitad del siglo.
Literatura y Poesía: Poetas como Giacomo Leopardi y Alessandro Manzoni
son figuras destacadas del Romanticismo italiano. Leopardi, en particular, se
destacó por su melancolía y su introspección en su poesía.
Ópera Romántica: La ópera italiana vivió su época dorada durante el
Romanticismo, con compositores como Giuseppe Verdi y Gaetano Donizetti.
Sus óperas reflejaban las pasiones humanas y los conflictos emocionales,
capturando el espíritu romántico.

España:

Literatura y Teatro: El Romanticismo español se caracterizó por una

fascinación por la historia medieval y la cultura española. Autores como
Gustavo Adolfo Bécquer escribieron poesía lírica y melancólica, mientras que
José Zorrilla destacó en el teatro romántico con obras como "Don Juan
Tenorio".
Pintura Romántica: La pintura española durante el Romanticismo mostró
una inclinación hacia temas históricos y folklóricos. Francisco Goya, aunque
pertenecía a una generación anterior, influyó en artistas posteriores con su
enfoque romántico de la pintura.

Portugal:

Literatura y Saudosismo: En Portugal, el Romanticismo se fusionó con el

movimiento saudosista, que celebraba la nostalgia y la melancolía. Autores
como Almeida Garrett y Camilo Castelo Branco contribuyeron
significativamente a la literatura romántica portuguesa.
Música y Fado: La música tradicional portuguesa, especialmente el género
del fado, capturó el espíritu romántico a través de sus letras apasionadas y
melancólicas. El fado se convirtió en una expresión musical emblemática del
Romanticismo portugués.
 9. Diferencia entre romanticismo social y sentimental

El Romanticismo fue un movimiento cultural, artístico y filosófico que se desarrolló

a finales del siglo XVIII y durante el siglo XIX. Dentro del Romanticismo, existen
diferentes enfoques y matices en la expresión de las emociones y las ideas. Dos de
estos enfoques son el Romanticismo Social y el Romanticismo Sentimental,
que, aunque relacionados, presentan diferencias significativas:

Romanticismo Social:
El Romanticismo Social se enfoca en cuestiones sociales, políticas y económicas.
Los románticos sociales estaban preocupados por las injusticias y las
desigualdades que surgieron durante la Revolución Industrial y el auge del
capitalismo. Sus obras artísticas y literarias a menudo abordaban temas como la
pobreza, la explotación laboral, la opresión social y las condiciones de vida
inhumanas.

Los románticos sociales buscaban

sensibilizar a la sociedad sobre estas
cuestiones y a menudo abogaban por
reformas sociales y políticas. Su
enfoque estaba en la denuncia de las
injusticias y en la búsqueda de
soluciones para mejorar las
condiciones de vida de las personas
más desfavorecidas.

Romanticismo Sentimental:
El Romanticismo Sentimental se centra en las emociones y los sentimientos
humanos, especialmente en el amor y la melancolía. Los románticos sentimentales
valoraban las emociones como fuente de inspiración artística. Sus obras estaban
impregnadas de sentimientos profundos y a menudo exploraban la naturaleza
efímera del amor y la belleza, así como
la tristeza y la melancolía asociadas a
la existencia humana.

Los románticos sentimentales se

inspiraban en las experiencias
emocionales individuales y en la
conexión íntima con la naturaleza. Sus
obras podían variar desde poemas y
novelas hasta pinturas y composiciones
musicales, y a menudo expresaban una
sensibilidad romántica hacia la belleza
y el sufrimiento humanos.
 10. ¿Qué son los himnos y su técnica para ser escritos (menciona por lo menos
3 de américa latina con su respectivo autor)

Los himnos son composiciones poéticas o musicales que tienen un significado

especial y a menudo se utilizan para expresar identidad nacional, valores, ideales o
devoción hacia una causa o una entidad. Los himnos nacionales son un ejemplo
común, ya que representan a una nación y a menudo son cantados en eventos
oficiales, deportivos o ceremonias cívicas. Escribir un himno implica seguir ciertas
técnicas poéticas para crear un texto que sea emotivo, inspirador y fácil de recordar.
Algunas de las técnicas comunes incluyen la rima, el ritmo, la métrica y el uso de
metáforas poderosas.

En América Latina, hay varios himnos nacionales y regionales escritos por

prominentes poetas y músicos. Aquí tienes tres ejemplos de himnos de América
Latina con sus respectivos autores:

"Himno Nacional Argentino"

Autor: Vicente López y Planes (letra) y Blas
Parera (música).
Técnica: Este himno argentino es un ejemplo
de un himno nacional que utiliza una estructura
poética regular con rima y métrica. La letra
evoca el espíritu de libertad y patriotismo, y
utiliza metáforas y símbolos nacionales.

"Himno Nacional de México"

Autor: Francisco González Bocanegra (letra) y
Jaime Nunó (música).
Técnica: La letra del himno mexicano utiliza
una estructura poética métrica y rítmica, con
versos que expresan el amor por la patria, la
libertad y la resistencia contra la opresión.
Incorpora metáforas y simbolismo para resaltar
los valores mexicanos.

"Himno Nacional de Cuba"

Autor: José Martí (letra) y Manuel Muñoz
Cedeño (música).
Técnica: El himno cubano, escrito por el
destacado poeta y héroe nacional cubano, José
Martí, utiliza una estructura poética emotiva y
patriótica. Martí emplea una poesía lírica fuerte
y apasionada para expresar los sentimientos de
libertad y amor por la patria.
 11. ¿Explica por qué el romanticismo es un desprecio a la razón pura?

El Romanticismo como movimiento artístico y cultural surgió como una reacción

contra las ideas de la Ilustración, un período anterior caracterizado por la primacía
de la razón y la ciencia. Si bien no se puede decir que el Romanticismo implicara un
desprecio total por la razón, sí cuestionaba la excesiva confianza en la razón pura
que había sido promovida durante la Ilustración. Algunas razones por las que el
Romanticismo fue considerado una reacción contra la razón pura son las siguientes:

Valoración de las Emociones y la Experiencia Personal:

Los románticos valoraban la experiencia emocional y personal como una
fuente legítima de conocimiento y entendimiento. Creían que las emociones
y los sentimientos eran tan importantes como la razón en la comprensión del
mundo y la creatividad artística.

Crítica a la Mecanización y la Industrialización:

Con la Revolución Industrial en marcha, los románticos se preocuparon por
el impacto negativo de la mecanización y la industrialización en la sociedad
y la naturaleza. Vieron cómo la obsesión por la razón y la ciencia estaba
llevando a la explotación de la naturaleza y la deshumanización de las
personas.

Exploración de lo Irracional y lo Misterioso:

Los románticos se sintieron atraídos por lo irracional, lo misterioso y lo
inexplicable. Valoraban lo que estaba más allá de la comprensión lógica y
buscaban encontrar belleza en la ambigüedad y en lo inexplicable.

Crítica a las Restricciones Sociales y Culturales:

Los románticos criticaron las restricciones impuestas por las normas sociales
y culturales de la época. Creían en la libertad individual y se rebelaron contra
las estructuras sociales opresivas.

Enfoque en lo Sublime:
El concepto de lo sublime,
que implicaba un sentido
de asombro y maravilla
ante la grandeza y la
majestuosidad de la
naturaleza, se convirtió en
un tema importante en el
Romanticismo. Esto iba
más allá de la razón pura,
involucrando una conexión
emocional y espiritual con
lo trascendental.
 12. Importancia que le da el romanticismo a la figura de la mujer

El Romanticismo influyó significativamente en la forma en que se percibía y

representaba a la mujer en el arte, la literatura y la cultura en general. Aunque las
ideas y representaciones de las mujeres en el Romanticismo pueden variar según
el contexto cultural y la época, en general, el Romanticismo otorgó una nueva
importancia y complejidad a la figura de la mujer en varios aspectos:

Idealización y Romanticismo en las Relaciones Amorosas:

En la poesía y la literatura romántica, las mujeres a menudo eran idealizadas
como figuras puras y angelicales, evocando sentimientos de amor y devoción
en los poetas y los personajes románticos. La idea de la mujer como musa
inspiradora fue un tema recurrente en las obras románticas.

Reconocimiento de las Emociones Femeninas:

Los románticos reconocieron y celebraron las emociones y la sensibilidad
femeninas. Las mujeres fueron vistas como seres capaces de experimentar
profundas emociones y fueron consideradas como fuentes de inspiración y
conocimiento emocional en el arte y la literatura.

Mujeres como Protagonistas Literarias:

Aunque en muchas obras del Romanticismo las mujeres aún eran idealizadas
y a menudo estaban relegadas a roles pasivos, hubo un aumento en la
representación de mujeres como protagonistas literarias en comparación con
períodos anteriores. Esto incluyó personajes femeninos complejos y
multidimensionales.

Exploración de la Feminidad y el Deseo Sexual:

En algunas obras románticas, se exploraron temas relacionados con la
feminidad, el deseo sexual y la liberación de las restricciones sociales.
Aunque estos temas a menudo se
abordaban de manera implícita o
simbólica, el Romanticismo contribuyó
a una mayor apertura en la discusión
sobre la sexualidad y la feminidad.

Influencia en las Artes Visuales:

En la pintura, las mujeres fueron a
menudo retratadas en ambientes
románticos y simbólicos. Artistas
románticos como Eugène Delacroix y
Francisco Goya representaron mujeres
en contextos mitológicos y literarios,
enfatizando su belleza y emotividad.
13. Datos biográficos de los siguientes pintores del romanticismo: ilustra sus
obras
a. Francesco Hayez (El beso)

Francesco Hayez (10 de febrero de 1791 - 21 de diciembre de 1882) fue

un pintor italiano, considerado uno de los artistas más destacados del
Romanticismo en Italia. Nació en Venecia y comenzó su formación
artística en la Academia de Bellas Artes de Venecia a una edad temprana.
Posteriormente, se trasladó a Milán, donde se convirtió en una figura
prominente en la escena artística de la ciudad.

A lo largo de su carrera, Hayez creó numerosas obras que reflejaban los

ideales y las pasiones del Romanticismo. Uno de sus cuadros más
famosos es "El beso" (Il Bacio), pintado en 1859, que se ha convertido en
un ícono del arte romántico italiano. Esta obra representa a una pareja
apasionadamente besándose y encapsula el espíritu romántico de la
época.

Además de sus habilidades como pintor, Hayez también fue un maestro

consumado y un líder en la comunidad artística de Milán. Desempeñó un
papel importante en la formación de futuros artistas y en el desarrollo de
la escena artística italiana.

A lo largo de su vida, Hayez recibió numerosos reconocimientos y premios

por su contribución al arte italiano. Su legado perdura en sus obras, que
continúan siendo objeto de admiración y estudio en la actualidad.
Francesco Hayez falleció el 21 de diciembre de 1882 en Milán, Italia, pero
su impacto en el arte romántico italiano sigue vivo hasta el día de hoy.
b. Theodore Gericault (La balsa de la medusa)

Théodore Géricault (26 de septiembre de 1791 - 26 de enero de 1824) fue

un influyente pintor francés y uno de los precursores del Romanticismo
en el arte. Nació en Rouen, Francia, en una familia acomodada, y desde
temprana edad mostró un talento notable para el dibujo y la pintura.

Géricault estudió en el estudio de Pierre-Narcisse Guérin en París y se

convirtió en un artista apasionado y visionario. En su corta pero intensa
carrera artística, produjo obras que capturan el drama humano, la
emoción y la energía vital. Uno de sus cuadros más famosos es "La balsa
de la Medusa" (1819), una pintura monumental que representa el
naufragio del barco francés Medusa en 1816. Esta obra se destaca por
su intensidad emocional y su representación de la desesperación y el
sufrimiento humano.

Además de su maestría técnica, Géricault también fue un innovador en

términos de temática y enfoque. Se interesó profundamente por las
personas marginadas y los temas sociales, y su obra a menudo exploraba
las condiciones humanas extremas y las luchas de la vida cotidiana.

Trágicamente, la vida de Géricault fue corta. Murió a la edad de 32 años

debido a una caída de un caballo, pero su legado artístico perdura. Su
trabajo influyó en generaciones posteriores de artistas y continúa siendo
estudiado y apreciado en todo el mundo como un ejemplo destacado del
Romanticismo en el arte.
c. David Friedrich (El caminante sobre el mar de nubes)

Caspar David Friedrich (5 de septiembre de 1774 - 7 de mayo de 1840)

fue un pintor y grabador alemán, considerado uno de los artistas más
importantes y representativos del movimiento romántico en el arte. Nació
en Greifswald, en la región de Pomerania, que en ese momento era parte
de Suecia pero actualmente pertenece a Alemania.

Friedrich estudió en la Real Academia de Copenhague y luego se

estableció en Dresde, Alemania, donde pasó la mayor parte de su vida.
Su obra se caracteriza por paisajes emotivos y evocativos, a menudo
representando figuras humanas contemplativas frente a paisajes
naturales imponentes y misteriosos. Sus pinturas capturan una sensación
de soledad, melancolía y espiritualidad, temas que son emblemáticos del
Romanticismo.

"El caminante sobre el mar de nubes" es una de las obras más conocidas
de Friedrich y un ejemplo sobresaliente de su estilo. Esta pintura, creada
alrededor de 1818, muestra a un hombre solitario de pie en un acantilado,
mirando hacia un mar de nubes con montañas y picos emergiendo de la
niebla, simbolizando la idea del hombre enfrentando la vastedad y el
misterio de la naturaleza.

A lo largo de su carrera, Friedrich continuó explorando temas románticos,

como la conexión entre el hombre y la naturaleza, la espiritualidad y el
sentido de lo sublime. Aunque durante su vida no fue ampliamente
reconocido, en el siglo XX su trabajo fue redescubierto y se convirtió en
una influencia importante para muchos artistas modernos. Caspar David
Friedrich falleció el 7 de mayo de 1840 en Dresde, Alemania, pero su
legado perdura como uno de los grandes maestros del arte romántico.
d. Uno libre (escogido por el estudiante)

John Constable (The Hay Wain)

John Constable (11 de junio de 1776 - 31 de marzo de 1837) fue un pintor inglés
conocido por sus paisajes campestres y su habilidad para capturar la belleza
serena de la naturaleza. Nació en East Bergholt, Suffolk, Inglaterra, en el seno
de una familia acomodada. Desde joven, mostró un gran interés por el arte y la
naturaleza, y su talento fue alentado por su padre.

Constable estudió en la Escuela de Arte de Royal Academy en Londres y

comenzó a exhibir su trabajo allí en 1802. A lo largo de su carrera, se dedicó
principalmente a pintar paisajes rurales de su nativa Suffolk y de las regiones
circundantes, especialmente las vistas del valle del río Stour. Su estilo se
caracterizaba por su realismo detallado y su atención meticulosa a los efectos
de la luz y la atmósfera.

Aunque Constable no recibió el reconocimiento inmediato en su país natal, su

obra fue muy admirada en Francia, donde influyó en los pintores de la Escuela
de Barbizon y posteriormente en los impresionistas. Su enfoque naturalista y su
habilidad para capturar la esencia de la naturaleza fueron fundamentales para
el desarrollo del paisajismo moderno.

Algunas de sus obras más conocidas incluyen "The Hay Wain" (1821), que es
considerada una de las pinturas más icónicas de la historia del arte británico, y
"Dedham Vale" (1802-1806).

John Constable murió el 31 de marzo de 1837 en Hampstead, Londres, pero su

legado perdura como uno de los grandes maestros del paisajismo inglés y como
una figura influyente en la evolución del arte del paisaje durante el siglo XIX y
más allá.
14. Datos biográficos de los siguientes músicos del romanticismo: Menciona
algunas de sus melodías

a. Frederic Chopin

Frédéric Chopin, cuyo nombre completo era Fryderyk Franciszek Chopin,

fue un compositor y virtuoso pianista polaco del período romántico. Nació
el 1 de marzo de 1810 en Żelazowa Wola, una pequeña aldea cerca de
Varsovia, en el Ducado de Varsovia del Reino del Congreso (actualmente
en Polonia).

Desde temprana edad, Chopin mostró un prodigioso talento musical.

Estudió música con varios maestros destacados en Varsovia antes de
mudarse a Viena y luego a París, donde se estableció como pianista y
compositor. En París, se convirtió en una figura prominente en los círculos
musicales y literarios de la ciudad.

Chopin es conocido principalmente por sus composiciones para piano

solo, incluyendo nocturnos, preludios, baladas, mazurcas y polonesas,
entre otras. Sus obras son apreciadas por su expresividad, riqueza
melódica y complejidad armónica. A menudo incorporaba elementos de la
música tradicional polaca en su trabajo, lo que le dio un estilo distintivo y
personal.

A lo largo de su vida, Chopin mantuvo una relación amorosa con la

escritora francesa George Sand (pseudónimo de Amantine Lucile Aurore
Dupin), con quien vivió durante varios años en Mallorca y en Nohant, la
finca de Sand en Francia.

Chopin sufrió problemas de salud

durante gran parte de su vida,
probablemente relacionados con la
tuberculosis. A pesar de su salud
frágil, continuó componiendo y
dando conciertos hasta sus últimos
días.
El compositor polaco falleció el 17 de
octubre de 1849 en París, a la edad
de 39 años. A pesar de su corta vida,
su legado musical perdura y su
influencia en la música clásica sigue
siendo profunda y duradera. Chopin
es considerado uno de los más
grandes compositores para piano de
todos los tiempos.
b. Ludwin van Beethoven

Ludwig van Beethoven (16 de diciembre de 1770 - 26 de marzo de 1827)

fue un compositor y pianista alemán, considerado uno de los músicos más
influyentes y geniales de la historia de la música clásica. Aquí tienes una
breve biografía de Beethoven:

Beethoven nació en Bonn, que en ese momento era parte del Sacro
Imperio Romano Germánico (ahora en Alemania). Desde temprana edad,
mostró un talento musical prodigioso y comenzó a recibir lecciones de
música de su padre, quien era músico en la corte electoral de Bonn.

A la edad de 17 años, se trasladó a Viena, la capital musical de Europa

en ese entonces, donde estudió con Joseph Haydn y otros maestros
eminentes. Pronto se ganó una reputación como pianista virtuoso y
compositor talentoso.

En sus veinte años, Beethoven comenzó a experimentar problemas de

audición, que eventualmente se transformaron en una sordera progresiva.
A pesar de esta dificultad, continuó componiendo algunas de sus obras
más famosas, incluyendo sus nueve sinfonías y numerosas sonatas para
piano.

Beethoven fue un innovador en la música clásica, introduciendo formas y

estructuras nuevas en sus composiciones. Su música es conocida por su
profundidad emocional, su intensidad dramática y su habilidad para
combinar la tradición clásica con un enfoque romántico.

Algunas de sus obras más destacadas incluyen las sinfonías No. 3

("Heroica"), No. 5, No. 6 ("Pastoral") y
No. 9 ("Coral"), así como sus famosas
sonatas para piano como la "Sonata
Patética" y la "Sonata al Claro de Luna".

En sus últimos años, Beethoven enfrentó

dificultades financieras y de salud, pero
continuó componiendo. Falleció el 26 de
marzo de 1827 en Viena, a los 56 años.

Ludwig van Beethoven dejó un legado

musical duradero y sigue siendo
ampliamente interpretado y celebrado en
todo el mundo. Sus obras han influido en
generaciones de músicos y
compositores, y su nombre está
intrínsecamente ligado a la evolución de
la música clásica.
c. Franz Schubert

Franz Schubert (31 de enero de 1797 - 19 de noviembre de 1828) fue un

compositor austriaco del período romántico. A pesar de su corta vida,
Schubert fue un prolífico compositor y dejó un legado musical significativo.
Aquí tienes una breve biografía de Franz Schubert:

Schubert nació en Viena, Austria. Desde joven mostró un talento musical

excepcional y comenzó a estudiar música con Michael Holzer y Antonio
Salieri. A la edad de 11 años, ya había compuesto varias piezas
musicales.

A lo largo de su vida, Schubert compuso más de mil obras, incluyendo

más de 600 lieder (canciones alemanas), numerosas sonatas para piano,
sinfonías, óperas, música de cámara y obras corales. Su música se
caracteriza por su melodía lírica, riqueza armónica y expresividad
emocional.

Schubert era conocido por ser parte de un círculo de amigos y músicos

en Viena, que incluía a figuras como Ludwig van Beethoven y Franz
Grillparzer. Estas amistades influenciaron su estilo creativo y le
proporcionaron oportunidades para interpretar su música en reuniones
íntimas.

Schubert fue especialmente famoso por sus lieder, composiciones

vocales para voz y piano. Sus lieder son considerados algunos de los más
destacados del repertorio vocal, y su habilidad para casar la música con
el texto poético es sobresaliente. Trabajó extensamente con poetas
contemporáneos como Johann Wolfgang von Goethe.

Schubert falleció a los 31 años debido a

complicaciones derivadas de la sífilis. A
pesar de su relativa oscuridad durante su
vida, su música fue redescubierta en las
décadas posteriores a su muerte y se
convirtió en una influencia importante
para compositores posteriores, como
Johannes Brahms y Gustav Mahler.

Franz Schubert es considerado uno de

los más grandes compositores del
período romántico y es apreciado por su
habilidad para capturar la complejidad
de las emociones humanas en su
música. Su legado perdura y su obra
sigue siendo interpretada y amada por
audiencias de todo el mundo.
d. Uno libre (escogido por el estudiante)

Richard Wagner

Richard Wagner (22 de mayo de 1813 - 13 de febrero de 1883) fue un

influyente compositor, director de orquesta y escritor alemán del período
romántico. Es especialmente conocido por sus óperas, que transformaron
la ópera europea y lo establecieron como una figura central en la música
clásica del siglo XIX. Aquí tienes una breve biografía de Richard Wagner:

Wagner nació en Leipzig, Alemania. Desde joven mostró un interés y

talento excepcional para la música. Estudió composición y armonía
musical con el compositor Christian Gottlieb Müller y más tarde estudió
en la Universidad de Leipzig.

Wagner es conocido por sus óperas innovadoras y revolucionarias, como

"Tristán e Isolda" y "El Anillo del Nibelungo". Introdujo conceptos
musicales y dramáticos completamente nuevos en sus obras,
redefiniendo la ópera y estableciendo el modelo para muchos
compositores posteriores.

Wagner desarrolló el concepto de "Gesamtkunstwerk" o "obra de arte

total", en el que todos los elementos de la ópera, incluyendo música,
escenografía, vestuario y drama, se integran para crear una experiencia
artística unificada.

Después de su participación en la Revolución de 1849 en Alemania,

Wagner se exilió y pasó varios años en Suiza. Regresó a Alemania en la
década de 1860 y recibió el apoyo financiero del rey Luis II de Baviera
para construir el famoso teatro de ópera
Bayreuth Festspielhaus en Baviera,
específicamente diseñado para presentar sus
obras.

Además de las mencionadas anteriormente,

algunas de sus óperas más conocidas incluyen
"El Holandés Errante", "Tannhäuser" y
"Lohengrin".

Wagner murió el 13 de febrero de 1883 en

Venecia, Italia, a la edad de 70 años.

El legado de Wagner es complejo debido a sus

opiniones políticas y raciales controvertidas. Sin
embargo, su impacto en la música y el teatro es
innegable y su obra sigue siendo objeto de
estudio y representación en todo el mundo.
15. Datos biográficos de los siguientes literatos del romanticismo: Menciona
algunas de sus obras.

a. Charles Garnier

Charles Garnier (6 de noviembre de 1825 - 3 de agosto de 1898) fue un

arquitecto francés conocido principalmente por su diseño de la Opéra
Garnier en París, uno de los teatros de ópera más famosos del mundo. A
continuación, te presento una breve biografía de Charles Garnier:

Garnier nació en París, Francia. Estudió arquitectura en la École des

Beaux-Arts, la prestigiosa escuela de arquitectura de París, donde fue
alumno de Louis-Hippolyte Lebas.

Después de completar sus estudios, Garnier trabajó en varios proyectos

arquitectónicos antes de ser seleccionado para diseñar la nueva ópera de
París en 1861. Su diseño para la Opéra Garnier, a menudo llamada
simplemente "Palais Garnier", fue seleccionado entre numerosas
propuestas en un concurso arquitectónico. La construcción de la ópera se
llevó a cabo durante más de una década y fue inaugurada oficialmente en
1875.

Garnier fue conocido por su estilo ecléctico, que incorporaba elementos

de varios estilos arquitectónicos, incluyendo el Barroco, el Renacimiento
y el estilo Segundo Imperio. La Opéra Garnier es un ejemplo destacado
de su habilidad para combinar elementos arquitectónicos de manera
armoniosa y crear una estructura grandiosa y ornamentada.

Además de la Opéra Garnier, Garnier también trabajó en otros proyectos,

incluyendo la restauración de la iglesia
de Mont-Saint-Michel y el diseño de la
sede del Credit Lyonnais en París.

La Opéra Garnier se convirtió en un

símbolo icónico de la arquitectura
parisina y ha influido en arquitectos de
todo el mundo. Su diseño detallado y su
rica ornamentación interior la han
convertido en un destino turístico y en un
lugar de actuaciones de ópera y ballet de
renombre internacional.

Charles Garnier falleció el 3 de agosto de

1898 en París, Francia, pero su legado
perdura a través de su obra maestra, la
Opéra Garnier, y su influencia en la
arquitectura histórica y contemporánea.
b. Eugene Enmanuel Viollet

Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc (27 de enero de 1814 - 17 de

septiembre de 1879) fue un influyente arquitecto francés y teórico del siglo
XIX, conocido por sus restauraciones meticulosas de varios edificios
históricos en Francia y por sus contribuciones significativas a la teoría
arquitectónica. A continuación, te presento una breve biografía de Eugène
Viollet-le-Duc:

Nacido en París, Viollet-le-Duc estudió arquitectura en la École des

Beaux-Arts y se destacó como estudiante. Estuvo influenciado por las
ideas del arquitecto francés Henri Labrouste y del teórico alemán Gottfried
Semper.

Viollet-le-Duc se dedicó a la restauración de varios monumentos

históricos en Francia, incluyendo la basílica de Saint-Denis, la catedral de
Notre-Dame en París, la abadía de Mont Saint-Michel y la ciudad
amurallada de Carcasona. Sus restauraciones se caracterizaban por su
minuciosidad y su respeto por el estilo original del edificio.

Además de su trabajo práctico en restauración, Viollet-le-Duc fue un

prolífico escritor y teórico. Su obra más influyente es "Dictionnaire
raisonné de l'architecture française du XIe au XVIe siècle" (Diccionario
razonado de la arquitectura francesa del siglo XI al XVI), en la que articuló
sus ideas sobre la arquitectura gótica y defendió la importancia de la
estructura y la función en el diseño arquitectónico.

Viollet-le-Duc también fue un defensor de la aplicación de la tecnología

moderna en la arquitectura histórica, promoviendo el uso del hierro y del
vidrio en la restauración de edificios antiguos.

A pesar de ciertas controversias y críticas

contemporáneas sobre sus
restauraciones, el trabajo de Viollet-le-
Duc ha sido fundamental para la
preservación del patrimonio
arquitectónico francés. Su enfoque
meticuloso y su pasión por la autenticidad
han influido en generaciones de
arquitectos y conservadores del
patrimonio histórico.

Eugène Viollet-le-Duc falleció el 17 de

septiembre de 1879 en Lausana, Suiza,
pero su legado perdura a través de su
trabajo y su influencia en la teoría y la
práctica arquitectónica.
c. Charles Barry

Charles Barry (23 de mayo de 1795 - 12 de mayo de 1860) fue un

destacado arquitecto británico del siglo XIX, conocido por su trabajo en el
estilo neogótico y por ser el arquitecto principal del Palacio de
Westminster en Londres, que alberga el Parlamento del Reino Unido.
Aquí tienes una breve biografía de Charles Barry:

Barry nació en Londres, Inglaterra. Estudió en la Escuela de Arquitectura

de la Royal Academy y, posteriormente, realizó un extenso viaje por
Europa, donde estudió arquitectura clásica y neogótica.

Barry fue un defensor del estilo neogótico, una corriente arquitectónica

que buscaba imitar y reinterpretar la arquitectura gótica medieval. Fue
influyente en la revitalización del estilo neogótico en Gran Bretaña durante
el siglo XIX.

La obra más famosa de Barry es el Palacio de Westminster, que diseñó

junto con Augustus Pugin. Este proyecto, iniciado en 1836 y completado
en 1876 después de su muerte, es un ejemplo sobresaliente del neogótico
victoriano y es ahora un emblemático símbolo del gobierno británico.

Además del Palacio de Westminster, Barry diseñó y trabajó en numerosas

iglesias, mansiones y edificios públicos en Gran Bretaña. Entre sus obras
notables se encuentran el Reform Club en Londres y la iglesia de Saint
Peter en Brighton.

Barry fue nombrado Caballero (Sir)

en 1852 y se convirtió en miembro de
la Royal Academy. Su hijo, Edward
Middleton Barry, también fue un
arquitecto notable y continuó el
legado de su padre después de su
muerte.

Charles Barry falleció el 12 de mayo

de 1860 en Clapham, Londres, a la
edad de 64 años.

El legado de Charles Barry perdura a

través de su impactante obra
arquitectónica, especialmente el
Palacio de Westminster, que sigue
siendo un hito arquitectónico icónico
y un testimonio del talento del
arquitecto británico.
 d. Santiago Marqui

Marquí, Santiago. Madrid, 9.II.1767 – Ciudad de Guatemala (Guatemala),

6.X.1831. Arquitecto.

Fue hijo de Santiago Marquí, natural de Miglielia (Como, Milán). En 1797 se examinó
en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y obtuvo el título de arquitecto
de Obras. Su primer cargo fue de aparejador en el cuartel nuevo de caballería de
Madrid.

Llegó a Guatemala en 1804 para hacerse cargo de las obras de la catedral, que se
había atrasado por la incapacidad del ingeniero militar José de Sierra, quien en una
década no había hecho casi nada. Marquí hizo avanzar las obras, que se
inauguraron (sin torres ni frontispicio) en 1815. Otros edificios suyos fueron el
monasterio de Santa Teresa y la etapa final de los templos de San Francisco y la
Recolección. Falleció en la ciudad de Guatemala.

16. Datos biográficos de los siguientes arquitectos del romanticismo

a. Edgar Allan Poe

Edgar Allan Poe (19 de enero de 1809 - 7 de octubre de 1849) fue un escritor, poeta,
editor y crítico literario estadounidense, conocido por su influencia en el género de
la literatura de terror y por sus relatos de misterio y macabros. Aquí tienes una breve
biografía de Edgar Allan Poe:

Poe nació en Boston, Massachusetts, pero quedó huérfano a una edad temprana
después de que sus padres murieran. Fue adoptado por una familia adinerada de
Richmond, Virginia, pero tuvo una relación conflictiva con su padrastro y finalmente
se independizó.

Poe asistió a la Universidad de Virginia y luego se

enroló en la Academia Militar de West Point,
aunque fue expulsado poco después. Comenzó
su carrera literaria como crítico y editor, y su
primer libro de poesía, "Tamerlane and Other
Poems", fue publicado en 1827.

Poe es conocido por sus cuentos de terror y

misterio, como "El gato negro", "El cuervo" y "La
caída de la Casa Usher". También escribió poesía,
incluyendo obras como "El cuervo", uno de sus
poemas más famosos.
Poe es considerado uno de los pioneros del género de terror y detectivesco. Sus
escritos han tenido una influencia duradera en la literatura y han inspirado a
numerosos autores y cineastas.

La vida personal de Poe estuvo marcada por la tragedia y la dificultad financiera. Se

casó con su prima Virginia Clemm, quien murió joven debido a la tuberculosis. Poe
también luchó contra el alcoholismo durante gran parte de su vida. Murió en
circunstancias misteriosas en Baltimore en 1849 a los 40 años de edad.
A pesar de su muerte prematura, el trabajo de Poe ha sido celebrado y sigue siendo
objeto de estudio en todo el mundo. Su estilo distintivo y su habilidad para explorar
los oscuros y misteriosos aspectos de la mente humana lo han convertido en una
figura icónica en la literatura.

b. Esteban Echeverria

Esteban Echeverría (2 de septiembre de 1805 - 19 de enero de 1851) fue un

influyente escritor, poeta, filósofo y político argentino del siglo XIX. Es considerado
uno de los intelectuales más importantes del movimiento literario y cultural conocido
como el Romanticismo en América Latina. Aquí tienes una breve biografía de
Esteban Echeverría:

Echeverría nació en Buenos Aires, Argentina, en una familia acomodada. Estudió

en el Colegio de San Carlos y luego en la Universidad de Buenos Aires, donde se
graduó en leyes. Durante su juventud, fue parte del grupo literario y político conocido
como la Generación del 37.

En 1825, Echeverría viajó a Europa, donde se estableció en París. Allí, entró en

contacto con las corrientes artísticas y literarias de la época, incluyendo el
Romanticismo y el movimiento socialista. Estos encuentros influyeron
profundamente en su pensamiento y su obra.

Echeverría escribió poesía, cuentos y ensayos,

siendo una de sus obras más conocidas el poema
narrativo "El matadero", una crítica feroz a la
violencia y la corrupción durante el régimen de
Juan Manuel de Rosas en Argentina.

Echeverría fue un pensador político y social

influyente en su época. Abogó por la
modernización de Argentina, la educación pública
y la justicia social. Participó en movimientos
políticos y literarios que buscaban la
transformación y el progreso de su país.
Echeverría regresó a Buenos Aires en 1846. Sin embargo, su regreso coincidió con
una época de creciente conflicto político en Argentina. Falleció el 19 de enero de
1851 a los 45 años de edad, víctima de una epidemia de fiebre amarilla.

Esteban Echeverría es recordado como uno de los fundadores del pensamiento

liberal y progresista en Argentina. Su legado literario y político perdura, y es
considerado una figura emblemática en la historia cultural del país.

c. Domingo Faustino Sarmiento

Domingo Faustino Sarmiento (15 de febrero de 1811 - 11 de septiembre de 1888)

fue un destacado escritor, educador, periodista y político argentino. Su influencia en
la educación y la cultura en Argentina y otros países de América Latina fue
significativa. Aquí tienes una breve biografía de Domingo Faustino Sarmiento:

Sarmiento nació en San Juan, Argentina, en una familia humilde. A pesar de su

origen modesto, recibió educación formal en Buenos Aires y más tarde en Chile,
donde se convirtió en maestro y se involucró en actividades educativas.

En 1845, Sarmiento viajó a Estados Unidos, donde estudió el sistema educativo

estadounidense y se familiarizó con las ideas y las prácticas pedagógicas
innovadoras de ese país. Inspirado por su experiencia, abogó por la modernización
y la mejora del sistema educativo en Argentina.

Sarmiento fue un prolífico escritor y periodista. Fundó y editó varios periódicos y

revistas, donde expresó sus ideas sobre la educación, la cultura y la política.
Escribió obras literarias y ensayos, incluyendo "Facundo", una biografía crítica del
caudillo argentino Juan Facundo Quiroga.

Durante su presidencia en Argentina (1868-1874),

Sarmiento implementó reformas educativas
significativas. Promovió la construcción de
escuelas, la formación de maestros y la expansión
del sistema educativo en general. También
estableció bibliotecas públicas y fomentó la
inmigración y la llegada de docentes extranjeros al
país.

Sarmiento falleció el 11 de septiembre de 1888 en

Asunción, Paraguay. Su legado perdura en la
educación pública y la cultura de Argentina.
Además, su influencia se extiende más allá de las
fronteras argentinas, ya que su trabajo sigue
siendo estudiado y respetado en el ámbito
educativo en América Latina.
Domingo Faustino Sarmiento es recordado como un defensor apasionado de la
educación pública, la cultura y el progreso social. Su trabajo y sus ideas han dejado
una marca indeleble en la historia de Argentina y en la evolución de la educación en
la región.

d. Jorge Isaacs

Jorge Isaacs Ferrer (1 de abril de 1837 - 17 de abril de 1895) fue un escritor, político
y científico colombiano, conocido principalmente por su famosa novela "María", que
se convirtió en una obra clásica de la literatura hispanoamericana. Aquí tienes una
breve biografía de Jorge Isaacs:

Isaacs nació en Cali, Colombia, en una familia acomodada y educada. Estudió en

el Colegio San Javier en Cali y más tarde en el Colegio Militar de Bogotá. Además
de su educación formal, mostró interés en la botánica y otras ciencias naturales.

En 1867, Isaacs publicó su única novela, "María", una historia de amor ambientada
en el Valle del Cauca, que se convirtió en una de las novelas más importantes de la
literatura hispanoamericana. La obra narra el trágico amor entre Efraín, el
protagonista, y María, una joven indígena.

Isaacs también participó en la política colombiana y fue elegido varias veces como
congresista. Además, se interesó por la botánica y la meteorología, y realizó
investigaciones científicas en estas áreas.

Isaacs pasó los últimos años de su vida

en Ibagué, donde trabajó como
ingeniero y se dedicó a la investigación
científica. Falleció el 17 de abril de 1895
en Ibagué, a los 58 años de edad.

Aunque Jorge Isaacs escribió solo una

novela, su legado literario es
significativo. "María" ha sido elogiada
por su estilo romántico y lírico, y continúa
siendo leída y estudiada en la
actualidad. Isaacs es considerado uno
de los principales exponentes del
Romanticismo en la literatura
latinoamericana.