ÍNDICE:

Actividad 1: Lineamientos de los Modernismos en Europa

Art Nouveau …………………………………………………………………… pág. 2

Las vanguardias …………………………………………………………... pág. 6

Actividad 2: Encierro

Biografía del autor …………………………………………………………… pág.12

Planimetrías: Planta baja …………………………………………………… pág. 13

Planimetrías: Cortes …………………………………………………… pág. 14

Aspectos Funcionales …………………………………………………… pág. 15

Aspectos Tecnológicos …………………………………………………… pág. 16

Lenguaje arquitectónico …………………………………………………… pág. 17

Lógica proyectual ………………………………………………………….. pág. 18

Conclusión ………………………………………………………………….. pág. 19

Bibliografía ……………………………………………………………………pág. 20

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 Actividad 1: Lineamientos de los Modernismos en
Europa
Art Nouveau

Hacia 1890 la cultura tradicional entra en crisis. El esfuerzo por mantener unidas
las múltiples experiencias arquitectónicas dentro del marco del historicismo está
agotándose, en tanto que los motivos de la renovación de la arquitectura (como los
progresos constructivos o de orden cultural, y los planeamientos del movimiento Arts and
Crafts) han crecido bastante como para abarcar el problema general del lenguaje y
proponer una alternativa coherente a la sumisión a los estilos históricos. En un periodo
muy corto se suceden ideas y experiencias cada vez más audaces, atenuando o
eliminando del repertorio arquitectónico las habituales referencias estilísticas y
transformando continuamente el repertorio así renovado.

El movimiento moderno europeo, para la renovación de las artes aplicadas, nace

en Bélgica entre 1892 y 1894, y nace ex abrupto con la casa de Tassel de Horta, la
decoración de Van de Velde para su casa en Uccle y los primeros muebles de Serrurier-
Bovy. Estas obras parecen independientes de cualquier estilo precedente, y los
elementos del nuevo estilo, que será llamado Art Nouveau, aparecen en ellas ya
perfectamente elaborados.

El “Art Nouveau” (arte nuevo) fue llamado así en Bélgica y Francia, “Modern Style”
en Inglaterra, “Jugendstil” en Alemania, “Modernismo” en España, “Liberty” en Italia o
“Seccesion” en Austria; según los países y los grupos locales que tomaron posesión de
él.

El éxito del Art Nouveau en estos años es debido, sin duda, a un fenómeno de
moda, común al conjunto del movimiento, así como a una cierta ideología aun cuando
manifestaciones diversas puedan observarse en los distintos países. Cada uno de los
grupos, cada uno de los artistas, sintieron la necesidad de formular objetivamente
principios válidos. Se trata especialmente de:

 Una voluntad deliberada de poner fin a los estilos del pasado.

 Una definida predilección por “la línea”; este nuevo instrumento de expresión
tenía como base de inspiración la naturaleza o más bien la esencia de sus líneas
estructurales: es decir, el retorno a la naturaleza con lógica y sentimiento.

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  El uso de nuevos materiales y técnicas modernas, en oposición a las fastuosas
estructuras eclécticas.

 Una inquietud de ver “el arte en todo” y “para todos”.

 La revalorización de los procedimientos artesanales posibilitó la manipulación de

materiales (como el vidrio, los metales, la madera, la cerámica y los esmaltes) de
manera singular. De ese modo, se aproximaron las artes mayores (arquitectura,
pintura, escultura) a las artes decorativas (mobiliario, joyería, tapicería, etc.),
recuperando, en cierto modo, la idea renacentista del artista totalizador que reúne
arte, técnica y funcionalidad.

En el Art Nouveau las obras de pintores y dibujantes han tenido aquí precedencia
sobre las de arquitectos y diseñadores, la razón es que la nueva moda ornamental
apareció en cuadros, ilustraciones de libros, etc., antes que en las primeras obras de sus
creadores. Las características del Art Nouveau en términos de una composición de
figuras en la pintura eran sus largas curvas, la esbeltez de las proporciones, la
delicadeza floral de los cuerpos y miembros, y los perfiles extrañamente oblicuos, para
reconocer las mismas fuentes inglesas que en Beardsley y el mismo esfuerzo dirigido
conscientemente a obtener un diseño complicado, ondulante, sinuoso, entrelazado y
cubriendo íntegramente toda la tela.

En la arquitectura de exteriores la contribución más notable del Art Nouveau va unida

a su estimación por el hierro. El uso del hierro en las fachadas no era nada nuevo. Las
ventajas ornamentales del hierro para los frentes tampoco fueron un descubrimiento de
los últimos años del siglo XIX. En efecto, puede trazarse una línea que va desde la
tracería de hierro fundido del primer puente construido con dicho material, la trayectoria
de hierro fundido para ventanas de las tempranas iglesias neogóticas, hasta su rico uso
ornamental.

Las propuestas de algunos intelectuales como Ruskn, Semper o Viollet-le-Duc

influenciaban fuertemente en la Arquitectura. Se enunciaban tres ideas: una de llevar
adelante un criterio estricto de racionalismo estructural, en segundo lugar una defensa al
nacionalismo cultural, y por ultimo revisar y renovar los contenidos clasicistas del artes
pompier. Otra influencia será el mismo Richard Wagner con su planteo de la obra de arte
total, desde la música remite al diseño de la jardinería, al equipamiento, a la decoración
del interior, también tapices.

Gaudí fue un arquitecto vanguardista en el contexto de nacientes culturas urbanas.

Trabajaba con un repertorio simbolista, a veces más bien local, vinculado a culturas
grecolatinas y cristianas. Sus proyectos más importantes son sus dos aportaciones al
ensanche, sus casas sobre el Paseo de la Gracia, la Milá y la Blatló. Se destaca por su

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irreductibilidad a expresiones generalizadas de una cultura regional específica. Sus
ideas se desarrollan en un cruce entre criterios anticlásicos y búsquedas de
nacionalidad. Apelará a la artesanía para confrontar con lo industrial y utilizara el bagaje
historicista, para destruir la capacidad comunicativa de los lenguajes. Representa una
supuesta voluntad positiva, en el sentido de inaugurar una tradición.

Este arquitecto estaba solo y los compañeros de ruta se presentaban más bien como
rescatadores de las innovaciones. Luis Domeneches uno de ellos, le da una
ornamentación a la sala de conciertos del Palacio de la Música en 1906 que se extiende
en unos elementos casi neo-rococó acordes al prestigio social de ese elemento de
equipamiento. También hizo muchas mansiones urbanas para los pujantes industriales
catalanes – que disputó clientela de Gaudí- tuvo la prudencia de reservar para la
resolución de unos temas tan propios del programa urbano (hospitales y teatros) un tono
que no sufriera el riesgo nihilista de las aventuras individuales a que solo podía
arriesgarse Gaudí y hace que su arquitectura sea perdurable un tanto como
consecuencia de la forma que se confronto con las expectativas y posibilidades
culturales de ese momento.

Otro personaje central es Van de Velde, belga de origen. El resume en su práctica la

idea de la producción artesanal dentro de formas cooperativas, en talleres o guildas, la
noción wagneriana de obra de arte total, la referencia del pensamiento violletiano en
cuanto a la depuración de un criterio funcionalista liado a la lógica de la estructura, el
entusiasmo por las propuestas políticas culturales del socialismo, el ensalzamiento de la
filosofía estética y política netchiana, etc. Para la construcción de su propia casa en
Uccle, no solo diseña el mobiliario sino hasta los elementos de vestimenta de su mujer.
En su casa los platos de comidas y los colores de las comidas combinaban.

A nuestro país, el Art Nouveau llegó a comienzos del siglo XX. Fue un movimiento
que interesó a todas las manifestaciones estéticas, siendo su principal interés la
ornamentación. En ese entonces, Buenos Aires se perfilaba como ciudad cosmopolita,
caracterizada por la llegada de inmigrantes europeos que dieron al país una mano de
obra calificada para la construcción artesanal. De ese modo, se produjo una notable
convivencia de pensamientos y estilos, evocando modelos de arquitectura europeos.

En nuestro país existió una cierta correspondencia entre los deseos de

modernización y la utilización del lenguaje Art Nouveau. Las clases medias y de élite que
intentaban diferenciarse del resto, recurrían al proyecto de autor como paradigma de una
nueva modalidad de habitar, expresando su nueva situación asimilándose a las familias
de linaje reconocido con este nuevo lenguaje, a veces sólo en la fachada de la vivienda.
De esa manera, también la moda fue un elemento de importancia como elemento
afirmador del “ser moderno”.

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 En el mundo Art Nouveau porteño resaltaron diferentes maestros que hicieron obras
particulares de gran originalidad, verdaderos monumentos que traspasan la frivolidad de
un estilo o de una moda.

 Corriente Art Nouveau francesa: el Hotel Chile del arquitecto francés Louis Dubois
es uno de los mayores representantes del estilo Art Nouveau que se realizó en
Argentina a comienzos del siglo XX. Este se distinguía por la desaparecida cúpula
en su ochava, que lucía formas exóticas aludiendo a la arquitectura oriental. La
fachada se caracteriza por el uso abundante de formas curvas y arcos, y
originalmente tenía además una ornamentación mucho más recargada, con
ménsulas, molduras, óculos y una mansarda de pizarra con crestería de hierro
que desaparecieron con la reconstrucción luego del incendio de 1988.

 Corriente modernista catalana: el Modernismo encuentra en Argentina a

importantes difusores, tal el caso del arquitecto Julián García Núñez, quien nace
en Argentina pero estudia arquitectura en Barcelona. Produjo edificios de alta
calidad de diseño y factura, donde hasta el más mínimo detalle se inscribía dentro
de la lógica del diseño total. Entre sus obras más importantes se cuentan el
Hospital Español sobre la avenida Belgrano (casi todo demolido); el edificio de
oficinas de Chacabuco 78 donde asombra el patio interior central coronado por
una ventana, surcado por la alta jaula del ascensor y ornamentado por balcones
de piso translúcido; y varios edificios de departamentos como el Edificio de Renta
de Paso y Viamonte, uno de los mejores ejemplos modernistas.

La ciudad de Rosario desarrolló una importante arquitectura modernista, producto de

una burguesía que habiendo llegado antes del flujo inmigratorio, pudo reunir una riqueza
que le permitió representa su status social por la vía del modernismo, profesional o
empírico. En paralelo al progreso de las burguesías se desarrollan las obras
institucionales de las colectividades de inmigrantes. Es el caso de la Sociedad Española
de Rosario, para quien trabaja Roca i Simó de modo excluyente.

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 Las vanguardias

En el penúltimo decenio del siglo, cuando el eclecticismo se transforma en

liberalismo artístico y pone definitivamente en crisis sus bases ideológicas; se registran
numerosas declaraciones de los arquitectos que deploran la confusión del lenguaje y
esperan, el nacimiento de un nuevo lenguaje original.

El término de Vanguardias surge en Francia poco antes de la Primera Guerra

Mundial, por los años 1914 a 1917, como una reacción al arte del siglo xix o académico.
Los artistas adaptaron el término para hacer referencia a que su movimiento buscaba
reflejar un espíritu innovador.

Siempre estarán íntimamente relacionados con ciertas ideologías sociales y

liberales que supongan una ruptura contra todo lo que de algún modo se considerara
parte de la cultura pasada o burguesa. Se podría resumir como una actitud de rebeldía
contra todo lo heredado de tiempos pasados.

La obra innovadora de los arquitectos vanguardistas desde 1890 está en relación

con los pintores. Esta vez se trata de un intercambio de resultados, experiencias de los
arquitectos presuponen experiencias de los pintores y viceversa. El cambio decisivo es
la superación del impresionismo por obra de Cèzanne, Rousseau, Van Gogh y Gauguin.
Tanto los arquitectos como los pintores trabajan para cambiar las convenciones
culturales heredadas del pasado.

Movimientos de vanguardia: fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo,

dadaísmo, surrealismo, y abstracción entre otros.

Fauvismo:

Se considera el fauvismo como primer movimiento de vanguardia, su comienzo en

1905 sea la misma que señala el inicio del expresionismo alemán. Tanto Matisse como
Derain se habían volcado en la investigación del color, así como en el empleo del
divisionismo.

El termino fauvismo lo acuño el crítico Lous Vauxcelles al contemplar en el Salón

de Otoño en Paris del año 1905 una serie de pinturas cromáticamente exaltadas que
contrastaban violentamente en relación a una pequeña escultura de corte clásico, el
crítico aludió sobre sus obras. Entre ellos se encontraban A. Derain, M. Vlamink, R.
Dufy, K. van Dongen, y se incluía en ocasiones a G. Rouault.

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 Matisse había estudiado en la Escuela de Bellas Artes. Uno de los factores que
más influyeron en la posterior evolución del iniciador del fauvismo fue la metodología
docente empleada por Moreau, que hacía hincapié en que cada artista desarrollase su
propio estilo, absteniéndose de imitar lo que otros habían hecho. La no imitación
provenía de esas enseñanzas.

El carácter innovador del fauvismo residía precisamente en no ser un arte

imitativo, así como en subrayar la importancia de la autonomía del color con respecto a
la forma. Ejemplo: El retrato de madame Matisse. El color adquiere en esta obra un
protagonismo absoluto, ya que, en lugar de representar fielmente la realidad, Matisse
opta por pintar a su mujer tal y como él la ve o, mejor aún, tal y como la siente. Se trata,
por consiguiente, de presentar sensaciones o vivencias a través del vigor cromático.

Duro poco tiempo, los artistas ansiaban cambios más profundos, pues finalizo en
los inicios de 1908.

Expresionismo

El movimiento expresionista se desarrollo esencialmente en los países

germánicos. Sus antecedentes hay que buscarlos en el romanticismo. El hecho de
surgir en los años anteriores a la primera guerra mundial le reafirma en un carácter
antipositivista. El pensamiento de Nietzsche impregna determinadas capas de la
sociedad. Edvard Munch fue un autentico precursor del expresionismo. Baste recordar
su obra El grito, donde se advierte la angustia y el miedo frente a un mundo que se torna
incomprensible. Los temas más tratados están relacionados con la opresión, el terror y la
miseria. Abundan asimismo referencias a los temas sexuales.

El primer grupo expresionista surgió en Dresde en 1905, Die Brucke (El Puente).
Algunos temas eran la ciudad, con sus calles, edificios, coches y transeúntes que refleja
el mundo moderno. Fuertemente atraídos por la técnica de la xilografía. El lenguaje
agresivo de líneas quebradas y ángulos agudos es aún más patente que en la propia
pintura.

Los artistas se aglutinaban en torno a Vasili Kandinsky, artista de origen ruso. Una
de las tareas más significativas fue la publicación del Almanaque. En ella se integraban
manifestaciones de arte popular, obras infantiles, realizaciones primitivas y, por
supuesto, los escritos no estaban dedicados solo a las bellas artes.

Predominaban las líneas curvas y las asociaciones cromáticas eran más

armoniosas, era más lirico, composiciones abstractas y otras figurativas.

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 La arquitectura fue otro de los terrenos en los que el expresionismo tuvo
importantes adeptos. La forma orgánica pasa a ser protagonista de las estructuras
arquitectónicas, tal y como se advierte en obras como la Torre de Einstein, en Potsdam,
de Mendelsohn o bien la Casa Chile de Fritz Hoger. Se concebía a la arquitectura como
medio para expresar las leyes rítmicas de la naturaleza.

Cubismo

Los antecedentes del cubismo pueden hallarse en las pinturas del último periodo
de Cezanne, en las que el espacio se estructura por medio de zonas cromáticamente
diferenciadas que tienen la finalidad de producir sensación de profundidad, sin
necesidad de emplear la perspectiva. Por otro lado, las gamas cromáticas empleadas
por Cezanne, los tonos cálidos de ocre, beige y anaranjado, así como los fríos (azul,
verde y gris), constituyen el fundamento de la tendencia cubista en sus inicios.

El cubismo empieza con las experiencias de Picasso en 1907 en la pintura Las

señoritas de Avignon. A lo largo de todo el siguiente año Picasso va adentrándose cada
vez más en la investigación que le llevara al cubismo analítico, modalidad en la que los
elementos plasmados en el cuadro se descomponen en diversas formas geométricas,
superponiéndose de tal modo que resulta imposible identificar de qué se trata. En la
primera etapa del cubismo prevalecen las temáticas de naturaleza muertas, en las que
instrumentos musicales, partituras, pipas, frutas, fruteros, vasos, botellas, mesas y sillas
ofrecen aspectos absolutamente nuevos e insólitos.

Durante una época, Picasso y Braque trabajaron juntos y a los dos se les debe
uno de los hallazgos más significativos de para todo el arte del siglo XX: el collage. En
un primer momento solo se integro papeles pegados a la superficie del cuadro.Surgió
entonces la modalidad conocida como cubismo sintético, en la que las pinturas, a pesar
de presentar una composición claramente geométrica, permitirían que el espectador
percibiera con facilidad una forma global identificable.

Lo que distingue al cubismo de la antigua pintura, es que no es un arte de

imitación, sino un arte de concepción que tiende a elevarse hasta la creación.

Futurismo

El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer

decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Proclama el rechazo al
pasado y a la tradición, promulgando un arte anticlasicista orientado al futuro, que

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respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la
sociedad masificada de las grandes ciudades.

Quieren crear un arte nuevo, en funcion de la mentalidad moderna, los nuevos

tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus
principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la
deshumanización.

La estética futurista difunde una ética machista y provocadora, amante de la

guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta
coincidir con fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919.

La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del

movimiento. El efecto de la dinámica y movimiento se transmitía en vibrantes
composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio,
tiempo y sonido .La representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es
decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de
fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso
y del reverso de la figura.

Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra,
vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o
simbolismo. En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán
artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini.

La arquitectura futurista es la arquitectura del cálculo, se trata de utilizar todos los

recursos de la ciencia y de la técnica, tomando como recursos para demostrar
movimiento y dinamismo las líneas oblicuas y elípticas. Rechazan todo lenguaje y
simbolismo tradicional, encontrando inspiración en el mundo mecanico.

La decoración era considerada como algo superpuesto a la arquitectura, y que

sólo el uso y la disposición original del material bruto o visto o violentamente depende el
valor decorativo de la arquitectura futurista. Una figura importante fue el arquitecto
Antonio Sant Elia que se adhirió al futurismo en 1914 publicando el manifiesto de la
arquitectura futurista, en el cual expuso los principios de esta corriente, influenciado en
sus idiologia por las ciudades industriales estadounidenses y por los arquitectos Otto
Wagner y Joseph Maria Olbrich. Sant'Elia concebía el futurismo como arquitectura en
"movimiento", un espacio arquitectónico ligado al tiempo, en un proyecto sistémico de la
ciencia tecnológica de las máquinas.

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 Dadaísmo

El Dadaismo fue un movimiento de rebeldía contra lo ocurrido durante la Primera

Guerra Mundial (1914-18) y dirigido a desafiar los principios socioeconómicos del
capitalismo que estaban detrás de la contienda. El Dadaísmo rápidamente se convirtió
en un movimiento anarquista, cínico y escéptico, que se revelo en exposiciones
escandalosas, demostraciones y manifiestos absurdos y que se diseñaron en tono de
burla y humor para provocar e irritar a la burguesía conservadora europea. Los
fundadores del Dadaísmo eran jóvenes bohemios enojados, protestando contra las
convenciones de su época: ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la
poesía. Se presenta como una ideología, como una forma de vivir y como un rechazo
absoluto de toda tradición. Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los
principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo
universal. Nueva técnica: fotomontaje.

Tuvo repercusiones en todos los campos artísticos. En Alemania encontró

seguidores entre los intelectuales y artistas que apoyaban el movimiento. En Francia
tuvo escritores como Breton, Louis Aragon y el poeta italiano Ungaretti.

Surrealismo

El Surrealismo comienza en 1924 en París con André Breton, quien estimaba que
la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo
del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.

Para los surrealistas la obra nace de la inconsciencia, es decir, cualquier forma de

expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por
medio de formas abstractas o figurativas la realidad más profunda del ser humano, el
subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación
de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos inadecuados,
metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación
del caos, representación de autómatas, de agitaciones y de perspectivas vacías. El
pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el, y el sexo será
tratado de forma impúdica. Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos,
el arte de los niños y de los dementes.

Dalí es el representante más popular de esta tendencia artística. Sus obras nos
sorprenden por unas asociaciones de objetos que nunca encontraríamos en el mundo
real, pero que, en nuestros sueños pueden darse con total naturalidad. Dalí fue un gran
maestro del dibujo y del detalle en la representación.

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 En el campo de la arquitectura, se destaca el arquitecto Antonio Gaudi, que se
rige por la lógica de la racionalidad y el funcionalismo y fue el primer arquitecto que usó
los principios de la geometría reglada de superficies alabeadas (la que rige las formas de
la naturaleza) aplicada a la construcción de edificios. Aplicó criterios de integración de
factores ambientales del lugar (uso, función, materiales nativos o procesos
constructivos).

Abstracción

Surge en torno a 1910, la abstracción es el resultado de una tendencia a resumir

y sintetizar que comienza a finales del S. XIX, con Gaugain, Van Gogh y Cézanne, y que
continúa con la simplificación del tema a través del Fauvismo, Cubismo y el Futurismo.

Se entiende abstracto aquello que desecha por completo el objeto y la figura

donde la obra se compone mediante la combinación de líneas y colores. Elimina de las
obras toda figuración relacionada con el mundo real, con el arte figurativo. El adjetivo
abstracto califica lo que no se puede percibir directamente a través de los sentidos,
aquello que excluye lo concreto y se aleja del aspecto exterior de una realidad. La
primera acuarela abstraca es del pintor ruso Wassily Kandinsky, en 1910. Este artista
estudió los elementos del arte plástico (el punto, la línea, el plano, el color, las
posiciones y relaciones de éstos dentro de la composición).Los artistas eliminaron de
sus obras toda representación objetiva de la naturaleza, como el volumen y la
perspectiva, y reflejaron la esencia de la realidad. En sus composiciones pictóricas
predominaron las líneas, las formas geométricas, el ritmo, la estructura y el color. En sus
esculturas combinaron las formas cóncavas y convexas, los volúmenes y los espacios
vacíos.

La abstracción en la arquitectura es una búsqueda de la esencia, de las

composiciones de línea, planos, color. Se sustrae al objeto del mundo exterior,
acercándolo a su valor verdadero, inmutable, evitando de esta forma el caos y lo
arbitrario, la abstracción termina acercándonos a la esencia pura de las cosas. Las
nociones de masa, volumen, peso, estabilidad, son abolidas en favor de texturas
transparentes, vaciadas y de planos curvos, replegados que rompen o detienen la luz;
en su intento por expresar, el ritmo continuo del universo. Un ejemplo de una figura
importante es el arquitecto Mies Van de Rohe con su Pabellon de Barcelona, donde se
configuran grande planos con ventanales que establece una relación fluida y amplia
entre exterior e interior y horizontalidad de asimetría en voladizos y zócalos. La casa
tradicional con esquema de caja cerrada se reemplazó con elementos abstractos y
maquinistas.

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 Actividad 2: Encierro
Biografía del autor

Lluís Domènech i Montaner fue un arquitecto catalán

nacido en Barcelona, y uno de los máximos representantes
del modernismo catalán. Su primera obra de interés es el
restaurante de la Exposición Universal de 1888 (Castell dels
Tres Dragons), un edificio de marcada inspiración
medievalista, destacado ejemplo de la arquitectura ecléctica.
Este edificio constituyó el núcleo base de la renovación de
las artes y oficios del modernismo (nombre con el que se
denominó al Art Nouveau en España).

Sus edificios se caracterizan por la combinación del

racionalismo constructivo con una ornamentación inspirada
en la arquitectura hispano-árabe y por las líneas curvilíneas
típicas del modernismo. Contó para ello con la colaboración
de diversos especialistas en las diferentes artes, arquitectos,
escultores y artesanos.

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 Lenguaje arquitectónico

El Palacio de la Música Catalana, construido entre 1905, se

articula alrededor de una estructura central metálica recubierta de
vidrio, que al recibir la luz natural, seguiría esta idea de caja mágica
musical para glorificar la música folklórica catalana y demostrar que
sus compositores se encontraban a la altura de los maestros
clásicos de Europa. En el mismo se combinan todas las artes
aplicadas: escultura, mosaico, vitral y forja. Este edificio, financiado
con fondos procedentes de suscripción popular, fue declarado
Monumento Nacional y en 1997 Patrimonio de la Humanidad por la
UNESCO.

En la fachada principal se encuentran grandes columnas de

ladrillo rojo y cerámica rematadas con bustos de los compositores
Palestrina, Bach y Beethoven y un enorme mural de mosaicos que
representa un coro presidido por una reina. Palacio de la Música Catalana

La fachada modernista realizada en el lado opuesto a la anterior, quedaba ciega por la

ubicación de la Iglesia de San Francisco que ocupaba todo el frente. Para que entrara un poco
de luz Domènech construyó un patio de 3m de ancho que limitaba con la iglesia.

El interior se presenta como una ráfaga de colores cálidos y texturas brillantes creada por
la múltiple combinación de azulejos esmaltados y cerámicos, parpadeantes lámparas de cristal y
brillantes mármoles color caramelo. Un seductor detalle de las escaleras son los cilindros de
vidrio color miel colocados entre el pasamanos y los largueros de piedra con incrustaciones en
relieve Art Nouveau. Se logran apreciar salas decoradas con coloristas motivos florales, figuras
de musas tales como las valquirias de Wagner, bustos de músicos y compositores y un
destacado lucernario central que representa el sol.

Interior del edificio donde se asemeja a la “caja mágica musical”, a la izquierda. Columnas con
adhesión de mosaicos de diferentes colores, al centro. Adhesión de cerámicos creando un motivo floral, a
la derecha.

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 El palacio se encuentra repleta de figuras como las musas que rodean el escenario, las
valquirias de Wagner que surgen del techo, un busto de Anselm Clavé a un lado y uno de
Beethoven al otro, produciendo un contraste entre la música y poética nacional española y la
música europea; y elementos de la naturaleza, como flores, palmeras o frutos.

Figura decorativas que representan la música folckorica catalana.

La modernidad se encuentra en la aplicación de innovaciones técnicas como el hierro y el

vidrio en la estructura del edificio, como en el Auditorio de Chicago (1889), de Louis Sullivan. El
ideal ornamental de Sullivan era una “decoración orgánica, apropiada a una estructura
compuesta sobre líneas amplias y macizas”.

Auditorio de Chicago (1889), de Louis Sullivan

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 Lógica Proyectual

El simbolismo decorativo señala el optimismo de una burguesía que, recuperada su

identidad política, se reconoce también en el universalismo y la intemporalidad de la música.

La obra busca ser parte de este movimiento reactivo a los desarrollos del industrialismo,
tratando de ir más allá de un razonamiento estilístico. Desarrollaba la idea de la obra de arte total
teorizada por Richard Wagner en la que ,desde la música, que remite al diseño de la jardinería,
al equipamiento, a la decoración del interior, se busca una identidad cultural regional, la
raigambre catalana, su idioma, sus costumbres, etc.

Apelará a la artesanía para confrontar con lo industrial para recuperar una dimensión
estrictamente artesanal, y a su vez defender el nacionalismo cultural. El autor de la obra le da
una ornamentación a la que se extiende en unos elementos casi neo-rococó acordes al prestigio
social de ese elemento de equipamiento.

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 Conclusión
Frente a la crisis de la cultura tradicional y las bases ideológica de la estética eclética,
arquitectos, intelectuales y artistas se concentran en buscar y transformar el repertorio antiguo,
en uno nuevo posibilitado por el movimiento moderno para la renovación de las artes aplicadas.
(Belgica). Este se configura en muebles, casas y en la decoración. En ellos aparece elementos
de un nuevo estilo: Art Nouveau, cuyacaracterística es la voluntad de poner fin a los estilos del
pasado, y revalorizar las producciones artesanales manipulando los materiales como vidrio ,
cerámica, madera , metales y esmaltes.De ese modo, se aproximaron las artes mayores
(arquitectura, pintura, escultura) a las artes decorativas (mobiliario, joyería, tapicería, etc.),
reivindicando la idea del artista que reúne arte, técnica y funcionalidad.

Para hacer referencia al espíritu renovador, se pone de manifiesto, poco antes de la

Primer Guerra mundial entre 1914 y 1917un movimiento donde trabajan conjuntamente
arquitectos y pintores, en contra de lo que consideraban parte de la cultura burguesa o pasada.
Este movimiento llamado Vanguardia surge como una reacción rebelde al arte académico (siglo
xix) , pero también como una manifestación de la realidad en torno al contexto cultural y social
que se estaba originando debido a la nueva ciudad moderna y la influencia de la maquina en el
modo de resolver problemas y en el uso de la técnica.

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 BIBLIOGRAFIA

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Barcelona 1994. Cuarta Parte. Los movimientos de vanguardia europeos de 1890 a 1914.

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