aprender a escribir con la luz

TALLER de
Fotografía COMPOSICIÓN
Titular de Cátedra:
LAUTARO GONZALEZ

Las fotografías expuestas en este

Las fotografías expuestas en este
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Composición

Lo importante en la fotografía, como en cualquier otra expresión artística, es saber que queremos mos-
trar o comunicar. Si es un recuerdo familiar, una denuncia social, un paisaje para recrear la vista, un re-
trato, vender un producto, mostrar una situación graciosa o trágica, etc. Tenemos que saber de antema-
no que vamos a comunicar para que la imagen pueda transmitir toda la fuerza que le vamos a poner. En
cada foto que hagamos con este criterio, vamos a estar poniendo de nosotros, de nuestra propia vida, de
nuestra forma de pensar, de ser, etc. Por eso cuando hablamos de fotografía, hablamos de ARTE.
Podemos hablar de composición como el arte de saber ubicar los elementos en el encuadre de
forma armónica y equilibrada, de tal manera que la comprensión del mensaje sea clara y concisa.
Una foto mal compuesta es como un texto incoherente, sin cordura, como un montón de palabras juntas
que no dicen nada. Hablamos de la fotografía como un lenguaje porque trasmite conceptos, ideas, mu-
chas veces al ver una foto nos conmovemos o nos rebelamos ante las imágenes que vemos, pero es im-
portante que el mensaje sea claro, que el espectador entienda lo que estamos queriendo decirle a través
de una imagen, los elementos deben guardar una armonía, no sólo comunicacional sino también estética.

La estética es una parte fundamental de la fotografía que no se debe dejar de lado. El buen gusto la
combinación de colores, el equilibrio de los volúmenes en el cuadro, las proporciones, la perspectiva, los
focos diferenciados, el impacto visual, el recorrido de la vista por el cuadro. todo esto es fundamental en
cada foto que generemos, cada foto tiene que tener su madurez, su momento crítico el instante donde
todo se acomoda, cada cosa ocupa su lugar y ahí es donde debemos disparar. Muchas veces estas con-
diciones coinciden perfectamente por si solas y sabemos mirarlas desde el punto de vista correcto, des-
de el ángulo preciso, con la óptica adecuada y consigo mi foto perfecta, otras veces ( la mayoría por,
desgracia) cada uno deberá tomarse el trabajo de que todo esto se conjugue para obtener el mejor resul-
tado.Pero en ninguno de los dos casos está librado al azar, o sabemos mirar para encontrarlo cuando se
da por si solo o lo generamos nosotros. .

Pero para comenzar es importante formar un ojo fotográfico, es decir tenemos que ser observadores y
ver aquello que los demás no ven, aquello que cuando lo ven en la foto se sorprenden por lo familiar, pe-
ro que nunca lo habían visto desde ese ángulo. Debemos practicar, sin la cámara, componiendo fotos
con nuestros ojos e imaginando como saldrían, debemos componer en todo momento, cuando viajamos,
cuando vamos al trabajo, en casa, en todo lugar y tiempo tenemos la oportunidad de componer imáge-
nes y tenemos que aprovecharlas. De esta manera podremos ir sabiendo cuál puede ser una buena foto
y cuál no, cuál motivo vale la pena y cuál no. . No quiere decir esto que vamos a ahorrarnos de gastar
película y de tirar fotos a la basura, ahora con la tecnología digital podemos economizar un poco más,
pero por lo menos podremos avanzar con más ra-pidez en el aprendizaje. Es importante también ver
fotos, fotos de revistas, de libros de fotografía, en ex-posiciones, en internet, todas las oportunidades que
se nos presenten, esto aumentará nuestro poder creativo ya que habrá muchas fotografías de cosas o
situaciones que nunca hubiéramos imaginado.

Identificar el tema
El primer paso creativo antes de tomar una fotografía es escoger el tema. Si no sabemos que es lo queremos
representar es muy difícil que sepamos que queremos decir y cuando intentemos hacerlo seguramente no será
claro el mensaje. . Como regla general se debe buscar un tema que proporcione un único punto fuerte. Si en el
visor vemos de-masiados detalles que no apoyan al sujeto principal o no remarcan lo que queremos comunicar,
es muy pro-bable que luego en la foto tengamos tal desorden de imágenes que se pierda el interés, ya que se
dificulta la interpretación de la misma. Tenemos que tratar siempre por todos los medios de que el mensaje sea
claro y concreto, si una foto necesita de un título para entenderla no vamos por el buen camino. Es importante
que siempre tengamos en claro que la fotografía es bidimensional, nosotros cuando miramos un objeto lo
vemos en tres dimensiones pero luego en la fotografía (el papel) sólo lo vemos en dos dimensiones, muchas
fotos perderán gracia cuando las veamos en el papel, ya que no es lo mismo que estábamos viendo cuando
hici-
mos la toma. .
Todas estas cosas es importante tenerlas en claro de ante mano para evitar fotos desagradables. .
Muchas veces se puede lograr el efecto deseado cambiando de objetivo o utilizando otra iluminación, todo va a
depender de las circunstancias en que nos encontremos. .
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El ojo selectivo y el encuadre
La cámara fotográfica a diferencia del ojo humano no es selectiva. Nuestro ojo selecciona lo que deseamos ver
con más claridad, casi como apartándolo del resto y nos permite apreciar ese sujeto como realmente
queremos. Cuando queremos lograr esto en la fotografía es importante poder manejar la profundidad de
campo, o la ilumi-nación o alguna otra técnica ya que de otra manera todo se encontrará en el mismo plano y lo
que querías re-saltar será una cosa más de las que se encuentran en la foto. . El hecho mismo del ojo selectivo
no nos permite, muchas veces, apreciar que hay en el fondo de nuestra foto-grafía, o por delante y así es como
luego aparecen cosas desagradables (colores chillones en el fondo que lla-man mucho la atención, o por
delante, picos de botellas en una mesa en una fiesta cuando queremos fotogra-fiar a los invitados. . Una de las
herramientas con las que contamos para lograr el realce del sujeto elegido es el encuadre. El encua-dre en
cierta forma aisla al sujeto, o lo que queremos fotografiar, de la realidad, del contexto, de esta manera
controlamos la cantidad de información que queremos dar y estamos presentando una parte de la realidad
como lo importante, lo que vale la pena mirar. .
Por eso si no tiene atractivo para el espectador es difícil que nuestra foto trascienda. ahora si entendemos que
todo lo que incluimos en nuestro encuadre es información para el espectador y que es lo que lo va a llevar a
comprender el mensaje, es importante ser cuidadoso, ya que elementos equivocados van a hacer que genere-
mos confusión. . Cada elemento en el encuadre serán símbolos que el espectador podrá interpretar para que
en su cabeza se forme un concepto (que es lo que queremos trasmitirle), una idea, un mensaje. En esta parte
es donde debe-mos ser más cuidadosos ya que símbolos erróneos pueden traer una mala interpretación, o
elementos que sean desagradables (por ej.) en una foto, pueden hacer que la idea de belleza, gracia, noche
mágica que que-ríamos transmitir en la foto, se diluya. Por eso quizás es más representativo una niña jugando
en la playa con
un castillo de arena que una panorámica de la playa misma. .

En esta fotografía podemos ver como

en una imagen podemos sintetizar toda
una situación mostrando sólo detalles.
Una carrera de bicicletas con mucha
gente como público y todo se desarrolla
a alta velocidad. .

La inteligencia visual .

Funciona en tres niveles: realista, abstracto y simbólico, y podemos crear interacciones armoniosas dentro de
este sincretismo. . Por lo tanto, la Inteligencia Visual - Espacial se define como la capacidad reconocer y
elaborar imágenes visua-les, distinguir a través de la vista rasgos específicos de los objetos, creación de
imágenes mentales, razona-miento acerca del espacio y sus dimensiones, manejo y reproducción de imágenes
internas o externas. Algunas
de estas habilidades o todas ellas pueden manifestarse en una misma. .

EQUILIBRIO .
El equilibrio es una referencia visual fuerte y firme, una base sobre la que elaborar sensaciones visuales. La li-
nealidad horizontal - vertical es la relación básica del ser humano con su entorno. .
El equilibrio es fundamental en la naturaleza, ya que su estado opuesto es el colapso. .
El proceso de estabilización visual de una imagen impone primeramente un eje vertical con un referente secun-
dario horizontal. Los dos establecen factores estructurales que miden el equilibrio. Es una constante. . La
desestabilización del equilibrio atrae poderosamente la atención y crea intranquilidad; es un valor de con-traste
que se aleja del equilibrio armónico. El sujeto debe ocupar un lugar de fuerza dentro del encuadre. Debe ser la
llave para que nuestro espectador pueda entrar a nuestra foto, luego es importante que sepamos guiarlo a
recorrer el resto de la imagen. Ese recorrido tiene la importancia de comprender la totalidad del mensaje que
estamos trasmitiendo. .
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REGLA DE LOS TERCIOS .
Un método para determinar dicha posición consiste en dividir la imagen en tres partes iguales tanto vertical co-
mo horizontalmente, esto se denomina "Regla de los tercios" Los cuatro puntos de intersección son puntos o
zo-nas fuertes dentro del encuadre y situar el sujeto principal en un tercio de la línea que lo atraviesa puede ser
una buena solución, siempre y cuando halla otros elementos que equilibren la imagen o podamos dejar una
zona áurea. .

Aquí tenemos dos ejemplos de la aplicación de la regla de los

tercios, uno vertical y otro horizontal; podemos ver como se a-
plica para los dos casos por igual.

En este ejemplo podemos ver que la persona mira para adentro

La zona áurea al ser negra y no tener ningún elemento nos lle-
va a fijar la vista en el sujeto principal sin distracciones.

En fotografía se pueden manejar

muchas alternativas. En ciertas fotos
tenemos un solo centro de interés,
entonces debemos ubicar al sujeto
principal en uno de los tercios pero
siempre mirando para adentro, para
que de esa manera no nos saque la
vista de la foto. . La otra mitad de la
foto que queda vacía es la
denominada "zona áurea". siempre
que el sujeto dé la idea de que está
mirando para adentro, la f o t o q u e
d e b i e n c o m p u e s t a . La zona
áurea no siempre debe ser algo vacío
y de un color neutro, basta con que
este bien desenfocada para que no
llame la atención. .

El concepto de equilibrio en fotografía es más o menos similar al concepto de equilibrio de cualquier otra disci-
plina. Una foto tiene equilibrio cuando da una sensación de estabilidad y no parece caerse para alguno de los
lados. Aquí intervienen directamente los tamaños y las posiciones dentro del encuadre de los elementos. Como
si estuvieran en una balanza. . Recurriendo al símil de la balanza, si buscamos una composición simétrica y
equilibrada habrá que imaginar la escena como una balanza de dos platillos y distribuir los elementos en
consecuencia. Si perseguimos un equili-brio asimétrico los distribuiremos imaginando una balanza romana.
Donde de un lado hay un plato y del otro las pesas.En fotografía en color, la noción de equilibrio, se extiende
también a la intensidad y al contraste de los co-lores. .

Los elementos que incluyamos en la foto no deben sobrecargar la imagen final para no distraer al observador
quitándole importancia al sujeto principal. . En síntesis el equilibrio se logra cuando los elementos que incluimos
en una foto ocupan el lugar que les corres-ponde y que en cierta medida guardan relación con el tema de la foto,
es decir que refuerzan el mensaje. La distribución de los elementos ha de hacerse posicionando los objetos
según su "peso visual“ o importancia,
dentro del encuadre, ya sea por ser figura humana, por el color, la forma o cualquier atractivo que tenga ese
elemento dentro de la imagen. .
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equilibrio desequilibrio

Equilibrio sin variedad

equilibrio unidad y variedad
•El concepto de "peso visual" se toma en un sentido de mancha o masa, y también como el del volumen y el
peso que intuitivamente asociamos a cada elemento. . •El equilibrio también se extiende a las composiciones
verticales, por ello inconscientemente, la foto nos resulta
más natural si situamos los objetos más pesados más abajo que los ligeros. .

ARMONÍA .
•Los elementos se acoplan estéticamente, no que estén dando la sensación
de caos o conflicto, sino que sean agradables por su distribución y coheren-
cia temática. .

La ley de compensación de masas: Según esta ley, el plano que ha de

constituir el centro de interés lo desplazamos del eje de simetría y busca-
mos un equilibrio dinámico entre los otros planos. . Esta estructuración del
espacio es más libre y dinámica (éste equilibrio se logra tal como en una
balanza romana). .
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LA LÍNEA Y EL PUNTO .
El punto. Es la unidad más simple, de forma redonda, la más abundante en la naturaleza. Cualquier punto tiene
una enorme fuerza de atracción para el ojo. Dos puntos constituyen una sólida medición del espacio. La densi-
dad de los puntos en un diseño dirige la mirada y desplazan el peso. .

•La Linea : Cuando los puntos están muy próximos entre sí y no pueden reconocerse de forma individual au-
menta la sensación de direccionalidad y se crea un elemento diferenciado: la línea. Tiene una gran energía, ya
que no es estática, puede ser inflexible y recta o dinámica y curva. La frontera visual entre dos tonos también
crea una línea. .

FUERZA DE ATRACCIÓN VISUAL

La fuerza de atracción visual de un elemento es la capacidad que tiene ese elemento sobre otros de llamar la
atención dentro de una imagen.
Estudios psicológicos realizados demuestran que un determinado elemento puede tener mayor fuerza de atrac-
ción visual que otros debido a distintos factores.

Factores que determinan más FAV Factores que determinan menos FAV

que sea claro que sea oscuro

que esté enfocado que esté desenfocado
que sea grande que sea chico
que esté próximo que esté lejos
que esté aislado que esté agrupado
que sea figura que que sea fondo
tenga color que sea blanco y negro

Si en una composición existen dos elementos con los mismos factores de atracción visual deben situarse equi-
distantes del centro o del eje central para evitar que uno pese más que el otro y entremos en una competencia
de sujetos principales, ya que el mejor ubicado parecerá ser el principal pero el otro no dejará de llamar la aten-
ción y esto será molesto para el espectador. .
Sin uno de ellos tiene un factor de atracción visual más alto que el otro, debemos acercar este elemento al cen-
tro del cuadro o cerca del eje central de la imagen o bien alejar el otro elemento del centro de la imagen, como
se realizaría en una balanza romana.

LLENAR EL ENCUADRE
Una de las técnicas que otorgan más impacto visual en la composición es la de llenar el encuadre. Para ésta
técnica debemos tratar de ocupar la mayor parte del encuadre con el sujeto principal. Para que se vea a el suje-
to y algo o nada de fondo. .
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Como consigna podemos tener la siguiente regla: todo lo que es más alto que ancho lo fotografiamos vertical y
todo lo que es más ancho que alto lo fotografiamos horizontal. Esto tampoco es una consigna tan rígida muchas
veces causaremos más impacto rompiendo esta regla. . Cuando llenamos el encuadre no hay problemas de
cortar al sujeto principal, siempre que el corte nos de una imagen equilibrada y armónica. El sujeto siempre va a
el centro, no aplicamos tercios. Podemos combinar esta técnica con líneas u otras, pero allí debemos aplicar
nuestro criterio estético. .

Composición Lineal

A menudo las líneas son las bases de la composición. Al mirar el motivo que vamos a fotografiar con los ojos
semi-cerrados se aprecia que sólo unas líneas maestras o contornos dan definición a la imagen. .
Al mismo tiempo las líneas generan una sensación de movimiento en torno al espacio de la imagen, pues instin-
tivamente el observador las sigue con la mirada. Debemos aprovechar este elemento para componer nuestras
fotografías ya que darán más fuerza al mensaje que transmitimos. .
Las líneas pueden equilibrar la imagen dirigiendo la mirada hacia el centro de interés y uniendo a los demás
elementos. .

La diagonal: .

Da la idea de desafiar a la ley de gravedad, dando más

dinamismo al motivo. Cuando es ascendente (desde el
ángulo inferior izquierdo hacia arriba a la derecha ), se
la considera como la línea más armoniosa, por eso
pocas veces necesitamos elementos de contrapeso, las
líneas auxiliares que estén en la foto tienen la función
de reforzar al sujeto principal. .
La línea recta horizontal: .

La forma más simple es la línea recta, provoca una impresión de paz, calma, reposo. Esta línea sobre una su-
perficie inmediatamente evoca al horizonte. . Varias de ellas dan una impresión de alejamiento y hace que
nuestro ojo se arrastre hacia la profundidad del espacio. .
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La línea recta vertical: .

Esta línea está asociada a nuestra percepción de equilibrio,

trasmitiéndonos la idea de elevación, de fuerza, dignidad es
representativa de la verticalidad del hombre parado. .
Cuando una línea vertical domina el cuadro pareciera que
éste aumenta su altura. .
Las líneas verticales u horizontales, cuando son paralelas al
borde del encuadre pueden resultar monótonas, esta impre-
sión cambia cuando se combina con una diagonal, para
dar mayor variedad a la acción. .

La línea curva .
Es la línea que representa la gracia, el movimiento
con ritmo, atrae a nuestro ojo por su ondulación y
también muestra femineidad. Si la línea es cerra-da
indica sensualidad y si es suave sugiere dulzu-ra,
ternura. .

LAS FIGURAS GEOMÉTRICAS .

Se producen por la ubicación de los elementos en
el encuadre los cuales hacen que la vista recorra
la imagen formando una figura geométrica como
ser un triángulo o un rombo, o una letra, por ejem-
plo la “S” o la “X”, etc .

SIMETRÍAS
La simetría es la disposición de los elementos a ambos lados de un punto o línea, consiguiendo una sensación
de equilibrio La simetría se suele utilizar para resaltar a la vez dos elementos y centrar la atención normalmente
en el contraste visual que existe entre ellos: un hombre y una mujer, un pobre y un rico, etc. .
Hay dos tipos de simetrías: La rígida y la variable. .
RÍGIDA:se basa en la perfección geométrica. Ambas
partes de la imagen coinciden, el eje central suele ser
un elemento físico. .

•VARIABLE: Son elementos cuya disposición es menos

rígida con más libertad en su ubicación y tamaño. Pueden
ser por conjuntos de elementos dispuestos en el plano.
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ASIMETRÍA .
La asimetría. Poseen más fuerza e impacto expresivo, a la vez que resulta más ágil y dinámica. La asimetría se
puede producir desde el mero encuadre hasta el enfoque, el color, el volumen o la perspectiva de la imagen.
Hay que tener en cuenta que resulta necesario compensar el desequilibrio de alguna forma, a lo que nos puede
ayudar también el color, con el enfoque selectivo o con elementos formales como la textura, el tono o la forma.
Es más difícil de desarrollar, pero nuestro ojo fotográfico debe acostumbrarse a componer asimétricamente de
forma intuitiva. .

Ritmos Visuales
Podemos crear un ritmo visual en la foto para mantener la vista centrada en el sujeto principal. Estos ritmos vi-
suales se logran repitiendo elementos que son propios del sujeto o de su entorno. Puede ser que la foto sea
sólo un ritmo visual y que juguemos sólo con la repetición de elementos ya sea por su forma o por sus colores.
.
Este ritmo puede romperse colocando un sujeto
en un punto fuerte del encuadre (Regla de los
Tercios). Este sujeto tendrá mucha preponderan-
cia en la foto ya que el ritmo ( que es su entorno)
va a llevarnos la mirada solo a él. . Los ritmos
están relacionados con las líneas, pero deja de
ser una composición lineal cuando los elementos
se repiten y forman dibujos o sirven ellos mismos
de escenario para el sujeto principal.

EL ENCUADRE
En fotografía, ya sea fija o en cine, la composición es la forma en la que se ordenan los objetos vistos dentro del
encuadre, dentro de lo que efectivamente queda en cuadro. . La perspectiva, el horizonte, la diagonal, la línea,
la imagen horizontal, la imagen vertical, el centro de interés, el fondo, el contraste, el equilibrio, son elementos a
tener en cuenta a la hora de componer el cuadro. La composición de una fotografía es un arte... y como tal no
existen reglas ni limitaciones que hagan que una determinada composición sea mejor que otra; no obstante,
basándose en los elementos comunes conocidos respecto al modo en que los seres humanos percibimos y
subjetivizamos las imágenes se han documentado una serie de guías que todo fotógrafo debería conocer y
tener en cuenta para mejorar la transmisión de los ele-mentos objetivos y subjetivos del tema y motivo de la
imagen al espectador. .
·En toda escena suele existir un motivo (aquello que deseamos destacar, el centro de interés) y fondo (aquello
que rodea, decora y/o da sentido al motivo). Para resaltar el motivo el fotógrafo debe utilizar distintas técnicas
que informen realmente cual es el objeto principal en la escena; de este modo excluiremos del encuadre otros
objetos que puedan distraer la atención del espectador sobre el que el fotógrafo ha seleccionado. La línea del
horizonte suele ser una referencia visual clave para el ser humano. Normalmente ésta debe mante-nerse recta,
horizontal. La percepción de una línea del horizonte inclinada suele llamar la atención y, si no está justificada, da
al espectador la sensación de que los objetos se van a caer hacia ese lado, lo cual no suele pro-ducir buenas
sensaciones. . Otro factor comunicativo importante en fotografía es la elección del formato del encuadre. La
mayoría de los ele-mentos fotosensibles (películas o sensores de imagen) tienen un formato rectangular y habrá
por tanto la posibi-lidad de elegir un encuadre horizontal, vertical o inclinado: cada uno de ellos transmite
sensaciones diferentes y tiene su campo de aplicabilidad. .
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RESUMIENDO:
Herramienta fundamental del fotógrafo.
Nos permite decidir la cantidad de información que daremos u ocultaremos.
Debemos tener cuidado con el ruido visual.
Tienen una gran importancia los lentes que utilicemos.
Podemos reforzar el Sujeto Principal enmarcándolo dentro del encuadre.

•El encuadre nos permite definir la cantidad de información.

•Determina lo que queremos que el espectador entienda.
•Permite manipular el resultado final.
•Influye en el carácter de la foto.

Está determinado por:

El plano - El formato - El punto de vista. - El ángulo de toma

EL RUIDO VISUAL:
Es el producido por todos aquellos elementos que se encuentren por delante o por detrás del sujeto principal y
que distraigan la atención del espectador o confundan el mensaje de la foto.
Puede producirse por:
•Los colores.
•Las formas.
•La cantidad
•Protagonismo al haber
figura humana y no ser
el sujeto principal.

Lo eliminamos o disminuimos con:

•Desenfoque (poca profundidad de campo).
•La iluminación, que esté sobre el sujeto
principal. Fotometreámos esa zona y el resto
que se sobre-exponga o sub-exponga.
•Variar el encuadre vertical u horizontal
(cambiar el formato).
•Cambiando el fondo.
•Cambiando el ángulo de toma.

Composición a través de la distancia focal.

El encuadre se verá afectado por la distancia focal del lente que se utilice. Ya que cada tipo de lente genera una
sensación distinta en el resultado final: Tenemos tres tipos de composición de acuerdo a los lentes:
•Con NORMAL (50mm). .
•Nos permite apreciar las imágenes casi de la misma forma que lo hacemos con nuestros ojos. Ya que el efec-to
y la perspectiva no se ve afectada. La separación de los distintos planos es casi real. . •El ángulo de visión
normal de un objetivo 50 mm es de 46º, pero el ojo humano tiene un cono de atención vi-sual efectiva de unos
54º. .
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EL TELEOBJETIVO
•Comprime visualmente los distintos planos que conforman la escena to-
mada, dando la sensación de que éstos
se hallan entre sí más cerca de lo que están en la realidad. . •Proporciona un ángulo de toma estrecho y en los
planos cercanos una
profundidad de campo reducida.
•Disminuye el efecto de paralelas convergentes.

EL GRAN ANGULAR
Proporciona un ángulo de toma amplio y una profundidad de campo extensa.
Aleja los distintos planos que conforman la escena fotografiada, dando la sensación de que estos se hallan más
separados entre sí de lo que están en la realidad.Da más sensación de profundidad.
Se exagera la perspectiva, aumentando la confluencia de las líneas hacia los puntos de fuga de la imagen.

EL PLANO
Este puede ser cerrado o abierto, depende de lo que queramos abarcar.
Puede depender de las distancias focales a utilizar (tele o gran angular). Y de las distancias a la que nos encon-
tremos del sujeto principal.
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PLANO GENERAL Los planos generales son los
que ofrecen un mayor ángulo de cobertura de la
escena. Su función es poner sobre la mesa una
situación en que lo importante es la escena en su
conjunto y no un detalle en particular. .

PLANO GENERAL Con sujeto: empieza a dar

importancia al objeto o sujeto. Es más descriptivo
que el gran plano general puesto que reduce su
arco de cobertura dando más detalles de la situa-
ción. Con este tipo de planos, se suelen fotogra-
fiar grupos de personas, dando indicaciones de
lugar y tiempo en que transcurre la acción. .

EL PLANO GENERAL CORTO: .

reduce el campo visual y encierra los personajes en una
zona más restringida, de forma que puede ir individualizan-
do cada objeto o sujeto de forma más precisa. . Cuando se
fotografían personas, este tipo de plano alcanza a capturar
la figura completa ajustada a los bordes de la imagen (lo
que llamamos también llenar el encuadre o cuerpo entero).
.

EL FORMATO:
Como primera medida podemos determinar 3 formatos:
RECTANGULAR (horizontal o vertical) . •Generalmente utilizamos el apaisado para todo lo que es más ancho
que alto. •El vertical para todo lo que es más alto que ancho. Esto no es definitivo •El encuadre puede variar de
acuerdo a lo queramos expresar según el impacto que necesitamos. . •El formato rectangular tiene más interés
porque puede evocar una sensación de tensión y energía o calma tranquilidad y espacio. . •Es el formato que
estamos más acostumbrado a ver. El encuadre horizontal sugiere quietud, tranquilidad, espa-cio y suele
utilizarse normalmente para paisajes y para retratos de grupo. . El encuadre vertical sugiere fuerza, firmeza y es
el más apropiado normalmente para retratos (entre otras cosas porque los seres huma-nos somos más altos que
anchos). .

CUADRADO. .
•La posibilidad de componer dentro de un cuadrado puede resultar especialmente efectiva puesto que este for-
mato transmite sensación de estabilidad, serenidad, solidez, y quizá también de torpeza y falta de agilidad. •Nos
da la sensación de ser muy estructurado. . •Hoy en día contamos con el formato 4:3 que es propio de las
cámaras digitales “no reflex”, no llegan al formato rectangular (proporción 3:2) pero tampoco son cuadrados. .
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•PANORAMICO (discutible) .
•Puede tener una proporción de 16:9. .
•Existen varias técnicas para obtener instantáneas en formato panorámico, algunas se basan en cámaras dise-
ñadas específicamente para estos formatos especiales, otras se consiguen mediante el uso de programas de
computadora. . •El fin de todas ellas es obtener una fotografía que muestre, de un modo u otro, un encuadre que
abarca un án-gulo mucho mayor que el obtenido con las cámaras y los objetivos convencionales. . •La distorsión
que se produce debe ser controlado con el manejo de perspectiva y proporciones ya que puede darnos una
imagen totalmente irreal. Son imágenes que dan sensación de amplitud, sin perder protagonismo el sujeto
principal. .

•INCLINADO . •La inclinación genera una diagonal que le da a la imagen más dinamismo y fuerza, y al romper
con la sensa-ción de equilibrio que traemos innata, llama la atención, por eso tienen mucho impacto. .
•Podemos tener un sujeto en muy primer plano y el resto que sea fondo o que toda la imagen por su estructura

nos permita hacerla inclinada (que haya en la imagen líneas diagonales o espiraladas, etc). .
OJO el equilibrio. .
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El punto de vista y el ángulo de toma .
El punto de vista está a la altura de nuestros ojos y determina la altura del horizonte, cuando nosotros cambia-
mos el punto vista, subiendonos a una escalera o nos agachamos el horizonte, sube o baja con nosotros.
Cambia la perspectiva. Al cambia el punto de vista también cambiamos el ángulo de toma, probablemente si
nos subimos a una escalera apuntemos hacia abajo con nuestra cámara eso quiere decir que estamos en un
punto de vista alto con un ángulo de vista hacia abajo. Esto provoca cambios en la imagen ya que nos
situamos, mu-chas veces, en una posición que no es familiar para el espectador. De esta manera nos permite
tener otras al-ternativas visuales que muchas veces generarán imágenes creativas. .
EL punto de vista determina la forma de los elementos en la foto. En la representación nosotros somos los res-
ponsables de que el espectador entienda lo que queremos decir. Por eso elegir el punto de vista es tan impor-
tante ya que muchas veces un elemento tomado de abajo no representa lo mismo que a nivel o de arriba.

EL PUNTO DE VISTA BAJO: .

El contra-picado. Otorga más importancia al primer termino.Produce distorsiones en la imagen. Cambia el fondo,
quitando la vista de los elementos que están por detrás del Sujeto Principal. Puede acentuar más el efecto de
perspectiva. .
PARA LOS RETRATOS DE CUERPO ENTERO ES RECOMENDABLE USAR UNA DISTANCIA FOCAL LARGA
(GENERALMENTE UN TELE DE 105mm O MÁS). Y AGACHARSE EN CUCLILLAS PARA HACER LA TOMA.

EL PUNTO DE VISTA ALTO

El picado. Puede minimizar al sujeto principal. Elimina el fondo (éste pasa a ser la base de la foto). Acota la infor-
mación del fondo. Nos da un impresión distinta de lo que miramos, al ver mejor los elementos. Deforma los bor-
des de la foto hacia adentro.
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EL PUNTO DE VISTA A NIVEL: .

Nos da una visión frontal del sujeto.
No nos permite ver que otras cosas
hay detrás del sujeto principal.
Realza al sujeto principal. N o s d a
otro tipo de información. .

Distintos Terminos .
Primer termino y fondo: .
En este caso nuestro sujeto principal se encuentra en primer plano y es lo que más resalta en la imagen, el fon-
do puede ser reconocible o no. Son fotos con más impacto visual, ya que el espectador reconoce fácilmente el
mensaje. Son fotos directas. .

Primer termino, segundo termino y fondo: .

•En este tipo de fotos generalmente el segundo termino es el sujeto principal. Son composiciones más inteligen-
tes donde hay elementos (ubicados en el primer termino) que llevan la mirada del espectador hacia nuestro su-
jeto principal de esta manera hacemos que el espectador debe entrar a la imagen. Son imágenes que dan sen-
sación de profundidad (tres dimensiones) y realzan al sujeto principal. Lo ideal es que el primer termino sea un
poco más oscuro y esté desenfocado con respecto al s. principal para de esa manera no llame tanto la atención.