Renacimiento:

Reiniansee en francés significa “volver a nacer”.

Comenzó en Italia alrededor de 1350, en el resto de Europa en 1450 y duro
aproximadamente hasta 1650. Se refiere al perido del renacer del humanismo
durante los siglo VI, VII, VII en Europa. Esta fue la época para el resurgimiento
para el humanismo para nuevos descubrimientos en las artes plásticas, la música,
la literatura, filosofía, ciencia, arquitectura, religión y espiritualidad.
.

Renacimiento, es el nombre dado al amplio movimiento de revitalización cultural

que se produjo en Europa occidental en los siglo XV, XVI. nombre renacimiento se
utilizo porque este retomo los elementos de la cultura clásica, planteo una nueva
forma de ver al mundo y al ser humano, el interés por las artes, la política y las
ciencias. El renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e
intelectuales en Italia.
Entre los representantes: Miguel Ángel, Tintoretto, el greco, Leonardo Da Vinci,
Rafael Sauzio.

- El movimiento impresionista nació como una reacción al Realismo. Surgió

en Francia, en el último cuarto del siglo XIX. Los artistas impresionistas y
post-impresionistas rechazaron la posibilidad de conocer la naturaleza tal
cual es. Para los pintores impresionistas, la sensación era la fuente de
todos los conocimientos. El artista impresionista sale al exterior en busca de
la luz y lo fugitivo.

Impresionismo
El término impresionista fue usado por primera vez por el crítico Leroy en la revista
Charivari para denominar irónicamente un cuadro de Claude Monet titulado
Impresión, amanecer. El término fue adoptado oficialmente durante la tercera
exposición impresionista en 1877.
La máxima preocupación de los pintores impresionistas fue la representación de la
luz y del color. La forma de los objetos es considerada por ellos como transitoria y
cambiante, ya que depende de la luz que se proyecta sobre ellos.
Los impresionistas pintan de preferencia al aire libre, y la pintura, gracias a este
procedimiento, se enriqueció con nuevos temas: calles trepidantes, jardines
públicos, el mundo animado de las estaciones ferroviarias, las carreras de
caballos, las bailarinas, manifestándose en todos ellos la preocupación por
recoger los efectos de la luz..
Monet es considerada uno de los artistas impresionistas más importantes de la
época. Fue un líder entre sus compañeros de arte y los animó con gran
entusiasmo a salir de los estudios para pintar la naturaleza. Autor de las telas de
grandes dimensiones, la pasión por la luz y la delicadeza de sus trazos lograron
convertirlo en un artista de renombre. Sin embargo, como tantos artistas de su
época, debió pasar momentos de grandes apreturas económicas.
El arte de Monet, según sus estudiosos, expresa el movimiento y el constante
cambio que se aprecia en la naturaleza a causa del juego de la luz. Sin ir más
lejos, Monet estaba pintando el vertiginoso cambio de su época, plasmando en
sus telas la impresión de un artista maravillado por el efímero.

Postimpresionismo
La luz y los colores fueron los protagonistas de la pintura europea a finales del
siglo XIX y comienzos del siglo XX.
Hacia 1880, ya se hablaba en parís de los pintores de las impresiones, aquellos se
trasladaron sus talleres a las calles, al aires libre y a la naturaleza para captar los
efectos de la luz sobre el paisaje. Se trata de los pintores de la época de la
fotografía y las leyes del color.
Asombrados por la luminosidad y el movimiento, realizaron sus obras en medio del
paisaje natural o en aquellos rincones interiores donde la luz cubría toda la visión.
Manet, Monet, Renoir, Degas, Cézanee, Pissarro y Sisley fueron algunos de sus
máximos representantes europeos.
Con un trazo menos realista que el de los impresionistas, los post- impresionistas
surgen hacia mediados de la década de 1880 en Europa. El color y luz también
fueron fuentes de su inspiración, pero con una mirada más crítica a la sociedad
burguesa, más imaginativa y más lúdica respecto al tratamiento de las formas.
Esta corriente, los pintores más importantes fueron Redon, Van Gogh, Toulouse-
Lautrec, Denis, Rousseau y Gauguin.
Uno de los pintores más cautivantes del post-impresionismo fue Vicente Van
Gogh. De origen holandés, Van Gogh vivió en la pobreza y solo logró vender un
cuadro en toda su vida. S u mundo fue trágico. Su locura, intermitente, según
algunos autores, se hizo más evidente con el suicidio de su hermano. A pesar de
las adversidades que debió enfrentar, en sus obras es posible interpretar la aguda
mirada de un hombre sensible y lleno de ternura de finales del siglo XIX. Entre los
temas que pintó destacan la alineación en la que había caído el hombre de la era
industrial, la deformación y la fatiga de sus cuerpos producto de la explotación
laboral, los sueños del ser humano, la luminosidad del paisaje y el imperio del sol.
Su visión crítica de la sociedad burguesa, así como su talento para crear un arte
luminoso y creativo, han hecho de las obras de Van Gogh, uno de los objetos de
nuestros días.
Su punto de partida fue la naturaleza, especialmente el paisajismo del mediodía
de Francia, en Arlés que era su patria espiritual. La naturaleza le conmovía
profundamente, y esta emoción prestaba fuerza a su fantasía para elaborar la
impresión obtenida.
Se empieza por la infructuosa tentativa de querer seguir a la naturaleza, pero se
termina limitándose a crear con la paleta, y la naturaleza viene después, decía.
Van Gogh pinta con pinceladas irregulares, líneas románticas entrecortadas, que
manifiestan la impaciencia que le producía su exaltación interna. Los colores puros
iban depositando su huella sobre el lienzo, trabajados con la mano, con la
espátula, con el mango del pincel, o en muchos casos, exprimidos directamente
de los tubos.
En su deseo de mantener la visión provocada por la primera impresión, partió de
la impresión cromática.
Pinto con colores puros, con el rojo, azul y amarillo, especialmente con amarillo
real; colores que él sabia dotar de mayor profundidad, de mayor fuego que en la
realidad, colores que es su fantasía ardían de un modo excesivamente pasional.
La corriente impresionista y postimpresionista fue producto de la habitual rebelión
en contra de las normas que contradicen los valores naturales por los que algunas
personas se rigen.
Gracias a las personas que tienen el coraje de imponerse ante las reglas que los
hacen sentirse oprimidos, estos artistas lograron cambiar la estricta forma de
catalogar a las obras de su tiempo y crearon otra manera de ver la realidad.
Dieron rienda suelta a la imaginación combinada con la realidad de su tiempo. Fue
útil en el aspecto social, pues expresaban su malestar con algunos temas de la
época y hacían sentir a la gente representada en la obra por ellos creada.
Estos particulares movimientos artísticos dieron pie a otros movimientos,
revolucionarios a su vez es su período. Se generó el puntillismo, por dar un
ejemplo.
Hasta nuestros días llegan las obras de los artistas catalogados como
impresionistas o postimpresionistas y tenemos la oportunidad de analizar lo que
fue vivir en su tiempo, a través de su arte.
 La principal diferencia es que el postimpresionismo rompe con las limitaciones del
impresionismo pero mantiene sus características.. El postimpresionismo es menos
naturalista, más subjetivo en introspectivo, rompe con las limitaciones del
color,otra característica es que el postimpresionismo lleva al extremo diferentes
técnicas del impresionismo, como los puntillistas (del neoimpresionismo) con la
pincelada gestáltica.
Por su parte el postimpresionismo rechaza la mezcla en la paleta y recurre sólo a
la mezcla óptica, los trazos son repartidos y no en forma de "barrido",..pero para
mí la principal diferencia es que la técnica del impresionismo es más instintiva y la
del postimpresionismo es más técnica, más calculada. El neoimpresionismo no
mezcla los colores, al contrario que las obras del impresionismo que son más
sucias, menos armónicas. En el postimpresionismo está todo más estructurado.
Para los impresionistas el cuadro era un instante, al vuelo...los postimpresionistas,
de nuevo más estructurados, pintan escenas más "convenidas", pero no
forzadas... 
La línea es algo importante, en el impresionismo no se usa, en el
neoimpresionismo sí, los trazos están delimitados por lo que pierden ese algo de
"espontáneo" del impresionismo... 

En fin... el arte impresionista es más espontáneo, más libre,...el postimpresionismo

es más científico, más estructurado y conciso. En el impresionismo el trazo son
como pequeñas comas, o barridos; en el postimpresionismo son puntos diminitos.

CUBISMO
El cubismo es el movimiento más significativo y transcendente de la historia de la
pintura occidental desde el Renacimiento, por lo que tiene de ruptura con la
estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de observar la
naturaleza. Su visión del arte es tan radicalmente diferente que conmocionó todo
el mundo del arte. A partir del cubismo, el concepto de arte y de belleza cambia
radicalmente, nada se podrá hacer igual, y las obras anteriores se mirarán de otra
forma.

Analitico (1909-1912) : Se caracteriza por la descomposición de la forma y las

figuras en múltiples partes todas ellas geométricas. Su objeto es conocerlas,
examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil
comprensión. Es la auténtica la estética cubista, la creadora del nuevo lenguaje.
en donde la pintura es casi monocroma en gris y ocre .Los colores en este
momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y
la geometrización, no el cromatismo. Fueron elaborando un «nuevo lenguaje» que
analiza la realidad y la descompone en múltiples elementos geométricos.
Sintético: Caracterizada por la construcción de una composición a partir de
abstracciones figurativas divididas, fue desarrollada de forma paralela por picasso,
Braque y Juan Gris.
En ella el color se vuelve mucho más fuerte y las formas mucho más decorativas
debido a la introducción de elementos como trozos de periódico, papel de
paredes, cajas de cerillas y letras recortadas.
Hecho por ximena Souza

Caracteristicas del cubismo

 Se preocupa primordialmente por la expresión del movimiento y no tanto
del tiempo
 Pretende representar(al mismo tiempo) todas las formas posibles de ver
una figura.
 Procura capturar la cuarta dimensión, que está en la mente humana: la del
movimiento, por lo que, el espectador está casi obligado a recorrer con su
mirada todo el cuadro para “armar” la figura.
 Descompone las formas y figuras en múltiples partes, todas ellas
geométricas; el objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado.
  Describe una naturaleza muerta por medio de una monocromía definida
por claro-obscuros, sombras
 No recurre a las perspectivas.

Vanguardias

Constructivismo 1913/1920. Esta nueva vanguardia comparte origen y fechas

con la anterior, por lo que su desarrollo es paralelo y ambas se vigilarán de reojo
en su evolución. El constructivismo, con alta carga política e ideológica propia de
la revolución rusa, pretende la unión entre las artes, pintura, escultura y
arquitectura, por lo que comparte objetivo con una del las escuelas más famosas
de la Historia del Arte, la Bauhaus.
Surrealismo 1924/1939. Se desarrolla, como se puede deducir por las fechas,
en un periodo inestable de entreguerras en el que los intelectuales tratan de
comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente.
Podemos hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos grandes grupos de
pintores surrealistas. Por un lado, los pertenecientes al Surrealismo figurativo,
entre los que se encontraban Max Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall, quienes
exploraron el surrealismo desde una óptica de realismo formal, pues, a pesar de
sus deformidades y transformaciones, nunca abandonaron la referencia real de los
objetos. Por otro lado, el Surrealismo abstracto contaba con Yves Tanguy, Miró,
Klee y Hans Arp. Parte fundamental esta tendencia fue la escultura. Giacometti,
Henry Moore, Alex Calder, M. Ernst y Man Ray
Dadaísmo 1915/1922. El más radical y agresivo de los -istmos de principios de
siglo nació en Zürich (Suiza) obra de Tristan Tzara. Fue una vanguardia
anarquista que se mostró rotundamente en contra de cualquier norma social,
moral o estética. Contundente, destructor y provocador, basado en lo absurdo, lo
elemental, lo casual y lo azaroso (la misma palabra dadá que designó el
movimiento se escogió de modo arbitrario en un diccionario). Su objetivo principal
era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados y aceptados en la
época. El ejemplo máximo de Dadá fue el artista francés Marcel Duchamp que, a
través de los denominados ready-mades (objetos industriales sin valor, elevados a
la categoría de obra de arte por el simple hecho de exponerlos en un museo bajo
una firma y una fecha) trató de ridiculizar la veneración pasiva y poco crítica del
público burgués. Gracias al movimiento dadaísta, el Arte abrió sus fronteras y
aceptó otros modos de expresión artística, lo que fue su mayor aportación. Era el
nacimiento de lo que hoy denominamos arte conceptual. Además de Duchamp, los
componentes de este grupo fueron Hans Arp, Francis Picabia, M. Ernst y el
fotógrafo Man Ray
Futurismo:El primer manifiesto futurista se publica el 20 de febrero 1909, en el
periódico parisino “Le Figaro”, escrito por Filippo Marinetti, . Aunque el
movimiento acaba pronto, en 1914 y 16 , tras la I Guerra Mundial algunos de sus
componentes radicalizan sus posiciones y se relacionan ideológicamente con el
fascismo italiano en las elecciones de 1919. Sus mayores exponentes fueron
Humberto Boccioni, Gino Severino y Giacomo Balla. Con el tiempo se produjo un
redescubrimiento (cosa frecuente en la historia del arte), pues además de
profundizar en las cuestiones ideológicas y políticas, ponía de relieve aquellos
aspectos que hacían del futurismo un movimiento de vanguardia de extraordinaria
resonancia en su momento, influyendo en movimientos como El Dadaísmo, el
Constructivismo ruso, el Surrealismo y que, a largo plazo lo sitúan como punto de
referencia, el arte de los años sesenta.
Expresionismo 1905/1913. Estilo surgido en Alemania que trata de dar al
espectador una visión de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están
al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor. Supone el inicio
de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del
referente. Es una pintura subjetiva que deforma y exagera. Sus grandes
influencias fueron autores consagrados como Goya, el Greco, y otros más
recientes como el belga James Ensor y el noruego Edvard Munch. Los dos
grandes grupos de artistas del movimiento fueron los llamados “Die Brücke” (el
puente) en Dresde formado principalmente por Ernst Kirchner y Emil Nolde y “Der
blazer Reiter” (el jinete azul) compuesto por Vasily Kandinsky, Franz Marc, Paul
Klee en Munich, ambos con objetivos y rasgos comunes aunque con alguna
diferencia estilística que les dividía.
Cubismo 1907 / 1914. Cubismo es el nombre que se le dio al movimiento
desarrollado principalmente por el español Pablo Picasso y Braque. Curiosamente
fue también L. Vauxcelles el encargado de denominar al movimiento. Se
caracteriza por destruir la óptica renacentista como único punto de vista. Es capaz
de representar varios puntos de vista a la vez en una misma imagen, superando
así a su rival representativo, la fotografía. Afirma la bidimensionalidad aunque
sugiere cierta profundidad con un particular claroscuro. Niega la luz impresionista
y los modula en tonos neutros y pardos. Es un movimiento que no trata de captar
la realidad presente ante el artista, sino que crea, a partir de la realidad, una
imagen propia,nueva. Se basa en la anterior pero que no intenta parecerse a ella,
sino aportar más información, incluso, que la propia realidad. Otros componentes
de este movimiento fueron Juan Gris, Francis Picabia, Franz Leger y Albert
Gleizes.
Fauvismo 1905 / 1907 El Fauvismo cuestiona el Arte como representación de la
realidad, abogando por un arte subjetivo que expresa sentimientos por medio del
color. Término acuñado por el crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar una
exposición (fauve es el término francés para fiera), lo denomina así por su
violencia cromática, por sus agresivos contrastes, tintas planas, simplicidad en el
dibujo y su ausencia de claroscuro. Los historiadores lo consideran una reacción al
Impresionismo. Si éste trataba de enfrentarse a la realidad por medio de la visión,
el Fauvismo intenta pintar con la mente. Sus autores principales son Matisse,
Derain, Dufy y Braque.
 Neoclasicismo
Fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo XVIII ante los cánones
ya agotados del clasicismo, al producirse el desgaste de las culturas barrocas, que
aspiraba restaurar el gusto y las normas del clasicismo. En la época neoclásica, el
color pasa a un segundo plano y adquiere mucha importancia el dibujo; es decir, el
trazo puro, y el color es aplicado sólo como complemento. 
Este arte trató de imitar los estilos utilizados antiguamente en Grecia y Roma, por
la influencia de los descubrimientos arqueológicos como los de Pompeya y
Herculano. En pintura David fue el máximo exponente del neoclasicismo 
CARACTERÍSTICAS GENERALES. Inspiración en las obras de la época clásica,
que se tienen por perfectas y definitivas. Aspiración a una belleza ideal, nacida de
la exacta relación de las partes, según medidas dadas por la razón. En las artes
plásticas: dibujo impecable, contornos cerrados, volúmenes modelados de modo
que da la ilusión de redondez de los cuerpos; colorido suave y composición
simétrica y estática. 
ARQUITECTURA: Se caracterizó por la simetría, la elegancia y la sobriedad, el
empleo de un solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de la superposición
barroca); además del énfasis sobre los valores lumínicos, la división tripartita de la
fachada con tímpano central, la eliminación del color, el gusto por los arcos de
triunfo y las columnas conmemorativas.
 En las artes plásticas: dibujo impecable, contornos cerrados, volúmenes
modelados de modo que da la ilusión de redondez de los cuerpos; colorido suave
y composición simétrica y estática