El Renacimiento se origina en Italia en el siglo XV y desde allí se proyectará hacia otros

puntos de Europa, pero con matices locales y diferencias que en algunos casos llegan a
ser profundas. Tomando como referencia el arte italiano. El Renacimiento se divide en
dos grandes períodos: el Quattrocento y el Cinquecento.

El término «Renacimiento» se utilizó reivindicando ciertos elementos de la cultura clásica

griega y romana, y se aplicó originariamente como una vuelta a los valores de la cultura
grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de predominio de un tipo
de mentalidad más rígida y dogmática ...

El Renacimiento surgió en Italia como movimiento cultural que buscaba los valores e
ideales de la cultura clásica. La pintura del Renacimiento celebraba la naturaleza y la vida,
desarrollándose así los ideales del movimiento humanista

El Renacimiento es un movimiento artístico y cultural que empezó junto con la Edad

Moderna, un periodo posterior a la Edad Media y que se extendió entre los siglos XIV y
XVI.

Sin duda, Leonardo da Vinci Mona Lisa es la obra de arte más visitada, más escrita y más
parodiada del planeta; ninguna lista de pinturas famosas del Renacimiento estaría
completa sin ella.

Arte renacentista: características de esta expresión cultural

• Pasión por la simetría y el perfecto equilibrio. ...
• Del arte clásico al arte renacentista. ...
• Estudio de la naturaleza. ...
• El humanismo frente a la religión. ...
• Artistas referentes durante el Renacimiento.
El Renacimiento es un período artístico que vio su máximo esplendor en la etapa
conocida como Cinquecento. Los máximos exponentes de esta segunda corriente
renacentista fueron Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel, Rafael y Tiziano.

Da Vinci fue uno de los pioneros en proponer la experimentación

como base del método científico moderno, pero también fue
precursor del humanismo renacentista que dio lugar a la libertad y
los Derechos Humanos.16 ago 2019
 El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma
de concebir el arte y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo
obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música,
ópera, danza, teatro, etc

El arte barroco se caracteriza por el realismo, los colores ricos e intensos, y fuertes luces
y sombras, en oposición al arte renacentista. Entre los más grandes pintores del Barroco
se encuentran Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Velázquez, Poussin y Vermeer.

El arte barroco se dirige siempre a los sentidos del espectador, el ilusionismo y el

dinamismo de sus formas pretenden impresionar, convencer, provocar un
movimiento interno. Con frecuencia se percibe como algo exaltado, efectista y
hasta ampuloso.
¿Cuáles son los tipos de arte barroco?

El barroco suele dividirse en tres momentos diferentes:

• Primitivo (1580 a 1630)
• Pleno (1630 a 1680)
• Tardío (1680 a 1750)
¿Qué artistas se destacaron en el barroco?

Los 10 mejores barrocos en vídeo

• Caravaggio (1571-1610)
• Pedro Pablo Rubens (1577-1640)
• José de Ribera (1591- 1652)
• Artemisia Gentileschi (1593-1653)
• Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)
• Francisco de Zurbarán (1598-1664)
• Diego de Velázquez (1599-1660)
• Rembrandt (1606-1669)
El arte clásico se refiere a un estilo artístico que floreció en la antigua
Grecia y Roma, caracterizado por la búsqueda de la armonía, la
proporción y la perfección estética. Este estilo se considera un punto
culminante en la historia del arte y ha ejercido una gran influencia en la
cultura occidental
Qué es el arte clásico y sus características?
El arte clásico busca expresar la visión sensible y sentimental que los artistas
tenían sobre el mundo, ya sea un mundo real o imaginario. El estilo de arte
clásico está compuesto de disciplinas básicas que todos los artes incluyen, como
la pintura, arquitectura, escultura y también literatura de distintos estilos.
¿Cuánto tiempo duró el arte clasico?
El período conocido como antigüedad clásica duró aproximadamente 1500 años,
desde el 1000 a. C. hasta el 450 d.
¿Quién fue el padre del arte clásico?

Johann Joachim Winckelmann (Stendal, 9 de diciembre de 1717-Trieste, 8 de

junio de 1768) fue un arqueólogo e historiador del arte alemán, considerado el
fundador de la Historia del Arte y de la Arqueología como disciplina moderna.

La importancia de su estudio reside en que ambos estilos son la base y pilar fundamental
de la evolución del arte en occidente y a partir de los cuales se ha estructurado el estudio
de esta disciplina(La Historia del Arte).
Por realismo se entiende una tendencia estética y artísticas, fundamentalmente
literaria, pictórica y escultórica, que aspira a la semejanza o la correlación lo más
exacta posible entre las formas de arte y representación, y la realidad misma que
las inspira. Es decir, una tendencia que valora el parecido de una obra de
arte para con el mundo real que representa.

Esta doctrina estética surgió formalmente en Francia en el siglo XIX, bajo la

influencia del racionalismo y la tradición de la Ilustración francesa, que privilegiaba
el intelecto humano y el conocimiento de la realidad por encima de las emociones
y el mundo subjetivo.

Sin embargo, pueden hallarse consideraciones realistas en las formas

artísticas de casi todas las épocas, desde la prehistoria. Y en líneas generales,
el realismo suele oponerse a otras formas de arte como el abstraccionismo,
el neoclasicismo, el idealismo o, en el caso específico de la literatura, a las formas
subjetivas del romanticismo.

A groso modo, el arte realista se reconoce, sea cual sea su disciplina, porque
procura representar la realidad de la manera más verosímil posible, prefiriendo
las situaciones cotidianas y descartando lo heroico, a favor de temas más
apegados a lo mundano, a lo común. En muchos sentidos se lo ha pensado como
una forma de comprender y criticar las sociedades contemporáneas al artista, lo
cual requiere entre otras cosas de objetividad.

El realismo representaba los cambios sociales inspirados en la Revolución Francesa.

Las tendencias hacia el realismo y hacia el abstraccionismo o la fantasía se han

enfrentado a menudo a lo largo de la historia del arte. Así, la aparición y expansión
del romanticismo entre los siglos XVIII y XIX, un movimiento opuesto lo que
proponía la tradición ilustrada y racionalista de la Francia de la época, impulsó al
mismo tiempo una reacción contraria, que rechazaría los exotismos a veces
mitológicos que cultivaban los románticos alemanes e ingleses. Esta nueva
escuela sería el realismo, y su objetivo sería la búsqueda
del arte en la cotidianidad del ser humano, en
los conflictos de clase propios de la época y de los cambios
sociales inspirados por la Revolución Francesa de 1789.
El impresionismo fue un movimiento artístico que surgió en Francia en la segunda mitad del
siglo XIX, durante el período Belle Époque (era bella). La principal propuesta del
impresionismo fue mostrar, a través de las artes plásticas, principalmente la pintura, los
efectos de la luz en el entorno, además de presentar las impresiones personales de los artistas
contemporáneos latinoamericanos sobre lo que observaban, a través de colores primarios
(también llamados colores puros).

La historia del movimiento impresionista se caracteriza porque gira en torno a una variedad
de encuentros entre diferentes pintores y artistas que buscaban su independencia durante la
mitad del siglo XIX. Una causa en común unió a estos personajes que pretendían deshacerse
de los códigos estrictos fijados en ese entonces por la Real Academia de Pintura y Escritura.
Estos artífices decidieron trabajar en talleres privados para pintar de manera libre y a su
manera.

El impresionismo también fue conocido por oponerse al movimiento que prevalecía en ese
momento, el neoclasicismo, que inspiró a los artistas a exponer la realidad y la objetividad a
través de sus obras, sin la presencia de sus opiniones sobre lo que observaban. Como el foco
del impresionismo era que los artistas retrataron su visión personal en las obras, dando más
libertad a la creación, fue un movimiento severamente criticado por la élite artística francesa
de la época.

HISTORIA DEL IMPRESIONISMO

El término impresionismo proviene de la primera obra del pintor francés Claude Monet,
llamada Impression du Soleil Levant (1872). El artista es conocido como uno de los
principales impulsores del movimiento impresionista. Este nombre le fue dado al movimiento
de forma despectiva por el crítico de artes plásticas Louis Leroy, cuando vio la obra de Monet.
Esto se debe a que la pintura daba la impresión de un paisaje y no necesariamente su realidad.

Esto ocurrió, porque hasta entonces las obras de la época tenían total influencia del
movimiento neoclásico, en el que los artistas retratan la realidad y la objetividad de lo que
observaban, contradiciendo cualquier arte que surgiera de las técnicas académicas del
movimiento. El objetivo principal de este artista, y de todos aquellos que fueron precursores
de esta expresión artística, era romper con las reglas estrictas para realizar el arte.

Por otro lado, Éduardo Manet un famoso pintor impresionista francés conocido por desafiar
el estilo de las obras estándar en ese momento, utilizó nuevas técnicas de color en
sus cuadros contemporáneos. Una de sus principales obras se tituló: La ejecución de
Maximiliano. Otro gran expositor fue el francés Edgard Degas que dirigió sus obras a figuras
femeninas y por el efecto de movimiento que realizaba en sus pinturas. Sus dos obras más
famosas son Bailarinas en cena y Bailarinas en azul.

Camille Pissarro, pintor francés, también fue considerado uno de los líderes del movimiento
impresionista y fue el único pintor que participó en 8 exposiciones independientes realizadas
por los impresionistas en París. Una de sus principales obras es Primavera, ciruelos en flor.
Se dedicó a pintar la vida rural francesa y tuvo de discípulos a reconocidos artistas como Paul
Cézanne.
Berthe Morisot fue una pintora francesa, que llegó a pintar obras realistas, se hizo amiga de
Édouart Mante, quien influyó directamente en su forma de pintar. Berthe se convirtió en una
de las pintoras más famosas del movimiento impresionista, dejando varias obras que
representan la época, como su pintura In the dining room. Dentro de este grupo de mujeres
artistas se encuentra también Mary Cassatt que vivió la mayor parte de su vida en Francia.

Como fue uno de los primeros movimientos artísticos en centrarse en una mayor libertad en
las artes visuales, permitiendo a los artistas seguir reglas y técnicas menos académicas, el
impresionismo se convirtió en uno de los movimientos artísticos más grandes de Europa,
comenzando la era del arte moderno. Posteriormente, tuvo una gran aceptación en los países
latinoamericanos, donde tuvo una gran influencia en el arte contemporáneo mexicano.

PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS DEL IMPRESIONISMO

• Hay que destacar los temas de la naturaleza, especialmente los paisajes.

• Mejora de la luz natural.
• Uso de colores primarios y descompuestos.
• Uso de sombras de colores y luminosas.
• Centrarse en estudios de efectos opticos (ilusiones).
• Valoración por pintura realizada al aire libre.
• Preferencia por la mezcla de colores a través de la ilusión óptica y no por la técnica
(blending), es decir, no hay mezcla de colores para crear nuevas tonalidades, solo el uso de
pigmentos primarios yuxtapuestos.
• Aplicación complementaria de la ley del color.

VINCENT VAN GOGH

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1917, creado por Pablo
Picasso y Georges Braque, continuado en sus albores por Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert
Delaunay, Juan Gris, María Blanchard y Guillaume Apollinaire.1 Es una tendencia esencial, pues da
pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino que es
considerado la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que
había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas
de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños
cubos» y figuras geométricas. Se originó así el concepto de «cubismo». El cubismo literario es otra
rama que se expresa con poesías cuya estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema,
la rima es opcional y no tienen una métrica específica ni se organizan en versos.
El cubismo representa la realidad mediante el empleo dominante de elementos geométricos,
resultados del análisis y la síntesis
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último
estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas,
desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de
figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva
múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del
mundo en donde pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un
punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y
en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un
rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su
corte horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles
se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con
los violines, insinuados solo por la presencia de la cola del mismo.
Además de Pablo Picasso, fundador del cubismo y su inmediato seguidor Georges Braque, junto
con Juan Gris y Marcoussis, sus más directos seguidores, el cubismo fue seguido por una multitud
de artistas entre 1911 y 1914. Algunos de ellos se agruparon bajo la denominación de Section
d'Or o Grupo de Puteaux: Albert Gleizes, Jean Metzinger, Juan Gris , Fernand Léger y André Lhote.
De este colectivo surgió, en 1912 el orfismo, cuyos máximos representantes son Robert
Delaunay y František Kupka, quienes acabaron renunciando a la representación figurativa y
centrándose en el color se aproximaron a la abstracción geométrica, como anticipó ya su Villa de
París, de Delaunay (1910). El tema acabó desapareciendo totalmente en obras como Formas
circulares (1912-13). Se ha denominado a este estilo como cubismo abstracto o rayonismo. Kupka,
próximo al cubismo, comenzó a estudiar, a partir de 1912, la forma en que el espacio podía
representarse mediante planos de color (Planos verticales Amorpha, 1912) o líneas sinuosas.
También Francis Picabia recreó los volúmenes de la realidad de manera bastante abstracta
(Procesión en Sevilla, 1912) lo que le llevó, a partir de 1913, a la no-figuración.

PABLO PICASSO
En 1924, en París, André Breton (1896-1966), escritor y poeta francés, escribió un manifiesto después de
cortar relaciones con Tristan Tzara, líder del movimiento dadaísta, y así nace el Surrealismo, al que
muchos consideran la última de las grandes vanguardias.

CARACTERISTICAS

• El objetivo del surrealismo era el de crear obras literarias que estuvieran fuera de
toda lógica y control racional. Es decir, obras surrealistas.
• Búsqueda del inconsciente: Los artistas se involucran mucho en la búsqueda del
descubrimiento de todo aquello que está oculto a la razón humana.
• Interpretación de los sueños: Los sueños siempre han sido un tema muy recurrente
en el mundo poético. En los sueños no existe la razón, por tanto los sueños cobran
importancia en el surrealismo.
• Escritura automática: Los autores surrealistas fomentan su creatividad de un modo
incontrolado y alejado de la autoridad mente y razón.
• Influencia de Freud: El Surrealismo está muy ligado a los pensamientos y la lógica de
Freud. Sus estudios sobre el psicoanálisis fueron reveladores.
• Reniego de la moral y las convenciones: los autores y artistas surrealistas rompen
toda la norma fomentando la creatividad y el arte.
• El arte como un canal de conocimiento: El arte como camino para poder llegar a la
parte irracional de la mente.
• Arte bizarro: Rienda suelta a la imaginación y buscando lo bizarro en el arte.

André Breton

André Breton fue un escritor y poeta francés, considerado el padre del surrealismo y uno de
los pioneros del surrealismo gracias a su manifiesto surrealista de 1924, obra que apoyaba la
libre expresión y la liberación del subconsciente.

Algunas de sus obras muestran influencias del dadaísmo,

movimiento que precedió el surrealismo, como Nadia de
1928, ¿Qué es el surrealismo? de 1934 y Antología del
humor negro de 1940.
 El pop art es uno de los movimientos artísticos más representativos del siglo XX. Algunos
de los artistas más famosos del mundo se inscriben dentro de este marco de actuación. Y
fue, con diferencia, una de las contestaciones más interesantes que tuvieron los artistas a
las tendencias estéticas de su tiempo. ¿Quieres saber más sobre este movimiento?
Puedes optar por formarte y dedicarte profesionalmente al sector artístico con
nuestro Curso de Tasación de Obras de Arte. Estudiarás las distintas épocas de la historia
del arte, los diferentes estilos e incluso aprenderás a diferenciar réplicas y obras
originales. Interesante, ¿verdad?

El pop art es uno de los movimientos artísticos más representativos del siglo XX. Algunos
de los artistas más famosos del mundo se inscriben dentro de este marco de actuación. Y
fue, con diferencia, una de las contestaciones más interesantes que tuvieron los artistas a
las tendencias estéticas de su tiempo. ¿Quieres saber más sobre este movimiento? Puedes
optar por formarte y dedicarte profesionalmente al sector artístico con nuestro Curso de
Tasación de Obras de Arte. Estudiarás las distintas épocas de la historia del arte, los
diferentes estilos e incluso aprenderás a diferenciar réplicas y obras originales. Interesante,
¿verdad?
Pero si simplemente tienes pura curiosidad por el Pop Art, en este post te contamos sus
orígenes, características y principales referencias. ¡Sigamos!

Características del pop art

Entre las diferentes obras y estilos de pop art podemos encontrar estas características:
• Influencia en la cultura de masas. Los temas buscan escapar de la grandilocuencia o del
tremendismo de otras épocas. Ahora la intención principal que se tiene es la de coger
referencias culturales comunes que todo el mundo pueda percibir y entender.
• Superficialidad. Los objetos o los temas son retratados con cierta superficialidad. Pese a
que luego esas mismas obras puedan tener un sinfín de lecturas académicas, en un
principio se busca algo mucho más simple y sencillo, visualmente hablando.
• Visión irónica. De forma casi natural, a través de esa tendencia hacia la superficialidad y a
ensalzar la cultura de masas, se produce ese cambio con una visión un tanto irónica. Los
artistas de este movimiento no pierden su capacidad crítica, todo lo contrario. Sin embargo,
su obra en sí no te parecerá necesariamente planteada como una crítica.
• Un arte más plano. No se busca tanto reproducir piezas complejas o técnicamente
significativas. El giro se produce en el hecho de que el arte deja de imitar la vida y es la vida
la que pasa a imitar el arte. Es decir: este nuevo movimiento trata de predecir o de
condicionar la propia vida de masas, creando cultura, también, de masas.
El pop art en la actualidad
En sí el movimiento murió, aunque en los años 80 apareció una especie de remodelación
que tenía por nombre el neopop. En cualquier caso, si bien no permanece este estilo como
tal, sí que puedes encontrar diferentes representaciones o influencias que perviven todavía
en las obras de artistas de nuestros días.
Como ves, se trata de un movimiento con cierta complejidad, entretejido entre el resto del
arte del siglo XX. Por eso, lo mejor es informarse adecuadamente para entender toda su
complejidad. Y puedes encontrar una buena cantidad de cursos o de másteres que te
ayudarán a comprender todos los aspectos de su importancia.
En conclusión, el pop art fue característico y propio de su tiempo. Y buena parte de sus
ideas o de sus trabajos resuenan todavía en nuestros días.

Artistas y obras
Te ofrecemos algunos de los más significativos a continuación.
Roy Lichtenstein
Un ejemplo del movimiento estadounidense. Se caracterizaba por las representaciones en
gran tamaño que hacía de los modelos clásicos del cómic de la época. Entre sus obras
destacaría El beso, una de las más conocidas. Lo que trataba de hacer era dotar de un nuevo
significado a ese gesto a través de su obra. Es decir, cogía elementos de otras disciplinas y
cambiaba un poco su encaje o su marco. De esta forma no dejaban de ser algo común,
pero a un tiempo, se reconvertían en algo nuevo.
Andy Warhol
El artista más famoso de todos. Su gran peculiaridad es que quiso llevar los principios que
movían su arte también a su propia vida. Y son muchas las anécdotas que puedes encontrar
sobre sus excesos y desfases. Al fin y al cabo, hizo por codearse con los más famosos y
conocidos de su tiempo.
La obra más interesante y emblemática que tiene, sin lugar a dudas, es la de Marilyn. Un
perfecto ejemplo de la fascinación hacia la cultura popular y sus códigos. Y, a la vez, una
forma de reinterpretarlos y dotarlos de un nuevo significado. En el caso de Warhol es donde
puedes ver la máxima expresión de este modelo artístico.
Eduardo Paolozzi
Para terminar, el gran artista del movimiento británico. En este caso, se guardan algunas
distancias con respecto al estadounidense. Aquí se utilizaban mucho más las fórmulas
futuristas, y había mucha influencia clara de las vanguardias de principios de siglo. En
cualquier caso, también en la obra de Eduardo Paolozzi puedes encontrar elementos
propios de este tipo de arte: referencias al mundo del cómic, de la cultura popular y de la
publicidad.

El pop art en la actualidad

En sí el movimiento murió, aunque en los años 80 apareció una especie de remodelación
que tenía por nombre el neopop. En cualquier caso, si bien no permanece este estilo como
tal, sí que puedes encontrar diferentes representaciones o influencias que perviven todavía
en las obras de artistas de nuestros día