Vanguardias

Comenzando por el FAUVISMO como primera vanguardia del siglo XX tratada en la catedra, la
misma presenta una ruptura con la tradición artística fruto de una renovación del arte en el siglo
XIX, y consta de la intensificación del color, la creación de nuevas dimensiones, jugando con
las combinaciones cromáticas. Se caracterizó por la utilización de colores puros, de modo a
delimitar, proporcionar volumen, relieve y perspectivas en las obras. Los fauvistas no
buscaban reproducir un paisaje o retrato literalmente, sino la emoción que producen. Uno de
sus representantes es Henry Matisse con su obra “la raya verde“.

El siguiente movimiento es el CUBISMO, creado en 1907- 1924, considerado la primera

vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX,
la perspectiva. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas,
fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada “perspectiva múltiple”: se
representan todas las partes de un objeto en un mismo plano.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fovismo. En
lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y marrones. Uno de sus
representantes fue Pablo Picasso con su obra “las señoritas de Avignon”.

Siguiendo con el FUTURISMO, surgió en Milán Italia, este movimiento buscaba romper con la
tradición, el pasado y los signos convencionales. Trataba de representar el movimiento, la
acción y la velocidad. Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, y la
representación del movimiento y la velocidad, para ello representan los objetos sucesivamente,
pintándolos en varias posiciones. Una de las obras representantes es “dinamismos de un
ciclista” del artista Umberto Boccioni.

Continuando con las vanguardias del siglo XIX y XX se encuentra el EXPRESIONISMO,

Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este
movimiento de finales del siglo XIX, los expresionistas defendían un arte más personal e
intuitivo, donde predominase la visión interior del artista —la «expresión»— frente a la
plasmación de la realidad —la «impresión». El expresionismo suele ser entendido como la
deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano,
dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la
realidad. Una obra representante es Ernst Ludwig Kirchner-Fränzi ante una silla tallada,
1910. Museo Thyssen Bornemisza.

El DADAÍSMO fue un movimiento cultural surgido primero en Europa y posteriormente en

Estados Unidos entre 1916-1922. En oposición a esta realidad, el arte dadá busca equilibrar la
lógica y la razón (que impregna locura) con el sin sentido, las protestas, las burlas, las sátiras,
los escándalos, las ironías, etc., para expresar y provocar sentimientos y emociones nunca
antes sentidos.
Los dadaístas impregnaron la noción del inconsciente y lo irracional para expresar el arte en
futuros movimientos enmarcados dentro de las corrientes vanguardistas como el surrealismo.

La libertad absoluta, lo inmediato, la contradicción y la espontaneidad de dadaísmo buscaban

derrocar las leyes de la lógica, el pensamiento inmóvil, los conceptos abstractos, lo universal y
la eternidad de los principios. Los dadaístas proponían el caos por sobre el orden y llamaban a
romper las fronteras entre el arte y la vida. Una de las obras representativas es “la fuente” de
Marcel Duchamp.

Seguidamente del dadaísmo, y como ante ultima vanguardia, mencionamos al surrealismo, el

cual la literatura y el arte surrealistas se vincularon estrechamente con el psicoanálisis y las
ideas de Sigmund Freud. Por ende, el surrealismo se caracterizó por la indagación del
subconsciente, la expresión desinhibida del pensamiento, el uso del automatismo psíquico
como método y la colaboración entre diferentes disciplinas artísticas.

Gracias a esto, el movimiento surrealista superó los límites impuestos a la imaginación por el
racionalismo, transformó el concepto de “realidad” en el arte e introdujo nuevas técnicas y
dinámicas creativas. Se aproxima al inconsciente mediante la exploración del subconsciente.
Para ello representaba realidades absurdas, oníricas y fantásticas, en la cual se proyectaban
mitos, fábulas, sueños y fantasías.

El SURREALISMO se dio a conocer el 15 de octubre de 1924, cuando el poeta André Breton

publicó el primer Manifiesto surrealista. Una de las obras representativas es “las tentaciones
de San Antonio” de Salvador Dalí.

Como última vanguardia menciono al EXPRESIONISMO ABSTRACTO, surgido en el año

1940, el cual lo más importante en este movimiento en la creación de la obra era la acción y la
expresión de la misma y no que es lo que se realiza. Es decir, los artistas de esta corriente
representan sus obras a través de la espontaneidad, abandonando la temática que poco
importaba. Esta nueva forma de arte o lenguaje y expresión de acción se denominó action
paiting. Una de las obras representativas es “la loba” del artista Jackson Pollock.

Todas estas vanguardias nos recuerdan la innovación en el arte, las nuevas ideas y seguridad
con las que cada representante de cada movimiento se plantó. Lo cual hicieron posible crear
nuevos movimientos y darle un sentido, significado e importancia propia. Cada una de estas
vanguardias fue reflejo de su contexto en el que fueron creadas, y de este modo demostrando
el avance y madurez del arte a través del tiempo. Gracias a estos precursores somos capaces
de apreciar y distinguir todos los tipos de arte que existen y capaces de elegir en que arte
incursionar.
 Muralismo latinoamericano

Estos artistas que voy a mencionar, se inspiraron en los artistas y movimientos europeos de
1900, los cuales se basaron en los mismos para realizar sus propias obras.

El muralismo mexicano es un movimiento pictórico que tuvo su origen justo después de la

Revolución Mexicana de 1910 y que adquirió una importancia realmente trascendente. Es uno
de los primeros movimientos pictóricos en América Latina en el siglo XX que se comprometen
deliberadamente a romper la estética europeizante y a legitimar la estética latinoamericana en
busca de una “autenticidad”.

El origen y conformación del movimiento tiene lugar en la década de los años 20, la cual
coincide con el fin de la Primera Guerra Mundial y el período de la Gran Depresión. Su apogeo
se extendió hasta la década de los 60 e impactó en otros países latinoamericanos Los
intelectuales que pertenecieron a este movimiento buscaban reivindicar a Latinoamérica, y
particularmente a México, en dos sentidos: uno estético y otro sociopolítico.

Diego Rivera: Escena "Tierra y Libertad". Detalle del mural La historia de México: de la
conquista al futuro. 1929-1935, Palacio Nacional.

José de Jesús Alfaro Siqueiros Insatisfecho con las primeras manifestaciones del muralismo,
Siqueiros reflexiona y radicaliza su posición respecto al sentido y propósito del arte público.
Crea así el Sindicado de Pintores, Escultores y Grabadores Mexicanos Revolucionarios, y
dirige el órgano divulgativo El Machete, con el tiempo se convierte en un medio del Partido
Comunista Mexicano. En este, publica el “Manifiesto por un arte colectivo” de 1923.

Encabezado del semanario El machete.

En 1922, se unió a David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera, Rufino Tamayo y otros nombres
destacados para dar forma al muralismo mexicano. El muralismo fue un movimiento que
perseguía retornar el arte a la dimensión de lo público y servir al nacionalismo y la causa
popular.

Antonio Berni nació en Rosario en 1905 y murió en Buenos Aires en 1981.

Durante sesenta años se dedicó a la pintura convirtiéndose en uno de los artistas más
importantes de la Argentina y de América latina. Fue pintor, grabador, dibujante, muralista,
ilustrador, realizó objetos e instalaciones.

Las obras de este pintor estuvieron llenas de sentimientos de constantes luchas y afanes por
conseguir un tiempo de paz que condujera a la estabilidad que tuviera vinculada con el amor, la
comprensión y el acuerdo por mantener una sociedad quieta y equilibrada, expresaba a través
de la pintura como se podía lograr alcanzar lo que tanto se añoraba, bajo su observancia lo
presentaba. Para dar a conocer la idea de su propuesta exhibía sus fotografías que al mirarla
era como algo distinto sobrenatural que dejaba paz en el espíritu del que la miraba.
Sus Principales Obras fueron creadas en la Época de los 30, 40, 50 y 60.

Manifestacion. 1934 Juanito Remontando Un Barrilete. 1962

Década de los 60’ Pop art Op art Instituto Torcuato Di Tella Tucumán arde

París, el epicentro internacional del arte, ciudad icónica y generadora de casi todas las
vanguardias del principio del siglo XX, quedó totalmente devastada. Tanto artistas como
filósofos, científicos, contando también los exiliados de la Alemania Nazi, buscaron refugio en
Estados Unidos.

En los años 50 del siglo pasado, Estados Unidos se consolidó como la nación más próspera,
económica, militar y políticamente. La posición dominante de los estadounidenses penetró en el
campo artístico. El asilo a artistas e intelectuales refugiados dio frutos. Estas migraciones
nutrieron de un perfil intelectual muy específico. Nueva York fue la nueva capital del arte.

“Arte de Postguerra” se le llama al periodo de la historia del arte donde Estados Unidos se
integró victorioso como el productor más avanzado y propositivo.

Un nuevo arte se estaba gestando ya para finales de los años 50 y principios de los 60. Un arte
que volvía a la figuración, menos místico y existencialista, que proyectaba más
contundentemente el triunfo de la nación americana: el Pop art.

Se trataba de imágenes con carácter popular, que, precisamente por esto, no habían sido
tenidas en cuenta antes a excepción del Dadaísmo, que en su desdén por lo establecido
introduce el mundo de lo vulgar y, por ello, lo antiestético. Sin embargo, a diferencia de los
dadaístas, ahora no se manifiesta descontento con la sociedad del momento, pues es en ella
donde encuentra la fuente de inspiración.

Hamilton, Richard. (1956) “¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan
diferentes, tan llamativos?”. [Collage sobre papel.] 26 cm x 25 cm. Kunsthalle Tübingen.
Alemania.

Características en cuanto a la composición de las obras pop art

Los colores usados en las obras son el amarillo el rojo y el azul, mostrando en muy pocas
ocasiones la pincelada. Utiliza la tinta plana y los colores muy saturados por lo que muchos de
los artistas pop recurren al grabado que favorece ese efecto, en especial a la litografía y a la
serigrafía

En comparación con otros movimientos, no representan la sensación del mundo interior del
artista.
También jugaban con la superposición de las imágenes, la modificación de tamaños y la
repetición de las figuras.

Andy Warhol. (1964) The shot Marilyn’s. [Políptico compuesto por 4 lienzos de 40
pulgadas cada uno.]

Op-Art

El Op-Art es una vanguardia artística, nacida en Estados Unidos en 1958, con un enfoque
puramente pictórico.

Su impulsor, Victor Vasarely, es una de las figuras más destacadas del arte abstracto
geométrico

Las obras del Op-Art generan ilusiones ópticas, como la sensación de movimiento, vibración,
difuminación o parpadeo, mediante la repetición de formas en un orden específico, con la
característica principal, de que se desarrollan en una plataforma bidimensional; lo cual las
diferencia de las obras del Arte Cinético.

Este movimiento se caracteriza por ser totalmente impersonal, ya que, en sus inicios quiso
despegarse del espiritualismo de las abstracciones de la posguerra, como el expresionismo
abstracto, resultando un arte sin emociones transferidas al espectador.

Victor Vasarely(1968) Vega 200. [Acrílico sobre lienzo.] 200x200 cm. Colección Michael
Vasarely.

Además, en la década de los 60’ Argentina estaba pasando por muchos cambios, tanto en lo
social y político, así como también en lo cultural.

Durante esta década pasaron innumerables acontecimientos como el pasar de la “obra objeto”
a la “obra acción”, el tratar de difundir las obras para toda la sociedad, no para la minoría, la
unión de las vanguardias con las luchas sociales que acontecían en el país.

El surgimiento del Instituto Torcuato Di Tella logró modificar los criterios estéticos argentinos a
través de un acelerado proceso de gestión cultura.

1964, en el cual Marta Minujín había recibido el galardón nacional con su obra “Revuelquese y
viva” y Renart que había presentado una obra la cual varios críticos la asemejaban a genitales
femeninos gigantes, el diario “La prensa” tildó a la competencia de una búsqueda ansiosa casi
desesperada de lo sensacional.
Por primera vez había recibido un premio tan importante El arte conceptual rompiendo los
esquemas tradicionalistas que repetían cada año con el pensamiento de que el arte debía
permanecer sobre un lienzo enmarcado o a lo sumo ser esculpido.

Recordemos que la obra escultórica de Minujín estaba hecho con almohadones y colchones.

Durante esta época, también, se desató una obra que fusionó el arte y la política, la cual fue
“Tucumán Arde”, que luego dio pie para el surgimiento de otros fenómenos de la misma índole
en nuestro país.

“Tucumán Arde” no sólo fue una fusión del arte y la política, sino que fue un detonador que
permitió el surgimiento de nuevos fenómenos político- artísticos en nuestro país, como el
“Siluetazo” qué fue una acción colectiva realizada en la Plaza de Mayo en 1983 Y qué consistía
en hacer siluetas tamaño natural en representación de un familiar o amigo desaparecido.

Apropiacionismo

El Apropiacionismo es un movimiento artístico que se basa en referenciar la obra de otro artista

para crear una nueva obra, la que puede alterar o no la obra original.

Ese hecho de apropiarse de la obra de otro artista puede ser con un sentido BANAL o
CRÍTICO.

Se dice que es BANAL cuando solo cambia lo visual, la técnica, los materiales, los elementos
formales o los personajes. El sentido es superfluo.

Se dice que es CRÍTICO cuando se ocupa de trabajar el discurso el concepto. El artista busca
darle un sentido más profundo

EduardManet.

Desayuno sobre la hierba. 1863

En este caso, una parodia de “Desayuno sobre la hierba” de Manet, TIENE SENTIDO BANAL.

Solo cambia, en parte, el contexto y los personajes. Representa una reunión de amigos con
edificios representativos de Nueva York, pero no profundiza ningún mensaje. No provoca en el
espectador una nueva idea.

En esta Apropiación, que TIENE SENTIDO CRÍTITCO, de “El Cargador de flores ” de Diego
Rivera , produce exactamente la obra original , solo cambiando el cesto de flores por una lata
gigante de sopa Campbell.

Este solo hecho genera un mensaje totalmente nuevo. Se hace una crítica tanto al mercado del
arte, al consumismo en general (la sopa enlatada) y al consumo del arte en particular (hace
referencia a las obras de Andy Warhol) . Además, representa cómo el pueblo trabajador
sostiene o “lleva en sus espaldas” tales situaciones, exagerando el tamaño de la lata en
proporción al hombre.

Resignificación

Con la Resignificación se presenta un caso muy similar a la apropiación (para algunos son
sinónimos), pero se trabaja con el significado del tema o los conceptos en los que se enmarca
la obra resignificada. El artista la reinterpreta, transformando el significado original y dándole
uno nuevo. El nuevo significado puede referirse al tema de la obra, a la obra en sí o a su papel
o valor dentro de la Historia del arte.

La siguiente obra es un óleo sobre lienzo llamado “El conjuro o Las brujas”, con
medidas de 43 cm x 30 cm, realizada en el año 1797, del artista Francisco de Goya (1746-
1828).

Seleccione la obra de este artista para representar lo que hoy en día se considera” las brujas
contemporáneas”, se denominan así a las mujeres que están a favor del aborto o legalización
de interrupción voluntaria del embarazo, con una connotación negativa, en este caso
representadas por las mujeres o brujas de la obra, quienes se encuentran en protesta contra
los próvidas, tratando de imponer su ideología.

Decidí sustituir el color amarillo de la manta pintándola de verde, color que simboliza este
movimiento en la figura y personaje central de la obra, quien es la que quiere tener interacción
con la figura de la derecha (que comentare más adelante). Elegí a la misma como principal,
otorgándole un sentido de que esta quiere incluir y persuadir al otro personaje a su bando.
Detrás de la misma se encuentran los otros personajes en protesta las cuales no modifiqué, ya
que representan el disfrute de su ideología: una de ellas tiene una canasta de bebes, que
simboliza la obtención de lo que se considera “bebes” no nacidos o abortados. A otra de las
brujas le sustituí uno de los murciélagos que lleva en la cabeza por una paloma, como símbolo
de que estas mujeres buscan la paz común para las mujeres que quieren abortar o paz mental
para las que ya lo hicieron; pero no sustituí el otro murciélago, ya que este mantiene la idea de
plaga o maldad representando lo malo de esta decisión. A su vez posee en su mano un
muñeco vudú pinchándolo, representando los bebes sacados del vientre materno con agujas
de tejer o ganchos de perchas que fue incorporado en este caso en la imagen.

A todas estas brujas les agregué el pañuelo verde pero los suavice con un pincel con efecto
acuarela color negro, para integrar estos elementos a la imagen y que no parezcan recortados,
mismo criterio con el que modifiqué a la paloma.

Con respecto al joven que se encuentra a la derecha del cuadro, incorporé en él la tela celeste,
ya que el mismo representa el movimiento pro vida y demuestra claramente el temor y
confusión ante los otros personajes, tratando de negarse a ellos.
Si nos damos cuenta, el cielo, el fondo no se encuentra completamente oscuro, sino
parcialmente nublado con la mitad del cielo iluminado. Opte por no editar esta parte ya que
representa el bien y el mal, la lucha pro aborto y pro vida, y que queda en la decisión y moral
de cada ciudadano considerar qué está bien y qué está mal.

Instalación

El arte llegó a un momento en su evolución, en la cual ni la pintura ni la escultura satisfacían ya

las necesidades del artista. La instalación permite que el artista se explaye recurriendo a una
gran variedad de técnicas para la creación de una obra que permite la participación de todo
aquel que la visita.

En una instalación el espacio puede dar cabida a la creación de otro espacio. Puede haber
instalaciones en las cuales los objetos utilizados dentro de ella sugieran ciertas características
espaciales para su realización, pero también pueden haber instalaciones que sugieran cierto
espacio específico para su realización y comprensión

Una instalación depende del espacio y la manera en que los objetos se sitúen en ella, y es
imposible repetirla en su totalidad, se puede recrear, pero nunca será la misma, esto le da una
cualidad efímera.

La obra de Boltanski gira alrededor de la vida y la muerte; entre los materiales que utiliza se
encuentra la fotografía principalmente, además de juegos de luces y sombras y cualquier
material que resalte lo transitorio de la vida. Sus personajes aparecen como fantasmas cuya
vida ha expirado anonimamente. Su temática gira alrededor de los campos de concentración
donde los prisioneros eran despojados de su identidad para formar una masa sin conocimiento
de si mismos, muertos en vida para el mundo, recluidos en la oscuridad, ausentes en vida.

Arte Acción

DADAÍSMO

El Dadaísmo no era una manifestación artística sino una forma de vida y una postura ante la
vida y el arte.

Se destaca este movimiento por el hecho de ser la semilla que de muchos siguientes o
diferentes lenguajes artísticos, como el Surrealismo, Arte Conceptual, Happening,
Performance, Arte objeto.

Se manifiesta en contra de todas las convenciones con respecto al arte, creando una especie
de antiarte o rebelión contra el orden establecido.
arte de acción comienza en los finales de la década de 1950, cuando los artistas retoman esas
prácticas en el marco de un nuevo intento por expandir los límites del arte, conectar a éste con
la vida y desestimar su producción tradicional.

FLUXUS

Es un movimiento alternativo y radical heredero del dadaísmo y el surrealismo. Como indica su

nombre "fluxus" - flujo, en latín - era un continuo dejar correr en libertad ideas y obras.

Está formado por grandes intelectuales que se afanan en buscar la parte irracional, no
convencional de la creación artística.

Creado por George Maciunas en 1962 y que reunió a más de medio centenar de artistas
plásticos, músicos, poetas y performers bajo consignas cercanas al dadaísmo.

En el intento de reconciliar el arte con la vida se basó un importante impulso para el

surgimiento de nuevas formas artísticas que no se centraban en la producción de artefactos,
sino en la acción y el involucramiento activo del público.

En la antítesis del Arte conceptual, Fluxus es una vía de desintegración del arte en lo cotidiano.

La obra no es algo que existe y que se debe develar, sino que se devela y recrear en el fluir
real del acontecimiento performativo.

En la obra de Cage, el sonido se emancipa del sentido, de la necesidad de una referencia

exterior, el valor del sonido se encuentra en su materialidad, en su concreción, en su
singularidad.

John Cage, Water Walk,Programa de Tv. 1960.estados Unidos.

HAPPENING

Término que procede del inglés to happen (suceder, pasar) y que se puede definir como una
acción artística, normalmente planeada, aunque con cierto grado de espontaneidad, que tiene
lugar en un espacio y un tiempo determinado y en la que se busca la participación del
espectador combinando elementos del teatro y de las artes visuales.

Continuando con la postura de las vanguardias históricas, el happeninig se desvinculaba de los

museos, espacios destinados a la conservación y exposición de objetos, y salía a la calle,
plazas, centros comerciales.
Surge en EE.UU durante los 50s con el músico John Cage y el coreógrafo Merce Cunningham
que protagonizaron algunas de esas acciones que, más tarde, se considerarían como
auténticos happenings.

Marta Minujin, trabajando en la obra La destrucción.1963. Paris, Francia.

MARTA MINUJIN (ARGENTINA)

Nacida en Avellaneda, Buenos Aires, en 1943, También en Francia Minujín llevó a cabo su
primer happening, titulado La destrucción, para el que estuvo trabajando durante un tiempo en
varias piezas que durante la acción eran destruidas por sus amigos.

Performance

Desde finales de 1970 emergió como la denominación mas popular para nombrar hechos
artísticos presentados ante un público y que incluyen elementos como música, danza, poesía,
teatro o video. La performance se le aplica retroactivamente a formas previas de arte en vivo.

Según la Real Academia Española, el término performance no tiene equivalente en español.se

puede usar en masculino o femenino siempre y cuando exista consistencia.

Elementos de las performances: TIEMPO, ESPACIO,CUERPO DEL ARTISTA, RELACION

CON EL ESPACIO.

En la performance el artista usa su propio ser para ejecutar una acción o series de acciones en
un ritual con tintes teatrales que produce un hecho artístico.

La performance difiere del teatro porque se rechaza una narrativa clara y se usa una estructura
abierta. Puede tener un guión y ser un hecho cuidadodamente planeado, pero el azar y la
improvisacion son fundamentales en ellas.

MARINA ABRAMOVICH (SERBIA)

Marina Abramovich es una artista serbia conocida por sus piezas de vanguardia en donde
utiliza su cuerpo como sujeto y vehículo. Al incorporar performance, sonido, video, escultura y
fotografía en su práctica, Abramović se enfrentó a actos peligrosos o agotadores para
investigar la sensación y sus efectos, a menudo con la participación del público.

Street art

El término arte urbano o arte callejero, traducción de la expresión inglesa street art, hace
referencia a todo el arte de la calle. El arte urbano engloba tanto al grafiti como a otras formas
de expresión artística callejera; desde mediados del los años 90 el término Street art o, de
forma más específica, Post-Graffiti se utiliza para describir el trabajo de un conjunto
heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles
mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales….)

El arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos bastante transitados, pretende
sorprender a los espectadores. Suele tener un llamativo mensaje subversivo que critica a la
sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión

Banksy,

Arte Kitsch

La palabra kitsch proviene de las siguientes palabras: Kitschen barrer o equivocarse. Sketch
boceto. Etwars verkitschen vender barato.

Apareció en la segunda mitad del siglo XIX.

Es un innegable atractivo popular y es descalificado por los profesionales del arte. Representa
un objeto o tema que se tiene comúnmente como bello o emotivo. Es rápida o fácilmente
reconocible. No enriquece sustancialmente nuestras asociaciones mentales ligadas al objeto
representado. Se apropia de la belleza convencional, sobre lo que ya está representado.

El kitsch no puede apelar a la realidad sin idealización, siempre envuelta en una belleza
estereotipada.

En mi opinión puedo mencionar que el arte Kitsch es un tipo de arte que se despega de las
vanguardias clásicas, el cual no se encuentra obligado a cumplir con ciertos fundamentos,
reglas o cánones, pero de algún modo cumple con cierta estética el cual debe de cumplir con
un solo requisito, el de agradar al público y satisfacer la necesidad visual común. Este recurso
artístico está muy ligado al comercio, el marketing y al capitalismo, es su forma de trascender y
de llegar a todo tipo de público, y está al alcance de cualquiera a la hora de adquirirla o
apreciarla.

Jeff Koons (York, Pensilvania, 21 de enero de 1955) Tulipanes (Tulips), Museo

Guggenheim, Bilbao.

Mark Ryden (20 de enero de 1963) es un pintor estadounidense que forma parte del
movimiento lowbrow (o Surrealismo Pop)

sueños de un mundo perverso

 Arte contemporáneo

“el arte moderno que triunfo es aquel con el cual la sociedad por fin se siente en sincronía: el
arte contemporáneo. El arte contemporáneo unifica donde la modernidad marcaba una
ruptura.”

El arte moderno se refiere al período que comenzó en la década de 1880 y que se prolongó
hasta la década de 1960. ... Por otra parte, el arte contemporáneo se puede decir que se
desarrolló después de la década de 1960 y es el que se mantiene hasta el momento.

La idea de que 'cualquier objeto puede ser arte',11 no solo pone de relieve la importancia de
las estructuras artísticas en el proceso de validación el arte, sino que también afianza un nuevo
modelo de artista alejado de la artesanía. Por primera vez, el artista prescinde por completo de
sus habilidades manuales y se presenta como administrador, reformando ideas muy arraigadas
a las vanguardias como la originalidad,12 dando tanta o más importancia al trabajo intelectual y
al capital social como al objeto artístico1314 —unas condiciones que harán del arte conceptual
un paradigma de contemporaneidad. En este sentido, se ha dicho que «todo artista
contemporáneo es un artista post-conceptual».

Uno de los criterios juzga como contemporáneo aquel arte surgido a partir de la eclosión
vanguardista de los inicios del siglo XX. Estas propuestas artísticas, se distinguieron por
presentar una serie de ideas que revolucionaron la institución del arte, como la ruptura con los
modelos tradicionales o su carácter crítico y experimental, tenemos de ejemplo los
movimientos artísticos contemporáneos como el fovismo, el expresionismo, el cubismo, el
futurismo, el neoplasticismo, el dadaísmo y el surrealismo.

Otro criterio utilizado para las manifestaciones contemporáneas es aquel que toma como punto
de partida el inicio de la Postmodernidad, que va de finales de la década del 60 e inicios de los
años 70, o el fin de la segunda guerra mundial, en 1945.