Fauvismo

El fauvismo o fauvismo es un movimiento artístico que se inició entre 1904 y 1908. Se caracteriza
por el uso de colores sólidos para definir el volumen, relieve y perspectiva de la obra.
Bajo la influencia del movimiento impresionista, su mayor representante es el pintor Henri Matisse
(1869-1954).
El movimiento fue nombrado en 1906 por el crítico de arte Louis Vauxcelles (1870-1943), cuando
describió la sensación que provoca la observación de la obra de Les fauves (la bestia).
El fauvismo intenta recuperar el estado natural del hombre a través de la estética primitiva. Los
artistas de este movimiento no se preocupan por la composición de los cuadros, sino
expresivamente, expresando emociones simbólicamente a través de colores, gráficos y formas.
Además, los fauvistas evitan los temas represivos y tratan de representar cosas triviales y alegres sin
tintes políticos o críticos. Este estilo pictórico constituye un arte de equilibrio, pureza,
embellecimiento de instintos y sentimientos importantes, se compone de la impresión visual del
pintor en el lienzo.
El fauvismo influyó en la literatura representada por el jazz representada por Henri Matisse, donde
se retrató a sí mismo, a otros escritores y algunos artículos.
Características del fauvismo
La tendencia artística del fauvismo se caracteriza por el uso de colores fuertes y brillantes, como
rojo, verde, amarillo, azul y morado, independientemente de la realidad.
El uso de colores en un estado de color puro puede simplificar la forma para que puedan definir y
dar forma a su volumen a través de matices inexistentes.
También utilizó pinceladas muy largas y naturales, que los pintores fauvistas utilizaron para
delinear el plano del plano y crear una sensación de profundidad. Del mismo modo, las líneas
gruesas hacen que las personas se vean caóticas, y los objetos y las personas se deforman hasta
cierto punto, lo que les da una expresión extraña hasta cierto punto.
El fauvismo nació bajo la influencia directa del impresionismo, tendencia que trata de captar la
realidad tal como se ve, prestando especial atención a la luz.
Futurismo
El futurismo es un movimiento literario y artístico iniciado por el poeta italiano Filippo
Marinetti (1876-1944), quien emitió un manifiesto en la publicación de Le Figaro en 1909.
La corriente artística del futurismo es parte del movimiento de vanguardia, también
conocido como movimiento de vanguardia. Este deporte intenta representar la vida
contemporánea a través de la promoción de la sensibilidad y el estilo de guerra, y utiliza
temas recurrentes de máquinas y tecnología representadas por la velocidad y el
movimiento.
Características del futurismo
Arte futurista
La pintura futurista intenta expresar movimientos reales para aumentar la velocidad a la
que se muestran los personajes en sus obras de arte.
El arte futurista forma parte del movimiento de vanguardia que surgió a principios del
siglo XX. Esta corriente artística expresa dinámica, velocidad, formas plásticas del
movimiento humano, animal y de objetos. El futurismo afectará a las vanguardias
artísticas como el cubismo y el abstractismo,
En el campo de las artes plásticas como la escultura, la maquinaria, los ferrocarriles y otros
objetos en movimiento, así como la guerra y el patriotismo, todos representan el
futurismo.
Dadaísmo
El movimiento Dada es una especie de movimiento de protesta de vanguardia artística
que nació en 1916 cuando varios artistas se reunieron en un espectáculo de cabaret
Voltaire en Zurich, Suiza, y lanzaron un ejercicio de resistencia contra la Primera Guerra
Mundial (1914-1919). El nombre del dadaísmo fue nombrado por los tres representantes y
fundadores del movimiento: Tristan Tesala (1896-1963), Hans Richter (1888-1976) y Hans
Arp (1886) -1976). Llamaron al encuentro y al establecimiento del dadaísmo "el arte de la
coincidencia". Hay dos teorías principales sobre el origen del nombre del dadaísmo.
Cuando el artista abrió el diccionario francés para buscar el nombre y dio la primera
palabra que apareció, la primera teoría predicó que el nombre era accidental y dio la
primera palabra, que significa "caballo de Troya" en francés. La segunda teoría sobre el
origen del nombre afirma que se inspiró en el "pa-pa" del balbuceo del bebé. Esto surge
de la noción de que fueron el racionalismo y el racionalismo los que desencadenaron la
guerra y, como forma de protesta, crearon un arte sin sentido e irracional. Una de las
grandes aportaciones del dadaísmo fue en el campo de las artes gráficas, donde
comenzaron a crearse collages y montajes. Uno de sus representantes más famosos es la
artista Hannah Hoch (1886-1966). La obra más famosa del movimiento dadaísta es la
Fontaine de Marcel Duchamp (1887-1968) exhibida en 1917. Aplicaciones de objetos
manufacturados El movimiento dadaísta se disolvió en 1924, cuando sus miembros
creyeron que su popularidad estaba provocando que se desarrollaran en la dirección
opuesta a las provocaciones y manifestaciones.
Características del dadaísmo
La base del dadaísmo rechaza la noción de que lo que la sociedad impone al arte es
porque el verdadero estado de la sociedad actual es "locura, locura planificada".
Contrariamente a esta realidad, el arte dadaísta intenta encontrar un equilibrio entre la
lógica y la racionalidad (llena de locura) y el sinsentido, la protesta, el ridículo, la sátira, el
escándalo, la sátira, etc., para expresar y despertar sentimientos y emociones inéditas.
Exprese e inspire sentimientos y emociones que nunca antes se habían sentido.
El dadaísmo plantea dos preguntas a los artistas: ¿Cuál es el papel del artista y cuál es el
propósito del arte? El dadaísmo respondió que esta es una oportunidad para desafiar las
normas y las principales tendencias artísticas, especialmente el modernismo, el
expresionismo, el futurismo y la abstracción.
Constructivismo

El constructivismo es una teoría según la cual el conocimiento y la personalidad de los individuos

se construyen permanentemente porque responden al proceso continuo de interacción diaria
entre los aspectos emocionales, cognitivos y sociales de su comportamiento.

La teoría fue propuesta por el psicólogo, epistemólogo y biólogo Jean Piaget (Jean Piaget) y ha sido
aplicada en diferentes campos como la psicología, la filosofía y la educación (pedagogía). Sin
embargo, hay que reconocer que la teoría reitera los problemas existentes en el enanismo y la
epistemología de una manera diferente.

El movimiento artístico perteneciente a la ola de vanguardia del siglo XX también se llama

constructivismo.

Constructivismo en el arte

El constructivismo es un movimiento de arte y arquitectura de vanguardia nacido en Rusia unos

años antes de la Revolución Bolchevique. Este concepto fue propuesto por Tatlin en una
fraternidad con Picasso y los cubistas de 1913 a 1914.

Este es el resultado de experimentos con diversos materiales en el espacio real. Los materiales
explorados son madera, alambre, cartón y láminas de metal. A diferencia del supremacismo de
otro movimiento abstracto, el constructivismo busca preservar los recursos ilusorios.

Informalismo

El informalismo es un movimiento artístico que surgió en Europa a finales de la década de 1940. En

este movimiento se utilizan materiales abstractos donde los materiales juegan un papel decisivo.

El término se atribuye al crítico francés Michel Tapié, quien comenzó a combinar la información
conceptual (arte informal) y el arte natural (otro arte) con la obra de Dubuffet y Fautrier en 1951.
El término informalismo es complejo y puede integrar otras tendencias como la materia, los
gestos, la innovación y el espacialismo.

En el informalismo, mediante el uso de tecnología o materiales, las oportunidades y la promoción

improvisada, el rechazo a la construcción premeditada y la base ideológica estrechamente
relacionada con el existencialismo, descubrimos la fuerte existencia de la personalidad del artista.
Además de desconocer el informalismo de Dubuffet y Fautrier, también cabe mencionar: Walls,
Hatton, G. Mathieu, Bury, Soulages, Mischau, Riopel. En España, el informalismo alcanzó su punto
máximo en la década de 1950, y el lenguaje de esta generación de artistas cambió entre el
informalismo europeo y el expresionismo abstracto estadounidense. Entre ellos podemos destacar
a los pintores como: Tàpies, Guinnovart, Puig, Saura, Millares y Canogar. Las cinco diferencias
básicas entre el informalismo y el expresionismo abstracto son las siguientes: Como potencia
emergente, Estados Unidos también ha iniciado una nueva era cultural con una nueva conciencia
nacional, sin embargo, la cultura europea que ha sido duramente golpeada está de luto. Las obras
de la Escuela de Nueva York son grandes y magníficas. En comparación con los informalistas, más
íntimos y menos. En los Estados Unidos, las pinceladas dramáticas (dinámicas) se han vuelto más
importantes. En Europa, es importante (estático). Son formas distintas de relacionar el tiempo y la
pintura. En términos de actitud estética, el arte estadounidense es más atrevido y consciente de su
influencia. El informalismo tiene un sentimiento más silencioso, íntimo, poético y concentrado.

Minimalista

En 1963, Richard Wolheim utilizó el término "minimalismo en el arte" por primera vez en un
artículo de Art Magazine. El minimalismo en la década de 1960 cambió el concepto de relación
entre las obras de arte y el espacio que presuponían las esculturas de vanguardia clásica. El
espacio expositivo ha cambiado: dado el enorme tamaño de los objetos más pequeños, ahora
dominan las paredes blancas expuestas y las habitaciones espaciosas. Están hechos para un tipo
específico de espacio (esquina, pared) o están destinados a interferir con la percepción del espacio
en el que están tallados. No solo pueden determinar la experiencia visual del espacio, sino
también su habitabilidad. Neutralidad extrema o contraste con la obra; en otras ocasiones, como
la obra de Carl Andre, este es el trasfondo obvio y popular de la obra. En otras ocasiones, el
espacio es parte del trabajo y provoca la percepción perceptiva.

Se puede decir que cada obra de arte cambiará más o menos la percepción del espacio
circundante, pero las obras más pequeñas son intencionales. El tamaño o la ubicación del objeto
promueve la conexión entre el trabajo y el espacio. En definitiva, el espacio es el lugar donde se
produce el encuentro entre el sujeto y el objeto y la experiencia de la obra en el minimalismo.

Simbolismo
El simbolismo es una corriente artística que utiliza símbolos para buscar conocimiento y expresión
conceptual. El simbolismo sobresaliente es el movimiento francés del siglo XIX. Entienden el
mundo como un misterio y el arte como un sueño, lo que los conecta con la revelación de Freud
de las leyes de la experiencia psicológica, por lo que al estudiar los objetos producidos por el
hombre, buscan las leyes del arte mismo. Pueblos primitivos. Esta investigación ha enriquecido la
mayor parte del arte de los últimos años del siglo XIX. Entre sus grandes figuras, podemos
mencionar a Gustave Moreau, Puvis de Chavannes y Odilon Redon, quien es el máximo
representante de Gauguin. Sus predecesores fueron nazarenos, prerrafaelitas y William Blake.