Introducción a la Historia del Arte II: Conceptos

Perspectiva lineal: Técnica pictórica renacentista usada para representar objetos

tridimensionales sobre una superficie bidimensional. Se consigue a partir de un modelo
matemático en el que se proyectan puntos sobre el plano del cuadro con líneas rectas que
convergen en un punto (punto de fuga). Se atribuye su estudio y perfeccionamiento a
Brunelleschi para la arquitectura, luego pintura y finalmente se generalizaría.

Perspectiva aérea: Técnica utilizada para representar la profundidad y lejanía en una

obra artística. En este caso consigue jugando con la gradación del color y la nitidez
conforme los elementos se acercan o alejan en el plano. En este tipo de perspectiva se
eliminan los límites de color y forma que tiene la perspectiva lineal. El primer autor en
definirla fue Da Vinci y sus fundamentos geométricos los definió Alberti en el tratado De
Pictura, por lo que se sitúa su origen en el Renacimiento.

Sfumato: Técnica o recurso pictórico consistente en la difuminación de los contornos de

las figuras para crear la ilusión de existencia de aire entre ellas provocando la sensación
de existencia de aire entre ellas, provocando un ambiente real. El invento de esta técnica
se le atribuye a Da Vinci, al igual que su denominación, por lo que podemos situar su
origen en el Renacimiento.

Stiacciato: El stiacciato o schiacciato (relieve aplanado) es una técnica escultórica que

permite realizar un bajorrelieve con una variación mínima (a veces solo se trata de
milímetros) respecto al fondo. Para dar al espectador la ilusión de profundidad, el espesor
disminuye gradualmente a partir de primer plano hasta el fondo. Donatello (1386-1466)
fue uno de los iniciadores de esta técnica.

Terribilità: Termino italiano acuñado por los contemporáneos de Miguel Ángel para
definir el estilo grandioso y la fuerza que demostraba el artista en sus esculturas haciendo
que los representados muestren ira y terribilidad en su mirada. El mayor ejemplo de esto
lo tenemos en su escultura el Moisés. En un principio hablaban del artista como uomo
terrible, pero el término se extendió a su obra.

Grutesco: Motivo decorativo, escultórico o pictórico conformado por seres fantásticos,

vegetación y animales entrelazados. Estos se sintetizan de un modo onírico. Tiene su
origen en la derivación de la decoración de las cuevas descubiertas en la Roma del siglo
XV.
Línea serpentinata: Recurso mayormente empleado en la época del manierismo para la
representación de cuerpos humanos. Las extremidades se pintan en una dirección y el
torso en otra, generando una posición retorcida. Esta línea en forma de “s” es lo que
denominamos línea serpentinata. Esta técnica da como resultado mucha tensión en el
cuerpo, lo que lo dota de artificialidad.

Columna salomónica: Tipo de columna propio de la arquitectura barroca popularizado

por Bernini, aunque se tienen pruebas de su existencia anterior, fue en este periodo en el
que se extendió su uso. Es un elemento sustentante conformado por una basa, un capitel
y un fuste trabajado de manera helicoidal y decoración con motivos vegetales. Recibe su
nombre porque así eran las columnas de bronces que sustentaban el templo de Jerusalén
mandado a construir por el rey Salomón.

Estípite: Elemento vertical decorativo de forma troncopiramidal invertida con aspecto de

columna o pilastra adosada. Puede tener una función sustentante, pero generalmente es
meramente decorativo. También pueden encontrarse con forma antropomorfa. El auge de
su uso se dio durante el Barroco.

Escorzo: Recurso muy utilizado por Caravaggio durante el Barroco. Se trata del modo
de representar una figura que en la realidad estaría dispuesta perpendicular u
oblicuamente al plano en el que se está representando. Para conseguir adaptarse a la
perspectiva, se llevaba a cabo una deformación del objeto representado alterando sus
proporciones.

Trampantojo: Práctica pictórica que simula la realidad del entorno donde es pintado.
Trata de “engañar al ojo” provocando un efecto óptico. Para ello juega con el entorno, la
perspectiva, el sombreado y otros efectos. Suele emplearse en grandes murales. Un buen
ejemplo de trampantojo es el ábside fingido de Santa María presso San Satiro pintado
por Bramante en el siglo XV.

Tenebrismo: Claroscuro llevado al extremo. Este efecto convierte a la obra en

inquietante con una gran tensión dramática. Puede llegar incluso a destacar únicamente
el punto de mayor tensión de la obra. El autor más consolidado en el uso de esta técnica
es Caravaggio. Llevó el recurso al extremo y en sus obras toda la tensión se generaba a
partir de una única luz, por ejemplo, una vela. Fue un estilo muy usado en la pintura de
la fase inicial del Barroco.
Tendencias del barroco pictórico francés: Las tendencias del barroco pictórico francés
son el naturalismo, con las obras de Georges de la Tour como más representativas, el
clasicismo, con Nicolas Poussin, el paisajismo, con Claudio de Lorena y la corriente del
rococó, pintura refinada y sensual que subvencionó la burguesía y aristocracia, cuyos
representantes más destacados son Watteau, Boucher y Fragonard.

Churrigueresco: Término que se aplica a un peculiar estilo arquitectónico y de

decoración muy difundido en el barroco español. Deriva del apellido Churriguera, una
familia de arquitectos cuya obra tiene una decoración vital e intensa. Se aplica sobre todo
a la retablística, llegando incluso a dejar de verse la estructura por la intensa y abrigada
decoración. El prototipo es el retablo que realizó José Benito Churriguera para la iglesia
del Convento de San Esteban de Salamanca.

Categorías estéticas del Neoclasicismo: Los juicios estéticos postulados en el

neoclasicismo se basaron fundamentalmente en las ideas emitidas por Edmund Burke en
su Indagación filosófica sobre el origen de nuestras ideas acerca de lo sublime y lo bello
(1757) y Joseph Addison en Los placeres de la imaginación (1712). En la obra de Burke
se concibe como bello lo bien formado y estéticamente agradable de observar y lo sublime
como aquello que nos hace evocar lo terrible y negativo. En la de Addison lo sublime es
aquello que remite a la grandeza de la infinitud, comparando la magnificencia de la
naturaleza ante los seres humanos, que quedan reducidos, pero tiene como connotación
la idea de la libertad. También hace referencia a lo pintoresco, categoría referida al placer
estético de objetos o fenómenos novedosos y singulares. También es el placer producido
por una sorpresa agradable que despierta la curiosidad y promueve la imaginación.

Los caprichos de Goya: Serie de 80 grabados que representa una sátira de la sociedad
española de finales del siglo XVIII. Ejemplifican un mundo en crisis. La técnica empleada
fue mista de aguafuerte, aguatinta y retoques de punta seca y buril. Los personajes se ven
con fisionomías deformadas y animales fantásticos que representan los defectos y vilezas
humanas.

Las pinturas negras de Goya: Conjunto de 14 obras murales realizadas por Francisco
de Goya en el primer cuarto del siglo XIX. Son pinturas al óleo sobre una superficie de
revoco ubicada en su palacete la Quinta del Sordo. Son un reflejo del estado mental del
pintor que, además, se enmarcan en la corriente expresionista conocida como el
“tremendismo”. Los murales se trasladaron al lienzo y hoy en día las obras están
expuestas en el Museo del Prado (Madrid). Dentro de ellas destacan Saturno devorado a
un hijo y Duelo a garrotazos.

Plen air: Método pictórico consistente en pintar al aire libre para capturar los sutiles
matices que la luz genera en cada detalle. También pretenden comprender la verdadera
esencia de las cosas, puesto que es una expresión derivada de la observación directa de la
realidad. Este estilo se atribuye a la escuela Barbizon y a los impresionistas franceses,
aunque también se desarrollaron propuestas similares coetáneas en Italia.

Puntillismo: Estilo pictórico surgido en el siglo XIX dentro de la corriente

neoimpresionista. Consiste en representar la vibración luminosa mediante la aplicación
de puntos que, al ser vistos desde cierta distancia, componen figuras y paisajes bien
definidos. En los cuadros todos los colores son puros y nunca se mezclan unos con otros,
sino que lo hace el ojo del espectador. El tamaño de cada uno de los puntos es similar.

Auguste Rodin: Es considerado “el padre de la escultura moderna”, contemporáneo del

Impresionismo. Creó un nuevo concepto escultórico en lo referente al monumento y la
escultura pública. Trabajaba el yeso como crítica al circuito elitista artístico que solo
trabajaba el mármol. Según él, un artista no debía ser un esclavo del modelo, los
observaba en libertad de movimientos y los plasmaba en su totalidad. Su escultura más
importante es El pensador, en la que trabajó durante más de 30 años.

Escuela de Chicago: Modelo arquitectónico surgido a finales del siglo XIX y principio
del XX en la ciudad de Chicago. Fue pionero en la introducción de nuevos materiales y
técnicas para la construcción de grandes edificios comerciales. Este modelo se caracteriza
por ser una arquitectura funcional y utilitaria. Construyen bloques de viviendas en altura,
naciendo así la era de los rascacielos. Usan nuevos materiales aparecidos con la
industrialización como hierro, acero, cemento, hormigón y cristal. Como consecuencia
de esto, los edificios se abaratan y se construyen en menos tiempos. El pionero en este
movimiento fue Sullivan.

Neoplasticismo: Una de las formas que toma la abstracción en las primeras décadas del
siglo XX. Es una doctrina estética propuesta por Mondrian en 1920. Se basa en una
concepción analítica de la pintura, en la búsqueda de un arte que trascienda la realidad
externa, material, reduciéndola a formas geométricas y colores puros para hacerla
universal. Una de las obras más representativas de esta doctrina es The Cow de Theo van
Doesburg.

El Puente y el Jinete Azul: Corrientes pictóricas alemanas del expresionismo. La pintura

del grupo de El Puente, afincada en Dresde, es una de las primeras expresiones de las
vanguardias del siglo XX. Sus cuadros son de estridentes colores y trazos caóticos y
angulosos. Se centrarán en representar la vida cotidiana y sus significados. El Jinete Azul
tuvo su centro de acción en Múnich. Estaban interesados por el arte medieval y primitivo,
así como los movimientos coetáneos del fovismo y el cubismo.

Cubismo analítico y sintético: El cubismo analítico es la fase temprana del cubismo

caracterizada por el análisis estructural de las formas. Busca conseguir el equilibrio del
cuadro, considerando como el espacio en el que se ordenan las formas. Este se extenderá
al cubismo sintético en el que aparecerán las palabras y números, representa una imagen
aplanándola sobre la tela y desarmando sus diferentes elementos. Son corrientes iniciadas
por Broque y Picasso a principios del siglo XX.

Corrientes del surrealismo: Las principales corrientes del surrealismo son el

automatismo abstracto, con representantes como Joan Miró, André Masson o Yves
Tanguy, y el arte figurativo, con Salvador Dalí, Max Ernst, rené Matritte o Marc
Chagall entre sus pintores destacados. En estas corrientes se integran en la imagen lo
racional y lo irracional, lo consciente e inconsciente y se utilizan técnicas tradicionales
más el collage.

Informalismo: Movimiento artístico que aparece en Europa tras la Segunda Guerra

Mundial. En él se utilizaba un lenguaje abstracto y los materiales desempeñan un papel
decisivo. Se trataba de mostrar la subjetividad individual con el abismo interior de cada
autor. Lo matérico y gestual, el azar y la improvisación, y una base ideológica fuertemente
vinculada con el existencialismo. La principal diferencia entre este movimiento y el
expresionismo abstracto es que este es más poético, más estático y discreto. Por así
decirlo, “menos comercial”.

Action Painting y Color Field Painting: Ambas son corrientes enmarcadas en el

expresionismo abstracto del siglo XX. Por una parte, el action painting utiliza la técnica
del dripping. Esta consiste en salpicar de forma espontánea y energética la pintura encima
de un lienzo. Esta forma de pintar se realiza mediante un movimiento semiautomático
que solo está regido por el azar y, así, se convierte el espacio en acción. Por otro lado, el
colour field painting son obras de gran área y un único tono. Buscan evocar emociones e
ideas a través del color puro en lugar de representar escenas y formas ilustrativas y
reconocibles. En cambio, el fondo y el primer plano de la pintura son uno mismo, y el
espacio de la imagen parece consumir tanto el lienzo como el punto de vista del
espectador.

Racionalismo y organicismo arquitectónico: El racionalismo arquitectónico es la

corriente que concibe las construcciones pensando en su funcionalidad y en la
construcción masiva de viviendas para la clase obrera. Sus características son la
simplicidad en las formas, anteponiendo la funcionalidad. El organicismo es una filosofía
de la arquitectura que promueve la armonía entre las construcciones y el hábitat natural
que le rodea.