Escuelas Secundaria N° 54 Ernesto CHE Guevara

Bachiller con orientación en Artes Visuales

5° A Turno Vespertino
Materia: Imagen y Nuevos Medios
Profesor: Orellana Alejandro.

CLASE N° 1: EVOLUCION DE LA IMAGEN.

Arte Rupestre

Se conoce como arte rupestre a los rastros de actividad humana o

imágenes que han sido grabadas o pintadas sobre superficies rocosas. En su paso
por el mundo, el hombre ha dejado plasmadas en cuevas, piedras y paredes
rocosas, innumerables representaciones de animales, plantas u objetos; escenas
de la vida cotidiana, signos y figuraciones geométricas, etc., obras consideradas
entre las más antiguas manifestaciones de su destreza y pensamiento. Antes del
desarrollo de la escritura, las sociedades humanas posiblemente registraban ya,
mediante la pintura y el grabado en piedras, una gran parte de sus vivencias,
pensamientos y creencias. Periodo 8000 Ac al 3500 Ac, en el paleolítico.

Escena de caza

(ciervos machos, hembras y crias) Bisonte en la cueva de Altamira (España)

Civilización Sumeria (Mesopotamia)
La cultura sumeria (3.000-2.350 a.C.), es considerada la primera civilización urbana
de la humanidad; surge en el sur de Mesopotamia, entre los ríos Tigris y Éufrates y remonta
sus orígenes a las culturas neolíticas y, especialmente, a la cultura Uruk. En ella se pusieron
las bases de la escritura cuneiforme y de un panteón religioso que perdurará durante más de
tres mil años, se establecieron unas estructuras urbanas y estatales y mantuvo relaciones
comerciales con tierras lejanas como Dilmun, el Edén de los Sumerios. A este mundo
cultural pertenecen las famosas Tumbas Reales de Ur, así como el héroe Mesopotámico,
Gilgamesh. Estos siglos terminaron con la aparición del primer imperio, el Acadio, fundado
por Sargón de Accad. En las representaciones se destacan en el surgimiento de la escritura
en las famosas tablillas de arcilla, en las esculturas y en las representaciones de sus dioses

Tablillas Sumerias, Oriente Medio 3000 Ac. Aprox.

Antiguo Egipto
En el arte egipcio, los dibujos tenían una importancia que iba más allá del hecho
artístico, su escritura se basaba en representaciones gráficas (jeroglíficos). El faraón situado
entre los hombres y los dioses, era el modelo que debía imitarse. El color y la línea que se
conjugaban tanto sobre los relieves como sobre las pinturas, expresaban el mundo divino y
la perpetuación del hombre después de la muerte. La figura humana era inmortalizada
siguiendo reglas bien precisas; la idea prevalecía sobre las semejanzas. El rostro aparecía de
perfil, pero el ojo estaba de frente; al igual que los brazos y las manos, pero las piernas
estaban de perfil, siempre una proyectada hacia adelante, incluso si el personaje permanecía
estático. En la estructura se impulsó la frontalidad. A pesar de la permanencia de este
canon, con el tiempo surgió evoluciones estilísticas. Así, durante el corto reinado de
Amenofis IV- Akenatón se produjo una revolución llamada Amarniana, la que, en el plano
estético, busco realizar una representación más realista, como da testimonio el busto de
Nefertiti conservada en la ciudad de Berlín. En periodo siguiente, bajo la XXI dinastía,
estuvo marcado por el abandono de las innovaciones amarnianas, especialmente en
influencias de la poderosa casta de los sacerdotes Amón. La glorificación de lo divino y la
preservación de la sepultura volviendo se prioritaria. Las momias siguieron siendo
inhumadas con sus máscaras ornamentales y sus joyas para presentarse delante de Osiris.
Fue justamente debido a que la civilización egipcia se basó en la continuidad de los cultos
religiosos y la preocupación por lo inmutable y eterno que las formas artísticas tuvieron,
una extraordinaria longevidad, a pesar de la lenta declinación del imperio y las numerosas
invasiones

Juicio de Osiris, tribunal de Anubis

Arte Bizantino- arte Cristiano

La estética desarrollada en Constantinopla durante la primera mitad del siglo VI constituyó
la continuidad del arte paleocristiano. Sin embargo, la tendencia a preferir la imagen
simbólica más que narrativas llegó a ser regla en Oriente y la zona de influencia de
Bizancio. San Apolinario el Nuevo de Revena, la capilla real de Teodorico, rey de los
ostrogodos, la figura de cristo aparece de forma frontal sobre un fondo abstracto, los
personajes vestidos de carmesí conservan un modelo que sugiere volumen. Los personajes
alienados en primer plano, ya no tenían una existencia material, con excepción de ciertos
rostros idealizados bastantes parecidos entre sí. La imagen se convirtió en mensaje,
demostrando así interdependencia político-religioso
Renacimiento
Nuevas técnicas pictóricas en el renacimiento
La invención de la perspectiva lineal encontrada por Filipo Brunelleschi en arquitectura y
adaptada por Masaccio después a la pintura marca un hito importante en la viabilidad con
que el artista puede representar y expresar su mensaje, utilizando principios científicos de
óptica que ayudan a la visualización espacial de las escenas.
Con la mayor utilización del lienzo como base para pintar se abren nuevas posibilidades
para la creación de nuevos pigmentos en base de óleo, se experimentan con lacas y
pegamentos que dotan las pinturas de bellos colores y sublimes contrastes de luces y
sombras gracias a la degradación de colores y difuminación de los mismos en lo que se
destacó fundamentalmente el multifacético Leonardo Da Vinci (1452-1519) quien gracias a
su constante experimentación domina La perspectiva área representando la atmósfera que
envuelve a los objetos, esfumando las líneas convergentes, eliminando los límites de forma
y color, lo que da una impresión muy real de la distancia.
Leonardo da Vinci logra magníficos resultados con lo que se conoce como esfumado en la
que los tonos de los colores se degradan hasta fundirse unos con otros imperceptiblemente
creando volumen y profundidad. En su famoso esquema del hombre de Vitrubio en sus
apuntes, muestra un detallado estudio de la divina proporción basado en la figura humana
principio seguido después por muchos otros pintores. No todos sus experimentos con los
pigmentos y lacas dieron buenos resultados y es por ello que sus escasas obras no se
conservan en buen estado.
La utilización del claroscuro en la pintura posibilita que el contraste de luces y sombras de
dimensión a una pintura, dando la ilusión de profundidad o tridimensionalidad.
El escorzo una técnica utilizada por artistas como Andrea Mantegna en el cual para crear la
ilusión de profundidad los objetos se alejan a un segundo plano en el fondo. Esta técnica se
aplica a la composición en su conjunto.
El re descubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XV
por Leonardo y otros autores, está considerado como uno de los grandes logros del
Renacimiento.
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE EN EL RENACIMIENTO.
Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
– Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.
– Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.
– Logran captar la forma idónea de representar la perspectiva lineal y la aérea en la
pintura, así como la sensación de corporeidad o tridimensionalidad de las figuras.
– Se aplica en la pintura el concepto de ilusión espacial.
– Creación de obras, cuya claridad y perfección les dan una validez permanente.
– Se amplían los temas en las obras tales como mitología, religión, historia, leyendas,
retratos, paisajes, bodegones etc.
– Aplicación del estudio de la divina proporción basado en la figura humana.
– Representación realista de la naturaleza y el hombre que ayuda a una más efectiva
comunicación de las emociones en los personajes y del entorno en que se representan.

El Nacimiento de Venus La Celebración del Papa Sisito IV en la Capilla Sixtina

Sandro Botticelli Pietro Prugino

Barroco
El Barroco fue un período cultural que abarcó desde la segunda mitad del siglo XVI
hasta la primera mitad del siglo XVIII. Se difundió por toda Europa y América Latina, así
como por otras regiones colonizadas por los europeos.
El barroco contrastó con el Renacimiento por expresar una sensibilidad pesimista,
desengañada, crítica y compleja. Esto se debe a que literatura y el arte barroco representan
una época inquietante desde el punto de vista psicológico, cultural y social, además de
político y económico. Pero ¿qué es el barroco? ¿Cómo se define y qué lo caracteriza?
En las diferentes disciplinas artísticas, el barroco revela un gusto por el contraste,
que en las artes plásticas se expresa por medio del claroscuro. Aplica no solo a la pintura,
sino a la arquitectura, la escultura, la música e, incluso, la literatura.

San Gerónimo escribiendo La lección de anatomía de Dr Tulp

Carabaggio Rembrandt
El Impresionismo
La historia del movimiento impresionista gira en torno a una serie de
encuentros entre diferentes pintores en busca de su independencia artística durante la
segunda mitad del siglo XIX. Si contamos los principales pintores impresionistas que
formaron parte de este movimiento, como Claude Monet, Édouard Manet, Alfred Sisley,
Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Camille y Pissarro, una misma causa los reunió:
deshacerse de los códigos estrictos fijados en aquella época por la Real Academia de
Pintura y Escultura. Por esto, deciden trabajar en talleres privados, lo que les
permite pintar libremente y a su manera. El espíritu del impresionismo se resume en
cierta forma en una frase pronunciada por Manet: «Pinto lo que veo, y no lo que los otros
quieren ver». El impresionismo es un movimiento que consiste en una nueva
representación de la realidad y que marca un hito en el arte de la época. Durante
los años 1850, Monet y Manet también se inspiraron de las estampas japonesas.

Los impresionistas tienen cuidado de no mezclar los colores, sino de yuxtaponerlos
empleando pinceladas rápidas que recuerdan la naturaleza espontánea de su arte.
La elección de los colores enriquece las pinturas, los colores vivos y claros expresan
la luz y todos los efectos que puede tener sobre los paisajes, otorgándoles así un
aspecto nunca antes visto en su tiempo. Por los movimientos del paisaje visibles en
los cuadros, la visión de la naturaleza es aún más inquietante y seductora. Para
describir los cuadros se habla de vibraciones, de juegos de reflejos y de
luz...Algunos artistas llegan hasta pintar el mismo paisaje a distintas horas del día o
en diferentes estaciones para jugar con los colores cambiantes.

Sol Naciente Mi Viaje

Claude Monet Eduart Manet