Arte Contemporáneo (o Moderno)

Te explico qué es el arte contemporáneo, su origen y características. Además, cuáles son sus
corrientes.

Arte contemporáneo

El arte contemporáneo resulta complejo por la variedad de corrientes que abarca.

¿Qué es el arte contemporáneo?

El arte contemporáneo comprende las expresiones artísticas que surgieron a partir del siglo XX
hasta la actualidad, por lo que se lo denomina también arte moderno. El término contemporáneo
significa lo que ocurre en la época presente y comprende toda la creación artística de la
actualidad.

Es un tipo de arte complejo debido a la variedad de movimientos y disciplinas que abarca. Los
artistas contemporáneos realizan sus obras de múltiples formas y están influenciados por diversos
temas y cuestiones sociales, a diferencia de los artistas del pasado que solían basarse en
cuestiones de la religión o de la mitología.

El arte contemporáneo suele ser multifacético y capaz de reflejar situaciones populares,

tecnológicas y suele cuestionar los valores y supuestos de la sociedad.

Origen del arte contemporáneo

El arte contemporáneo surgió como consecuencia de los movimientos precedentes, como el arte
pop de Gran Bretaña y de Estados Unidos de la década de 1960 que se caracterizó por el uso de
imágenes y objetos de uso popular, como anuncios publicitarios, cómics, marcas de productos o
videos cinematográficos, entre otros.

El arte pop rompió con el expresionismo abstracto de comienzos del siglo XX, que se caracterizó
por la espontaneidad del artista, en especial, en la pintura. El expresionismo resultó un arte no
figurativo, es decir, abstracto y que buscaba traspasar los límites de lo convencional o lo
racionalmente correcto.

El arte pop tomaba elementos de la vida cotidiana y los representaba en contextos o situaciones
irracionales, imaginarias o contrarias. Resultó una crítica a la nueva sociedad de consumo y de
producción en masa, en la que la imagen y el materialismo resultaron los nuevos valores de la
sociedad.

Surgió una nueva concepción del arte, ya no considerado como algo bello o como una mercancía,
sino que el arte conceptual era más importante que la mercancía en sí. Este movimiento
experimental desencadenó en el arte contemporáneo que incluyó diversos movimientos, como el
dadaísmo, el surrealismo y el cubismo, entre otros.
Características del arte contemporáneo

Entre las principales características del arte contemporáneo se destacan:

- Es el arte del momento o período actual.

- Comprende las expresiones artísticas que rompieron con los estilos tradicionales y con los
conceptos socialmente aceptables.
- Refleja innovación, tanto por su modo de expresión como por sus técnicas.
- Está basado en un estilo experimental y con influencias del arte abstracto.
- Es una crítica a la nueva sociedad materialista basada en el consumo masivo.
- Considera al arte como un fin en sí mismo, y no como una mercancía más de consumo.

Tipos de arte contemporáneo

Los principales tipos o corrientes de arte contemporáneo que compartieron la ideología fueron:

Cubismo. Se destacó por ser una de las primeras corrientes de vanguardia, surgida en Francia,
rompió con el estilo renacentista y resultó una de las más influyentes para las corrientes
siguientes. Se caracterizó por representar el mundo a través de figuras geométricas que recreaban
imágenes fragmentadas. Los colores utilizados solían ser de una misma paleta de tonos. El artista
español Pablo Picasso es considerado el padre del cubismo.

Dadaísmo. Se destacó por ser una de las corrientes más influyentes del arte contemporáneo. La
palabra "dadaísmo" alude a la fantasía, a los primeros sonidos que emiten los infantes y a aquello
alejado de la realidad. El término fue aplicado por el poeta rumano Tristan Tzara para designar a
este movimiento que se originó en Alemania. El dadaísmo se basó en una fuerte crítica al arte
tradicional, rompiendo con los estilos, conceptos y métodos. Se liberó de cualquier tipo de
restricción, a tal punto que aborreció el concepto de belleza impuesto y valoraba el significado o
intención que daba el artista al objeto, por sobre el objeto en sí. Alcanzó múltiples disciplinas,
como la literatura, la escultura y la fotografía.

Fauvismo. El nombre proviene del francés fauve que significa “fiera” y alude a un arte intenso y de
carácter. Se destacó por los dibujos simples, pinceladas enérgicas y el uso de colores intensos y
diferentes respecto a los colores que se perciben en la realidad. Por ejemplo: un limón podía ser
verde esmeralda o los árboles, naranjas intensos. El artista francés Henri Matisse es considerado el
padre del fauvismo.

Constructivismo. Se destacó por la abstracción, las formas geométricas planas y con perspectiva
exagerada, las composiciones de tipo collage de fotografías sobre fondos con imágenes
geométricas y los colores contrastantes. Se originó en Rusia como un arte popular en rechazo al
arte de la burguesía.

Neoplasticismo. También denominado constructivismo neerlandés, surgió en Holanda en 1917. Se

destacó por el uso de líneas rectas y colores primarios plasmados de manera bidimensional.
Buscaba manifestar la pureza del arte desde la simplificación y las formas geométricas básicas,
eliminando todo elemento superficial.

Expresionismo. Se destacó por el uso de colores de manera excesiva y de formas irreconocibles o

distorsionadas que aludían al mundo de los sueños donde la realidad se percibe de manera
diferente o irracional. Se originó en Alemania y se manifestó en múltiples disciplinas, además de
las artes plásticas, como en la literatura, la música y la fotografía.

Surrealismo. Se destacó por la gran influencia del dadaísmo con representaciones de fantasía,
relacionadas con lo irracional y el inconsciente. Surgió en Francia, en 1924, tras la publicación del
“Manifiesto surrealista” del poeta André Bretón en el que planteaba la situación de posguerra de
esa época y exigía a la sociedad la necesidad de indagar en lo más profundo del ser humano. Se
incorporó el punto de vista del psicoanálisis de Sigmund Freud como método para las creaciones
surrealistas y resultó un arte incongruente, vinculado a los sueños y original.

Futurismo. También denominado cubismo dinámico, se destacó por representar imágenes del
mundo a través del dinamismo, la fuerza y la sensualidad. Resultó un arte que enfatizó la guerra y
todo aquello considerado novedoso y tecnológico. Surgió en Italia, en 1909, tras la publicación del
“Manifiesto del futurismo” del escritor Filippo Tommaso Marinetti en el que exaltaba la velocidad,
la potencia y el movimiento de la nueva maquinaria de tecnología, como la industria y el
automóvil. Se manifestó en múltiples disciplinas, como la arquitectura, el diseño gráfico y la
publicidad, el cine y la poesía.

Minimalismo. Se destacó por el uso mínimo y básico de elementos y por representaciones del
mundo reducidas a lo esencial. Surgió en Europa con el arquitecto y diseñador industrial germano-
estadounidense Ludwig Mies Van Der Rohe, considerado uno de los pioneros de la arquitectura
moderna. El término minimalismo fue designado por el filósofo inglés Richard Wollheim en 1965 y
hace referencia a todo aquello que es reducido a lo básico, despojado de elementos accesorios o
sobrantes. El minimalismo buscaba expresar la esencia de las cosas y eliminar lo superficial
Actividades
En parejas o individual, busque los siguientes conceptos en su celular y
anótelos:
Arte contemporáneo, Arte conceptual, Arte cinético, Arte geométrico.

Actividades
Aprendizaje y destrezas individuales y colectivas por lograr:
- Valoración del arte contemporáneo como una forma de crear
consciencia en los seres humanos de la necesidad de conservar el
planeta
- Integración de valores de ciudadanía y valores éticos en el accionar
respecto a la naturaleza.
1- Escucha la explicación sobre la obra “la noche estrellada” de Vincent Van
Gogh y la técnica del puntillismo.
2- Aplica la técnica del puntillismo en el dibujo de la obra “la noche
estrellada”. Trata de utilizar colores fríos y distintos en cada segmento del
dibujo.
La noche estrellada es un cuadro pintado en el año 1889 por el artista
neerlandés Vincent van Gogh (1853-1890). Es considerado uno de los cuadros
más importantes del pintor por su estilo único y original, el cual marcó un
punto de inflexión en el arte postimpresionista.
El óleo se encuentra actualmente en el Museo de Arte Moderno de Nueva
York (MoMA). El título original de la pintura es De Sterrennacht y se traduce
al inglés como The Starry Night.
Análisis del cuadro La noche estrellada
El óleo La noche estrellada fue pintado por el artista Vincent van Gogh
durante su internamiento voluntario en el hospital psiquiátrico Saint Paul de
Mausole, en las afueras de Saint Remy, Francia. Vincent van Gogh renuncia a
la forma impresionista de observación directa de la naturaleza, para plasmar
formas y colores del ámbito más imaginario e íntimo. Su interpretación
personal da lugar a un estilo propio y único.
Descripción iconográfica
La composición está dividida en una suerte de dos franjas o secciones
horizontales: la bóveda celeste y el paisaje.
La bóveda celeste y los astros
En la bóveda celeste vemos un cielo nocturno con once estrellas con halo
propio, vibrante y exagerado. Dos espirales nebulosas que se abrazan una a
la otra creando la sensación de movimiento y fluidez, como en dirección a la
luna. Esta se encuentra en la esquina superior derecha en estado menguante,
y destaca con la gama de tonos amarillos, igualmente luminosa y vibrante,
como si fuera más bien un sol.
El paisaje terrestre
En la base del lienzo, podemos observar un paisaje cargado de colinas y
montañas de curvas poco pronunciada y un pueblo, lleno de casas, trigales y
olivares, lo que reafirma la horizontalidad aparente de la bóveda celeste.
Dos elementos de la composición rompen esa horizontalidad y, junto al cielo
estrellado, acaparan la atención del espectador: la torre de la iglesia y un
ciprés. Estos son los únicos dos elementos que apuntan hacia el cielo. Estos
elementos quiebran sutilmente la composición, mantienen el equilibrio y
dirigen la mirada al foco de interés del pintor: la noche estrellada.
Los colores
La distribución de los colores blancos, amarillos, verdes y azules que el pintor
aplica en el cielo son mucho más vivos que los tonos sombríos usados en la
ciudad. El uso de los colores blanco y amarillo para crear el efecto de los
espirales lleva la atención del espectador al cielo.
La técnica
Entre las características de la obra de Van Gogh es necesario tomar en cuenta
la técnica. El artista ha optado por el óleo sobre lienzo, pero su tratamiento
es absolutamente personal. Dejando de lado los principios de profundidad
espacial, así como la idea del acabado, el pintor postimpresionista usa la
pincelada gruesa, ya concéntrica, ya ondulante, como si estuviera imitando
un tejido popular.
Los trazos también acentúan el contraste entre el cielo y la ciudad. La ciudad
es creada con trazos rectos, cuadrados y breves inculcando serenidad y
acentuando la oposición de las curvas frenéticas del cielo.
La pintura está hecha con pinceladas energéticas y pastosas que forman
surcos y relieves. Las líneas son dinámicas al serpentear y ondular por el
cuadro, lo que crea sensación de movimiento continuo.
Significado
Muchos han sostenido que este lienzo de Van Gogh es una expresión de su
emocionalidad. En su nivel más elemental, La noche estrellada representa la
vista de Saint-Rémy-de-Provence a la que Van Gogh tenía acceso desde la
ventana del asilo de Saint-Paul-de-Mausole en Arlés, donde estuvo recluido
entre 1889 y 1890.
Sin embargo, no todos los investigadores apuntan en esa dirección.
Aparentemente La noche estrellada de Van Gogh, relacionada con una
circunstancia de su vida personal, se enlazaría también con una lectura de su
tiempo histórico.
De acuerdo con Stephen F. Eisenman en el libro Historia crítica del arte del
siglo XIX, los objetos que representa Van Gogh en el lienzo son también
expresión de un imaginario anticapitalista romántico:
Lúgubres cipreses, campanarios de iglesia, viviendas de campesinos con los
hogares encendidos, colinas y estrellas y planetas.
De hecho, Eisenman agrega que:
La obra es en parte un ensueño sobre un futuro utópico basado en la
imaginada integridad social de un pasado más sencillo.
El investigador Albert Boime también acusa una lectura que trasciende la
mera justificación de desahogo personal. Su hipótesis, sin embargo, es
diferente a la de Eisenman. En su libro La noche estrellada: la historia de la
materia y la materia de la historia, Boime sostiene que, tras un estudio
detallado de la composición, ha preferido ver al pintor:
...como un realista y no como un loco que ha sosegado su locura en el
caballete.
¿A dónde apunta Boime? De acuerdo con el investigador, la obra no puede
ser reducida a un mero desahogo. Por el contrario, Boime sostiene que el
artista había estudiado dedicadamente la astronomía y la astrología, y ello ha
sido reflejado en el lienzo. Por ejemplo, al respecto de la luna, sostiene que la
dirección de sus cuernos apunta hacia el oriente, es decir, que Van Gogh ha
representado la hora cercana al amanecer.
En efecto, los elementos internos del cielo nocturno de La noche estrellada
han sido analizados exhaustivamente, especialmente la estrella más luminosa
del cuadro, que según investigaciones actuales correspondería al planeta
Venus.
Así, en medio de la tormenta emocional del pintor, es probable que este haya
querido atrapar en el lienzo un registro astronómico y astrológico de su
destino. Muy probablemente, este cielo abre una gran pregunta sobre el
porvenir de Van Gogh y también sobre la utopía de salvación.
Otras pinturas de Vincent van Gogh
Las obras de arte más famosas del pintor neerlandés son:
La noche estrellada sobre el Ródano (1888)
Los girasoles (1888)
Retrato del cartero Joseph Roulin (1888)
Autorretrato (1889)
Autorretrato con halo (1888)
El sembrador (1888)