SIFAC UNEARTE VALERA

UNIDAD CURRICULAR: TEORÍAS E HISTORIA DEL ARTE (2021-1)

NOMBRE COMPLETO: WILLY RANDY ESPINOZA ROSALES

CÉDULA: 21.367.285

TEMA A DESARROLLAR: EL DESARROLLO DE LAS ARTES, SUS

CONCEPTOS Y TÉCNICAS EN LA ÉPOCA DEL RENACIMIENTO Y EL BARROCO
EN EUROPA

El arte renacentista fue un movimiento artístico que surgió en Italia en el siglo

XIV, durante la transición entre la Edad Media y la Edad Moderna, y se destacó por
su interés en el saber de la razón y en los valores clásicos de la antigua Grecia. El
movimiento surgió en un contexto de prosperidad económica y de desarrollo de
nuevas tecnologías como la imprenta, que impactó de manera directa en la difusión
del conocimiento, las artes y la filosofía. El arte renacentista atravesó dos etapas
principales:

• El Quattrocento (siglo XV). En este período se investigó sobre las

construcciones de monumentos romanos y griegos y se introdujo la
perspectiva y la pintura al óleo.
• El Cinquecento (siglo XVI). Se logró la madurez de la época renacentista.
Surgieron los grandes artistas que marcaron época, tales como Miguel Ángel,
Da Vinci, Miguel de Cervantes, Rafael, entre otros.

Esta época se caracterizó por recuperar aspectos de la cultura clásica greco-

romana, como la armonía y la proporción como ideal de belleza, además de los
temas mitológicos, basarse en el concepto del ser humano como centro de todas
las cosas, en lugar de considerar a Dios como centro del universo (si bien el arte
renacentista tomó como figuras principales a los ángeles, a los apóstoles y a Dios),
debilitar a la Iglesia, que perdió poder social ante la nueva concepción de la razón
como el centro de todo. Predominaba la idea de razón por sobre la fe, considerar al
sufrimiento humano como consecuencia de la ignorancia. Sostenía que el
conocimiento conducía a la felicidad del hombre, buscar la perfección, simetría y
proporción en las líneas, tanto en la pintura como en la escultura, para representar
el cuerpo humano, entre otras características. La pintura en la época, se caracterizó
por buscar la perfecta representación de los detalles, en cuanto al balance, la
armonía y la perspectiva en base a la observación del artista, cabe destacar que
surgió el concepto de perspectiva y punto de fuga para la concepción de los
espacios. La pintura al temple o témpera de secado rápido se vio desplazada por la
nueva técnica al óleo sobre el lienzo, ya que esta permite perfeccionar el efecto de
las luces y las sombras, dando así mayor realismo en los retratos y cuerpos
desnudos. Aunque hubo muchas técnicas usadas por los maestros del
Renacimiento sólo las técnicas principales se detallarán a continuación:

• Humanismo y perspectiva: El humanismo era un medio para regresar a las

ideologías clásicas. La idea de perspectiva es crear una apariencia
tridimensional o un objeto bidimensional.
• Esfumado: La idea del esfumado era mezclar un tono en otro para crear
percepciones de profundidad, forma y volumen. El ejemplo más famoso de
esta técnica es la Mona Lisa.
• Claroscuro: Este tipo de pintura usa el contraste de la luz y la oscuridad para
crear dimensión en una pintura, lo que le da la ilusión de profundidad o
tridimensionalidad. Un ejemplo de esta técnica serían los trabajos de
Michelangelo Merisi da Caravaggio, quien desarrolló el tenebrismo (una
forma de claroscuro donde los objetos parecen emerger de la oscuridad).
• Fresco: Existen dos tipos de frescos, el buon fresco y el fresco secco. El buon
fresco consiste en mezclar los pigmentos con el agua, y en el fresco secco
 los pigmentos son mezclados con agentes aglutinantes y pintados sobre
yeso seco.
• Escorzo: La idea del escorzo es que sea un medio para agregar profundidad
a una pintura al crear la ilusión de que el objeto se extiende a un segundo
plano. Un artista conocido por esta técnica es Andrea Mantegna.

Sin embargo, las técnicas descritas anteriormente se ven compartidas en cierta

medida con la época del Barroco, ya que, la técnica empleada en el arte barroco se
realizó mediante claroscuros, realismo y dinamismo. El arte gótico, tan solo hacía
uso de técnicas como el temple y óleo, pero no alcanzó el grado de realismo que el
Barroco. Además, el Barroco utiliza muchos contrastes en los colores para crear un
punto de tenebrismo no visto hasta la época, mientras que el arte gótico utilizó
colores dorados y otros colores brillantes para realzar ciertas figuras eclesiásticas o
celestiales. Por último, destacar que la luz cobró mucha importancia para
diferenciarlos, ya que en el barroco se matizan muchísimo más los colores y se
emplea la difuminación de los mismos, además de contornos para apreciar y marcar
el contraste de la luz. Otra característica clave es la representación de emociones
como sentimientos, no se intentaba plasmar tan sólo la realidad, sino los artistas
iban más allá transmitiendo vida a través de los colores, formas y composiciones,
en la pintura marcaron mucha tensión, energía y movimiento para contrastar y
emocionar al espectador. Estas técnicas fueron empleadas en el arte, pero la pintura
fue la que más profundizó en estas técnicas para dar lugar a cuadros más reales de
lo que se había visto hasta la época.

No obstante y siguiendo el mismo concepto que la pintura, en el Renacimiento,

la escultura y la arquitectura renacentistas se inspiraron en las antiguas culturas
griega y romana, en especial, por el nivel de detalle y realismo. Buscaban romper
con el estilo gótico y se basaron en la perfección de las representaciones, a través
de cálculos matemáticos y geométricos para obtener proporciones reales. En la
escultura se destacaron los detalles perfeccionistas y proporcionales del cuerpo
humano debido a que los artistas adquirían, cada vez más, conocimientos sobre
anatomía, física y matemáticas, además de la observación. Las obras solían ser
plasmadas en mármol y bronce. En el desarrollo del tiempo, y para el Barroco,
existió mayor variedad de materiales como alabastro y madera policromada, y
artistas destacados como Bernini trabajaron con combinación de materiales, no
obstante, es importante mencionar que a diferencia del Renacimiento, la escultura
Barroca intensifica la sensibilidad del creyente fomentando lo denominado como
“paso procesional”, buscando sentir a los santos y mártires como personas vivas y
reales, multiplicando así la demanda de retablos e imágenes de culto y poseyendo
una tendencia a representar al ser humano con total objetividad, naturalismo frente
al idealismo, rozando a veces la “vulgaridad”. Una importante característica a
resaltar en el arte Barroco es que esta posee esquemas libres de geometría, una
composición asimétrica frente al equilibrio clásico del renacimiento. La escultura
Barroca se proyecta dinámicamente hacia afuera con líneas de tensión complejas,
especialmente la helicoidal o serpentinata y multiplicidad de planos y puntos de
vista.

En Italia, destaca el escultor Gian Lorenzo Bernini, que domina con perfección
la técnica que aprendió de su padre Pietro Bernini, escultor manierista, y el estudio
de los modelos clásicos y renacentistas. Su figura eclipsa al resto de artistas, y fue
considerado el Miguel Ángel del siglo XVII. Acostumbraba a representar las figuras
de sus obras en el momento de máxima tensión y a usar el desnudo en sus
composiciones. Posee fuertes influencias helenísticas. Su escultura se caracteriza
por la teatralidad compositiva, que resuelve en escenas. Gran arquitecto, pone la
escultura al servicio de la arquitectura, creando espacios escenográficos en la
ciudad de Roma. Busca efectos emotivos con el fin de conmover, para lo que
emplea el escorzo y las posiciones violentas y desequilibradas.
 No obstante, El Barroco francés se reconoce por su carácter cortesano,
mitológico y decorativo. Predominan los bustos, las estatuas ecuestres, las
alegóricas y la escultura funeraria. Posee cierta tendencia al clasicismo.