DAD Historia del Arte. Prof.

María Natalia Rosales

Trabajo Práctico Nº8: Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, Impresionismo

Barroco (1600 a 1700) Video de este tema: Barroco https://www.youtube.com/watch?v=cGXxNjUV6o0

El Barroco se desarrolla entre los años 1600 – 1700.  Se inicia en Italia y luego se extendió hacia el resto de Europa. Es la
continuación del Manierismo (movimiento de las décadas finales del Renacimiento, que inicialmente se definió como la
imitación de la maniera de los grandes maestros del Alto Renacimiento, pero posteriormente se entendió como una
reacción contra el ideal de belleza clasicista) 
El arte Barroco surgió como un estilo promovido principalmente por la Iglesia Católica, ya que las ideas reformistas
(Martín Lutero, Reforma Protestante) y racionalistas intentaban dejar de lado la religión no sólo en los espacios artísticos
si no también en el vivir cotidiano de los individuos.
Causas políticas y religiosas: el arte barroco es un arte de contrarreforma. La iglesia católica para actuar en contra del
protestantismo mandó la edificación de diversos templos con un exceso de escultura. Además, exigió a los artistas que se
alejaran de crear obras con temas paganos y por ello tuvieron que evitar los desnudos o escenas alborotadoras. Este estilo
se desarrolló entonces con unas normas estrictas y conservadoras.
Causas psicológicas y sociales: en el siglo XVII la vida estaba repleta de dolor y muerte por la aparición de la guerra. Con
esta nueva necesidad, el artista Barroco intenta experimentar con el arte hasta dar lugar al movimiento y el color, es por
ello por lo que las obras de ese siglo intentan transmitir una agitación y un amor por la vida representada de forma
dramática. Con esta nueva necesidad de experimentar, el arte barroco comienza a caracterizarse por el uso del “juego de
las sombras” y de la decoración magnífica y espectacular.
Características del arte barroco
-Representación de sentimientos y emociones. -Se buscaba la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y
los temperamentos, muy bien reflejados en los rostros de los personajes. -Una intensa espiritualidad que aparece con
frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.
-Las obras en el arte barroco incluyen temáticas religiosas que habían sido dejadas de lado por el Renacimiento y buscan
representarlas de manera altamente expresiva.
-Tienen un fuerte sentido del movimiento, la energía y la tensión. -Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los
efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas. -La insinuación de enormes espacios es
frecuente en la pintura y escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron
siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva.
-El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en los cuadros como simples
estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia. -Intensidad e inmediatez, individualismo y
detalle.
-Los edificios solían construirse con materiales pobres, pero resaltando la majestuosidad y la monumentalidad de la obra.
En el arte barroco hay dos estéticas diferentes: el tenebrismo y el eclecticismo.
-El tenebrismo: consiste en el choque violento de la luz contra la sombra, quedando el fondo en penumbra, mientras que
la escena queda en primer plano.
-El eclecticismo: se trata de salvar el gusto clásico dentro de la nueva norma, siendo una estética decorativa efectista y
teatral.
Artistas Destacados: Carravaggio, Rembrandt, Peter Paul Rubens, Jan Vermeer, Diego Velázquez.

Neoclasicismo (1760 a 1775) Video de este tema: Neoclásico - Historia del Arte – Educativa
https://www.youtube.com/watch?v=weIBFUhs_Ko
Surgió en Francia y se propagó al resto de Europa en el siglo XVIII para reflejar en las artes los principios intelectuales de
la Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía y se habían transmitido a todos los
ámbitos de la cultura.
Alrededor de 1750, con el deseo de repetir y repercutir las huellas del pasado, se pusieron en marcha expediciones para
conocer las obras clásicas antiguas en sus lugares de origen. Se subvencionaron campañas arqueológicas para conocer las
ruinas griegas y romanas. 
La Ilustración representaba el deseo de los filósofos de la época de la Razón (filosofía) por racionalizar todos los aspectos
de la vida y del saber humanos. Vino a sustituir el papel de la religión (como organizadora de la existencia del hombre) por
una ética laica que ordenaría desde entonces las relaciones humanas y llevaría a un concepto científico de la verdad.
La arquitectura puede ser analizada como una rama del arte social y moral. La Enciclopedia le atribuyó la capacidad de
influir en el pensamiento y en las costumbres de los hombres. Proliferan así las construcciones que pueden contribuir a
mejorar la vida humana, como hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc., pensadas con carácter monumental.
Esta nueva orientación hizo que se rechazara la última arquitectura barroca y se volvieran los ojos hacia el pasado a la
búsqueda de un modelo arquitectónico de validez universal. Se parte de unos supuestos comunes como son la
racionalidad en las construcciones y la vuelta al pasado. Los modelos de los edificios de Grecia y Roma e incluso
de Egipto y Asia Menor se convierten en referentes. Ejemplo: arquitecto Carl Gotthard Langhans, Puerta de
Brandeburgo en Berlín (1789 a 1791).
Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin policromar, puesto que así se
pensaba que eran las esculturas antiguas, predominando en ellas la noble sencillez y la serena belleza. Los escultores de
fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, crearán obras en las que prevalecerá una sencillez y una pureza de líneas que los
apartará del gusto curvilíneo del Barroco. En todos ellos el desnudo tiene una notable presencia, como deseo de rodear
las obras de una cierta atemporalidad. Los modelos griegos y romanos, los temas tomados de la mitología clásica y las
alegorías sobre las virtudes cívicas llenaron los relieves de los edificios, los frontones de los pórticos y los monumentos,
como arcos de triunfo o columnas conmemorativas.
Resumen las distintas tendencias de la escultura neoclásica: Antonio Canova (1757-1822, obra: Napoleón representado
como Marte) y Bertel Thorvaldsen (1770-1844, obra: Jasón o Marte y el Amor ).
Los pintores reprodujeron los principales hechos de la revolución y exaltaron los mitos romanos, a los que se identificó
con los valores de la revolución. La claridad estructural y el predominio del dibujo sobre el color son algunas de las
principales características formales de la pintura neoclásica.
Artistas destacados: Jean Auguste Dominique Ingres (Obra “La fuente”, 1820/56), Jacques Louis David (Obra
“el Juramento de los Horacios”, 1874); el escultor Antonio Cánova (Obra “Psique reanimada por el beso del amor”, 1793)

Romanticismo (1790 a 1880) Video de este tema: ¿QUÉ ES EL ROMANTICISMO? | CARACTERÍSTICAS | CONTEXTO |

LEGADO https://www.youtube.com/watch?v=rH9PfpZSCoA
Es un movimiento cultural que se originó en Francia, Alemania, Reino Unido y España a finales del siglo XVIII como una
reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, confiriendo prioridad a
los sentimientos. Es considerado como el primer movimiento de cultura que cubrió el mapa completo de Europa. En la
mayoría de las áreas estuvo en su apogeo en el período aproximado de 1800 a 1850.
Tras la época de Napoleón y la consolidación de la restauración monárquica que intentan borrar los vestigios de la
Revolución Francesa, el Romanticismo se va a convertir en bandera de las jóvenes generaciones que aspiran a crear el
mundo por medio de una revolución en todos los campos. Es una época de exaltación de los sentimientos: pasión
amorosa, religión y muerte; es significativo el desarrollo del duelo y el suicidio e incluso por la mujer amada.
Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La
libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el
Romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, así como a la vida y al ser humano mismo, es que se
presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla, e incluso dentro de una misma nación, se
manifiestan distintas tendencias, proyectándose ello también en todas las artes. Se desarrolló en la primera mitad
del siglo XIX, extendiéndose desde Inglaterra y Alemania hasta llegar a otros países. El apogeo de la expresión romántica
en pintura se da entre 1820 y 1850.
Características:
-Ruptura con los convencionalismos neoclásicos. Compromiso histórico: temas de guerra y desastres
-Recuperación del color frente al dibujo (en la pintura). Composiciones dinámicas y luces vibrantes
-El Romanticismo es una reacción contra el espíritu racional y crítico de la Ilustración y el Clasicismo, y favorecía:
.La conciencia del Yo como entidad autónoma y, frente a la universalidad de la razón, dotada de capacidades variables e
individuales como la fantasía y el sentimiento.
.Valoración de lo diferente frente a lo común, lo que lleva una fuerte tendencia nacionalista.
.El liberalismo frente al despotismo ilustrado.
.La originalidad frente a la tradición clasicista y la adecuación a los cánones. Cada hombre debe mostrar lo que le hace
único. La creatividad frente a la imitación de lo antiguo hacia los dioses de Atenas.
.La nostalgia de paraísos perdidos (de la infancia o de una nación).
.La obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y cerrada.
Artistas destacados: Francia: Eugène Delacroix (obra “La libertad guiando al pueblo”, 1830), quien tenía un marcado
compromiso revolucionario: predilección por los escorzos por momentos tensos por la plasmación del color. En su
majestuosa obra “La Libertad guiando al pueblo”, hay una idealización en los personajes y en las posturas como en toda la
composición, también hay un marcado compromiso con la realidad, y posee una Paleta muy variada, pincelada suelta que
llegará a los colores intensos y puros. Inglaterra: los pintores ingleses de esta época, donde encontramos a J. M. W. Turner
(“El naufragio” 1810) o John Constable (“El carro de heno” 1821), se caracteriza por su paisajismo.
Alemania: allí se mezclaron el romanticismo y el realismo dando a conocer así a pintores como Carl Spitzweg (“El poeta
pobre”, 1839). España: Francisco José de Goya y Lucientes (Goya). Obras: “Saturno devorando a uno de sus hijos”, 1820-
1823;” El 3 de mayo de 1808 en Madrid”, 1814.
Otros países como Estados Unidos, Polonia y Rusia también tuvieron grandes artistas en esta etapa romántica
como Thomas Cole, Aleksander Orłowski y Alexander Andreyevich Ivanov.

Impresionismo:
Videos: Impresionismo https://www.youtube.com/watch?v=D-BrY4HcWRY&t=137s
El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa (principalmente en
Francia) caracterizado por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de
aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintaban el
momento de luz, más allá de las formas. Fue clave para el desarrollo del arte posterior: el postimpresionismo y
las vanguardias. El movimiento toma su nombre del comentario despectivo de un crítico de arte ante el cuadro
“Impresión, sol naciente” de Claude Monet, durante la exposición en el salón de artistas independientes de París en abril
de 1874 .

Hubo dos grandes factores técnicos que propiciaron este movimiento:

1) A principios del S XIX se inventa la fotografía (el Daguerrotipo, en 1827) y cerca de 1855 comienza a hacerse popular
entre la clase burguesa. Esto significa que ya no era necesario el retrato artístico para que una imagen perdurara en el
tiempo, la pintura ya no servía para retratar la realidad, pues la fotografía lo hacía mejor. Es así como la pintura “se libera”
de su función de cronista, y comienza a expresar lo que el artista quiere realmente.

2) La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones científicas y técnicas que permitieron la creación de
nuevos pigmentos que se envasaban en pomos, y eran generalmente al óleo, con los que los artistas darían
nuevos colores a sus cuadros. Los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables.
Estos nuevos pigmentos en pomo también les permitieron salir de sus talleres, a pintar paisajes y retratos al exterior, lo
que les permitió nuevas posibilidades expresivas.

Representantes: Claude Monet (1840-1926), miembro fundador e histórico del Grupo Impresionista; Pierre-Auguste
Renoir (1841-1919), Francesco Filippini (1841-1870); Édouard Manet (1853-1895), Paul Cézanne (1839-1906), Edgar
Degas (1834-1917). Movimiento que precedió al Impresionismo: Los Paisajistas ingleses. En la primera mitad del siglo XIX,
en pleno romanticismo, Joseph Mallord William Turner y John Constable sentarían las bases sobre las que más adelante
trabajarían los impresionistas. De Turner tomarían los impresionistas su gusto por la fugacidad, las superficies borrosas y
vaporosas y el difuminado y mezcla de amarillos y rojos intensos, y la descripción de un momento visual más allá de la
descripción formal, en el que la luz y los colores dan lugar a una «impresión» más poderosa.

En Argentina: los artistas impresionistas argentinos, que estudiaron mayormente en Europa, conformaron el “Grupo
Nexus”. Trajeron de Europa nuevas tendencias y la idea de constituir un arte nacional, buscando su carácter en el paisaje
rural y urbano, en las peculiaridades de la luz local y en la fisonomía de sus habitantes. Los más destacados fueron: Martín
Malharro (obra: “Las Parvas”, de 1911). Fernando Fader (obra: serie de ocho telas, "La vida de un día", de 1.917), Pío
Collivadino (obra: "El farol", de 1907), Cesáreo Bernaldo de Quirós, Carlos Ripamonte y Faustino Brughetti.

Características de la Pintura Impresionista: Plasma la luz y el instante. Usa colores puros y sin mezcla, sobre todo los tres
colores primarios y sus complementarios, y casi no usa negros, pardos y tonos terrosos. Manejaron la pintura más libre y
sueltamente, sin tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas, y la luz fue el gran factor unificador de la figura y
el paisaje. (ej: Claude Monet, “Catedral de Ruan”.)

Consigna:
Elegir una obra de uno de los periodos artísticos vistos.
a)Transcribir nombre del autor, nombre de la obra, año de producción, técnica, medida, y por supuesto Periodo Artístico
al que pertenece.
Analizar:
b)-Tema (Análisis connotativo): ¿De qué se trata la obra? (qué representa, cuál es el tema de la obra, qué sensaciones o
emociones transmite)
c)-Forma (Análisis Denotativo): ¿Cómo están utilizados los elementos del Lenguaje Plástico Visual (línea, punto, plano,
textura y color) en la obra? Es una descripción objetiva de lo que se ve en el cuadro
d) ¿A qué Categoría Estética Pertenece?
e) Hacer un análisis desde la Perspectiva de género (¿cuáles son los estereotipos de género, mandatos sociales, que
reproduce? ¿Se evidencian relaciones de poder que pongan a una mujer o disidencia en desventaja? ¿se ve algún tipo de
desigualdad representada?)