Historia del Arte

1. Tema e iconografía. Este tema es propio de la iconografía del siglo XV, ejemplo
de la humanidad de la muerte de Cristo y la caridad cristiana entre las Marías,
Nicodemo y José de Arimatea. En un plano secundario se sitúa el mensaje de
exaltación del donante. Fueron el gremio de tejedores y la guilda de ballesteros de
Lovaina, en 1435, los que le encargaron con destino a la capilla que estos últimos
poseían en la Iglesia de Nótre-Dame hors des Murs. De ahí el lujo de las telas y
sedas que se manifiesta en toda su composición.
2. Valores técnicos. Es una pintura al óleo, técnica innovadora desarrollada por los
primitivos flamencos que consiste en emplear como aglutinante de los colores,
aceite de linaza, lo cual aporta mayor brillantez y permite efectuar un juego de
veladuras y transparencias.
 Figura: podemos distinguir varios grupos: dos composiciones piramidales
de 3 figuras en los lados: en el izquierdo San Juan y las Marías, en el
derecho Nicodemo y otras dos figuras.
 El eje central, integrado por la cruz, el Ángel y José de Arimatea
 Los tres grupos citados se unen mediante la disposición inclinada del
cuerpo de Cristo y de la Virgen en idéntica actitud.
 Luz: el fondo dorado constituye el contra punto lumínico de toda la obra y
permite resaltar la riqueza y armonía de los tonos perfectamente
equilibrados.
 Los verdes y azules del grupo izquierdo se contraponen al cálido rojo del
atuendo de San Juan, en primer plano.
 El manto marrón y dorado de Nicodemo se equilibra con el verde grisáceo
de la María inclinada hacía el centro de la composición.
 En el eje central destacan sobre el fondo dorado, el negro de José de
Arimatea y la palidez del cuerpo muerto.
 Perspectiva: El fondo es plano y, por tanto, los ejes perspectivícos están
creados por las figuras de acuerdo con los siguientes elementos: las
miradas cerradas, que aíslan al espectador de la escena pintada y que
convergen en los cuerpos de Cristo y de María.
  Los contrapostos: Las dos figuras de pie en cada grupo lateral se equilibran
con la inclinación de San Juan y de Santa María Magdalena, identificada
por el frasco de perfumes en el fondo de la escena.
 La inclinación de las figuras de Cristo y de la Virgen, que sirven no solo
para unir los grupos laterales y equilibrar la composición, sino también para
transmitir un contenido religioso: la Virgen sufrió pasión y martirio al mismo
tiempo que su Hijo.
 Contenidos simbólicos: Hemos aludido ya a la compasión de Cristo y de
la Virgen, también a la identificación de María Magdalena por el frasco de
perfumes. Resta comentar un elemento: la calavera. Se trata de una
leyenda de los Evangelios Apócrifos. Al morir Adán, le entrego a su hijo Set
unas semillas para que las plantara sobre su sepultura. De estas semillas
nació un árbol que sirvió de cruz a Cristo. Con esto simboliza que la venida
de Cristo al mundo y su muerte sirvieron a la humanidad para redimirse del
primer pecado cometido por Adán.
 Análisis espacial: La ausencia de todo paisaje sirve para concentrar el
interés en las figuras, en sus gestos y actitudes. Además, el artista ha
tratado de pintar la escena como si hubiera tenido lugar en su presencia,
como refleja el atuendo de los personajes y sus numerosos anacronismos.
3. Lugar. Museo del Prado, Madrid.
4. Estilo y Cronología. Pertenece al estilo pictórico de los primitivos flamencos,
coincidiendo con el apogeo del estilo gótico flamígero y los inicios del Quattrocento
italiano. Podemos inscribirla en la primera generación de estos autores (primer
tercio del siglo XV)
5. Autor. Roger Van Der Weyden, nacido en Tournai y activo en Bruselas entre 1435
y 1464, fecha de su muerte. Pertenece a la primera generación de pintores
flamencos.
6. Evolución. El estilo de Van Der Weyden pasará a la segunda generación de
pintores flamencos: la de Memling y Van Der Goez, en primer lugar, y la de el
Bosco, para cerrar de forma brillante el desarrollo pictórico del siglo XV. También
se deja sentir en Italia, en
la obra de Botticelli, la
Piedad.

Santo Entierro
Autor: Caravaggio
Fecha:1602-04
Museo: Museos Vaticanos
Características:300 x 203 cm.
Material: Óleo sobre lienzo
Estilo: Barroco Italiano

Las visiones que plantea

Caravaggio son siempre
altamente impactantes. A la hora
de plasmar la tradicional escena
del Descendimiento de Cristo al
sepulcro, emplea una composición vibrante, en movimiento continuo e inestable, como
sólo tal vez Miguel Ángel habría podido idear. La influencia de este gran genio precursor
del manierismo está muy presente en la obra de Caravaggio, especialmente en este óleo:
efectivamente, el cuerpo de Cristo inerte parece imitar al Cristo muerto de la famosa Pietá
del Vaticano. De hecho, el carácter escultórico de la obra de Miguel Ángel parece haberse
transmitido a todo el grupo, que posee la rotunda monumentalidad de figuras de bulto
redondo en vez de pintadas sobre una superficie plana. Una nota característica del lienzo
es, como resulta frecuente en el artista, la elección de un breve momento de la acción,
casi a modo de instantánea, que concentra todo el movimiento y el dramatismo en el
mismo segundo en que los discípulos van a alojar el cuerpo de su maestro en la tumba,
de una piedra fría y grisácea.
El Descendimiento fue un encargo de Girolamo Vittrice para adornar la capilla que su
familia poseía en la iglesia romana de Vallicella, también conocida como Chiesa Nuova.
Como se podrá ver en la imagen, el pintor forma un grupo de personajes compacto sobre
un fondo oscuro: en primer plano, Nicodemo, cuya cara se vuelve hacia el espectador, y
que junto a San Juan Evangelista transporta el cuerpo de Cristo para depositarlo en la
losa donde deberá ser lavado y perfumado, antes de ser enterrado y cubierto por esa
misma piedra.
En segundo plano, La Virgen y María Magdalena. Bellísimo rostro el de la primera, ya
anciana, contemplando serenamente el cuerpo de su hijo, mientras la segunda, con el
cuello descubierto, más joven y sensual, se enjuga las lágrimas con un pañuelo. Detrás
de ellas, María la de Cleofás parece lanzar un grito mientras eleva sus brazos al cielo.
Cada una de ellas expresa su dolor de manera diferente y el cuadro, en su conjunto,
posee una enorme fuerza dramática.
Es un revolucionario que se aparta de la elegancia idealizada y artificial del Manierismo
para volver a la naturaleza. Su naturalismo apela a las emociones con el mayor realismo.
Creador del tenebrismo, contrasta entre zonas iluminadas y espesas sombras.
Este cuadro fue una de las pocas obras producidas por Caravaggio que logró un
consenso unánime de admiración, entre todos sus cuadros, éste es el más monumental.
Fue un encargo de Girolano Vittice en 1601 para la capilla de la Iglesia de Santa María de
Villicela en Roma.
Caravaggio presenta personajes abatidos, agachados y cabizbajos alejándose así de los
modelos estatuarios del alto Renacimiento como si quisiera enfatizar el sentimiento de
dolor.
En la pintura son importantes los rostros; hay un fuerte claroscuro en esta obra con la luz
cayendo sobre los rostros y manos mientras el resto está dominado por la oscuridad.
El centro del cuadro lo ocupa el cuerpo desnudo de Cristo muerto, El realismo del cuerpo
es total; el pintor refleja su maestría en el perfecto estudio de la anatomía humana, en el
que los músculos y venas se muestran a través de la piel.

Comparativa
VAN DER WYDEN (1399-1464) CARAVAGGIO (1571-1610)
Bruselas Italia
Año: 1435 Año: 1603
Técnica: Óleo sobre tabla Técnica: Óleo sobre lienzo
Estilo: Gótico Estilo: Barroco Italiano
Medidas: 204,5 x 261,5 cm Medidas: 300 x 203 cm
Ubicación: Museo Nacional del Prado Ubicación: Museos del Vaticano
Personajes: 10 Personajes: 6
Vestuario: Elegante Vestuario: Austero
 Figuras: Dos composiciones piramidales de 3
figuras en los lados, en el izquierdo San Juan y
las Marías, en el derecho Nicodemo y otras
dos figuras.
El fondo es plano y, por tanto, los ejes
perspectivícos están creados por las figuras de
acuerdo con los siguientes elementos: las
miradas cerradas, que aíslan al espectador de
la escena pintada y que convergen en los
cuerpos de Cristo y de María.
Personajes: Jesús, La Virgen María, José de
Arimatea, Nicodemo, Juan el Evangelista,
María Magdalena, María la de Cleofás, el
Ángel y 2 personajes desconocidos
Características de los Personajes:
Adoloridos y altamente elegantes.
Elementos iconológicos: el perfumero, la
calavera, la escalera, la cruz, la corona de
espinas, la sábana
Bibliografía:
Figueroba, A. F. (1998). Historia del Arte 2 - Bachillerato. McGraw-Hill Interamericana.
Santo Entierro Caravaggio. (s.f.). historiadelarte.
http://historiadelartejoaquinvirtual.blogspot.com/2011/10/santo-entierro-caravaggio.html
Figuras: Composición a través de curvas
diagonales, que dan una gran carga dinámica
y dramática a la escena.
Las figuras aisladas destacan sobre un fondo
oscuro, que no nos ofrece ninguna información
sobre la localización donde tiene lugar la
escena.
Personajes: Jesús, La Virgen María,
Nicodemo, José de Arimatea, San Juan
Evangelista, María Magdalena
Características de los Personajes: abatidos,
agachados y cabizbajos alejándose así de los
modelos estatuarios del alto Renacimiento
como si quisiera enfatizar el sentimiento de
dolor.
Elementos iconológicos: la piedra, la
juventud de María Magdalena, la sábana