HISTORIA DEL ARTE. EL ARTE DEL RENACIMIENTO ITALIANO LA PINTURA.

LA PINTURA ITALIANA DEL RENACIMIENTO: EL QUATTROCENTO

(MASACCIO, PIERO DELLA FRANCESCA, FRA ANGÉLICO, BOTTICELLI);
EL CINQUECENTO (LEONARDO, MIGUEL ÁNGEL, RAFAEL). LA
PINTURA VENECIANA.

LA PINTURA DEL QUATTROCENTO: MASACCIO, PIERO DELLA FRANCESA,

BOTTICELLI).

La pintura italiana del Quattrocento parte de los logros alcanzados por Giotto en el siglo
XIV: captación de la luz, coherencia en el espacio (pero sin llegar a la perspectiva
lineal), corporeidad de las figuras, etc. Mostrará también influencias de la pintura del
Gótico Internacional, y de la Pintura Flamenca (el uso del óleo, por ejemplo).

La pintura del Quattrocento participa, al igual que la escultura, del conocimiento y

representación objetiva del hombre, y del mundo natural que le rodea.
De ahí que se cultive:
- El naturalismo científico, sin embargo, aunque se recurra a modelos naturales se
caerá en un idealismo. También se cultiva un naturalismo de raíz clásica, así
muchas veces las figuras parecen inspiradas en la estatuaria clásica.
- La perspectiva lineal: es decir, el modo de representar en una superficie
bidimensional los objetos y el espacio, de manera que aparezcan en la forma y
disposición en que se muestran en la realidad. En la perspectiva lineal, las líneas
de las figuras son cada vez más pequeñas a medida que se desea representarlas
alejadas del espectador. Es decir, convergen hacia el fondo y disminuyen de
acuerdo con las llamadas líneas de fuga, que parten del punto de fuga.
- El estudio del ser humano, de su anatomía, gestos, expresiones, etc. para
conseguir representarlos tal cual son.
- El estudio del paisaje, de la naturaleza, para conseguir representarla tal cual es.

Otras características de la pintura del Quattrocento italiano serían:

- la captación de la luz, es una luz natural, que crea sombras, y da volumen a las
formas. A pesar de las sombras, la luz es unitaria y no existen grandes contrastes
lumínicos.
- la importancia del dibujo, las líneas están muy marcadas, definen perfectamente a las
figuras y a los objetos, y enmarcan el color.
-En cuanto a las composiciones destaca la llamada “narración continua”, es decir,
introducir diversas escenas desarrolladas por un mismo personaje en un solo cuadro.

Aunque la temática principal sigue siendo la religiosa, aparecen temas profanos,

especialmente mitológicos. En relación con la aparición de temas profanos, hay que
destacar el auge del retrato, consecuencia de la idea renacentista de que el hombre es el
centro del Universo, pero también del deseo de afirmación social y personal, y del
espíritu mundano.

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“La entrega de las llaves a San Pedro” fresco para la Capilla Sixtina, pintado por Peruggino, presenta muchas de las
características propias de la pintura italiana del Quattrocento: perspectiva, idealización de los personajes, luz intensa
y uniforme, importancia del dibujo, que predomina sobre el color.

El foco principal de la pintura italiana del Quattrocento será Florencia. A lo largo del
siglo XV, en Florencia se pueden señalar dos tendencias pictóricas, en torno a las
cuales se agrupan los distintos pintores que encontramos activos en la ciudad. Estas
tendencias son:

a- Una innovadora, más renacentista, que muestra interés por reflejar lo corpóreo de
las figuras, y el ambiente en el que se mueven con total exactitud. En ella
encontraremos figuras macizas, quietas, de gran monumentalidad, enérgicas,
dignas y serias. Dentro de esta corriente estaría la obra de pintores como Masaccio, o
Piero de la Francesca.

b- Otra en la que podemos encontrar posos tradicionales, pues mantiene algo de la

espiritualidad gótica, y el decorativismo del Gótico Internacional. Encontramos aquí
un aire ensoñador, melancólico, alegre, coloreado, y gentil. Sus principales autores son
Fra Angélico, y Botticelli.

Algunos de los pintores italianos más destacados del siglo XV serían:

MASACCIO. (1401-1428)
Fue el primero que cultivó el estilo renacentista dentro de la pintura. Su obra fue
completamente innovadora, más todavía si tenemos en cuenta que trabaja en los
primeros años del siglo XV. Murió joven, a los 27 años de edad, con todavía pocas
obras en su haber, lo que nos da pie a preguntarnos hasta dónde habría llegada este
genio de la pintura si hubiese completado su carrera artística.
Masaccio rechaza el estilo del Gótico Internacional, y cultiva un estilo que parte de
Giotto. Es un estilo grandioso, y simple, sin refinamientos decorativos. Sabe captar la
luz, y utilizarla para modelar y dar corporeidad a las figuras. Representa con
fidelidad los gestos y expresiones humanas, especialmente las de tono dramático y

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grave; y por último construye el espacio de sus composiciones según las leyes de la
perspectiva.

Realizó algunos de los frescos de la Capilla Brancacci, entre los que destacan:
“El Tributo de la Moneda”. Masaccio, sigue aquí el método de la “narración continua”.
Ilustra el episodio del Evangelio de San Mateo: en el centro, Cristo explica a Pedro la
manera de pescar un pez, en cuya boca encontraría la moneda con que pagar el tributo al
recaudador de contribuciones; en el extremo izquierdo, a lo lejos, Pedro recoge la
moneda de la boca del pez; a la derecha la entrega al recaudador.
El centro del fresco lo ocupa Cristo, al que rodean una serie de personas. A un lado y a
otro de este centro se desarrollan diferentes escenas de menos personajes.
Las figuras tienen un volumen escultórico, rotundo, casi monumental. Las figuras son
desnudos vestidos, cuerpos y ropaje no constituyen una única unidad como ocurría en la
obra de Giotto. El fondo es un paisaje representado según la ley de la perspectiva. La
luz procede de la derecha. “El tributo de la moneda”.
Masaccio.

Otra obra suya también importante es “El fresco de la Trinidad”, realizado como
decoración de un sepulcro de la iglesia florentina de Santa María Novella. En él
demuestra el dominio de la perspectiva, de la anatomía humana, y del lenguaje
arquitectónico clásico. Formalmente el fresco se organiza en torno a la plataforma
donde los donantes están arrodillados. En perpendicular a ella, y gracias al uso correcto
de las reglas de la perspectiva, se abre un espacio, de arquitectura plenamente clásica
(pilastras corintias, columnas jónicas, arco de medio punto, bóveda de cañón
casetonada), además el dominio en la representación de la luz ayuda a reforzar la
sensación de espacio y volumen. En el interior de este espacio, dios-padre, situado sobre
una repisa, sujeta la cruz de Cristo, que está flanqueada por las figuras de San Juan y la
Virgen. Fuera del espacio de esta gran hornacina está la plataforma donde aparecen
arrodillados los donantes, representados además a la misma escala que las figuras
sagradas (lo que hace que resultan mayores, pues están en un plano más cercano al
espectador). En la parte inferior (por debajo de la plataforma de los donantes) se abre un
sarcófago, Masaccio lo representa también según las reglas de la perspectiva, creando
un verdadero “trompe l’oeil” (trampantojo).
Otro aspecto destacable de esta obra es la armonía cromática, a base de tonos oscuros y
rosaceos. Los colores rosaceos y azul oscuro están distribuidos de forma diagonal entre
los personajes y se combinan en las ropas de dios-padre.

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La composición es equilibrada y cerrada, pues todas las figuras se encierran en un

triángulo equilátero, cuyo vértice superior se encuentra en la cabeza de dios-padre.

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“La Trinidad”. Masaccio. Fresco realizado en la iglesia florentina de Santa María Novella.

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PIERO DELLA FRANCESCA. (1416-1492)

Su obra se enmarca dentro de la corriente más innovadora de la pintura renacentista del
Quattrocento italiano. Las características de su pintura son:
- Las figuras y los objetos se pueden reducir a formas amplias, simples, y
geométricas, que además se organizan en composiciones racionales, equilibradas,
y simétricas.
- Sus colores son pálidos, y en ocasiones demasiado planos (es decir sin apenas
gradación)
- Sus figuras son parcas en expresiones y sentimientos.
- Representa dos tipos de luz: la luz natural, muy luminosa y unitaria, a pesar de lo
cual produce luces y sombras, dando profundidad y volumen; y la luz divina, se
representa como una luz trascendental, irreal, pero símbolo de la presencia de
Dios.

“Bautismo de Cristo”. P. Della Francesca. c.1440-1450. “Virgen con el Niño y Santos”- “Altar de Montefeltro” 1472.

Sus obras maestras son los frescos sobre la Historia de la Santa Cruz en la iglesia de
San Francisco de Arezzo. (imágenes al final del bloque).

FRA ANGÉLICO. (1387-1455)

Fue fraile dominico. Su pintura está dentro de la tradición del Gótico Internacional
(lo que queda demostrada en la presencia de características como: el rico colorido,
variado y vivo, el uso abundante del color dorado, el gusto por las formas
curvilíneas, el refinamiento y la minuciosidad en los detalles), pero renovada con
características nuevas, propiamente renacentistas como:
- el uso de la perspectiva.

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- la presencia de elementos arquitectónicos y decorativos que proceden del mundo

clásico.
- la captación de la luz.
Entre sus obras destacan los frescos del Convento de San Marcos en Florencia, o “La
Anunciación” del Museo del Prado, donde encontramos las características típicas de su
estilo.

“La Anunciación”. Fra Angélico.

SANDRO BOTTICELLI. (muerto en 1510)

Aunque su pintura está dentro del Renacimiento, muestra también un cierto apego a la
tradición pictórica anterior, lo que queda demostrada en:
- encontramos un gusto por la línea curva, y la estilización de las figuras, que nos
recuerda a los modelos del Gótico Internacional. Las figuras de los cuadros de
Botticelli, parecen presentarse como de puntillas, y hasta en ocasiones dan la
sensación de estar flotando en el aire (a lo que contribuyen los vestidos con los
que las viste, de pliegues sinuosos y movidos por el viento). Son figuras que no
dominan verdaderamente el espacio.
- no domina completamente los principios de la pintura renacentista: no
consigue perspectivas perfectas (en ocasiones los paisajes parecen un telón detrás
de las figuras); no le interesa el realismo de las anatomías o de las formas
naturales; representa la Naturaleza con un sentido decorativo y ornamental (no es
la representación científica que encontramos en otros pintores renacentistas).

Otras características propias del estilo pictórico de Botticelli serían:

- la importancia del dibujo, de la línea. Las figuras y los objetos presentan
contornos muy definidos y marcados.
- sus figuras aparecen con expresiones tristes, melancólicas, y pensativas.
Botticelli representa tales actitudes influido por las ideas del clérigo florentino
Savonarola, que acusaba a sus conciudadanos de relajamiento religioso y moral, a

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la vez que proclamaba la crisis de la Iglesia Católica, y la llegada de grandes

catástrofes.
Entre los cuadros más conocidos de Botticelli encontramos:
“El Nacimiento de Venus”. Representa el mito clásico sobre el nacimiento de la diosa
Venus, según el cual el dios Crono había cortado los genitales a su padre, el dios Urano,
y los había arrojado al mar. De la unión de la sangre de estos genitales y de la espuma
del mar nació Venus, que fue empujada por el viento para llegar a la orilla. El cuadro
hacía pareja con otro, también de tema mitológico, llamado “La Primavera”, y ambos
formaban parte de la decoración de una villa propiedad de la familia Médicis.

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“Sueño de Constantino El”. Della Francesca. Fresco de la Historia de

la Santa Cruz, en la iglesia de San Francisco de Arezzo.

“Descubrimiento y adoración de la verdadera Cruz de Cristo”. P. Della Francesca. Fresco de la Historia de la Santa Cruz. Arezzo.

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LA PINTURA ITALIANA DEL CINQUECENTO: LEONARDO, MIGUEL ÁNGEL,

Y RAFAEL.

Aunque en la pintura italiana del siglo XVI se continúan con muchas de las
características de la pintura del Quattrocento, también podemos señalar ciertas
características específicas de la pintura de esta etapa como:

- El dibujo pierde parte de su importancia, y el color comienza a manejarse de un

modo más suelto.
- Se intensifican los contrastes lumínicos, las sombras se hacen algo más acusadas que
en la etapa anterior. Las luces y sombras se continúan utilizando para marcar el
volumen de las figuras.
- Se extingue la obsesión por la representación de perspectivas, y a pesar de ello las
escenas adquieren una profundidad que ahora parece natural, no conseguida con
esfuerzo.

Dos son los grandes centros de la pintura italiana del siglo XVI:
- Roma, donde trabajan las figuras trascendentales de Miguel Ángel y Rafael.
- Venecia, con pintores tan destacados como Tiziano o Giorgione.

Los grandes maestros de esta etapa son:

LEONARDO DA VINCI (1452-1519).

La figura de Leonardo se presenta más como la de un gran científico, de amplia
formación que domina varios campos del saber, reconociéndose por ello como
paradigma de hombre renacentista. En realidad pintó poco, pero su importancia y
trascendencia en la Historia del Arte es fundamental. Las características más relevantes
de su pintura son:
- La observación directa de la Naturaleza, influye en su producción pictórica, y
es la base de su “Tratado de Pintura”. Teóricamente defiende la inspiración
directa de los modelos de la Naturaleza, lo que le sirve para rechazar el
idealismo de las figuras del Quattrocento, pugnando por la variedad de tipos
humanos.
- Su pintura destaca por su fuerte clasicismo, concretado en:
Las composiciones, en las que predominan los triángulos, las figuras geométricas,
cerradas y exactas, la simetría.
La belleza y serenidad de las figuras.
La perfección de las perspectivas.
- En su técnica destaca su dominio de la luz, y la creación del “sfumato”, artificio
pictórico que consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del
Quattrocento. El dibujo se difumina, con lo que se consigue dar suavidad a los
contornos y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa que da la
sensación de que todo está inmerso en una atmósfera especial.

Tres son sus obras a destacar:

“La Virgen de las Rocas” (1483-1485). El tema es San Juan Bautista niño, adorando al
niño Jesús, ambos acompañados por la Virgen María, y un ángel. La composición es
piramidal, encerrándose las figuras en un triángulo perfecto que tiene su vértice en la
cabeza de la Virgen. En el cuadro encontramos también la técnica del sfumato, que
ayuda a redondear rostros y da profundidad a gestos y movimientos, y el dominio de la

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luz, la cual ha dejado de ser la luz clara y luminosa del Quattrocento. El paisaje es
ciertamente misterioso e inquietante, se trata de una especie de gruta rocosa, cercana a
un lago, Leonardo consigue recrear un ambiente de humedad y penumbra: las nieblas
húmedas se refuerzan con el sfumato.
“Virgen de las Rocas”. Leonardo.

La pintura mural “La Santa Cena” (1494-1497), pintada para el refectorio del
monasterio de Santa María de Gracias en Milán. Está muy deteriorada debido a que en
él Leonardo ensayó novedades técnicas que al final no resultaron. En ella Leonardo
recoge el momento en el que Jesús comunica a sus discípulos que alguno de ellos lo ha
traicionado. Ello da pie a Leonardo para estudiar y representar distintas sensaciones y
actitudes psicológicas, demostrando su conocimiento de la Naturaleza humana.
La pintura presenta una perfecta perspectiva; y una sabia y clásica composición, donde
los Apóstoles se ordenan en grupos de tres entorno a la figura de Cristo.

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“Santa Cena”. Leonardo.

“La Gioconda” (1503-1506), Pintura al óleo sobre madera de álamo. Es el retrato de la

mujer de un comerciante florentino. Con sus manos cruzadas apoyadas en el brazo de la
silla consigue dar profundidad y volumen, y crea una pose que se repetirá en otros
retratos durante siglos. La obra presenta las características típicas de Leonardo:
naturalismo, composición triangular (clásica), luz, sfumato.
“La Gioconda”. Leonardo.

MIGUEL ÁNGEL.

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HISTORIA DEL ARTE. EL ARTE DEL RENACIMIENTO ITALIANO LA PINTURA.

Estudiado ya como arquitecto y escultor, Miguel Ángel cultivó también la pintura y

ejerció en ella una influencia capital. Su actividad pictórica no se inicia hasta los
primeros años del siglo XVI. Sus obras más importantes son:

La decoración de las bóvedas de la Capilla Sixtina, encargada por el Papa Julio II y

realizado entre 1508 y 1512. Miguel Ángel divide la bóveda en compartimentos gracias
a unas arquitecturas fingidas, pilastras, cornisas, y pedestales, donde se sientan jóvenes
desnudos que sostienen medallones con escenas. En los compartimentos de la bóveda
representa escenas del Antiguo Testamento (La Creación, El Pecado Original, El
Diluvio, etc.) Por último en los laterales de la bóveda pinta figuras de Profetas y Sibilas.
Toda la bóveda está pintada al fresco. Las características formales de la pintura serían:
- figuras escultóricas, de poderosas musculaturas, y volumen acusado y corpóreo.
- perfección anatómica de las figuras, y análisis de gestos y movimientos.
- el deseo de representar las figuras en las posiciones y movimientos más variados le
llevan a un dominio de los escorzos.
- importancia del dibujo, de la línea, que define las figuras.
- colores fríos y contrastados.

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Composición de la bóveda de la Capilla Sixtina, y freco de “La Creación”. Miguel Ángel. Roma.

El Juicio Final, para la cabecera de la Capilla Sixtina, encargado por el Papa Clemente
VII, y realizado entre 1533 y 1540. También realizado al fresco, Miguel Ángel lleva a
cabo esta obra bastante después de haber realizado la decoración de la bóveda. La
perfección clásica que encontramos en el techo cede aquí paso a un desbordamiento
dramático que podemos considerar dentro del Manierismo.
Continúa representando figuras escultóricas, de perfectas y musculosas anatomías,
continúa también con la importancia del dibujo, y el dominio de los escorzos; pero ya
no hay claridad, los personajes se caracterizan ahora por su aspecto atormentado, lejos
de la concepción heroica de los de la bóveda, además las figuras se enroscan sobre sí
mismas, perdiéndose clasicismo.

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RAFAEL SANCIO (1483-1520).

Nació en Urbino, realizando su primera formación con Perugino. Más tarde recogerá la
influencia de Leonardo y Miguel Ángel. Rafael tiene una gran capacidad de síntesis, es
capaz de recoger varias influencias y transformarlas en un estilo propio. Así recoge la
influencia de:
- Perugino. Fue su primer maestro y su influencia estuvo presente durante los
primeros años de la trayectoria artística de Rafael. De él recoge las composiciones
ordenadas y simétricas, y el dominio de la perspectiva. También los tipos humanos
de delicadeza extrema, típicos de su primera etapa.
- Leonardo. Conoce la obra de Leonardo durante una estancia en Florencia. De él
recoge las composiciones triangulares, y el sfumato, rasgos que incorpora a sus

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HISTORIA DEL ARTE. EL ARTE DEL RENACIMIENTO ITALIANO LA PINTURA.

representaciones de Vírgenes con el Niño (Madonnas). También de Leonardo

recoge el tipo de retrato (posición triangular, manos cruzadas delante del
espectador para dar profundidad, etc.).
- Miguel Ángel. La obra de Miguel Ángel le influye al final de su vida, una vez que
se instala en Roma y trabaja en el Vaticano. De él recoge la grandiosidad de los
personajes, las figuras musculosas y vigorosas que encontramos en sus últimas
obras (ejemplo: el fresco “El Incendio del Borgo”).

Rafael se convertirá en el gran pintor del clasicismo, con una pintura dominada por
figuras delicadas, idealizadas, de gestos suaves, y composiciones equilibradas.
En cuanto a sus obras, de su etapa florentina es de destacar “La Madonna del Gran
Duque”, donde demuestra la influencia que recibe de Leonardo: composición triangular,
sfumato, uso de la luz.

“Madonna del Gran Duque”. Rafael.

En Roma realiza las decoraciones al fresco de las llamadas “estancias vaticanas”: La

estancia de la Segnatura, la de Heliodoro, la del Incendio de Borgo, la de Constantino.
En la estancia de la Segnatura encontramos el fresco de “La Escuela de Atenas”, en él,
bajo una monumental arquitectura aparecen en armonía sabios y filósofos de la
Antigüedad. En el marco arquitectónico encontramos ecos de la arquitectura
bramantesca que se estaría realizando en Roma durante esos años. La composición es
simétrica.

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Estancia de la Segnatura. Fresco “La Escuela de Atenas”. Rafael. Roma.

LA PINTURA VENECIANA: TIZIANO, TINTORETTO Y VERONÉS.

Venecia se había constituido desde finales de la Edad Media en un centro de creación
pictórica, que en el Quattrocento acaparó personalidades relevantes como Carpaccio o
Giovanni Bellini, las cuales inician un camino en la pintura veneciana que alcanzará su
esplendor en el siglo XVI, con dos destacadas figuras Giorgione y Tiziano.
Por encima de personalidades concretas, podemos señalar unos rasgos comunes en
toda la pintura veneciana que serían:

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HISTORIA DEL ARTE. EL ARTE DEL RENACIMIENTO ITALIANO LA PINTURA.

- La importancia del color. Frente a la importancia que le daban los pintores

florentinos a la línea, al dibujo, en Venecia hay un predominio del color sobre la línea.
Giorgione fue el primero de los pintores venecianos que comenzó a pintar directamente
con los colores sobre el lienzo, sin utilizar dibujo. Los colores típicos venecianos son
los cálidos, en especial la gama de rojos, y sobre todo el carmín.
- La captación de la luz y de los efectos atmosféricos. Venecia al ser una ciudad
construida sobre el agua tiene una luz y una atmósfera especial que los pintores
venecianos se esforzarán en plasmar en sus obras. Vamos a encontrar luces luminosas,
crepusculares, nocturnas, de tormenta, etc; y también celajes de nubes, nieblas, etc.
- Es una pintura sensual, que tratará temas profanos que admiten una lectura erótica.
Son frecuentes las representaciones de Venus desnudas, recostadas, en actitud sensual.
- Hay una atención por el paisaje que se representa con carácter romántico y
misterioso.
- Hay una exaltación de la riqueza, se representan objetos lujosos y bellos como
complemento de las escenas. Esta exaltación del lujo está también relacionada con el
carácter sensual de la pintura veneciana.
Posiblemente el pintor más destacado, y trascendental en la Historia del Arte, del foco
veneciano sea TIZIANO (1490-1576). Tiziano se formó con Giovanni Bellini y con
Giorgione. Tuvo una larga vida, que dio lugar a una amplia producción, en la que trata
temas religiosos, mitológicos, y el retrato donde se presenta también como un genio.
Alcanzó un gran prestigio internacional, especialmente en los círculos cortesanos,
convirtiéndose en el pintor del emperador Carlos V, y después de su hijo Felipe II.
En el análisis de la amplia producción del Tiziano se constata una evolución: del estilo
dibujado y estático que encontramos en sus primeras obras, pasará a un estilo
movido, en tensión, sin dibujo, dominado por el color y la pincelada suelta,
deshilachada.
En cuanto a sus retratos destacan por conseguir el llamado “retrato psicológico”, es
decir, no solo representa a la persona tal cual es físicamente, sino que también es capaz
de transmitirnos a través de la mirada del retratado su personalidad y vida interior.
Mencionaremos dos de sus obras:
“La Venus de Urbino”. Es ejemplo de la sensualidad de la pintura veneciana, del
gusto por los temas mitológicos, del gusto por el lujo (joyas de Venus, las telas, el
interior palaciego). Tiziano representa a la diosa Venus, pero no le da una dimensión ni
divina, ni sobrehumana, sino que nos la presenta como una cortesana, lo que hace es
naturalizar a la diosa.

Venus de Urbino.
“El Retrato de Carlos V en la Batalla de Mühlberg”. Tiziano pinta el cuadro en
1548, representa a Carlos V vestido de guerrero, montado a caballo, en un momento de

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la batalla de Mühlberg, donde las tropas del emperador católico vencieron a las tropas
de la liga protestante. Carlos V representado a caballo simboliza una doble idea:
-la idea de “caballero cristiano”, defensor de la fe católica, a cuya misión estaba
consagrado.
-la idea de héroe de la Antigüedad, heredero de los emperadores romanos.
Tiziano representa al
emperador, a su armadura
y armas con absoluto
realismo. Lo representa
como un estoico, como un
personaje pacífico y
autocontenido. El
estoicismo es una filosofía,
seguida por Carlos V, que
propugnaba por cultivar la
paz interior, y la serenidad
interna y externa. La luz es
crepuscular, típicamente
veneciana, igual que los
colores cálidos (carmín,
dorados).

El final del siglo XVI en la

pintura veneciana está representado por dos grandes pintores:
PAOLO VERONÉS (1528-1588). Se le puede definir como el pintor del lujo. Es autor
de grandes composiciones donde encontramos arquitecturas suntuosas, personajes
elegantemente vestidos, joyas y objetos caros. En este sentido de recreación del lujo
muestra un gran interés por lo anecdótico. Interpreta las escenas religiosas con gran
libertad, como si ocurriesen en lugares contemporáneos, y fueran vividas por personajes
de su época. Ejemplo de su pintura “Las bodas de Caná”.

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JACOPO TINTORETTO (1518-1594). Se ha dicho que Tintoretto aúna en su obra el

dibujo de Miguel Ángel y el color de Tiziano. Formalmente es un pintor dentro del
manierismo, lo que se observa en su gusto por los contrastes lumínicos, la pincelada
rápida y a veces inacabada. Es un maestro en el dominio de la perspectiva, y ejemplo de
ello es su cuadro “El lavatorio de los pies”.

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