Obras Pintura

Tema 6.3: Pintura del Renacimiento italiano del s.
XV 1
OBRAS DE PINTURA DEL RENACIMIENTO ITALIANO. QUATTROCENTO: s.XV
1. LA ANUNCIACIÓN (FRA ANGÉLICO).-

–no examen, sí otra parecida-
 Tema: pintura religiosa.

 Contenido: la Anunciación (del Prado).
 Estilo: Renacimiento italiano ( de tradición gótica).
 Época: 1ª mitad del s.XV. Quattrocento .
 Autor: Fra Angélico.
 Técnica y material: temple sobre tabla.
 Ubicación: Museo del Prado.
- COMPOSICIÓN TÉCNICA E ICONOGRÁFICA:
Expositiva, algo asimétrica, dinámica, tridimensional: con

ensayos de perspectiva lineal y con un punto de vista único
como si se tratase de una fotografía cuyo ángulo de toma está al
nivel de los ojos.
La tridimensionalidad se intenta conseguir:
A. En las figuras: mediante la gradación de los colores y con suaves contrastes de luces y sombras que
proporcionan volumen a las mismas.
B. En la escena: Esta obra es un testimonio de los ensayos de perspectiva lineal con que los artistas
del Quattrocento intentan conseguirla. Fra Angélico lo hace:
- Colocando una arquitectura de influencia de Brunelleschi y elementos paisajísticos con líneas
compositivas diagonales y piramidales (triangulares).
- Mediante la distribución y gradación del tamaño de las figuras en distintos planos.
a) El plano vertical con la escena de la Anunciación dentro de una arquitectura, que a su vez
consta de tres planos horizontales en altura:
 El primero lo forman los dos arcos de medio punto sostenidos por columnas con capitales clásicos
(corintios). Sobre los arcos, aparecen tres medallones (tondos) jerarquizando la composición dado
que en el central se encuentra el busto de Dios.
 En el segundo, el arcángel Gabriel anuncia a María (sedente) que va a ser concebida por el Espíritu
Santo, el cual aparece como una paloma envuelta en un rayo de luz.
 El tercer plano lo constituye un apoyo a la perspectiva, mediante la abertura en la pared del fondo de
una habitación con un banco de líneas compositivas diagonales que parecen dirigirse a un punto de fuga.
b) El plano vertical con la escena de la expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal, que a su
vez consta también de tres planos horizontales:
- El primero es un suelo de césped, hierbas y florecillas
- En el segundo aparecen Adán y Eva rodeados de árboles
- En el tercero, entre el paisaje aparece un ángel que expulsa a Adán y Eva
- ELEMENTOS PLÁSTICOS:
- La representación tiene todavía algunos elementos medievales como son los dorados de las coronas ,
sinuosidad de las formas, figuras estilizadas, rostros melancólicos e inexpresivos…….
- En cuanto a los colores predominan los cálidos: ocres, rosas, verdes. El techo de la arquitectura y el manto
de la Virgen son de color azul, que es un color frío. Los colores están cargados de simbolismo religioso.
- Como hemos indicado hay gradación de colores y suaves contrastes de luces y sombras para dotar a las
figuras de volumen.
- CONTENIDO y AUTOR:
Esta pintura se encuentra representada en un Retablo, en cuyo banco (parte inferior) aparecen escenas de la vida
de la Virgen y en la Tabla Central se representa la Anunciación a la derecha y a la izquierda la expulsión de Adán y
Eva del paraíso. Forma un ciclo iconográfico la redención del pecado original mediante el nacimiento y la muerte de
Cristo.
Fra Angélico debe el apodo de “Angélico” a que después de su muerte fue definido como un pintor angelical.
Representa junto a Botticelli la pintura italiana renacentista de tradición gótica del s. XV. Es autor también de otras
obras como la "Coronación de la Virgen" y los frescos del convento de San Marcos en Florencia (hoy convertido en
Museo).
- CONTEXTO HISTÓRICO-ARTÍSTICO.
Tema 6.3: Pintura del Renacimiento italiano del s.XV 2
2. NACIMIENTO DE VENUS (BOTTICELLI)–no EvAU-
 Tema: pintura mitológica.

 Contenido: El nacimiento de Venus.
 Estilo: Renacimiento italiano (de tradición gótica).
 Época: 2ª mitad del s. XV -Quattrocento- Autor:
Botticelli.
 Material y técnica: temple sobre lienzo.
 Ubicación: Galería de los Ufizzi (Florencia).
Expositiva, algo simétrica, dinámica, tridimensional: con ensayos de perspectiva lineal y con un
punto de vista único como si se tratase de una fotografía cuyo ángulo de toma está al nivel de los ojos.
A. En las figuras: mediante la gradación de los colores y con suaves contrastes de luces y sombras que
B. En la escena: Esta obra es un testimonio de los ensayos de perspectiva lineal con que los artistas
del Quattrocento intentan conseguirla. Boticelli lo hace:
a) Colocando elementos paisajísticos con líneas compositivas diagonales y piramidales
b) Mediante la distribución y gradación del tamaño de las figuras en distintos planos.
- En primer plano aparece Venus saliendo del mar sobre una concha. En la orilla la espera la Primavera
para arroparla con su túnica de bordada de flores.
- En segundo plano aparecen representados el viento del oeste: Céfiro (padre de Amor, engendrado por el
soplo de su padre) y su consorte Cloris, señora de las flores. Soplan para empujar a Venus hacia la orilla.
- En tercer plano aparece la línea del horizonte que divide la figura de Venus en dos mitades casi iguales.
- El paisaje envuelve todos los planos por el lado derecho del espectador
- Destaca la calidad del dibujo que delimita los contornos de las figuras que aparecen estilizadas.
- Los colores suaves, difuminados y de considerable gama cromática. La luz casi uniforme aporta un
aire de irrealidad (no existe foco de intensidad).
- La sensación de irrealidad se acentúa con el empleo de flores y la esquematización del fondo con
la representación de las olas como si fueran escamas.
- CONTENIDO:
 Este cuadro fue una revolución en su época porque trató por primera vez un tema mitológico
(abandonados en la Edad Media) en un cuadro de gran formato y recuperó el desnudo de los clásicos,
recordando a la Venus de Cnido de Praxíteles.
 No representa el nacimiento de Venus sino su llegada a la isla Citerea, tras nacer de la espuma
marina- fecundada por Zeus-: Venus, que ha emergido del mar sobre una concha, es empujada a la playa
por los soplos del viento del Oeste (Céfiro) y su consorte: la señora de las flores (Cloris). En la orilla
le espera otra Hora, la Primavera que le tiende un manto para arroparla , (Hora: ninfa que forma parte
del séquito de Venus, distribuía las lluvias y el rocío y presidían las bodas de los dioses ).
 Está repleto de símbolos dado que el objetivo del autor no es plasmar “el mundo sensible” sino “el
mundo de las ideas”. Las rosas que caen sobre Venus hacen referencia al amor, ya que implican alegría
pero también dolor con sus espinas. La concha hace referencia a la fertilidad o al nacimiento del alma
por medio del bautismo. etc. También se ha interpretado como una alusión al matrimonio, celebración
del amor y belleza femenina….
- AUTOR:
A Sandro Botticelli le interesan menos las conquistas técnicas, representa - junto a Fra Angélico-la
tendencia de tradición gótica del renacimiento italiano del silgo XV. Desaparece en sus cuadros los fondos
dorados, pero el gótico internacional se mantiene en la importancia del dibujo, la estilización de las formas,
rostros expresivos. Repite en varias obras el modelo femenino de cuerpo espigado y casi adolescente, de
cabellos largos, rubios y ondulados, de rostros enfermizos y románticos. Rasgos que podemos apreciar en otras
obras (varias en la galería de los Ufizzi -Florencia- : La Primavera, La Calumnia de Apeles, Palas y Centauro ……)
Representa junto a Fra Angélico la pintura italiana renacentista de tradición gótica.
3. LA TRINIDAD (MASACCIO).-

 Contenido: La Trinidad.
 Estilo: Renacimiento italiano.
 Época: 1ª mitad s. XV. Quattrocento ( tendencia renovadora).
 Autor: Masaccio.
 Técnica y material: fresco sobre el muro.
 Ubicación: interior de la iglesia de Santa María la Novella (Florencia).
Expositiva, simétrica, bastante estática, tridimensional: con ensayos de

perspectiva lineal y con un punto de vista único como si se tratase de una
fotografía cuyo ángulo de toma está bajo.
A. En las figuras: mediante la gradación de los colores y con suaves contrastes
de luces y sombras que proporcionan volumen a las mismas.
B. En la escena: Esta obra es un testimonio de los ensayos de perspectiva con que los artistas del
Quattrocento intentan conseguirla y mejorar sus avances. Masaccio lo hace:
a) Colocando una arquitectura con líneas compositivas diagonales y piramidales y circulares que
integran también las figuras.
b) Mediante la distribución y gradación del tamaño de las figuras en distintos planos:
- El plano inferior simula la mesa de un altar sobre dos pares de columnillas , en el interior hay un sarcófago
en el que reposa un esqueleto (simboliza la muerte).
- El plano medio contiene las figuras de los donantes arrodillados en acción de orar (simbolizan la vida).
- El plano superior aparece enmarcado por un espacio arquitectónico en cuyo interior aparece la escena
presidida por Dios que, elevado sobre el resto de las figuras , pasa los brazos por debajo de la cruz.
Entre las cabezas del Padre y del Hijo se observa una paloma blanca, símbolo del Espíritu Santo. La Virgen y
S. Juan se encuentran a ambos lados de la cruz. Este plano superior simboliza la salvación.
 A pesar del efecto del paso del tiempo este fresco, hoy deteriorado, debió caracterizarse por
contraste cromáticos, destacando los rojos como cálidos y los azules como colores fríos. El
dibujo pierde importancia y se empieza a dar más importancia a las figuras con el color.
 La luz y la gradación de los colores confieren a las figuras volumen y plasticidad.
La obra se encuentra decorando el interior de la iglesia de Santa María la Novella. Aparece la
Trinidad (Padre, Hijo y Espíritu Santo) enmarcada en los principios arquitectónicos y de perspectiva de
Brunelleschi ( arco de medio punto y bóveda de cañón con casetones).
El tema de la Trinidad aparece en el cuadro tres momentos:
a) Momento divino con Dios Padre, Dios Hijo y el Espíritu Santo en forma de paloma entre ambos, casi no
se ve. A sus pies están San Juan y la Virgen.
b) Momento humano; a los lados y delante de las pilastras se encuentran dos figuras que no son más
pequeñas, son los donantes.
c) Momento de la muerte; un esqueleto con una leyenda que dice textualmente “Yo fui antaño lo que sois
vosotros, y lo que yo soy ahora lo llegaréis a ser”, (“no puede ser un tema más optimista y alegre”). El
esqueleto es la muerte que será redimida por Dios.
Massacio representa la tendencia renovadora de la pintura renacentista del s. XV, pera la temprana
muerte, a los 27 años, irrumpió en su prometedor futuro. Obras de Massacio son también los frescos de
la Capilla Brancacci en la Iglesia del Carmen (Florencia), donde destacamos la expulsión de "Adán y Eva
del Paraíso" y el "Tributo de la Moneda". En todas ellas se puede decir que el pintor destaca por el
tratamiento de la perspectiva lineal -geométrica- y el volumen de las figuras.
- CONTEXTO HISTÓRICO-ARTÍSTICO (integrar también – si no se ha señalado anteriormente-

principios del arte del Renacimiento: belleza, proporción, armonía, cálculos matemáticos, amor a la
Naturaleza, humanización del tema religioso…). Valor que adquiere el artista. Citar otros autores.
Influencias. Repercusiones..). OBSERVACIÓN VÁLIDA PARA TODAS LOS COMENTARIOS.
4. MADONNA DEL DUQUE DE URBINO.

PALAS DE BRERA -Madonna de Montelfeltro-
(PIERO DELLA FRANCESCA).
OBRAS DE PINTURA DEL RENACIMIENTO ITALIANO. QUINQUECENTO: S. XVI
1. LA GIOCONDA (LEONARDO DA VINCI).-
 Tema: pintura profana o civil (retrato).

 Contenido: la Gioconda.
 Estilo: Renacimiento italiano. Quinquecento.
 Época: Transición del s. XV al XVI.
 Autor: Leonardo da Vinci.
 Técnica y material: óleo sobre tabla.
 Ubicación: Museo del Louvre ( París).

Expositiva, triangular, bastante estática, “aparentemente simétrica”, tridimensional y
con un punto de vista único como si fuera una fotografía, cuyo ángulo de toma está a la altura
de los ojos. La tridimensionalidad es la gran preocupación del artista del Renacimiento y Leonardo propone un nuevo
sistema de perspectiva:
 La perspectiva es un fenómeno perceptivo que nos permite ubicar correctamente los objetos en el espacio.
Antes del Renacimiento no se seguía una ley fija para representarlos. Lo único que sabían era que los objetos se
perciben más pequeños en la medida que se alejan del observador.
 La primera teoría sobre perspectiva la había desarrollado Brunelleschi (Quattrocento) estableciendo un punto
de fuga único, donde confluyen las líneas del dibujo y cuyo resultado es una especie de “pirámide visual” o
“perspectiva lineal”.
 Leonardo considera que esta pirámide proporciona una “perspectiva artificial” que no es válida y por tanto
plantea una “perspectiva aérea” donde se tiene en cuenta la bifocalidad de la visión humana y el medio
interpuesto entre el objeto y el ojo, es decir , el aire. El aire modifica la luz, el color y la percepción de la
distancia
- Para conseguir esta perspectiva aérea, Leonardo utiliza la técnica del “SFUMATO”: consiste en difuminar más
los colores y los contornos de las figuras. Los colores y los contornos de las figuras se difuminan más, cuanto
más alejados están del espectador en distintos planos con líneas compositivas diagonales, triangulares, etc.
- La Gioconda está estructurada en dos planos:
 En el primer plano aparece la figura posiblemente sedente de la Gioconda. La composición triangular
adquiere un carácter un carácter religioso, hace alusión a la Santísima Trinidad.
 En segundo plano se encuentra el paisaje “aparentemente simétrico” dado que la parte izquierda del
horizonte parece más alta que la derecha. Es el típico paisaje de Leonardo da Vinci: rocoso y misterioso;
quizás inspirado en la sierra madrileña.
- La luz y la gradación de los colores cumplen un papel decisivo como elementos modeladores y
configuradores del volumen y plasticidad.
- La luz la concibe no sólo como una gradación de colores, sino como una fusión del blanco y el negro,
provocando efectos claroscuristas (influenciando el Barroco).
- Predominan los colores cálidos: sienas, tostados, verdes....Leonardo utilizó los colores muy diluidos para
poder poner innumerables capas transparentes, que proporcionaron al rostro de la Gioconda unos efectos
idealizados y mágicos.La gama cromática es limitada.
- Utiliza el sfumato, pero también le dan gran importancia al dibujo en determinados espacios de la
composición. los bordados del vestido, en las mangas y en las manos.
Sobre la identidad de esta mujer y la enigmática sonrisa han corrido ríos de tinta. Vasari la identifica como la
mujer del Gioconda, un rico florentino. En la actualidad se encuentra en el Museo del Louvre ( París).
Leonardo da Vinci , aunque cronológicamente pertenece al siglo XV, en el cual realizó la mayor parte de sus
obras, representa la culminación artística y la ruptura con lo que se había hecho anteriormente.
Nació en un pueblo florentino - Vinci- y vivió la mayor parte de su vida en Milán. Trabajó en el taller de Verroquio
y recibió influencias de Giotto y Masaccio. Su notable afán por el saber y de inventar le ha hecho ser el genio más
representativo del Renacimiento. Los manuscritos y los innumerables dibujos que ha dejado reflejan sus inquietudes
científicas diseñando algunas máquinas. También destaca su gran conocimiento de anatomía, tanto interna como
externa. Sus obras presentan un gran interés por el movimiento físico, los gestos y la mímica ( llega a establecer un
lenguaje con las manos). Entre otras obras, destacan: "Virgen de las rocas", “Gioconda”, "La última cena", “San
Juan Evangelista” “Santa Ana, La Virgen y el Niño”.………
2. VIRGEN DE LAS ROCAS (LEONARDO DA VINCI).-

 Contenido: La Virgen de las Rocas.
 Época: transición del s. XV al s. XVI. Quinquecento.
 Técnica y material: óleo sobre tabla.
 Ubicación: Museo del Louvre (París). Hay otra versión en la National Gallery de
Lodres –con alguna diferencia-.

Expositiva, dinámica, asimétrica –aunque el eje central lo ocupa la cabeza de la
Virgen-, tridimensional y con un punto de vista único como si se tratara de una
fotografía, cuyo ángulo de toma está a la altura de los ojos.
La tridimensionalidad es la gran preocupación del artista del Renacimiento y
Leonardo propone un nuevo sistema de perspectiva:
Antes del Renacimiento no se seguía una ley fija para representarlos. Lo único que sabían era que los objetos
se perciben más pequeños en la medida que se alejan del observador.
 La primera teoría sobre perspectiva la había desarrollado Brunelleschi (Quattrocento) estableciendo un
punto de fuga único, donde confluyen las líneas del dibujo y cuyo resultado es una especie de “pirámide
visual” o “perspectiva lineal”.
interpuesto entre el objeto y el ojo, es decir , el aire. El aire modifica la luz, el color y la percepción de
la distancia.
 Para conseguir la perspectiva aérea, Leonardo utiliza la técnica del “SFUMATO” que consiste en difuminar los
colores y los contornos de las figuras, fundiendo las figuras con el fondo.
 Los colores y los contornos de las figuras se difuminan más cuanto más alejados están del espectador ,
distinguiendo distintos planos con líneas compositivas diagonales, triangulares, etc
 Planos:
 En primer plano, las figuras forman una composición triangular cuyo vértice es la Virgen, el triángulo
adquiere un carácter mágico, alude a la Santísima Trinidad. A los lados vienen dados por Jesús (el que está
bendiciendo) , San Juan niño y por un pequeño ángel al otro lado (similar al que realizó en el Bautismo de
Verroquio)..
 En segundo plano, un paisaje rocoso y misterioso.
- La luz y la gradación de los colores cumplen un papel decisivo como elementos modeladores y
configuradores de los volúmenes.
- Los colores predominantes son cálidos: tostados, sienas, aunque de limitada gama cromática.
- Prescinde del dibujo en algunos espacios de la composición, en otros lo mantiene.
- Utiliza un fuerte claroscuro, casi tenebrista (esto, influirá en los tenebristas del Barroco), lo que unido al
sfumato proporciona un ambiente extraño y misterioso. La luz se concentra en determinados puntos, como si
estuviera cerrada en ellos (hay dos focos de luz: uno al fondo y otro delante del espectador).
- Expresión serena y tranquila, con individualización de los rasgos.
- CONTENIDO Y AUTOR:
Leonardo recibió el encargo de pintar esta obra de la Hermandad de la Inmaculada Concepción. De
esta obra hizo dos versiones porque la primera fue rechazada. La que observamos es la primera versión.
Leonardo da Vinci , aunque cronológicamente pertenece al siglo XV, en el cual realizó la mayor parte de sus
y recibe influencias de Giotto y Masaccio. Su notable afán por el saber y de inventar le ha hecho ser el genio más
externa. Sus obras presentan un gran interés por el movimiento físico, los gestos y la mímica ( llega a establecer un
lenguaje con las manos). Entre otras obras destacan: "Virgen de las rocas", “Gioconda”, "La última cena",
“San Juan Evangelista” “Santa Ana, La Virgen y el Niño”.………
3. LA ÚLTIMA CENA (LEONARDO DA VINCI).-

 Contenido: La Última Cena.
 Época: transición del s. XV al s. XVI. Quinquecento.
 Técnica y material: realizada con témpera y óleo sobre
una preparación de yeso, en lugar de la técnica común del
fresco sobre muro.
 Ubicación: Santa María della Grazicie (Milán).

Expositiva, dinámica, simétrica, tridimensional y con un punto de vista único como si se tratara de una
fotografía, cuyo ángulo de toma está a la altura de los ojos.
La tridimensionalidad es la gran preocupación del artista del Renacimiento y Leonardo propone un nuevo sistema
de perspectiva:
Antes del Renacimiento no se seguía una ley fija para representarlos. Lo único que sabían era que los objetos se
perciben más pequeños en la medida que se alejan del observador.
 La primera teoría sobre perspectiva la había desarrollado Brunelleschi (Quattrocento) estableciendo un punto
de fuga único, donde confluyen las líneas del dibujo y cuyo resultado es una especie de “pirámide visual” o
“perspectiva lineal”.
interpuesto entre el objeto y el ojo, es decir, el aire. El aire modifica la luz, el color y la percepción de la
distancia.
 Para conseguir esta perspectiva aérea, Leonardo utiliza la técnica del “SFUMATO” que consiste en difuminar
los colores y los contornos de las figuras . Los colores y los contornos de las figuras se difuminan más, cuanto
más alejados están del espectador en distintos planos con líneas compositivas diagonales, triangulares, etc.
- Planos:
- En primer plano aparecen en el centro Jesús en composición triangular y sus discípulos alrededor de una mesa,
agrupados de tres en tres (el triángulo adquiere un carácter mágico, alude a la Santísima Trinidad).
- En segundo plano una habitación y sus paredes con unos cuadros.
- En el tercer plano se encuentran las ventanas y tras ellas un paisaje en el que confluyen todas las líneas de fuga (
se marca la influencia de Perugino en “Entrega de las llaves a San Pedro” ).
 La luz y la gradación de los colores cumplen un papel decisivo como elementos modeladores y
configuradores de los volúmenes, ganando plasticidad las formas.
 La luz la concibe no sólo como una graduación de colores, sino como una fusión del blanco y el negro,
provocando efectos claroscuristas – los foco de luz se sitúan uno a la izquierda y otro al fondo-.
 Prescinde del dibujo en algunos espacios de la composición, en otros lo mantiene
 Los colores predominantes son cálidos: tostados, sienas………..
 Expresión serena y tranquila (se perciben hasta 13 expresiones distintas), la tensión aumenta al
acercarse a Cristo, individualización de los rasgos, lenguaje de la manos
El que era comedor de los monjes (refectorio) del convento dominico de Santa Maria de las Gracias en Milán con
la Última Cena en el muro del fondo. Mediante varios recursos de perspectiva parece que la pintura muestra otra
estancia contigua al comedor.
Este fresco es la más perfecta plasmación de la Última Cena por lo que influirá en casi todas las representaciones
posteriores. Muy deteriorada por el paso del tiempo, ha sido restaurada recientemente.
Leonardo da Vinci, aunque cronológicamente pertenece al siglo XV, en el cual realizó la mayor parte de sus
y recibe influencias de Giotto y Masaccio. Su notable afán por el saber y de inventar le ha hecho ser el genio más
externa. Sus obras presentan un gran interés por el movimiento físico, los gestos y la mímica. Entre otras obras,
destacan: la "Virgen de las rocas", “Gioconda”, "La última cena", “San Juan Evangelista” “Santa Ana, La Virgen y
el Niño”.………
- MARCO HISTÓRICO-ARTÍSTICO.
4. ESCUELA DE ATENAS (RAFAEL).-
 Tema: pintura profana o civil.

 Contenido: La escuela de Atenas.
 Época: s. XVI. Quinquecento.
 Autor: Rafael de Sancio ( de Urbino).
 Técnica y material: fresco sobre muro.
 Ubicación: estancia de Signatura del Vaticano.
Expositiva, dinámica, bastante simétrica,

tridimensional y con un punto de vista único como si se tratase de una fotografía cuyo ángulo de toma
está a la altura de los ojos.
La tridimensionalidad es la gran preocupación de los artistas de Renacimiento y Rafael -bajo los
principios de la perspectiva lineal- la consigue:
- En las figuras: mediante la gradación de los colores y con suaves contrastes de luces y sombras que
proporcionan volumen y plasticidad las mismas.
- En la escena: con la gradación del tamaño de las figuras en varios planos mediante líneas
compositivas diagonales, triangulares, etc. Se distinguen los siguientes planos de profundidad:
 En primer plano aparecen dos grupos de personas separados por Diógenes El Cínico que se encuentra en el
centro, reclinado en la escalera. En el grupo de la derecha del espectador aparecen, entre otros, Zoroastro,
el geógrafo Ptolomeo (con el globo terráqueo en la mano)n y un autorretrato de Rafael. En el grupo de la
izquierda destacan. Averroes, Pitágoras, Parménides y Heráclito.
 En segundo plano se encuentran otros dos grupos de personas, destacando en el grupo a la izquierda del
espectador: Alejandro Magno y Sócrates.
 En tercer plano y ocupando el centro de la composición: Platón y Aristóteles charlan y pasean
 En cuarto plano se encuentra el cielo tras un arco de medio punto que corresponde al edificio de la Escuela
de Atenas, el cual envuelve todos los planos, bajo un marco arquitectónico de gran monumentalidad e
influencia bruneleschiana.
 Los colores son fuertes , luminosos y con gradación . Hay un contraste entre los colores fríos y los cálidos.
 Mantiene el dibujo –suave- y coordina con la armonía de los colores.
 La luz se trata con distintos focos de intensidad.
 El movimiento es más dinámico en el primer y segundo plano, mientras que es más estático en el tercer plano.
 Individualización de rasgos – tomó como modelos a personajes de su época- y variedad de actitudes y
posiciones.
La Escuela de Atenas es una de las composiciones que decoran las Estancias del Vaticano, se trata de
grandes pinturas murales, que auxiliado de un gran taller, es uno de los conjuntos más grandioso del
Renacimiento.
Junto con otras tres alegorías ( Disputa del Sacramento, El Parnaso y las Virtudes Cardinales) La Escuela
de Atenas forma parte de la estancia llamada "Signatura" ( “El Sello”, estudio que albergaba la
Biblioteca de Julio II). Representa la construcción del pensamiento humano simbolizado por la
conciliación de las ideas de Platón y Aristóteles, guiando el camino de la filosofía. Uno señala al cielo
(Platón) para plasmar la importancia de las ideas; Aristóteles -con la ética en la mano- señala a la tierra,
indicando el valor de la experiencia.
Rafael de Sancio , nació en Urbino y fue hijo de pintor. Ingresó en el taller de Perugino,
manifestando su influencia en sus primeras obras: "Desposorios de la Virgen" . Trabajó en Florencia y en
Roma, donde Julio II le encargó decorar las Estancias del Vaticano. Muere a los 37 años.
Además de las obras citadas, es también autor de bellos ejemplos de pintura de caballete, sobre todo
madonnas como: " Virgen del Jilguero" , " Madonna del Gran Duque" , "Virgen del Pez"………También es
autor de retratos ( Julio II, León X, Cardenal…)
6. CREACIÓN DE ADÁN (MIGUEL ÁNGEL).-

 Contenido: La Creación de Adán.
 Autor: Miguel Ángel Buonarroti.
 Ubicación: bóveda de la Capilla Sixtina (Vaticano).

Expositiva, dinámica, asimétrica, tridimensional y
con un punto de vista único como si se tratara de una
fotografía, cuyo ángulo de toma está a la altura de los
ojos.
La tridimensionalidad es la gran preocupación de los
artistas de Renacimiento y Miguel Ángel la consigue:
 En las figuras: mediante la gradación de los
colores y con suaves contrastes de luces y
sombras que proporcionan volumen a las mismas.
 En la escena: con la gradación del tamaño de las
figuras en varios planos mediante líneas
compositivas diagonales, triangulares, etc
Planos:
 En primer plano aparecen Dios (magnífico escorzo) y Adán.
 En segundo plano el paisaje y la corte celestial ( muy simplificados).
 En tercer plano, envolviendo la escena, el cielo.
 Se observa una gran maestría en la utilización del dibujo, con sus figuras bien torneadas (líneas gruesas
delimitan las figuras). Luz y colores difuminados contribuyen a dar plasticidad y volumen a las formas.
 Los colores son fuertes y luminosos. Las pinceladas son libres y enérgicas; de superficies menos uniformes.
 Las figuras tienen una gran carga expresiva en el rostro y en los músculos, lo que es conocido por la
“terribilitá”. Esta anatomía de musculatura acusada refleja la influencia griega del Torso Bervedere y del
Laoconte , descubierta en estas fechas y que marcará mucho la obra de Miguel Ángel.
 de la escultura griega clásica del Laoconte, descubierta en estas fechas y que marcará mucho la obra de
Miguel Ángel.
Ésta es la escena más conocida de la Capilla Sixtina. En ella, Dios con el dedo tendido hacia el padre
de la Humanidad, le transmite la vida.
En 1505 recibe en Roma el encargo del Papa Julio II de terminar la citada capilla, decoración que ya
habían iniciado otros artistas como Botticelli. Imagina ésta sostenida por varios arcos transversales
sostenidos por pilastras y en toda la superficie desarrolla un ciclo iconográfico del Antiguo Testamento
fundamentalmente. Ha sido recientemente restaurada, dejando al descubierto los colores vivos que la
caracterizaron.
Miguel Ángel prescinde de los elementos anecdóticos , paisajísticos y arquitectónicos . Se centra
en lo esencial: la creación y el pecado del hombre y como consecuencia la necesidad de un redentor.
Miguel Ángel Buonarroti , arquitecto, escultor y pintor. Aunque se siguen utilizando los elementos
clásicos, éstos se disponen con cierta libertad, es admirable por el dinamismo de sus obras, dramatismo,
fuerza muscular y expresiva, “terribilitá”…. Con él se inician nuevas formas que van a dar lugar al
Manierismo en la segunda mitad del siglo XVI y que anuncian el Barroco.
De su periodo florentino data el “Tondo Doni”. Ya en Roma decoró la “Capilla Sixtina”, muestra de
grandeza pictórica, además de la escena objeto de estudio destaca el frontal con el “Juicio Final”
Otras obras de de Miguel Ángel son:
 Como arquitecto: Cúpula de la Basílica de San Pedro en el Vaticano
 Como escultor: David, Pietá, Moises, Sepulcro de los Médicis……
7. EL JUICIO FINAL (MIGUEL ÁNGEL).-

 Contenido: El juicio Final.
 Estilo: renacimiento italiano.
 Autor: Miguel Ángel Bounarroti.
 Ubicación: Capilla Sixtina (Vaticano).
Expositiva, asimétrica -aunque el eje central lo ocupa la figura de

Cristo- dinámica, tridimensional y con un punto de vista único,
como si fuera una fotografía cuyo ángulo de toma está bajo.
La tridimensionalidad es la gran preocupación de los artistas
del Renacimiento, pero aquí Miguel Ángel la centra en las figuras,
no en la escena:
- En las figuras: mediante la gradación de los colores y con suaves contrastes de luces y sombras que
proporcionan volumen y plasticidad a las mismas.
- En la escena no hay perspectiva. La composición está estructurada mediante la superposición de
planos de forma ascendente y la división de dos partes claramente diferenciadas:
a) En la parte superior está representado el Cielo con Dios (inicialmente desnudo) y la Virgen en el
centro, rodeados de la corte celestial.
 A sus pies se encuentran San Lorenzo y San Bartolomé con los instrumentos de su muerte: una parrilla y una piel
respectivamente.
 En los lunetos superiores, los ángeles llevan los símbolos de la pasión: la corona de espinas, la cruz y la columna.
b) En la parte inferior, a la izquierda del espectador los que van al cielo son elevados por los justos y
a la derecha los condenados son arrojados de la barca de Caronte hacia el infierno
- ELEMENTOS PLASTICOS:
 Se observa una gran maestría en la utilización del dibujo, con sus figuras bien torneadas. Luz y
colores difuminados contribuyen a dar plasticidad a las formas.
- Los colores son fuertes y luminosos. Las pinceladas son libres y enérgicas; de superficies menos
uniformes.
 Los cuerpos desnudos y tan bien pintados revelan un gran conocimiento de la anatomía.
 La tensión muscular de las figuras y su gran expresividad definen la “terribilitá” o característica
distintiva de Miguel Ángel. Esta anatomía de musculatura acusada refleja la influencia griega del
Torso Bervedere y del Laoconte , descubierta en estas fechas y que marcará mucho la obra de
Miguel Ángel.
 Dota a las figuras de un gran movimiento mediante retorcimientos, escorzos....
 Prescinde de elementos arquitectónicos y paisajísticos.
El Juicio Final, fue encargado a M. Ángel por el Papa Clemente VII y su sucesor Paulo III. Se
encuentra situado en la Capilla Sixtina, en la pared donde se ubica el altar. Los desnudos fueron
considerados escandalosos y se ordenó cubrirlos con telas ( de ello se encargó el pintor Volterra).
Miguel Ángel Buonarroti arquitecto, escultor y pintor. Aunque se siguen utilizando los elementos clásicos,
éstos se disponen con cierta libertad, es admirable por el dinamismo de sus obras, dramatismo, fuerza
muscular y expresiva, “terribilitá” …. Con él se inician nuevas formas que van a dar lugar al Manierismo en
la segunda mitad del siglo XVI, anunciando ya el Barroco.
De su periodo florentino data el “Tondo Doni”. Ya en Roma decoró la “Capilla Sixtina”, muestra de
grandeza pictórica, además de la escena objeto de estudio destaca la Creación de Adán.
Otras obras de Miguel Ángel son:
 Como arquitecto: Cúpula de la Basílica de San Pedro en el Vaticano
 Como escultor: David, Pietá, Moises, Sepulcro de los Médicis……
PINTURA VENECIANA. SIGLO XVI
8. CARLOS V EN LA BATALLA DE MÜLBERG

(TIZIANO).-
 Tema: pintura, retrato real a caballo.

 Contenido: Carlos V a caballo en Mülberg.
 Estilo: Renacimiento italiano (escuela veneciana).
 Época: s. XVI.
 Autor: Tiziano.
 Técnica y material: óleo sobre lienzo.
 Ubicación: Museo del Prado.
Expositiva, asimétrica, dinámica, tridimensional y con un

punto de vista único, como si se tratara de una fotografía con el
ángulo de toma al nivel de los ojos.
La tridimensionalidad es la gran preocupación de los artistas de
Renacimiento y Tiziano la consigue:
a) En las figuras.: mediante la gradación de los colores y con
suaves contrastes de luces y sombras que proporcionan volumen
y plasticidad a las mismas.
b) En la escena:
 El punto de fuga de la perspectiva lineal lo apoya con la perspectiva aérea mediante la técnica del “sfumato”
(copiada a Leonardo) que consiste en difuminar los colores y los contornos de las figuras (fundiéndolas con
el fondo) - aquí se pone de manifiesto principalmente en el tratamiento del paisaje-.
 Con la gradación del tamaño de las figuras en varios planos mediante líneas compositivas diagonales,
triangulares, etc. Se distinguen los siguientes planos.
- En el primer plano: esta representado el emperador a caballo, con lo que Tiziano inaugura el
retrato real a caballo.
- En el segundo plano, aparece un paisaje alemán.
- ELEMENTOS PLASTICOS:
 Miguel Ángel reprochó a Tiziano la escasa atención que dedicaba al dibujo y de hecho, este
cuadro es un ejemplo perfecto de cómo los diferentes elementos que aparecen se definen por
la luz y el color. El colorido Tizianesco se aprecia en toda su plenitud en los rojos y ocres de la
tela, que son inimitables, confiriéndole la típica luz veneciana.
 Destacan también los claroscuros del cielo y del paisaje.
 Tiziano se muestra como un pintor naturalista y de riqueza decorativa.
 El rey/emperador está representado con aire triunfal y la armadura que viste está labrada en
oro y plata (se encuentra en el Palacio Real, en el Museo de la Armería)
Es una obra propagandística del poder de Carlos I de España y V de Alemania. La obra hace
referencia al momento en que se va a enfrentar a los príncipes alemanes, los cuales defienden una
monarquía pactista y federal frente a Carlos que defiende una monarquía autoritaria y centralizadora.
Ambos bandos pondrán como excusa de sus intereses a la religión: luchas entre católicos y protestantes.
Tiziano es uno de los grandes representantes de la escuela veneciana y creador de un estilo nuevo.
Practicó junto con el retrato, otros temas mitológicos y religiosos. En su última etapa el color y la luz
eliminan por completo al dibujo y la pintura adquiere efectos impresionistas (pincelada "amplia"–suelta-
y que tanta importancia tendrá en la obra de Velázquez).
Fue pintor de prestigio europeo, recibiendo la protección de Carlos V y Felipe II, pero no abandonó
Italia. Vivió entregado al arte y la música, otra gran afición.
Entre sus obras destacamos: "Venus de Urbino", "Venus y la música", "Amor divino y amor profano"
retratos de damas venecianas - "Flora"…..-
9. VENUS DE URBINO (TIZIANO).-
 Tema: pintura mitológica.

 Contenido: Venus de Urbino.
 Estilo: renacimiento italiano.
 Autor: Tiziano.
 Técnica y material: óleo sobre lienzo.
 Ubicación: Galería de los Uffizi (Florencia).
Expositiva, asimétrica, bastante estática, tridimensional y con un punto de vista único, como si
se tratara de una fotografía con el ángulo de toma al nivel de los ojos.
La tridimensionalidad es la gran preocupación de los artistas de Renacimiento y Tiziano la consigue:
a) En las figuras: mediante la gradación de los colores y con suaves contrastes de luces y sombras que
b) En la escena:
 La perspectiva lineal se apoya en el punto de fuga, localizado tras la ventana, lo apoya con las
baldosas del suelo y con la perspectiva aérea mediante la técnica del “sfumato” - influencia de
Leonardo da Vinci- que consiste en difuminar los colores y los contornos de las figuras.
 Con la gradación del tamaño de las figuras en varios planos mediante líneas compositivas diagonales,
triangulares, etc.
- En primer plano aparece la Venus tumbada y posando desnuda con un perrito a sus pies.
- En segundo plano, las baldosas del suelo de la habitación van a apoyar la perspectiva.
- En tercer plano, dos representaciones femeninas: una de pie y la otra de rodillas buscando algo en
un arcón.
- En el último plano a través de una ventana se divisa el paisaje y se encuentra el punto de fuga.
 Miguel Ángel reprochó a Tiziano la escasa atención que dedicaba al dibujo y de hecho. Este
cuadro es un ejemplo perfecto de cómo los diferentes elementos que aparecen se definen por
la luz y el color. El desnudo femenino está definido por la luz que incide sobre el cuerpo de la
Venus, creando un fuerte claroscuro con la tela que tiene detrás.
 Tiziano se muestra como un pintor naturalista , de riqueza decorativa y pincelada suelta.
No se sabe con certeza la identidad de la mujer representada. El cuadro fue adquirido por el hijo del
duque de Urbino, ejemplo del mecenazgo de la nobleza italiana.
Tiziano es uno de los grandes representantes de la escuela veneciana y creador de un estilo

nuevo. Practicó junto con el retrato, otros temas mitológicos y religiosos. En su última etapa el color y
la luz eliminan por completo al dibujo y la pintura adquiere efectos impresionistas (pincelada "amplia").
Fue pintor de prestigio europeo, recibiendo la protección de Carlos V y Felipe II, pero no abandonó
Italia. Vivió entregado al arte y la música, otra gran afición.
Entre sus obras destacamos: "Carlos V en la batalla de Mülberg", "Venus y la música", "Amor divino y
amor profano" retratos de damas venecianas - "Flora"…..-

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Tema 6.3: Pintura del Renacimiento italiano del s.

OBRAS DE PINTURA DEL RENACIMIENTO ITALIANO. QUATTROCENTO: s.XV

1. LA ANUNCIACIÓN (FRA ANGÉLICO).-

 Tema: pintura religiosa.

- COMPOSICIÓN TÉCNICA E ICONOGRÁFICA:

Expositiva, algo asimétrica, dinámica, tridimensional: con

2. NACIMIENTO DE VENUS (BOTTICELLI)–no EvAU-

 Tema: pintura mitológica.

- COMPOSICIÓN TÉCNICA E ICONOGRÁFICA:

 Tema: pintura religiosa.

- COMPOSICIÓN TÉCNICA E ICONOGRÁFICA:

Expositiva, simétrica, bastante estática, tridimensional: con ensayos de

- CONTEXTO HISTÓRICO-ARTÍSTICO (integrar también – si no se ha señalado anteriormente-

4. MADONNA DEL DUQUE DE URBINO.

OBRAS DE PINTURA DEL RENACIMIENTO ITALIANO. QUINQUECENTO: S. XVI

1. LA GIOCONDA (LEONARDO DA VINCI).-

 Tema: pintura profana o civil (retrato).

- COMPOSICIÓN TÉCNICA E ICONOGRÁFICA:

2. VIRGEN DE LAS ROCAS (LEONARDO DA VINCI).-

 Tema: pintura religiosa.

- COMPOSICIÓN TÉCNICA E ICONOGRÁFICA:

3. LA ÚLTIMA CENA (LEONARDO DA VINCI).-

 Tema: pintura religiosa.

- COMPOSICIÓN TÉCNICA E ICONOGRÁFICA:

4. ESCUELA DE ATENAS (RAFAEL).-

 Tema: pintura profana o civil.

- COMPOSICIÓN TÉCNICA E ICONOGRÁFICA:

Expositiva, dinámica, bastante simétrica,

6. CREACIÓN DE ADÁN (MIGUEL ÁNGEL).-

 Tema: pintura religiosa.

- COMPOSICIÓN TÉCNICA E ICONOGRÁFICA:

7. EL JUICIO FINAL (MIGUEL ÁNGEL).-

 Tema: pintura religiosa.

- COMPOSICIÓN TÉCNICA E ICONOGRÁFICA:

Expositiva, asimétrica -aunque el eje central lo ocupa la figura de

PINTURA VENECIANA. SIGLO XVI

8. CARLOS V EN LA BATALLA DE MÜLBERG

 Tema: pintura, retrato real a caballo.

- COMPOSICIÓN TÉCNICA E ICONOGRÁFICA:

Expositiva, asimétrica, dinámica, tridimensional y con un

9. VENUS DE URBINO (TIZIANO).-

 Tema: pintura mitológica.

- COMPOSICIÓN TÉCNICA E ICONOGRÁFICA:

Tiziano es uno de los grandes representantes de la escuela veneciana y creador de un estilo

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