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Exponga tres características del Barroco.

El arte barroco es aquel que se extiende desde los primeros años del siglo
XVII hasta mediados del s. XVIII. Se engendró en Italia, donde ya se
desenvuelve a finales del s. XVI, y perdura casi todo el siglo XVIII en algunos
países. Es el arte que sigue al de la Contrarreforma (segunda mitad del s.
XVI). Los países más exaltadamente barrocos fueron Italia, Alemania y
España, con sus dominios americanos. Entre sus características,
destacamos:

- El barroco es un arte brillante, ostentoso.

Con él se expresa el poder de los grandes monarcas, la riqueza de los

Estados y la próspera situación del Catolicismo. En Italia son los Papas
los que impulsan el barroco, en una dirección ostentosa y triunfalista, que
atrae y deslumbra al creyente. El caso de Francia es el de servirse del
arte para exaltar el soberano y con ello al Estado. En Holanda, se asiste,
en cambio, a la irrupción de una rica burguesía. Se generaliza el arte de
uso privado.

- Se caracteriza por un sentido de lo teatral.

El teatro se entiende como el escenario ideal donde se pueden fundir todas

las artes en una sola. Se fabrican escenarios de gran espectacularidad
que sorprenden al espectador e incluso le integran dentro del mismo
escenario. Bernini es un buen ejemplo de ello, ya que concibe sus obras
dentro de un marco escenográfico, donde se combinan las tres artes:
arquitectura, escultura y pintura.

- El arte barroco se inclina por describir pasiones y sentimientos.

La vida y la muerte se manifiestan en sus expresiones más violentas. Las

artes plásticas del siglo XVII, especialmente en Italia, están dominadas
por una estética que considera el arte un medio para expresar las
pasiones del alma. Varios artistas y críticos escribieron tratados sobre la
expresión, en los cuales se especificaba cómo la técnica artística debía
representar los distintos estados del alma (amor, sufrimiento, ira,
desesperación, etc.). Todos estos sentimientos tenían que ser descritos
de manera extrema y exteriorizarse con movimientos del cuerpo y de la
cara, es decir, con la acción.

El sentimiento religioso se expresa por los estados más elevados: la

ascética y la mística. No se trata de describirnos lo que ha pasado, sino
de hacérnoslo sentir.

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-  Materiales y técnicas predominantes en la escultura barroca
española.

Casi todas las obras se hacen en madera policromada. La escultura en

madera presenta graves inconvenientes: las dimensiones limitadas del
bloque de madera, las diferencias de color, nudos y vetas que dificultan la
"representación", problemas que se resuelven recubriendo la superficie con
otros materiales. La escultura se obtiene preferentemente de un solo bloque
de madera o de un único tronco. Sólo las partes que más sobresalen, como
los brazos del Cristo crucificado, se unen por ensamblajes. Una vez acabada
la talla, se recubre la escultura con una capa de yeso de espesor variable
que se utiliza como preparación para el color.

Pero a menudo la estatua se "entela", es decir, se cubre con una tela fina,
pegada directamente a la madera, que a su vez sirve de soporte al yeso y
cuya función es atenuar la diferencia de elasticidad entre éste y la madera.
Los colores utilizados eran al temple y en ocasiones, el escultor se
encargaba del policromado él mismo.

El policromador debía de atender a las telas (estofado) y las carnes

(encarnado). Nos encontramos pues en un período de colaboración entre el
pintor y el escultor. Se prefieren las encarnaciones mates, sin brillo, por
considerarlas más naturales.

En la pintura de las vestiduras se registran dos procedimientos. Uno era el

tradicional de estofar con oro. Para ello se cubrían las superficies con
láminas de oro y luego se extendía la pintura. Cuando estaba seca, con el
"garfio", especie de punzón, se raspaba la superficie, descubriendo el oro. El
segundo procedimiento consistía en una pintura plana, aplicada
directamente sobre la preparación, sin oro, sistema popularizado por
Gregorio Fernández. Como es natural, el uso del oro concede especial
suntuosidad a las imágenes, pues resultan más luminosas y lucen trajes que
imitan las ricas vestiduras.

La pintura de las imágenes adquiere una valoración muy alta, como

corresponde al período de máximo esplendor de nuestro arte pictórico. Las
esculturas se pintan por buenos artistas, que tratan de conseguir sobre la
madera, los mismos efectos que sobre el lienzo. Todo ello para conseguir
que las figuras parezcan auténticamente naturales.

La exaltación del realismo condujo al empleo de elementos postizos, ajenos

a la auténtica escultura, como cabellos, ojos, pestañas, uñas, sogas, etc.
todo ello natural; ojos y lágrimas de pasta o cristal; coronas de espino o
metálicas, espadas en torno al corazón de la Virgen, sogas de cuerda, etc.
Por regla general, si se trabajan cuidadosamente las partes que quedan al
descubierto (cabeza, manos y pies), se descuida lo demás, que se reduce a
un maniquí o armazón de carpintería.

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 -  ¿Qué novedades temáticas se introducen en la pintura del
Barroco?

La temática barroca es muy variada, junto a temas religiosos (apoteosis,

milagros, martirios, etc., muy del gusto de la Contrarreforma), mitológicos y
alegóricos (llenos de simbolismos y que tratan de exaltar el poder político),
históricos o retratos, aparecen la pintura de género, bodegones, pintura de
flores y animales, paisajes urbanos o campesinos y marinas. Se
representan, además, temas macabros, crueles o espantosos,
fundamentalmente dirigidos a incidir psicológicamente en el espectador a
través de los sentidos.

-  Exponga tres características de la pintura española del siglo XVII.

La pintura barroca española participa de las características generales de esta

disciplina:

- Predominio de la luz sobre el color. La luz que puede llegar a desvanecer las
formas.

- El color a su vez prevalece sobre el dibujo, que pierde importancia.

- Se prefieren las tonalidades intensas y dramáticamente contrastadas.

- La composición asimétrica, es decir, composiciones desequilibradas o que sugieren

que la escena continúa más allá de los límites del cuadro.

- El movimiento, con la presencia de diagonales, figuras inestables, escorzos,

ondulaciones…

Pero además, tiene otras características propias:

- La ausencia de lo heroico, de los grandes tamaños, en beneficio de las

composiciones sencillas.

- Predominio de la temática religiosa, en su manifestación ascética o

mística.

- Ausencia de sensualidad, debido al control que ejercía el espíritu

contrarreformista y el miedo a la Inquisición.

- El barroco español rechaza el movimiento impetuoso y violento de

italianos y flamencos.

- El tenebrismo: la pintura de Caravaggio influyó en casi todos los pintores

españoles.

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 -  Indique las principales escuelas de la pintura española del siglo
XVII.

Tres serán los centros artísticos más importantes de la pintura barroca española.

La Escuela Madrileña:

La componen aquellos pintores que trabajan en la Corte, centro pictórico más

activo y poderoso imán para los pintores. Aunque el protagonismo mayor en el
arte del retrato recayó en Velázquez, hubo encargos para otros artistas, cuyas
características estéticas hablan de una pintura cortesana y de desigual valor.
Entre estos pintores, citamos a Antonio de Pereda, Fray Juan Rizzi, Carreño y
Claudio Coello.

Velázquez desarrolla primero su obra en Sevilla y luego en Madrid. Como otros

pintores de la etapa barroca en España, comienza apegado al tenebrismo, pero
a partir de conocer la obra de Rubens y de su viaje a Italia, lo abandona y es
cuando consigue sus más afamadas obras geniales.

La escuela andaluza:

Sevilla se constituye en el segundo foco de interés de los pintores, donde

desarrollan su obra figuras de la talla de Zurbarán, Murillo o Valdés Leal.

Zurbarán es el llamado "pintor de frailes", porque recurrió mucho a las

representaciones de frailes y de temas religiosos. También realizó bodegones.
Casi toda la obra de Zurbarán es tenebrista. En ella no importa la perspectiva y
se aprecia una falta de habilidad en la composición.

Murillo se centró también en la temática prácticamente religiosa. A diferencia

de Leal, Murillo representa la cara dulce de la Contrarreforma. Fue muy popular
y querido. Sus clientes fueron las órdenes religiosas y algunos párrocos.
Se produce una evolución en sus trayectoria como pintor, ya que al principio se
adhiere al tenebrismo y pinta escenas de cámara, cuyos protagonistas son los
niños. Si embargo, en sus últimas años su pintura se hace más colorista.

Valdés Leal fue un pintor que se recreó en reflejar la parte más cruda de la
vida. Leal simboliza la visión dura de la contrarreforma. Son famosas sus
"Alegorías de la muerte".

Valencia:

Es el tercer foco de importancia, debido a la presencia de Ribera y Francisco

Ribalta.

Las características más acusadas de Ribalta son el tenebrismo, la sobriedad

del gesto de los personajes y la representación de los valores táctiles
(diferencia en las telas, en los colores…).

José de Ribera se formó en Valencia, pero joven marcha a Italia y se empapa

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 de las influencias del tenebrismo de Caravaggio. Sintió predilección por pintar
cuadros que mostraban las gentes sencillas de la época. Destacó por su
impecable y realista tratamiento de la piel y de las arrugas.

-  ¿Qué descubrimiento arqueológico en el siglo XVIII contribuyó al

surgimiento del Arte Neoclásico y qué rey lo apoyó?

Los hallazgos arqueológicos de Herculano (1719) y de Pompeya (1748), sepultados

por las cenizas del Vesubio, gracias a la labor de Winckelmann, permitieron un
redescubrimiento de la Antigüedad clásica. También las Academias creadas a
lo largo del s. XVIII contribuyeron a realzar el valor estético de lo clásico.

Fue Carlos III, antes de abandonar su reino de Nápoles para convertirse en Rey
español, quien promovió las campañas de Pompeya y Herculano.