Nombre: Bernal Zanabria Monica Selene

Materia: Historia para el arte II

Grupo B (par)

Manierismo

Fecha de entrega 01/10/2022

UAEmex.
Manierismo
A) Definición de Manierismo
El término manierismo es la denominación historiográfica del periodo y estilo
artístico que se sitúa convencionalmente en las décadas centrales y finales del siglo
XVI, como parte última del Renacimiento.

Es el momento en que se pierde lo más propio del clasicismo y la belleza clásica:

proporciones, armonía, serenidad, equilibrio. El manierismo es subjetivo, inestable.
Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la
irrealidad y a la abstracción.

Cuando los elementos principales del Renacimiento empezaban a entrar en crisis, el

manierismo significó un progresivo abandono de la proporción de las figuras, de la
perspectiva espacial, del uso de líneas claras y definidas y de las expresiones
mesuradas y dulces de los personajes renacentistas.

B) Fechas y contexto del surgimiento de la Corriente, en Italia y Francia.

1520-1600

La figura humana siguió siendo el tema principal de los cuadros, pero ahora se
presentó en nuevas formas y extrañas, sus poses se volvieron complicadas, su altura
aumentó desmesuradamente, los músculos fueron enfatizados. la composición se
tornó forzada y poco clara, la perspectiva se modificó y se complicó y aparecieron los
colores vivos, plenos, casi violentos

Este nuevo movimiento buscaba el efecto emocional más que la descripción de las
formas.

C) Relación con los maestros renacentistas.

Después de 1520 los poderes casi divinos del espíritu humano que sostenían el
renacimiento de los grandes maestros fue puesto en duda por los jóvenes pintores.

La reforma protestante iniciada por martín lutero y la brutalidad de la contrarreforma

de los príncipes católicos introdujeron la duda. nuevas fuerzas zarandeaban al
hombre y la respuesta artística del clasicismo renacentista ya no satisfacía el
convulsionado mundo de la época. algo había distorsionado el orden y la pintura
también se distorsiono.

El manierismo fue considerado decadente una mala escuela que pretendía

desarrollarse a la manera de Miguel Ángel sin poder lograrlo.

Conoció valor propio y una estatura tan grande como en las figuras del greco, quizá el
más grande pintor manierista.
 D) Importancia de la escuela de Fontainebleu

La escuela de Fontainebleau estaba formada por artistas italianos, flamencos y

franceses que trabajaban para el palacio real francés de Fontainebleau. Estos pintores
se pueden dividir en dos grupos, la primera y la segunda escuela. La primera escuela
fue la principal responsable de la introducción del Manierismo italiano en Francia.
Hicieron parte de ella artistas como Rosso Fiorentino (1494-1540), Francesco
Primaticcio (1505-1570) y Niccolò dell'Abate (1509-1571).

El estilo pictórico italiano, influenciado por los grandes maestros del Manierismo,
como Miguel Ángel (1475-1564), Rafael (1483-1520) y Parmigianino (1503-1540),
fue muy importante para el Manierismo francés. Muchas de las obras de la escuela no
sobrevivieron hasta nosotros, pero sabemos que eran conocidas las representaciones
alegóricas y mitológicas, elegantes ed elaboradas. Los trabajos realizados por estos
artistas italianos fueron reproducidos en grabados y fueron ampliamente distribuidos
en toda Francia.

De la segunda escuela de Fontainebleau formaron parte artistas como el flamenco

Ambroise Dubois (1542-1614) y los franceses Toussaint Dubreuil (1561-1602) y
Martin Fréminet (1567-1619).

E) Representantes escogidos en arquitectura y escultura: Zuccaro, Cellini,

Giambolonga

Zuccaro

(Sant Angelo in Vado, 1542 - Ancona, 1609) fue un pintor, arquitecto y escritor
italiano, que trabajó en España.

Fue alumno de su hermano Taddeo Zuccaro, a quien ayudó en sus trabajos en el

Vaticano y el Palazzo Caprarola. El duque de Toscana Cosimo I le llamó luego a su
corte en Florencia para que terminase allí la decoración de la cúpula de Santa María
del Fiore, iniciada por Giorgio Vasari .

Por encargo del papa Gregorio XIII, comenzó a pintar la Capilla Paulina en el Palacio
Apostólico Vaticano, pero por motivos personales tuvo que huir en 1574 a Londres.
Pasó seis años en la corte inglesa, pintando sobre todo retratos. Los cuadros más
conocidos de esta época son los retratos de las reinas Isabel I y María Estuardo.

En 1580 se trasladó a Venecia, pintando para el Palacio de los Dogos una Humillación
de Barbarroja. El papa Gregorio XIII animó a Zuccaro a retornar a Roma para terminar
la Capilla Paulina, y así lo hizo. En 1586 siguió la llamada del rey Felipe II para
trasladarse a Madrid y colaborar en la decoración de El Escorial. Fundamentalmente
se dedicó a pintar retablos y frescos.
Regresó a Roma, donde fundó la Accademia di San Luca, de la que fue el primer
presidente.

Además de su actividad pictórica, Zuccaro trabajó también en el campo de la teoría del

arte.
Benvenuto Cellini (Florencia, 3 de noviembre de 1500-ib., 13 de febrero de
1571)

Fue un escultor, orfebre y escritor italiano. Se convirtió en uno de los orfebres más
importantes del Renacimiento italiano y realizó monedas labradas, joyas, floreros y
adornos exquisitos. Su autobiografía es un valioso testimonio de la época, aunque
ciertas partes de la misma han sido tachadas de fantasiosas.

Estatua de Cellini, Piazzale degli Uffizi, Florencia

El famoso Salero de Francisco I de Francia (Kunsthistorisches Museum de Viena).

Crucifijo. Monasterio de El Escorial

Giambolonga (Douai, Países Bajos, 1529-Florencia, 1608).

Escultor italiano de origen flamenco. El que llegaría a ser primer escultor en la corte
de los Médicis decidió, a los catorce años, en contra de los planes de su padre, que
quería que fuera notario, ingresar en el taller de Jacques Dubroeucq en Mons.

Rapto de las Sabinas, Florencia.

Hércules y el centauro Neso, 1599

Estatua de Felipe III en Madrid.

 F) Representantes Escogidos en Pintura:

Parmigiano, Italia, 1503–1540

Girolamo Francesco Maria Mazzola, llamado por todos il Parmigianino (el pequeño
parmesano) por su lugar de nacimiento (Parma) y su pequeña estatura, fue un pintor
manierista italiano.

Octavo hijo de una familia de Parma, inició su aprendizaje con nada menos que
Correggio, que por aquel entonces andaba trabajando en la ciudad. Il Parmigianino
rápidamente dio muestras de su talento y consigue trabajo en Roma.

Para Parmigianino, la función del arte era trasmitir sensaciones exquisitas y

excitantes, por lo que optó en sus cuadros por una explícita artificiosidad en los que
no faltan ilusiones ópticas y trampantojos varios como el autorretrato que vemos en la
imagen.

Elegante y majestuoso, quiso mostrar en su arte una belleza abstracta y una gracia
artificial.

En su vida, tuvo ciertos problemas a causa del juego. Tuvo que huir por culpa de las
deudas y moriría con solo 37 años a causa de unas fiebres de origen desconocido.
Quizás su afición a la alquimia fue la causa de su prematura muerte.

Antea
Artista: Parmigianino
Período: Manierismo
Fecha de creación: 1525
Ubicación: Museo de Capodimonte
Vision de San Jerónimo
Artista: Parmigianino
Ubicación: Galería Nacional
Fecha de creación: 1526–1527
Período: Manierismo
Retrato de Lorenzo Cybo
Artista: Parmigianino
Fecha de creación: 1524
Ubicación: Galería Nacional de Dinamarca
Períodos: Renacimiento, Manierismo, Renacimiento italian

Tintorretto,
Tintoretto, cuyo nombre era Jacopo Comin (Venecia, 29 de septiembre de
1518-31 de mayo de 1594), fue uno de los grandes pintores de la escuela
veneciana y representante del estilo manierista.

En su juventud también recibió el apodo de Jacopo Robusti, pues su padre

defendió las puertas de Padua frente a las tropas imperiales de una manera
bastante vigorosa. Su verdadero apellido, 'Comin', fue descubierto por Miguel
Falomir, jefe del departamento de Pintura italiana del Museo del Prado de
Madrid, y se hizo público a raíz de la retrospectiva de Tintoretto en dicho
museo en 2007.1

Por su fenomenal energía y ahínco a la hora de pintar fue apodado Il Furioso, y

su dramático uso de la perspectiva y los especiales efectos de luz hacen de él un
precursor del arte barroco. Sus trabajos más famosos son una serie de pinturas
sobre la vida de Jesús y la Virgen María en la Scuola Grande di San Rocco de
Venecia.
La Virgen con el Niño, san Lucas y san Marcos

El asedio de Asola (1544-45), Museo Nacional de Posnania, Polonia.

San Marcos liberando al esclavo, 1548, óleo sobre tela, Galería de la
Academia de Venecia.

El Greco

Domenicos Theotocopoulos, pintor griego que acabó siendo español y mezcló

estilos de muchos otros países y culturas para crear una personalísima pintura,
sin duda adelantada a su tiempo, que rezuma misticismo, expresión y
sentimiento. y que todavía hoy posee un desconcertante efecto en el
espectador. Por ello se considera un precursor de muchos movimientos del
arte contemporáneo, como el expresionismo.
Fue el único precedente realmente original de Velazquez que se vio en la
historia de la pintura española.

Nacido en Creta, y por tanto con tradición de pintor de iconos tardo-bizantinos,

descubre en Italia los grabados del renacimiento italiano y la pintura
veneciana, incorporando todo esto a su personal estilo.
Se desconocen las razones de su viaje a España en 1577 pero en este país se
quedaría toda su vida, en Madrid y luego en Toledo, donde construye los más
majestuosos retablos y lienzos.

Se sabe que disfrutó en vida y dejó fama de «extravagante», tanto por el

comportamiento en su vida como en su obra. Tuvo cierto éxito, aunque es
probable que gastara más de lo que ingresaba. Aún así, siempre estuvo
arropado por la élite intelectual española.
Luchó por la dignificación social de la profesión de pintor, fue criticado
también por los teóricos más intransigentes de la contrarreforma que vieron
en su pintura demasiadas licencias.

Su arte, repudiado en la Ilustración, fue redescubierto por los románticos que

valoraron sus preocupaciones expresionistas, su arte subjetivo y su visión
atormentada, libre y opuesta a la imitación servil y mecánica de la realidad.

La curación del ciego (1567), Dresde. Pintura del periodo veneciano

realizada con la técnica del temple (método empleado en Creta). El Greco
asimiló rápidamente los conceptos de la pintura veneciana.
Adoración de los Reyes Magos, 1568. Museo Soumaya. Fundación Carlos
Slim, Ciudad de México, México.

Giulio Clovio introdujo al Greco en el círculo del cardenal Alejandro Farnesio en

Roma. (Detalle de su retrato pintado por el Greco sobre 1571).
 Bronzino
Llamado Bronzino, Agnolo di Cosimo fue uno de los pintores más reconocido en la
Florencia del siglo XVI. En una de las primeras historias del arte, Giorgio Vasari ya lo
menciona junto al maestro Pontormo, ambos grandes representantes de la pintura
manierista.

Llamado Bronzino por sus iluminaciones artificiales, metalizadas, blancas y brillantes;

sus figuras resueltas con la calidad del relieve en mármol, por sus exquisitos retratos
que describen miradas frías hacia el espectador (no se pierdan a Eleonora da Toledo).

Si bien será uno de los más famosos pintores manieristas italianos junto con
Parmigianino, Pontormo y Rosso Fiorentino, Bronzino logrará tender el puente hacia
el Barroco, trabajando texturas y espacios interiores con marcado detalle y opulencia.
G) Obra relevante: La Madona del cuello largo de Parmigiano. H. 1534 - 1540

Título: Madonna with the long neck

Creador: Parmigianino Mazzola
Fecha de creación: 1534 - 1540
Style: Renaissance / Mannerism / Altarpiece
Original Title: Madonna con Bambino e angeli, detta Madonna dal collo lungo
Dimensiones físicas: w600 x h730 mm
Tipo: painting
Técnica: Oil on panel
 H) Cierre y conclusiones del Manierismo
El manierismo duró menos de un siglo pero muestra una clara ruptura con el
renacimiento cuando vemos las pinturas notamos los brochazos colores más vivos no
existe tanto respeto por las proporciones y sin embargo se ven exquisitas,
complicadas y bien estudiadas.

Personalmente el maestro Parmigiano, es un pintor que logró capturar la fantasía de

los momentos que representaba; parece que la piel de los personajes es tan tersa que
no se puede tocar.

Cuando veo las obras de el greco y Zuccaro, se nota una clara diferencia entre sus
antecesores ubicados en el renacimiento. parece ser también que el periodo histórico
correspondía a cierta rebeldía de los pintores.

En las esculturas se puede notar el movimiento, pero también cómo se estiran en

poses que no se habían visto antes, además de que se introducen seres mitológicos.

Por último, el manierismo es una corriente que me parece que transforma las obras
del renacimiento y da paso al barroco dándole mayor libertad.