EL ARTE COMO UNA FORMA DE MEDITACIÓN

La historia del arte es, a la vez, la historia de la religión. Si nos adentramos en su

estudio, notaremos que la espiritualidad del ser humano innegablemente está vinculada
con su capacidad de creación artística desde la prehistoria.

De echo, el arte ha sido utilizado en diversas religiones por motivos distintos. En

muchas de ellas ha fungido como transmisor de ciertos conceptos espirituales, o
inclusive de estados de conciencia no conceptuales. Como dato interesante, Platón
menciona en La República el poder que el arte tiene para exaltar estados mentales
específicos en las personas. Después de esa afirmación aprovecha para explicar que,
debido a este poder, los artistas deberían ser corridos de la república, al darles esta
cualidad del arte el poder de evocar las pasiones animales del hombre, capaces de
alejarnos de la virtud de la civilización.

Sin embargo, también es Platón quien menciona otro poder que tiene el arte, que es el
de poder generar en el ser humano las emociones más sutiles y virtuosas. Es, en este
sentido último, que el arte puede ser entendido también como una práctica de
meditación. Y, de hecho, es justo de esta forma como diversas culturas lo han abordado
a lo largo de los siglos.

Esta vez daremos un breve acercamiento a cómo el arte puede ser comprendido y
abordado como una forma de meditación.

Creación del mandala Kalachakra por monjes tibetanos de budismo vajrayana.

¿Qué es la meditación?

Wikipedia en español describe la meditación de la siguiente manera:

<<La meditación es una práctica en la cual el individuo entrena la mente o induce un
modo de conciencia, ya sea para conseguir algún beneficio o para reconocer
mentalmente un contenido sin sentirse identificado/a con ese contenido, o como un fin
en sí misma.

El término meditación se refiere a un amplio espectro de prácticas que incluyen técnicas

diseñadas para promover la relajación, construir energía interna o fuerza de vida (Qì, ki,
chi, prāṇa, etc.) y desarrollar compasión, amor, paciencia, generosidad y perdón.>>

Proceso de creación de una Thangka tibetana en seda.

Platón, arte y el despertar de las pasiones

Como se mencionó más arriba, en la República Platón habla del arte de forma similar a
la descripción antes dada de meditación, es decir, como un instrumento o práctica capaz
de inducir y desarrollar estados mentales específicos en el ser humano.

En primera instancia, el menciona el arte como un instrumento capaz de desatar y

exaltar las pasiones e instintos animales, los cuales desde su punto de vista no debían ser
exaltados al alejar al ser humano de su verdadero potencial. En este sentido, para Platon
el arte es una forma de meditación (como inducción de un estado de conciencia
específico) indeseable.

Ya hablé sobre que es debido a esta razón que Platón concluye que los artistas debían
ser corridos de la República perfecta: eran una amenaza a las fuerzas civilizatorias de la
virtud. Tenían ellos (o mejor dicho nosotros) el poder de destruir todo lo que el ser
humano había ganado hasta ese momento. Sin duda, esta forma de pensar no deja bien
parado al arte como una práctica de desarrollo espiritual, pero ya vimos que esto no
sería lo único que Platón escribiría sobre el tema.

Pintura para thangka tibetana Tongren

Platon, arte y meditación

Platón también mencionó que el propio arte podría ser utilizado con un fin
completamente distinto al de evocar las pulsiones animales. Dijo que el arte, en lugar de
exaltar las pasiones más bajas. puede también ser utilizado para exaltar la virtud.

Desde su punto de vista (inspirado en Sócrates) el arte que tenía la capacidad de lograr
esto era aquel que era creado por amor. El arte que era producto de un artista que se
dejaba arrastrar por Eros hasta las alturas, era capaz de evocar en el hombre las
emociones más sutiles que la existencia humana tiene la capacidad de probar.

Este tema es mencionado en la República y trabajado de forma mucho más amplia por
Sócrates en Fedro. Ambos textos, junto con Ion, son algunas de las bases más antiguas y
significativas para la teoría del arte occidental de los siglos posteriores.

 
Vincent van Gogh, Figura de un ángel (interpretación de una pintura de Rembrandt),
óleo sobre tela, 54 x 64 cm, septiembre 1889.

Meditación de amor

Existen distintas meditación relacionadas con el amor. Yo conozco con cierta

profundidad dos de ellas que pueden relacionarse estrechamente con el acto de creación
artística como práctica de meditación. Una es un aspecto de una práctica de meditación
Budista conocido como los Brahma-Viharas. El otro es una forma de yoga conocida
como Bhakti yoga.

La primera meditación antes mencionada proviene directamente de Buda Shakyamuni

(el Buda que todos conocemos como Buda) y es practicada principalmente en la
tradición Theravada de budismo, que es la primera escuela de budismo que surgió tras
la muerte de Buda. La práctica de Brahma-Viharas, también conocidas como las cuatro
emociones sublimes o las cuatro emociones inmensurables, consisten en sentarse y
desarrollar mediante meditación 4 emociones sublimes distintas: compasión, amor,
ecuanimidad y simpatía alegre.

Específicamente en la práctica de amor lo que buscas es hacer crecer el amor hacia

aquello que te resulta fácil amar. Tradicionalmente se empieza dirigiendo el amor hacia
uno mismo. Luego ese amor se dirige hacia otros individuos a quienes nos es fácil amar
y, en última instancia, se busca extender el amor incluso a nuestros enemigos, o
personas que nos han hecho daño o nos desean daño. De esta forma se hace crecer
nuestra capacidad de amar, poco a poco, hasta que dicha capacidad se vuelve
desbordante, yendo más allá de nosotros mismos y de nuestro círculo cercano.

Rembrandt van Rijn, Jeremías prevé la destrucción de Jerusalén, óleo y temple sobre
madera, 1630, 58 x 46 cm.

 
Brahma-Viharas y la mente

Existen distintos estudios científicos que han sido realizados a practicantes de Brahma-
Viharas, donde se ha visto como ciertas áreas del cerebro relacionadas con el estrés por
la supervivencia disminuyen su actividad. También se ha visto cómo una mayor
cantidad de ondas alfa relacionadas con la calma comienzan a permear y transformar el
cerebro.

Algo muy interesante de las prácticas de meditación es cómo aprovechan la alta

neuroplasticidad del cerebro con motivos específicos. Estas prácticas son capaces de
inducir estados deseables de calma, paz, seguridad y otras emociones en nuestras
mentes. Y, precisamente debido a la gran neuroplasticidad del cerebro (con lo que me
refiero a su capacidad de moldearse y readaptarse ante nuevos impulsos), dichas
prácticas de meditación no sólo afectan el cerebro mientras se practican, obteniendo así
resultados pasajeros, sino que tienen la capacidad de modificar nuestros cerebros a largo
plazo.

Como se habrán dado cuenta, existe un vínculo estrecho entre la descripción que hace
Platón del arte como instrumento para evocar distintos estados mentales en el ser
humano y las prácticas de meditación que fungen de la misma forma.

Rafael Sanzio, La escuela de Atenas, Pintura al fresco, 500 cm × 770 cm, 1510 a 1511.

Arte como una meditación de amor

Para que una meditación surja efecto y transforme nuestro continuo mental con
emociones positivas, debe ser practicada regularmente. Más importante aún, en una
meditación como aquella en que se busca hacer crecer nuestra capacidad de amar, es
importante realmente evocar amor durante la meditación.
Al hacer arte, cuando se hace por gusto y con amor, se esta haciendo algo muy similar a
sostener una meditación de amor por un período de tiempo. Y, como varios artistas que
tengan cierto tiempo trabajando habrán experimentado, esta labor en efecto va
permeando la mente con el paso de los años. En el caso del arte, la emoción no se
genera mentalmente, sino que se genera mediante la actividad externa, el desarrollo de
la misma y el impacto interno que todo esto tiene.

En cierta forma, es una meditación que depende de instrumentos externos. A veces esos
elementos no requieren ser más que un lápiz y un papel, a veces ni eso. ¿Cuántos de
nosotros no sentimos alegría, gozo, e incluso nos maravillamos completamente mientras
estamos creando arte? Así mismo, ¿cuántos de nosotros no nos hemos olvidado
completamente del tiempo por horas durante el acto de creación? Claro que también
puede darse el caso de que nos sintamos infinitamente frustrados mientras creamos arte.
Puede que lo que buscamos no llegue y que entonces nuestro acto de creación artística
se vuelva una evocación de emociones de sufrimiento.

Gerard van Honthorston, Adoration of the Shepherds 1622, Wallraf-Richartz-Museum

Yoga del amor

El Bhakti yoga o Yoga devocional es considerado como la práctica yóguica más elevada
posible. De hecho, se dice que todas las forma de yoga terminan en bhakti yoga, puesto
que éste es el resultado de la sabiduría que se alimenta con las prácticas y, a su vez, del
amor que se adquiere por la práctica misma. Esta práctica de yoga posee igualmente un
estrecho vínculo con la creación artística motivada por el amor, puesto que el motor de
ambas prácticas es el mismo. No obstante, para que esta práctica se vuelva efectiva es
importante que se practique amorosamente y no con estrés, tensión y otras emociones
negativas.

En el Bhagavad Gita, libro que es considerado el texto más importante dentro de la

práctica de yoga, constantemente se hace referencia a la necesidad de practicar yoga sin
preocuparse por los resultados de nuestros acciones. Por supuesto, esto no quiere decir
hacer las cosas a lo tonto, sino dar nuestro mejor esfuerzo y no preocuparnos por los
resultados inesperados.

En términos más prácticos, este esfuerzo implicará que podamos mantener un tipo de
emoción constante durante la actividad realizada, en este caso arte, para realmente
transformar nuestra mente de manera positiva con la misma. Podemos hacer crecer el
amor de forma constante y equilibrada, a la vez que crece nuestra ecuanimidad frente a
las fallas. Los errores, más que nuestros enemigos, son nuestros maestros.

Anselm Kiefer, Osiris and Iris, óleo y emulsión acrílica con distintos objetos
tridimensionales (1985-87)

Anselm Kiefer y la espiritualidad en el arte

En algún video que vi del pintor Anselm Kiefer, menciona que cuando era niño estaba
muy interesado en la religión católica. Le emocionaba ir al catecismo y esperaba con
ansias el día de su primera comunión. Quería recibir a Cristo en él a través de la hostia,
puesto que imaginaba que hacerlo sería una experiencia mística sin paralelo.

Llegó el día de su primera comunión y al recibir la hostia no ocurrió nada, después de lo

cual perdió todo su interés en la religión. Sin embargo, su deseo de conectar con algo
que fuera más allá, su deseo de vivir una experiencia mística, siguió acompañándolo
siempre. Tiempo más tarde, menciona, notó que el único lugar en el que encontró justo
aquello que esperaba iba a ocurrir cuando recibiera la hostia, fue en sus cuadros,
específicamente durante el proceso de creación de sus obras.

Nierika Huichol en hilo sobre madera.

 Próxima entrada

En la próxima publicación hablaremos menos de filosofías y prácticas de meditación y

nos enfocaremos en cómo distintas culturas han empleado el arte como una práctica de
meditación en sí misma. Hablaremos de la cultura huichol, de la visión taoísta y de arte
en el Zen.

LA IMPRIMATURA DE ACEITE Y MEDIA CRETA

Las imprimaturas de aceite y media creta son las imprimaturas ideales para pintar al
óleo. Tienen la gran ventaja de ser imprimaturas flexibles, lo cual permite que los
cuadros pintados sobre lienzos imprimados con ellas puedan ser enrollados y
transportados fácilmente. A pesar de ser las imprimaturas ideales para óleo, han caído
en desuso y ha sido sustituida en el mercado por la imprimatura de gesso acrílica, la
cual -como mencioné en la publicación anterior– pese a tener algunas similitudes con la
media creta y la imprimatura de aceite, no comparte todas sus características y ventajas.

Es probable que las razones principales por las que las imprimaturas de media creta y
aceite ya no se usen sean que éstas requieren ser preparadas con anticipación y que, una
vez preparadas, no pueden ser almacenadas por más de una semana sin que pierdan sus
cualidades. Esto ha hecho que gran parte de la industria y el mercado de materiales de
arte privilegien el uso de gesso acrílico, el cual puede ser almacenado largo tiempo y ser
utilizado inmediatamente, sin mayor preparación. Aún con esas ventajas que el gesso
acrílico posee en cuanto a practicidad, a la larga este tipo de imprimatura trae problemas
a los cuadros pintados sobre la misma con técnicas al óleo o temple. Estos problemas,
mencionados en la publicación anterior, son problemas que jamás se presentarían con
las imprimaturas de media creta y aceite. Las ventajas inherentes a estas imprimaturas
tradicionales hacen que su mayor tiempo de preparación valga la pena.

Como prometí la semana pasada, en esta entrada renovada daré la receta de las
imprimaturas de aceite y media creta, y explicaré, paso por paso, cómo prepararlas sin
contratiempos.

De izquierda a derecha: cola de conejo, carbonato de calcio, aceite de linaza y blanco de

zinc.

IMPRIMATURAS FLEXIBLES TRADICIONALES PARA LIENZOS

ENROLLABLES

Una de las grandes ventajas de la imprimatura acrílica, también conocida como gesso
acrílico, es que los lienzos preparados con ella se pueden enrollar. Esto es una gran
ventaja a la hora de querer enviar nuestras pinturas para una exposición fuera del país en
que vivimos, o en algún sitio lejano del mismo. También es una gran ventaja a la hora
de almacenar nuestros cuadros.
Sin embargo, la imprimatura de gesso no es la imprimatura ideal para todas las técnicas.
De hecho, a mediano y largo plazo puede traer desventajas en cuanto a la conservación
de nuestras obras. Por suerte la imprimatura de gesso no es la única imprimatura
flexible, sino que existen imprimaturas tradicionales que también lo son y que no tienen
los problemas que el acrílico presenta a mediano y largo plazo.

Hoy hablaremos de distintas imprimaturas flexibles. Como siempre, daremos primero

algunos antecedentes históricos y posteriormente hablaremos de las imprimaturas en sí,
sus usos y preparaciones.

Rembrandt van Rijn, La Ronda Nocturna, Óleo sobre lienzo, 339 x 439 cm, 1642.

¿Qué es una imprimatura?

Una imprimatura se utiliza para preparar una superficie sobre la que se quiere pintar. En
la pintura artística las hay de distintos tipos: para superficies rígidas y para superficies
blandas. Entre las rígidas encontramos imprimaturas para metal, muro y madera,
mientras que entre las blandas encontramos imprimaturas para papel y para tela.

También hay imprimaturas para otras formas de pintura, como para pintura de autos y
pintura de casas. Las imprimaturas son muy adherentes y se adhieren a las superficies
en las que vamos a pintar más de que se adheriría la pintura por sí sola. A su vez son
muy absorbentes y por tanto favorecen la adhesión de la pintura a las mismas. En
resumen, son esenciales para mantener la pintura unida al soporte sobre el cual se ha
creado una obra.
 

Antecedentes de las primeras imprimaturas de la historia

Las primeras imprimaturas eran preparaciones para pintar sobre muros. Las distintas
técnicas para pintar al fresco que surgieron en culturas tan distintas como la italiana o la
maya son precisamente estas imprimaturas. En cierta forma, no podemos llamar a estas
preparaciones imprimaturas per se, puesto que son mucho más complejas. Sin embargo,
las imprimaturas nacieron con la intención de imitar la cualidad de las preparaciones de
pintura para muros.

Las primeras imprimaturas para lienzos móviles registradas surgieron en la pintura

europea durante la Edad Media, siendo imprimaturas para pintar al temple con la
intención de imitar los muros de los templos y recrearlos en retablos más pequeños y
móviles.

Antes de estas imprimaturas para temple, existían también imprimaturas para

encáustica. Claro que la técnica de encáustica se perdió por varios siglos y no hay
registros exactos de cómo se preparaban estas imprimaturas. Muy probablemente era
con caseína o alguna preparación similar a la creta utilizada para temple, mas como no
tenemos datos exactos, tomamos en cuenta las imprimaturas para temple de la Edad
Media como las primeras.

 
Claude Monet, De la serie: Lirios Acuáticos, Óleo sobre tela, ( 1915-1926)

La revolución de la imprimaturas flexibles tradicionales

La mayor ventaja que trajo consigo el descubrimiento de la pintura al óleo fueron las
imprimaturas flexibles. Las imprimaturas de creta para temple que se usaban en la Edad
Media eran rígidas e inflexibles, lo cual limitaba mucho el tamaño de los cuadros.
Cuando un cuadro pintado sobre una de estas imprimaturas era muy grande, las
vibraciones o movimientos de la tabla debido a cualquier circunstancia hacían que las
pinturas hechas sobre las mismas se craquelaran.

A partir de que se descubrió la técnica de óleo se comenzó a experimentar con

imprimaturas a las que se agregaba aceite. De esta forma los formatos de los lienzos
pudieron crecer, gracias a la mucho mayor flexibilidad de estas imprimaturas. A su vez,
los cuadros ya no necesitaban tener soportes rígidos detrás, y pudieron empezar a
emplearse bastidores huecos. Por ultimo, las imprimaturas para óleo también trajeron
consigo la posibilidad de enrollar los lienzos y de hacerlos viajar fácilmente.

Estos cambios implicaron que muchos artistas del Renacimiento tardío, y sobre todo del
Barroco, tuvieron la oportunidad de ver personalmente obras que viajaban hasta sus
poblaciones o a ciudades cercanas, sin tener que ir a las ciudades de las que las obras
eran originarias. Esto quiere decir que las imprimaturas de aceite en cierta forma
trajeron consigo el nacimiento de las exposiciones itinerantes.

 
 

Imprimaturas flexibles actuales

La mayoría de las imprimaturas flexibles actuales para todo tipo de técnicas están
hechas a base de acrílico. El acrílico tiene la ventaja, no sólo de ser flexible, sino
también de ser muy conveniente a la hora de imprimar los lienzos.

Para imprimar un bastidor con acrílico sólo necesitas tensar tu tela, comprar un bote de
gesso acrílico, rebajarlo tanto como diga la instrucción en el empaque y aplicarlo sobre
el lienzo. Quizá es esta practicidad la que ha hecho que casi todos los pintores actuales
utilicemos esta preparación para imprimar nuestros cuadros. Sin embargo, el gesso
acrílico tiene algunas desventajas.

 
Georges Seurat, Domingo por la tarde en la isla de La Grande Jatte’, Óleo sobre tela,
213 x 305 cm (1884-1886)

Desventajas del gesso acrílico

El gesso acrílico tiene una gran desventaja respecto a otras técnicas y es que no es
estable a largo plazo.

Cuando el acrílico comenzó a emplearse era una técnica nueva, de la cual se desconocía
cómo iba a evolucionar a largo plazo. Lo mismo puede decirse de muchas otras
industrias que adoptaron el plástico independientemente a sus -en aquel entonces
desconocidas- consecuencias, debido a las ventajas en cuanto a practicidad que los
caracterizaban. En algunas industrias estas consecuencias fueron más bien para el medio
ambiente y no para la industria en sí.

De forma similar, en caso de los medios acrílicos de pintura el problema no fue para la
industria. De hecho, para la misma fue una ventaja, puesto que la gente prefería comprar
estos medios que preparar imprimaturas tradicionales, las cuales no son tan fáciles de
preparar. El verdadero problema ha sido para la obra, puesto que el acrílico no es
estable a largo plazo y puede ser una verdadera pesadilla para los restauradores.

El mayor problema del acrílico radica en su extrema sensibilidad a los cambios de

temperatura, lo que lo hace craquelarse cuando hace frío y volverse pegajoso cuando
hace calor. Estos cambios lo hacen ensuciarse, acidificarse y, en suma, ser inestable a
largo plazo. Si se desea saber más al respecto de los problemas del acrílico, dejo aquí
este link para un texto en inglés del tate al respecto.

 
 

Técnicas mixtas de acrílico y otros medios

Cuando trabajamos con medios como óleo o temple sobre imprimaturas acrílicas,
estamos reduciendo el tiempo de vida de las otras técnicas y volviéndolas tan durables
como el acrílico, o incluso menos.

Yo pienso que hay un lugar para todas las técnicas, hay obras hechas con acrílico que
difícilmente se podrían lograr en otros medios, un buen ejemplo de lo cual es la obra de
Anselm Kiefer. Sin embargo, pienso también que hay quien no necesariamente está
interesado en que su obra comience a sufrir daños estructurales a los pocos años de
haberla pintado.

Normalmente, el acrílico empieza a sufrir molecularmente veinte años después de

pintarse, que es cuando se rigidiza drásticamente. Si las capas del mismo fueron
delgadas, las películas de pintura no sufrirán tanto, pero si, por el contrario, se trabajó
con impastos implica que la obra comenzará a deteriorarse drásticamente, como ha
ocurrido con mucha de la obra de Siqueiros o de Pollock.

 
Pablo Picasso, Guernica, 1937. Óleo sobre tela. 349 cm × 776 cm.

Otras imprimaturas flexibles

En fin, la intención de esta publicación no es espantar a nadie. Más bien se trata de

hacer que quien utiliza imprimaturas acrílicas por la conveniencia que presentan sepa
también los conflictos que las mismas traen consigo a mediano y largo plazo. Por otra
parte, es para que también se conozcan las otras opciones que hay en cuanto a
imprimaturas y que puedan utilizarlas si así lo desean.

En cuanto a otras imprimaturas flexibles, existen la imprimatura de media creta y la

imprimatura de aceite, que son las imprimaturas para óleo que se han empleado por
siglos y que hasta la fecha siguen teniendo enormes ventajas. Lo que a muchas personas
les ha hecho no utilizarlas es que pueden ser difíciles de preparar. Pero no son
imposibles de preparar, sólo se requiere seguir ciertos puntos importantes para hacerlo.

 
 

Cola de conejo de calidad

El medio esencial de la imprimatura flexible tradicional es la cola de conejo. Ahora

bien, existen muchas colas distintas. La cola de cerdo se utilizaba tradicionalmente para
carpintería, la cola de pescado se empleaba en algunas tintas orientales y la cola de
conejo se utiliza para pintar.

La cola de conejo tiene la cualidad de ser sumamente flexible, a diferencia de la cola de

los huesos de otros animales. Esta cola es la esencia de la imprimatura flexible y sin ella
los lienzos de pintura no se vuelven enrollables. Para preparar imprimaturas de aceite o
media creta es esencial conseguir cola pura de conejo de alta calidad. Si están
interesados en trabajar con la misma, siempre pueden contactarnos y conseguirla con
nosotros.

 
 

Carbonato de calcio

Las cargas que dan su blancura a la imprimatura son el carbonato de calcio y el blanco
de zinc o plomo. Tradicionalmente se empleaba cal enfosada para preparar las
imprimaturas, la cual es una cal viva que fue apagada en agua y dejada reposar ahí por
mínimo un año, idealmente 7. Durante este período de reposo, la cal suelta sales que se
elevan a la superficie, permitiéndoles ser retiradas. Con el tiempo, estas sales que se
retiran pueden generar la aparición de salitres en los lienzos, por lo que es ideal
retirarlas.

Los procesos industriales actuales han vuelto mucho más fácil trabajar con el carbonato
de calcio. Dichos procesos retiran las impurezas de este material con otros métodos más
veloces. Sin embargo, no todos los carbonatos son igual de puros, por lo que es
importante conseguir carbonato de calcio altamente puro y refinado.

 
Rembrandt van Rijn, Los síndicos de los pañeros, Óleo sobre lienzo, 191.5 x 279 cm,
1662.

Pigmento blanco

Tradicionalmente, el pigmento blanco que se utilizó por siglos para las imprimaturas
flexibles fue el blanco de plomo, para el cual hoy en día existen regulaciones que
limitan su uso en muchos países.

No obstante, desde hace más de un siglo también se ha empleado blanco de zinc para
sustituir el blanco de plomo. Si bien el blanco de zinc como pintura puede craquelarse
fácilmente y no es aconsejable, al utilizarse a manera de imprimatura no tiene tantas
complicaciones, puesto que su forma de trabajar con el medio con el que se adhiere al
soporte (la cola de conejo) es diferente a cuando es empleado con puro óleo, temple o
acrílico.

 
Caravaggio, La decapitación de San Juan Bautista, Óleo sobre tela, 361 x 520 cm, 1608.

Agua y aceite

Los dos últimos elementos a considerar en las imprimaturas de aceite y media creta son
el agua y el aceite, de los cuales hablaremos en la publicación de la próxima semana.

En la siguiente entrada aprovecharemos para también mencionar paso a paso cómo se

debe preparar la imprimatura de aceite y qué se debe tener en consideración durante su
preparación para que con ella se logren los lienzos flexibles que buscamos.