República de Panamá.

Esc. Secundaria Ángel María Herrera.

Español.
Expresionismo y Cubismo.
Prof. Elvys Flores.

Quintero, Nathalie.
Ruiz, María.

Año Lectivo: -2023-

 Introducción.

Las vanguardias artísticas son los movimientos de la primera mitad del siglo
XX que revolucionaron las artes plásticas occidentales (pintura y escultura).
Algunos de estos movimientos se expresaron también en el diseño gráfico,
industrial y arquitectónico.
Las vanguardias fueron experiencias grupales más o menos organizadas, en las
cuales los artistas suscribían una misma agenda estética e ideológica. Por eso,
varios movimientos tuvieron manifiesto escrito. Entre ellos, el expresionismo,
el futurismo, el suprematismo, el dadaísmo, el neoplasticismo y el surrealismo.
Todo se enmarcaba en una época que, abrazada al progreso científico e
industrial, también quería que el arte «progresara». Este impulso transformador
respondió en parte a la violenta modernización del siglo XX, que contrastaba
radicalmente con el conservadurismo de la academia artística, todavía atada a
la tradición plástica.
Cuáles son los movimientos de vanguardia en el arte en la siguiente línea de
tiempo:
1904. Fovismo.
1905. Expresionismo.
1907. Cubismo.
1909. Futurismo.
1910. Abstracción lírica.
1914. Constructivismo.
1915. Suprematismo.
1916. Dadaísmo.
1917. Neoplasticismo o De Stijl.
1294. Surrealismo.
 Impresionismo.
La pintura impresionista nace a partir de la segunda mitad del siglo XIX y
quiere, a grandes rasgos, plasmar la luz y el instante, sin importar demasiado la
identidad de aquello que la proyectaba. Las cosas no se definen, sino que se
pinta la impresión visual de estas cosas, y eso implica que las partes inconexas
dan lugar a un todo unitario (algo que años después demostraría científica y
psicológicamente la Gestalt).
Resumiendo, este movimiento se caracteriza por el uso de colores puros sin
mezclar («todo color es relativo a los colores que le rodean»), el hecho de no
ocultar la pincelada, y por supuesto darle protagonismo ante todo a la luz y el
color. De esta manera las formas se diluyen imprecisas dependiendo de la luz a
la que están sometidas, y una misma forma cambia dependiendo de la luz
arrojada sobre ellas, dando lugar a una pintura totalmente distinta.
Por ello, y a partir de los paisajistas de la escuela de Barbizon, los impresionistas
se centraron en la pintura al aire libre, buscando plasmar el cambio de la
luminosidad, el instante.
Características del Impresionismo.
El impresionismo no es arte homogéneo como tal, pero sí cuenta con una serie
de características afines a todos los artistas que se unen a este movimiento.
• Un reflejo de la naturaleza y los paisajes al aire libre
• Juego de luz y color a través de los tres colores primarios
• Uso de colores puros directamente en el lienzo, sin mezclas
• Mantienen la perspectiva desde el primer plano
• Utilizan pinceles finos para unificar la pintura
•
Aristas del impresionismo.

• Edouard Manet (1832-1883)

• Claude Monet (1840-1926)
• Auguste Renoir (1841-1919)
• Edgard Degas (1834-1917)
La Noche Estrellada, Vincent van Gogh.
 Claude Monet.

Claude Monet es un pintor francés conocido por su

aportación en el movimiento artístico denominado
Impresionismo. Nacido en París, el 14 de noviembre de
1840, pasa su infancia en Normandía, en la ciudad de El
Havre, donde se instala junto a su familia con tan sólo
cinco años. Poco a poco, el joven Monet logra
desarrollar su pasión, empezando por la caricatura y, en
1859, estudiando pintura en la Academia Suiza de
París, con el apoyo de su padre. Su marcha a Argelia al servicio militar en 1861
interrumpe sus estudios, sin embargo, continúa experimentando diferentes
efectos artísticos. A su vuelta a París en 1862 tras una enfermedad que contrae
(pleuresía), conoce al pintor suizo Charles Gleyre y trabaja junto a Alfred
Sisley, Auguste Renoir y Frédéric Bazille, que se convertirán en buenos amigos.
Durante la segunda mitad de la década de 1860, Monet pinta un estilo que
recuerda al de Edouard Manet. A medida que amplía su estilo, Claude Monet
se enfrentará a dificultades económicas, ya que ningún Salón quiere exponer
sus lienzos, a pesar del éxito de La Femme en robe verte, que representa a
Camille Doncieux, la mujer que se convertirá en su esposa en 1870.
Posteriormente, Monet viaja a Londres durante la Guerra franco-prusiana y
conoce al comerciante Paul Durand-Ruel, quien le comprará sus lienzos y
contribuirá a la difusión de las obras de los impresionistas.
En 1883, se traslada definitivamente a Giverny con su amiga Alice Hoschedé,
los seis hijos que ella tuvo con Ernest Hoschedé y sus dos hijos propios; su
último hijo no llegará a conocer a su madre, muerta en el parto en 1879. Giverny
se convertirá en un verdadero remanso de paz para Monet. A pesar de los
numerosos viajes que realizará para inspirarse con los diferentes paisajes
franceses, finalmente será en 1890 cuando decidirá comprar la casa en la que
vivía en Giverny, y cuyos jardines le inspirarán para crear obras tan famosas
hoy en día como la serie de los Nenúfares. El 5 de diciembre de 1926, Monet
fallece en su casa de Giverny rodeado por su familia. Tras su fallecimiento, se
creará la fundación de Monet para conservar el patrimonio de Giverny y abrirlo
al público.
 Obras de Monet.

El Puente Japonés. 1899

Jarrón de Girasoles
Mujer con sombrilla 1875.
Impresión, Sol Naciente 1872.
El jardín del artista en Giverny, 1900.
 Cubismo.
El cubismo es un movimiento artístico moderno que surgió alrededor de 1907
en París, Francia. El movimiento cubista constó de dos grandes fases: El
cubismo analítico y el cubismo sintético. Los artistas cubistas reimaginaron la
representación convencional rechazando las tradiciones de perspectiva,
modelado y escorzo favorecidas durante el Renacimiento. El resultado de este
método era una composición muy abstracta que representaba el tema desde
todos los ángulos o con planos de imagen superpuestos.
El cubismo fue inventado en 1907 por los artistas Pablo Picasso (1881-1973) y
Georges Braque (1882-1963). El término cubismo tiene su origen en un
comentario del crítico de arte Louis Vauxelles en 1908, que describió los
cuadros de Georges Braque como una reducción de los temas a «contornos
geométricos, a cubos» ¿Quién inspiro el Cubismo?
El artista postimpresionista francés Paul Cézanne (1839-1906) influyó
principalmente en el movimiento cubista. Aunque los experimentos de Cézanne
con los planos y la perspectiva son modestos comparados con los del cubismo,
su uso de las líneas duras, las formas geométricas y las perspectivas simultáneas
tuvieron un profundo impacto en la estética del cubismo.
Además de Cézanne, otros estilos artísticos, como el arte cicládico y el africano,
también inspiraron el cubismo. El cubismo tomó prestados elementos estéticos
del arte africano y cicládico, dejando atrás la función simbólica de muchos
artefactos.
 Características del Cubismo.

• Múltiples perspectivas
Los cubistas pretendían representar en sus cuadros toda la estructura de los
objetos y las personas sin utilizar técnicas como la perspectiva o el sombreado
graduado para darles un aspecto realista. Querían mostrar a sus sujetos tal y
como eran realmente, en lugar de crear una ilusión de un objeto o persona.
Formas geométricas
Las imágenes de tipo cúbico, así como otras formas geométricas como conos,
esferas y cilindros, aparecen a menudo en las primeras pinturas cubistas y, más
adelante, en las esculturas cubistas. Los cubistas consideraban que podían
representar la forma de un objeto con mayor precisión utilizando formas
geométricas para representar sus distintos lados y ángulos. El uso de formas
geométricas sustituyó a técnicas como la perspectiva y el sombreado, que
también acentuaban la planitud bidimensional del lienzo.
• Paleta de colores monocromática
Los colores brillantes no se utilizaron normalmente en las pinturas cubistas
hasta mucho más tarde en el movimiento. Los primeros pintores cubistas
preferían los tonos grises, negros y ocres apagados a los colores vivos, como el
verde o el rosa. Una combinación de colores simplificada hizo que se destacara
más la estructura y la forma del tema.
• Plano de imagen aplanado
El plano del cuadro se conoce comúnmente como la superficie del lienzo. Sin
embargo, antes del cubismo, la pintura ilusionista trataba el plano del cuadro
como una ventana a una escena, en la que los temas se representaban y los
pintores creaban la ilusión de realidad dentro de la obra. Los cubistas
rechazaban la ilusión y creían que todos los elementos de un tema debían ser
visibles en el plano del cuadro. Los cubistas también pensaban que era una
representación más honesta de la realidad en comparación con sus predecesores
más tradicionales o «académicos».
 Pablo Picasso.
(Pablo Ruiz Picasso; Málaga, 1881 - Moulins,
Francia, 1973) Pintor español. La trascendencia
de Picasso no se agota en la fundación del
cubismo, revolucionaria tendencia que rompió
definitivamente con la representación tradicional
al liquidar la perspectiva y el punto de vista único.
A lo largo de su dilatada trayectoria, Pablo Picasso
exploró incesantemente nuevos caminos e influyó
en todas las facetas del arte del siglo XX, encarnando como ningún otro la
inquietud y receptividad del artista contemporáneo. Hijo del también artista
José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven
pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a los
pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes acostumbraba reunirse
en el bar Els Quatre Gats. Entre 1901 y 1904, Pablo Picasso alternó su
residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entraba en la
etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. En la
primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y
establecerse en un estudio en las riberas del Sena. Entre 1915 y mediados de la
década de 1920, Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para
adentrarse en una nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre
clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista denominó sus «orígenes
mediterráneos». Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Koklova y padre
ya de un hijo, Paulo, Pablo Picasso empezó a interesarse por la escultura a raíz
de su encuentro en 1928 con el artista catalán Julio González; entre ambos
introdujeron importantes innovaciones, como el empleo de hierro forjado. En
1935 nació su hija Maya, fruto de una nueva relación sentimental con
MarieTherèse Walter, con quien Pablo Picasso convivió abiertamente a pesar
de seguir casado con Olga Koklova; a partir de 1936, ambas debieron compartir
al pintor con una tercera mujer, la fotógrafa Dora Maar. En la década de 1950
realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que
reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas
nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de
importancia. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la
vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues,
donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.
 Obras de Pablo Picasso.
Autorretrato, 1907.

Las señoritas de Aviñón, 1907.

Chica frente a un espejo, 1932.

Guernica, 1937.