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: Liz Abadie – 2024

Trabajos parciales

Historia del arte

TRABAJO DE INVESTIGACIÓN - descriptiva
El trabajo se realiza dual o individual
Observaciones generales:
 Los trabajos de investigación se entregan en pdf, y se sube en el apartado
correspondiente del Canvas.
 El archivo debe contener una portada (logo de la Universidad, nombre del
trabajo, nombre y apellido (de los que trabajaron), semestre, carrera, año.
 Se debe de contar con una introducción y una conclusión (mínimo la mitad
de la hoja para ambos indicadores)
 El trabajo debe contar con fuentes bibliográficas seguras (evitar rincón del
vago, Wikipedia, buenas tareas, el churero.com, Brainly, Word press, etc.)
 Sólo se tiene una oportunidad para alzar el archivo correcto, tengan en
cuenta que si no se presenta a tiempo pierden puntajes.
 Se realiza sólo una entrega por grupo.
(Para el punto cuatro pueden utilizar la aplicación mind meister para realizar su
cronología en el caso de que lo prefieran les dejo el enlace, se registran y se
descarga el archivo en Word, pdf. https://www.mindmeister.com/app/folders )

Trabajo de investigación. Introducción a la Historia del Arte.

1- Investiga y registra 5 definiciones de Arte en 5 fuentes bibliográfica
distintas. A partir de ellas establece una definición propia del arte.
2- Localiza y pega imágenes donde se ilustre una obra pictórica, una
arquitectónica y otra escultórica y, realiza una breve descripción de sus
características.
3- Redacta un resumen sobre:
a. Arte por Arte, teniendo en cuenta los diferentes aportes sobre el arte,
desde sus inicios.
b. Arte aplicado, sobre qué hace énfasis y el objetivo que persigue.
4- Realiza una cronología de la historia del arte hasta la actualidad, teniendo en
cuenta los autores, tipos de obra, factores externos como la política, cultura,
lo social, etc.
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Rúbrica de evaluación
Criterios Puntaje.
Investigación y análisis de la información 2
Organización y estructura de las ideas a exponer 2
Calidad y evidencia de las informaciones 2
Presentación y redacción 2
Introducción, Bibliografía, Conclusión 2
Total 10

https://books.google.com.py/books?hl=en&lr=&id=6R-
F6SdKVO8C&oi=fnd&pg=PP19&dq=historia+del+arte+&ots=fii-
QD9Nm8&sig=6LHONsCxpUv0KIqypWK7-
gxAQwk&redir_esc=y#v=onepage&q=historia%20del%20arte&f=false
https://books.google.com.py/books?hl=en&lr=&id=Ai-_rb-
Pc6QC&oi=fnd&pg=PA5&dq=historia+del+arte+&ots=uJgZ9kVK76&sig=gsdHG
53oT7wU2jqf_p1fak8oLvs&redir_esc=y#v=onepage&q=historia%20del
%20arte&f=false
chrome-extension://efaidnbmnnnibpcajpcglclefindmkaj/https://www.aranzadi.eus/
fileadmin/docs/Munibe/200503179188AA.pdf

Prehistoria:
El género humano aparece como tal hace aproximadamente 2,5 millones de años, en África
oriental. Ocupa Europa y la península Ibérica hace algo más de un millón de años. Este realiza
actividades y se estructura socialmente de una forma lo suficientemente compleja para sobrevivir
en el mundo. Sin embargo, no descubre el arte, hasta hace apenas 40.000 años.
Nunca podremos saber con certeza cuales fueron las motivaciones que dieron lugar al origen de
lo que llamamos arte. Algunos autores han propuesto, que fue la imitación de las formas
naturales, lo que les empujó a ello. O tal vez fue una necesidad, una pasión innata, de expresar
emociones o las experiencias del artista. O tal vez la forma material de dejar constancia de la
posición social o religiosa en el grupo de quien realiza tales obras. También se han buscado
explicaciones más utilitarias, como la magia propiciatoria de la caza o fertilidad. También se han
dado interpretaciones sociológicas, que ven en el arte rupestre el recordatorio de pactos
establecidos entre los grupos dispersos de cazadores.
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Durante el paleolítico inferior, hasta unos 120.000 años. Solamente se atisba un cierto
sentimiento estético en los grupos achelenses que, excepcionalmente, parecen seleccionar
algunas materias primas no sólo por su efectividad, sino también atendiendo a la belleza y
colorido de las mismas.
En 1981 fue hallado en el yacimiento israelí un canto de roca volcánica que pudo ser alterados
intencionalmente para simular un cuerpo humano femenino.
Durant el paleolítico medio, entre 120.000 y 40.000 años antes del presente, conjuntos de
prácticas funerarias revelan una clara intencionalidad conceptual. Los enterramientos rituales
pueden responder a un criterio de tipo animista o mágico, para evitar que el muerto cause
problemas a los vivos. O bien por razones de prestigio social, también puede ser de tipo
religioso.
No existen pruebas materiales de desarrollo artístico, durante el paleolítico medio. Algunos
trazos intencionados sobre hueso o piedra, o la recogida de minerales o fósiles llamativos,
reflejan la curiosidad estética por las formas naturales especiales.
Al final del paleolítico medio, cuando los neandertales comparten el continente europeo con el
avance progresivo del H, Sapiens, aparecen algunos adornos corporales, como dientes o falanges
animales perforados para ser usados como colgantes. Estos han sido interpretados como una
manifestación de individualidad frente al grupo.
Se establece un paralelismo estrecho entre el paleolítico superior, hombre anatómicamente
moderno y la aparición del arte. El arte paleolítico aparece muy temprano en los dos campos que
va frecuentar: el arte rupestre y arte mueble. El arte rupestre más antiguo se expresa de forma
anicónica, con simples trazos sobre las paredes de las cuevas, y el primer arte mobiliar se expresa
en el bulto redondo en la escultura zoomorfa en tres dimensiones.
El artista prehistórico no intenta agradar, sino evocar e invocar. No hay contradicción entre los
fines utilitarios y estético, incluso la belleza asegura la efectividad de la magia.
Edad Antigua:
El desarrollo que ha tenido el arte desde el surgimiento de las primeras civilizaciones que se
expresan en la región denominada "Mesopotamia" Las culturas de Mesopotamia fueron pioneras
en muchas ramas del conocimiento, desarrolló la escritura se llamó cuneiforme, en el campo del
derecho, creó los primeros códigos de derecho, en arquitectura, desarrolló avances importantes
como la bóveda y la cúpula, creó un calendario de 12 meses y 360 días e inventó el sistema de
numeración sexagesimal.
Mesopotamia es la región al oeste de Asia, que incluye la parte centro oriental de Iraq y el
suroeste de Irán, situada entre los ríos Tigris Éufrates.
Para el estudio del arte y la civilización mesopotámica se recurre a dos tipos de fuentes: por un
lado las fuentes pre-arqueológicas y por otro lado las fuentes arqueológicas, a partir del siglo
XIX.
Las fuentes pre-arqueológicas serán la Biblia, como en el caso del relato de la torre de Babel,
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asociado con un Zigurat de Babilonia; o referido como un pueblo maligno, ya que esclavizó a
los pueblos hebreos y otras fuentes escritas de la Edad Antigua, la Edad Media y la Edad
Moderna, como los relatos de la Monja Egeria.
Las fuentes arqueológicas, a partir del siglo XIX serán inscripciones y textos antiguos como las
tablillas de escritura cuneiforme y las fuentes artísticas sobre todo cimientos, debido a la
mala conservación de los edificios.
En cuanto a las características de la cultura mesopotámica. Usaban la escritura cuneiforme
aceptada como la forma más temprana conocida de expresión escrita. Creada por los sumerios a
finales del siglo IV a.C. Tenían un gran conocimiento matemático y daban mucha importancia a
la astronomía. También eran excelentes en metalurgia y cerámica. Además, un gran desarrollo de
agricultura propiciado por la fertilidad que provocaban las crecidas de los ríos.
Principalmente se conservan restos arqueológicos de arquitectura. Al no disponer de piedra,
se recurre al ladrillo y al adobe unido con betún. Esto generará un hecho esencial en la historia
del arte: la aparición del arco y la bóveda (arquitectura abovedada). Además, en las
construcciones o restauraciones de edificios mesopotámicos era habitual la creación de los
llamados depósitos de fundación, situados a nivel de los cimientos y compuestos por pequeñas
figuras que representaban al constructor, a un fiel o a un dios; y una tablilla con inscripción.
Estas tablillas nos permiten situar temporalmente el momento de la construcción del edificio.
Similares a estos depósitos de fundación aparecen los llamados clavos fundacionales, que
representan al constructor o a un animal con una inscripción en la parte inferior que permite
situarlo. Otro ejemplo que podemos citar son las placas votivas, como la del rey Ur-Nanshe.
La religión mesopotámica se trata de una religión politeísta con dioses antropomórficos que
encarnan con frecuencia las fuerzas de la naturaleza. Algunos de sus dioses principales son,
Enlil, padre de todos los dioses. Innana – Isthar, Diosa del Amor y de la Guerra. Enki, Dios de la
sabiduría y de la
Magia. También es importante, dentro de la religión mesopotámica, el escrito sumerio de la
epopeya
de Gilgamesh, que relata hechos como el Diluvio, y presenta a un héroe que puede ser tomado
como antecedente del Hércules clásico o del Sansón bíblico.
Nuestra moderna categoría de arte no tiene equivalente en el mundo antiguo como tampoco lo
tienen «literatura» o «música». En la antigüedad tardía el término literatura podía ser empleado
en ocasiones para referirse a un cuerpo de escritos, connotaba en general la gramática o el
aprendizaje escrito. Erich Auerbach sostuvo que en la Roma imperial se distinguía entre un
lenguaje hablado y escrito literario o elevado. Esos textos incluían no sólo las obras de poesía
sino también los escritos legales, protocolarios y litúrgicos, y si bien los hablantes y escritores de
este latín elevado se mostraban muy preocupados por el estilo, su escritura culta literaria era
mucho más amplia que las modernas concepciones acerca del ámbito propio que corresponde a
la literatura de imaginación Entre los antiguos el equivalente más próximo a nuestra idea de
literatura era la poesía. Los estudiosos que hacen hincapié en la continuidad entre las
concepciones antigua y moderna de la poesía suelen citar una serie de textos tales como la
Poética de Aristóteles, donde se distingue la poesía trágica, como imitación de una acción, de la
ciencia versificada, y donde se contrasta la universalidad de la poesía con relación a la
particularidad de la historia. La única clasificación general de las artes en el mundo antiguo que
se parece de modo significativo a las ideas modernas es la división tardo-helenística y romana
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entre artes liberales y artes vulgares. Las artes vulgares son las que hacían intervenir el trabajo
físico y/o el pago, mientras que las artes libres eran las intelectuales, apropiadas para las
personas de alcurnia y cultivadas. Aunque la categoría de las artes liberales no era rígida, en ella
estaban incluidas las artes verbales, como la gramática, la retórica, la dialéctica, y las artes
matemáticas, a saber: aritmética, astronomía, geometría y música. En general, la poesía era
considerada una subdivisión de la gramática o de la retórica mientras que la música estaba
incluida en este grupo debido a su función educativa y su naturaleza matemática. No obstante, la
música considerada como arte liberal era sobre todo la ciencia de la música dedicada a explorar
las teorías de la armonía. Algunos autores antiguos añadían al núcleo de las siete artes liberales la
medicina, la agricultura, la mecánica, la navegación y la gimnasia, y sólo ocasionalmente
también añadían la arquitectura o la pintura. De este modo, las artes liberales de la antigüedad
solían agrupar la poesía junto a la gramática y la retórica, la música (teoría) con la matemática y
la astronomía y, o bien colocaban las artes visuales y la práctica musical junto. Si ahora nos
ocupamos de la concepción antigua del artista encontramos que está mucho más cerca de nuestra
idea del hombre de oficios que de nuestros modernos ideales de independencia y originalidad. En
pintura y en escultura, lo mismo que en carpintería y en navegación a vela, el artesano/artista
griego o romano tenía que combinar una capacidad intelectual para captar principios con un
entendimiento práctico, cierta destreza y gracia. En el mundo antiguo, llamar a una actividad arte
suponía otorgar el mismo prestigio que hoy en día se le asigna a la condición científica.
Lo que más llama la atención en la antigua concepción griega del artesano/artista es la ausencia
del moderno hincapié en la imaginación, la originalidad y la autonomía. En general, la
imaginación y la innovación eran apreciadas como parte del oficio cuando se trataba de producir
algo con un propósito determinado, pero no tenían ese sentido enfático que tiene en tiempos
modernos.3Había gran admiración por los logros del naturalismo griego en pintura y escultura de
los siglos IV y V antes de Cristo, pero la mayor parte de los pintores y escultores eran vistos
como trabajadores manuales. El concepto y la figura del poeta era complejo y experimentó
muchos cambios a lo largo de los casi ochocientos años que separan a Homero de Plutarco. Al
comienzo de este período las nociones de poeta y profeta no estaban del todo distinguidas,
aunque incluso cuando se estableció su diferencia, los poetas continuaron recibiendo encargos de
himnos y odas para los festivales. De hecho, un típico escritor romano de poesía o bien era un
aficionado aristocrático, o bien era alguien dependiente de un mecenas y rara vez tenía completa
libertad para escoger sus temas o su estilo. Los mecenas romanos solían reclamar de los poetas lo
mismo que de los filósofos domésticos, que les hicieran compañía y los entretuviesen. Y en
efecto, algunos poetas se caracterizaban por proporcionar a sus señores sofisticados
entretenimientos. Por ejemplo, Mecenas, que formaba parte de la corte de Augusto, sabía cómo
inspirar gratitud en autores como Virgilio y Horacio, quienes eran astutamente complacientes con
el emperador. Estaba claro que la figura del poeta estaba muy por encima del pintor y del
escultor, que trabajaban con las manos, pero el poeta era también una figura muy diferente de lo
que hoy entendemos por artista. Los griegos y romanos no tenían nuestras categorías de arte y
artista, pero consideraban la cultura, la poesía y la música con esa especie de contemplativo
desapego que nosotros llamamos estético. Dos razones parecen indicar lo contrario. En primer
lugar, la mayor parte de las cosas que nosotros clasificamos como arte griego o romano estaban
firmemente asentadas en contextos sociales, políticos, religiosos y prácticos, tales como la
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interpretación competitiva de tragedias en el festival ateniense en honor de Dioniso. El festival

de las Panateneas, por ejemplo, incluía no sólo procesiones y rituales acompañados de música
sino además recitales competitivos de los poemas épicos de Homero y competiciones atléticas
que eran premiadas con vasijas para guardar aceite de oliva finamente decoradas. La poesía lírica
y épica romana también estaba relacionada con determinados contextos sociales, donde servía
como medio de comunicación, persuasión, instrucción o entretenimiento. La Eneida era
memorizada y recitada, no sólo porque se trataba de una obra de arte imaginativa en el sentido
actual que damos hoy a esa palabra, sino porque además era usada para enseñar las reglas
correctas de la gramática y el estilo refinado, para inculcar ejemplos de virtud cívica y para
mostrar que uno era miembro de las clases cultas. Asimismo, la música en su sentido amplio y
antiguo, que incluía el teatro y la danza no era algo que había de ser escuchado en silencio o en
el marco de una actitud estética sino algo para marchar, para beber y, sobre todo, para cantar e
interpretar, para ayudarse a memorizar algo, para comunicarse y como complemento del ritual
religioso.

Edad Media
Cualquier aproximación a la historia de la Iglesia de los siglos centrales de la Edad Media debe
tener como punto de referencia el proceso de renovación espiritual y moral del Papado iniciado
por Gregorio VII y conocido como la Reforma Gregoriana. A través de ella se presentía
cristianizar más la sociedad, establecer y hacer respetar la libertad de la Iglesia y legitimar la
autoridad del Pontífice. Por sus implicaciones fue más que una cuestión de orden político-
religioso, por lo que sólo un enfoque en toda su dimensión social, económica y cultural.
No solo por casualidad su surgimiento y difusión son paralelos al nacimiento y desarrollo del arte
románico. Con el objeto de dotar a sus diócesis de un marco arquitectónico más acorde con las
nuevas necesidades y funciones de la Iglesia, los protagonistas de la reforma derribaron viejas
catedrales que fueron sustituidas por nuevos edificios y elevaron por doquier templos
parroquiales.
La reforma a principios del siglo XII la constituye la decoración de las catedrales. En la
decoración escultórica de ambas se potenció, una visión optimista de la sociedad cristiana,
ejemplificada en una imaginería vegetal-metáfora del reviviscere de la Iglesia y en programas
iconográficos que expresaban la promesa de la redención del hombre y por otro una función
pastoral, admonitoria y edificadora, con el recurso a la crítica mordaz a través de la
representación de vicios y pecados como la gula, la lujuria, la avaricia, el fraude y la simonía.
El término gótico no solo definía un estilo artístico, sino todo un periodo histórico: la época
gótica, desde mediados del siglo XII hasta finales del XV. Para los escritores románticos
franceses como Víctor Hugo fue una gran época de fe. Para los críticos ingleses se trató de la
edad de oro socialista de los artesanos antes del comienzo de la industrialización.
En la actualidad hay dos enfoques principales en el estudio del arte y de la arquitectura góticos.
El primero, racionalista y laico, fue iniciado por el historiador y restaurador Eugéne Emmanuel
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Viollet-le-Duc, que vio las catedrales como productos del progreso de la tecnología y la
ingeniería funcional.
La segunda aproximación al arte gótico, más mística y literaria, es también un sistema de
clasificación, un enfoque que se ha venido a denominar iconografía.
Naturalmente, contemplar el arte gótico como la encarnación de la experiencia de la experiencia
visual medieval es sólo una manera de presentar un panorama coherente de más de trescientos
años de producción de imágenes.
El gótico fue el primer estilo histórico que penetró ene l mundo de los objetos. Sus arcos
apuntados y sus motivos aparecen no sólo en arquitectura sino sobre todo tipo de objetos, desde
cucharas hasta zapatos. Además, es el primer estilo verdaderamente internacional que se extiende
por toda Europa. Los artistas góticos fueron los primeros en crear lo que hoy llamaríamos moda.
El arte y arquitectura de este periodo deben verse no como un reflejo, sino como una parte
integrante de las amplias transformaciones que estaban remodelando la cultura y la sociedad.
La primera y la más importante de éstas es el crecimiento de las ciudades y del comercio. La
tradicional estampa tripartita de la sociedad medieval descrita como compuesta de tres órdenes,
el clero, la nobleza y los campesinos, dio paso a una estructura social mucho más compleja que
incluía a los mercaderes y artesanos. Esta nueva clase, que no sólo construía iglesias y capillas,
creó redes de comunicación y estimuló la circulación de bienes. La época que vio el desarrollo
del gótico no sólo coincide con este importante crecimiento económico, sino con el crecimiento
del as ambiciones de los gobernantes seculares.
Los historiadores han descrito los siglos XIII y XIV como un periodo de creciente debilidad de la
Iglesia, amenazada no sólo por las reclamaciones de autoridad de la realeza, sino también cuando
hubo dos papas enfrentados, uno en Roma y otro en Aviñón. De hecho, en este periodo se
incrementó entre los campesinos la demanda de un compromiso más íntimo con los asuntos
espirituales, principalmente mediante el empleo de imágenes.
El arte gótico fue y continúa siendo una tecnología para a los espectadores a ciertas formas de
comunicación visual.
Edad Moderna:
El Cinquecento un siglo altamente dramático y lleno de contrastes, lo mismo para la política, la
religión, el pensamiento filosófico o científico, y para el arte. Es el siglo de las reformas, la
transformación de todos los valores nace las ideas sobre las cuales se fundamenta la estructura
cultural de la Europa moderna.
La reforma protestante obliga a la Iglesia católica a revisar sus propias estructuras y su misma
conducta, la religión no es ya revelación de verdades eternas sino búsqueda ansiosa de Dios en el
alma humana. Análogamente, la nueva ciencia no es ya una sabiduría transmitida y fundada
sobre la autoridad de las antiguas escrituras, sino indagación en lo viviente de la realidad
entendida como problema siempre abierto. La política deja de ser la afirmación de una jerarquía
de poderes que derivan de Dios y se convierte en una lucha entre fuerzas a la busca de un
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equilibrio provisional. Y también el arte deja de ser contemplación y representación del orden de
lo creado para hacerse investigación inquieta de la propia naturaleza, de los propios fines y
procesos, de la propia razón de ser en el devenir de la historia. El gran problema es ahora la
conducta humana, la actitud respecto a Dios y la disciplina de la experiencia científica. También
el arte en su producción, es un modo de comportamiento y la definición de su proceso.
Renacimiento es el nombre en Europa de la fase artística literaria. No se pueden señalar fechas
exactas, ya que su inicio y duración varían según los países. El renacimiento tuvo su origen en
Italia, se extendió a Flandes, Francia, Alemania, España y Portugal.
El arte renacentista está estrechamente relacionado con los acontecimientos históricos, sociales y
económicos de la época. No obstante, en el plano propiamente artístico, más que una ruptura a la
época comunal, constituye una etapa de evolución y renovación.
La arquitectura adapta al templo o al palacio distintos elementos romanos, sustituyendo a
elementos góticos o creándose unos nuevos al variarse la disposición general del edificio.
La escultura también imita los temas y modelos romanos, vuelve al mármol y al bronce y utiliza
al desnudo o bien viste las figuras con toga romana.
La pintura, continúa con la técnica y tradición de Giotto quien aportó la vivacidad de las
imágenes y su sentimiento.
En el Barroco se exterioriza una mentalidad en sí más homogénea, pero que en los diversos
países cultos de Europa adopta formas diferentes, comprende, esfuerzos artísticos tan
diversificados, los cuales surgen en formas tan varias en los distintos países y esferas culturales.
No sólo el Barroco de los ambientes cortesanos y católicos, es completamente diverso desde las
comunidades culturales burguesas y protestantes. Incluso dentro de estas mismas dos grandes
corrientes estilísticas se marcan otras diferencias tajantes. La más importante de estas
ramificaciones secundarias es la del Barroco cortesano y católico en una dirección sensual,
monumental y decorativa “barroca” en el sentido tradicional, y un estilo “clasicista” más estricto
y riguroso de forma. La corriente clasicista está presente en el Barroco desde el principio y se
puede comprobar como corriente subterránea en todas las formas particulares de este arte, pero
no se hace predominante hasta 1660, en las especiales condiciones sociales y políticas que
caracterizan a Francia en esta época. Junto a estas dos formas fundamentales del Barroco
eclesiástico y cortesano hay en los países católicos una corriente naturalista que aparece
automáticamente al comienzo de este período estilística, y que tiene sus representantes especiales
en Caravaggio, Louis Le Nain y Ribera,
Antes del Barroco se podía, decir siempre si la intención artística de una época era en el fondo
naturalista o antinaturalista, integradora o diferenciadora, clásica o anticlásica; pero ahora el arte
no tiene ya carácter unitario en este sentido estricto, y es a la par naturalista y clásico, analítico y
sintético. La denominación del arte del siglo XVII bajo el nombre de Barroco es moderna. El
concepto fue aplicado en el siglo XVIII, cuando aparece por primera vez, todavía
exclusivamente a aquellos fenómenos del arte que eran sentidos, conforme a la teoría del arte
clasicista de entonces, como desmesurados, con usos y extravagantes. Todos rechazan el Barroco
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a causa de su “falta de reglas”, de su “capricho”, y lo hacen en nombre de una estética que cuenta
entre sus modelos al artista barroco que es Poussin. Burckhardt y los puristas posteriores, que
son incapaces de liberarse del racionalismo frecuentemente estrecho del siglo XVIII, perciben en
el Barroco sólo los signos de la falta de lógica y de tectónica, ven sólo columnas y pilastras que
no sostienen nada, arquitrabes y muros que se doblan y retuercen como si fueran de cartón,
figuras en los cuadros que están iluminadas de modo antinatural y que hacen gestos antinaturales
como en la escena, esculturas que buscan superficiales efectos ilusionistas, cuales corresponden a
la pintura, y que, como se subraya, debían quedar reservados a ésta.
La intención artística del Barroco es, en otras palabras, “cinematográfica”; los sucesos
representados parecen haber sido acechados y espiados, todo es representado como si fuera
aparente voluntad del acaso. A este carácter improvisado corresponde también la relativa falta de
claridad de la representación. Las frecuentes y violentas superposiciones, las diferencias de
tamaño en desproporcionada perspectiva, el abandono de las líneas desorientación dadas por los
marcos, la discontinuidad de la materia pictórica y el tratamiento desigual de los motivos. Todo
público que se hace más ilustrado, más entendido en arte, más pretencioso, desea este realce de
excitantes. Pero junto al estímulo de lo nuevo, difícil y complicado, se expresa aquí también ante
todo el afán de despertar en el contemplador el sentimiento la inagotabilidad,
incomprensibilidad, infinitud de la representación, tendencia que domina en todo el arte barroco.
Edad Contemporánea:
El arte contemporáneo fue el de supeditar toda la información disponible sobre el arte entre la
segunda mitad del siglo XVIII y finales del XX al patrón del revolucionario cambio de un arte
tradicional, basado en la belleza, por otro basado en la libertad.
La arquitectura, por ejemplo, ha sufrido una radical transformación durante la época. No solo se
vio igualmente afectada por las crisis del clasicismo, sino que debió variar materiales, técnicas,
tipos de edificio y hasta el papel que tenía asignado tradicionalmente en la sociedad.
La revolución industrial fue el agente principal para este cambio tan profundo en el concepto
tradicional de la arquitectura, que hasta ese entonces se limitaba a la construcción de unos
prototipos como iglesias, palacios y villas.
La revolución industrial supuso, la existencia de nuevos materiales, como el hierro y el cristal,
que permitieron construcciones más ambiciosas y mejor iluminadas, además de producir un
desarrollo formidable de las ciudades.
El Impresionismo tuvo sus orígenes en Francia a finales del siglo XIX, y fue en ese país donde
tuvo su representación más evidente, aunque influyó directa o indirectamente en otros países
como España.
El crecimiento capitalista y la industrialización desencadenan un desarrollo sin precedentes que
transforman radicalmente a Europa. La concepción de la realidad cambia a un ritmo vertiginoso
y todo esto afecta profundamente al arte. Los conceptos de espacio y tiempo se transforman, las
comunicaciones son cada vez más rápidas, la fotografía permite ver cosas que el ojo humano no
percibía. Ante este mundo cambiante, el arte pictórico de la segunda mitad del siglo XIX ofrece
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el camino del impresionismo que supone el origen del arte contemporáneo después de las
experiencias postimpresionistas.
La fabricación de colores industriales, que se podían transportar en tubos y no se secaban, hizo
posible esta nueva técnica pictórica al aire libre. Este movimiento artístico aportó novedades
fundamentales en la pintura contemporánea. Introdujo una nueva técnica pictórica que se basaba
en la ejecución de pinceladas rápidas y yuxtapuestas para captar así un instante único e
irrepetible. En este proceso jugó un papel fundamental la luz y cómo ésta se reflejaba en los
objetos representados. Fue un movimiento artístico poco comprendido y valorado en su
momento, pero dignificado y ensalzado después.
A partir del Impresionismo los artistas se alejarán, cada vez con mayor frecuencia, del
academicismo. Se liberarán del predominio de la forma para expresar con total libertad su propia
espiritualidad, su propia forma de ver el mundo que les rodea.
La Revolución francesa, las guerras napoleónicas que azotan Europa y la Crisis interna de los
sistemas de Antiguo Régimen provocan la pérdida de la fe en la Razón. Como reacción, aparece
una nueva sensibilidad que se caracteriza por conceder un valor primordial al sentimiento, la
exaltación de las pasiones, la intuición, la libertad imaginativa y al individuo. El romanticismo
es, ante todo, una manera de sentir.
La pintura romántica rechaza las convenciones neoclásicas, las reglas, supone un momento de
renovación técnica y estética de importantes consecuencias para el futuro. Utiliza diferentes
técnicas; el óleo, acuarelas grabados y litografías. La textura comienza a ser valorada en sí
misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más útiles. La pincelada es libre,
viva y llena de expresividad. Desaparece la línea frente al color. Se recupera la potencia
sugestiva del color, liberándose las formas y los límites excesivamente definidos. Es el agente
emocional de primer orden La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un
carácter efectista y teatral. Las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas
curvas y los gestos dramáticos. Algunos autores como Friedrich prefieren esquemas geométricos
más reposados. Los temas son variados. Se cultiva el paisaje como recurso para transmitir los
estados de ánimo, dominado por lo infinito de la naturaleza ante la que el hombre aparece
relegado y oprimido. Otros temas son las revoluciones políticas, los desastres, religiosos,
retratos, lo exótico y fantástico.
El nacimiento del cubismo es uno de los acontecimientos más importantes del arte
contemporáneo. Esto se debe a que el cubismo representa la ruptura clara y definitiva con la
pintura tradicional: desaparición de la perspectiva, utilización de una gama de colores apagada
(grises, tonos pardos y verdes suaves), introducción de la visión simultánea de varias
configuraciones de un objeto con lo cual desaparece el punto de vista único y la referencia a un
espacio fijo e inmutable, se profundiza en el interior de los cuerpos tratando de representar el
espacio interior. Las formas de la naturaleza quedan reducidas a las figuras geométricas
fundamentales: prismas, rectángulos, cubos. En definitiva, lo que los pintores cubistas intentaron
y consiguieron fue elaborar un nuevo lenguaje pictórico a base de descomponer la realidad en
múltiples elementos geométricos y presentar en sus obras los aspectos más significativos de los
objetos.
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El Expresionismo se denomina una pintura en la que prima la expresión subjetiva sobre la

representación de la objetividad. Se plantean las angustias vitales del hombre y por esto tiene una
carga dramática, pesimista y crítica. Este término engloba obras y autores de un amplio período,
aunque el país donde esta vanguardia alcanza mayor intensidad es en Alemania. Sus rasgos
generales se acentúan en períodos de crisis. El valor fundamental es la libertad individual de
expresión, pero con unos nexos comunes: El artista expresa emociones, queriendo reproducir en
el espectador sus sentimientos. Los momentos de tensión, frustración y desgarramiento político
provocan en la paleta de estos pintores la expresión de un grito de protesta. En Alemania, las
ciudades de Dresde, Munich y Berlín son los centros culturales y de contactos artísticos, junto
con París, donde surgen agrupaciones de artistas que perfilan el expresionismo. Algunos de los
pintores más importantes son Munch y Ensor.
La aparición del arte neoclásico fue en gran medida el resultado del estudio que se llevó a cabo
durante el siglo XVIII de las obras de arte de la Antigüedad clásica.

Este movimiento se inscribe en el marco de cientifismo y racionalismo del XVIII, siglo en que la
razón se sitúo frente a la religiosidad exacerbada, generando una corriente de pensamiento
denominada Ilustración, por lo que se le llamó el siglo de las luces.

Francia va ser centro activo del movimiento gracias a la publicación de la Enciclopedia y de

influencia decisiva en la Revolución francesa y en la emancipación de las colonias europeas de
América.

Las características formales del neoclasicismo se centran en la imitación de la antigüedad. El

mármol de sus esculturas permanece sin color como en el Renacimiento.

En arquitectura, la vuelta a la antigüedad se inicia en aquellos países que habían mantenido cierta
pureza de líneas aun dentro del barroco. La revolución y posteriormente, el Imperio napoleónico,
enarbolarán la pureza del clasicismo para oponerlo al rococó, estilo de la monarquía derrocada.

En cuanto a la escultura, los temas clásicos, casi siempre mitológicos, el neoclásico los retomará,
aunque introduciendo innovaciones en la manera de tratarlos. Los materiales preferidos son el
mármol y el bronce y las actitudes estáticas, frías sin concesiones al sentimiento y elegantes, con
apenas movimiento y sin policromía.
Los pintores neoclásicos no disponen de restos de pintura clásica en los cuales inspirarse, por la
que adoptan las características propias de la escultura para sus figuras, que serán monumentales
y rígidas, y en las que imperará de una forma absoluta la línea sobre el color.
Edad actual:
A finales de los años sesenta surgió un modo de expresión artístico propio de un estilo de vida
urbano, el Graffiti. Nació en Nueva York cuando los adolescentes comenzaron a escribir sus
nombres en las paredes de los barrios de la ciudad con el fin de llamar la atención de la sociedad.
Formaban usando un pseudónimo seguido de un número que correspondía a la calle donde
vivían.
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Trabajos parciales

Al principio la finalidad era aparecer en el mayor número de lugares posible, paredes vagones y
estaciones de metro y tren. La letra que se utilizaba era legible y sencilla, pero poco a poco, para
destacar sobre otros artistas, se empezaron a crear diferentes estilos en cada barrio.
A finales de los setenta alcanzó su punto más álgido con la incorporación de imágenes
procedentes del cómic, dibujos animados y caricaturas, aumentando considerablemente el
tamaño de las obras.
Pero a principios de los años ochenta las autoridades de Nueva York comenzaron su lucha contra
el graffiti implantando leyes más restrictivas y endureciendo las penas. Además, a través de los
medios de comunicación se consiguió crear en la sociedad un rechazo hacia esta actividad.
La década de los años sesenta supuso para la evolución del arte occidental un punto de llegada y
al mismo tiempo un punto de partida. Superada la crisis den posguerra, que tiene su máxima
expresión plástica en el Informalismo europeo y Expresionismo Abstracto norteamericano, se
abre un nuevo horizonte de optimismo y vitalidad material.
La estética del Pop Art es el exponente más claro del desarrollo económico y del optimismo
social subsiguiente. El talante abstracto de la postguerra daba paso a un lenguaje de fuerte
iconocidad que, a ambos lados del Atlántico, buscaba sus fuentes de inspiración en ese contexto
hedonista y todo lo que le rodea: la publicidad, cómics, objetos de consumo, erotismo, lujo, etc.
Las imágenes de fuerte impacto visual, la cercanía popular de los temas representados constituía
un atractivo grande para las sociedades occidentales de economía capitalista.
El arte no quedaba al margen de los ideales de la época, movimientos como el hippie y la
llamada Beat Generation, se observa un deseo claro de renovar los leguajes plásticos y las
preocupaciones e intenciones que se expresan.
Se quería evitar el concepto de obra artística como mercancía, se buscaba también a la vez una
mayor conexión entre el arte y la vida, el arte y la experiencia humana.
Los materiales consagrados, utilizados desde la Antigüedad, como la piedra, el metal o la pintura
fueron sustituidos por otros de carácter orgánico que la naturaleza ofrecía. Incluso el cuerpo
humano asumía la categoría de agente artístico al convertirse en obra de arte por sí mismo.
En el siglo XIX las tecnologías de última generación que estarían encabezando la revolución en
la producción artística serían la fotografía o los tubos de pigmentos prefabricados. En el siglo
XX serían el cine, el video o la música sintética quienes dieron origen a formas de arte
genuinamente de su tiempo. Hoy sin duda son las tecnologías digitales quienes están definiendo
la estética de nuestro tiempo, un arte que está comenzando a dar sus primeros pasos.
Los primeros gráficos por ordenador fueron elaborados por científicos o bajo su directa
supervisión. Tanto los pioneros como los integrantes del Computer Technique Group o los
artistas que participaron en Cybernetic Serendipity eran científicos o trabajaban con científicos.
Los artistas que no tenían contacto con la ciencia no tenían posibilidades de aproximarse a estas
nuevas formas de arte que requerían profundos conocimientos técnicos, dominio de lenguajes de
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programación y acceso a máquinas muy complejas, y por esta razón eran todavía muy pocos los
artistas que reconocían el potencial que tenía el ordenador como vehículo de expresión.
A finales de la década de 1970 y principios de los 80 surge un concepto nuevo y muy
revolucionario para su época, la idea del ordenador personal, un ordenador de consumo para el
usuario doméstico. También datan de esta década los primeros softwares comerciales de creación
3D, de momento todavía rudimentarios, pero que ya permitían la manipulación de geometrías
tridimensionales y la exploración del volumen, lo que en su momento resultaba fascinante y
futurista.
Durante los años 90 continúan los avances en software y hardware, así como el conocimiento por
parte de los artistas de las características del nuevo medio. Pero sin duda el avance tecnológico
más importante de esta década fue la liberación de Internet en 1993, permitiendo su uso de forma
gratuita a nivel mundial, lo que favoreció el surgimiento de nuevas formas de expresión artística
como el NetArt o el Hacktivismo.