TEXTOS 4/08

Raymond, M- Definicion de tendencias

Captador de tendencias: detectives de formas de vida, hombres y mujeres que emplean su

tiempo en detectar patrones o variaciones en la actitud, mentalidad o forma de vida que
contrasten con la manera de pensar predominante o con la forma en que la gente acostumbra
a comportarse, vivir, vestir, comunicarse y consumir. Se valen para ello de un conjunto de
técnicas y procedimientos derivados de disciplinas tan dispares como la sociología, la
psicología y la etnografía, y de métodos como pueden ser la planificación militar y de
situaciones o incluso la interpretación de roles.

Captacion de tendencias à en la base de todos los aspectos de la sociedad en que es

importante comprender la repercusión a corto, medio y largo plazo de los cambios recientes o
en ciernes de la cultura que nos rodea. Puede tratarse cambios de gran trascendencia que
afecten diferentes ámbitos, como nuestra forma de consumir comida por ejemplo.

Tendencia à no se trata solo de moda, si no también emocional, intelectual e incluso

espiritual. Se puede definir como la dirección en la que algo tiende a moverse y que tiene su
consecuente efecto en la cultura, la sociedad o el sector empresarial en el que se desarrolla.

Tambien puede describirse como una anomalía, es decir, una excentricidad, incongruencia o
digresión de la norma que va creciendo en notoriedad a lo largo de un periodo de tiempo a
medida que suman a dicho cambio mas personas, productos e ideas. Se utiliza la palabra estilo
o movimiento para describir estos cambios.

Una tendencia es la “dirección” que lleva algo nuevo o diferente

Estilo à tiene que ver con algo diferente

Tendencia à con algo diferente y con la dirección que lleva ese algo.

Estan presentes en todos los aspectos de nuestra cultura

En el ámbito de la moda, el mobiliario y el diseño de productos pueden haber estos cambios

todos los años, días o meses.

Los cambios en la forma en que algunos consumimos la información, escuchamos música o

incluso en la manera en la que describimos el sentido ético se pueden cslificar como
tendencias.
Son una parte fundamental de nuestro entorno emocional, físico, psicológico y
detectactandolas trazando su trayectoria y utilizándolas para prever lo que es nuevo en el
mundo en que vivimos y lo que esta por llegar estaremos estaremos favoreciendo en un grado
nada despreciable una mayor comprensión de los principios e ideas subyacentes que nos guian
y motivan como personas.

El captador de tendencias se dedica a explicar a la gente porque tiene lugar a las tendencias,
además de como, donde y cuando se dan.

Son compulsivas, adictivas y, en algunos casos, víricas, ya que nos infectan cuando menos lo
esperamos y, de vez en cuando, lo queramos o no.

Captador de tendencias: son detectives de formas de vidaà personas que emplean su tiempo en
detectar patrones o variaciones en la actitud, mentalidad o forma de vida que contrasten con la
manera de pensar predominante o con la forma en que la gente acostumbra a comportarse, vivir,
vestir, comunicarse, consumir.
Tendencia : una tendencia puede ser emocional, intelectual o espiritual. Se puede definir como
la direccion en la que algo tiende a moverse y que tiene su consecuente efecto en la cultura, la
sociedad o el sector empresarial en el que se desarrolla. La palabra tren puede asociarse con
girar, dar vuelts o rotar. Las tendencias estan presentes en todos los aspectos de nuestra cultura.
Una tendencia tambien puede ser un estado de animo o una idea.
Las tendencias son una parte fundamental de nuestro entorno emocional, fisico y psicologico.
Las tendencias son compulsivas, adictivas y, en algunos casos, viricas (virus), ya que nos
infectan cuando menos lo esperamos y , de vez en cuando, lo queremos o no.

Erner, G- Sociologia de tendencias

Las tendencias son tendencias. Nos intrigan esas focalizaciones del deseo por las cuales unos
individuos distintos los unos de los otros, sin haberse puesto de acuerdo, muestran tener los
mismos deseos. Los medios de comunicación conceden una gran atención a este fenómeno y
dedican un amplio espacio a lo que le gusta a los contemporáneos o a lo que debería gustarles.

Las tendencias no se limitan a fenómenos frívolos y comerciales. Nuestros actos mas

meditados pueden estar regidos por modas, como por ejemplo, la elección de un nombre.

Las tendencias nos acompañan en todos los ámbitos de nuestra existencia. Del hogar a las
vacaciones, pasando por la gastronomía o los bailes: cada ámbito conoce esta colosion entre
las elecciones individuales y los gustos colectivos. Todo ocurre como si los deseos de la
mayoría estuvieran regidos por una autoridad poderosa como caprichosa: la moda.
Se requiere una “sociología de tendencias” para comprender las condiciones de producción de
estas modas. Se encanga de estudiar el cuerpo social debe poder desmontar los engranajes de
este arbitrio colectivo que rige los gustos de la mayoría.

Las tendencias plantean algunas de las cuestiones mas serias de la sociología.

Comprender tendencias significa penetrar los mecanismos de la imitación, de la difusión de

gustos y del papel de marcador social que pueden desempeñar. Esto supone reflexionar los
mecanismos que gobiernan las decisiones individuales.

11/08 UN NUEVO ORDEN - Saulquin, Susana

-Profundas transformaciones institucionales que están ocurriendo, con diferentes intensidades
según los países, atraviesan todas las áreas de la sociedad IMPACTANDO EN LOS
COMPORTAMIENTOS EN GENERAL Y EN LA VIDA COTIDIANA.
-Resulta natural que su influencia alcance y transforme el universo de las apariencias Y POR
LO TANTO A LA MODA, IMPULSANDO UNA NUEVA CONFIGURACION EN LAS
FORMAS DE PENSAR EL VESTIR.
Un nuevo orden
-Comienza una etapa de desarticulación para reordenarse de diferente manera.
-LA MODA PIERDE SU LUGAR DE PRIVILEGIO Y PASA A CONVERTIRSE EN UNA
PARTE MÀS DEL SISTEMA GENERAL DE LA INDUMENTARIA.
-Este nuevo universo de la indumentaria se va a organizar en cuatro diferentes campos que
delinean orientaciones y direcciones en sus áreas específicas, aunque sus límites son permeables
y aceptan productivas interrelaciones:

1 – MODA DEPENDIENTE DE TENDENCIAS

2 – DISEÑO INDEPENDIENTE O DE AUTOR
3 – DISEÑO INTERACTIVO O SIMÈTRICO.
4 – DISEÑO DE VESTUARIOS ESPECIALES.

1 - Moda independiente de tendencias

Cuando se habla de moda, TRADICIONALMENTE se piensa en la moda que depende de las
tendencias.
Cambia su articulación para ordenarse diferente, ya que todas las partes del todo que la
configuraban, que incluye desde la alta costura hasta la confección seriada están teniendo de a
poco en las últimas décadas un nivel de independencia que modificaron al actuar el sistema de
la moda en su totalidad.
Es una transformación que muestra paulatina pérdida de su tradicional lugar de privilegio.
En la actualidad, para poder comprender los cambios en la moda, se hace necesario recordar
cómo fue la gestación y la evolución de su sistema. La moda como una lógica SOCIAL hizo su
aparición a mediados del siglo XVI. A partir de entonces, una ordenada evolución de las formas
de vestir se iba adaptando a las necesidades que marcaban las ideologías de cada etapa histórica.
HABLAR DE SISTEMA REFIRIENDOSE A LA MODA SUPONE HABLAR DE LA
CONFORMACIÒN DE UNA TOTALIDAD COMPUESTA POR PARTES, QUE SE FUE
ARTICULANDO DESDE EL COMIENZO DE LA SOCIEDAD INDUSTRIAL HASTA LA
ACTUALIDAD.
La vestimenta va a cumplir durante el transcurso de la sociedad industrial y hasta la actualidad
el ritual diacrónico de su recambio cíclico abarcando siempre una nueva generación, además de
reflejar la sincrónica relación que se da entre las formas de vestir y la sociedad de cada época.
LAS VARIACIONES QUEDAN LUGAR A LAS MODAS SON DEBILES, PORQUE LA
IDEA PREDOMINANTE SOLO LA EXPRESA EL MODELO RECTOR.
-El proceso de industrialización que comprendió la manufactura de bienes a gran escala,
confeccionando vestimentas con métodos de reproducción seriada, permitió poner al alcance de
las clases trabajadoras las reproducciones simplificadas y por supuesto de menor calidad de la
alta costura.
-El sistema de la moda va a recibir el impacto de estas transformaciones y si antes solo se
pensaba en organizar la producción y los mensajes en categorías de prendas femeninas y
masculinas, cambia el eje y comienza a clasificar a las personas por su edad, en jóvenes y
mayores, entronizando una cultura de la imagen que privilegiaba ser joven o parecerlo.
EN LA ACTUALIDAD, LA TRAMA DE ESTOS NUEVOS COMPORTAMIENTOS ESTA
MARCANDO UN RUMBO HACIA LA INDIVIDUALIDAD Y LA CREATIVIDAD DE LAS
PERSONAS, NO POR TENDENCIAS IMPUESTAS POR LA MODA SINO POR UNA
LIBERTAD DE RECOMBINACION, QUE AL DESDIBUJAR CONTROLES Y
DISCIPLINAS ACEPTA LA DIVERSIDAD QUE SE IRA TRANSFORMANDO EN LA
HUELLA DE LA IDENTIDAD. POR ENDE, LA MODA SE ESTA CONVIRTIENDO EN
UNA PARTE MAS, DEL SISTEMA GENERAL DE LA INDUMENTARIA.
2- Diseño independiente o de autor
- el diseño independiente de tendencias se configura como otra parte dentro del sistema de
indumentaria.
- más allá de las inspiraciones, que se apartan de las pautadas por profesionales en tendencias,
se detecta una coherente línea conceptual que organiza y da sentido a sus proyectos.
-Toman como inspiración y punto de partida una idea y concepto que trabajan disponiendo de la
capacidad de todos los recursos disponibles para desarrollarla y poder posicionar sus propios
estilos.
-A comienzos del S. XXI se desarrollaron caminos diferentes aunque complementarios, para
expresar y producir la imagen de las personas
- por un lado las marcas diseñan prendas de acuerdo a las normativas que salen de los centros
productores de significado. Es decir acatan las normas del autoritario sistema de la moda. Por
otro lado las prendas de estos diseñadores son llamados independientes porque están al margen
de las tendencias masivas. A estos diseñadores se les denomina autores también.
- El diseño es considerado independiente cuando el diseñador resuelve necesidades a partir de
su propio estilo inspiración sin seguir las tendencias que se imponen desde los centros
productores de moda. Éstos ocupan un lugar más importante debido a la forma creativa de
comunicar las identidades y a su concepción basado en las personalidades alejándose de la
lógica.
- Es independiente a generar identidad a partir de un uso especial de los recursos trabajando sus
conceptos rectores con coherencia basada en sus propias inspiraciones.
- Por ende sus Prendas obtienen con criterio de compra y no por deseo basado en el mecanismo
del consumo masivo.
- esta manera de encarar la producción de prendas tiene como ventaja notable no depender de
las tendencias, enfatizar el ingenio y la originalidad, experimentar con formas y materiales,
incluir referencias de diversas culturas y emplear técnicas artesanales como se me industriales.
-lo característico es el desarrollo conceptual que surge de la inspiración, que sirve para definir la
metodología del diseño, los materiales que se van a emplear y las técnicas que mejor van a
reflejar esos conceptos rectores.
- se caracteriza por series cortas que responden a un plan de necesidades porta satisfacer.
- la presencia del nivel conceptual es lo que permite alejarse de los dictados de la moda.
Una metodología para comprender y analizar el cine independiente desarrolló Argentina el
observatorio de tendencias del indi. Consiste en poder reconocer las producciones de los
diseñadores las características lectoras que hicieron su estilo y así poder diferenciar aquellos que
trabajan sus producciones de la forma es decir a partir de investigaciones morfológicas que
contemplan oración cuerpo y vestido. Éstos profundizan los conocimientos de moldes y
patrones para construir sus prendas funcionales y confortables y actuales.
- Los que experimentan sobre texturas hacer una búsqueda de intervenciones en las estructuras
textiles para lugares lograr efectos sorprendentes. A veces usted utilizan estampas teñidos
plisados y otras mezclan técnicas industriales con artesanal o emplean directamente materiales
reciclados para generar variaciones a partir de las exploraciones en la materialidad.
-Los que utilizan ensambles o recombinación de elementos realizan Superposiciones re
utilizaciones y contrastes de recursos textiles incluyendo bordados y aplicaciones. Desde una
propuesta conceptual logran una ruptura que les permite combinar elementos con originalidad a
partir de New dados recortes y Super posiciones de materiales diferentes como la característica
que los distingue. Pueden emplear referencias culturales a través de una fuerte presencia de lo
lúdico y de estilos latinoamericanos.
-Cómo acciones novedosas se han desarrollado marcas como orbit Hato que es capaz de
conciliar la educación y el diseño muy atento a los principios colectivos de trabajo. Integra
trabajos de alta y baja tecnología porque cuenta con la ventaja del acceso a la industria textil del
sur de Brasil que facilita experimentaciones en Estampería, Jacquard y mezclas con trabajos y
bordados artesanales.
-estudio costura es otra de las marcas de Río de Janeiro a partir de la colaboración de un grupo
grande de aprendices ayuda a concebir cada colección que desfila en Fashion Río
3 – Diseño interactivo o simétrico.
Se conforma con las prendas que utilizan nuevos materiales con tecnología incorporada, o sea
con textiles técnicos.
Variables externas como el calor, el frio tienen una respuesta inmediata de los materiales con las
nuevas tecnologías incorporadas, instalando una diferente relación entre las prendas, personas y
su contexto.
No necesitan la intervención de las personas para poder cumplir su misión. Se trata, por
ejemplo, de ropa interior que mide el ritmo cardiaco mientras se está corriendo, además de
tensar los breteles del corpiño durante la carrera para confortabilidad usuaria.
LOS DISEÑOS INTERACTIVOS OROTGAN UNA MAXIMA IMPORTANCIA A LA
UTILIDAD PRÁCTICA, LA DURABILIDAD Y LA FUNCIONALIDAD.
El nuevo sistema de la indumentaria, que responde a requerimientos muy específicos, permite
incorporar practicidad, creatividad y autenticidad, convirtiéndose además en un verdadero
aliado de la salud.
4- Diseño de vestuarios especiales
Cumplen la función y razón de ser en relación a los diferentes contextos que as enmarca.
Es un grupo que se encuentran los vestuarios que se diseñan para un mundo fantástico y lúdico
donde los usuarios protagonistas son personajes y no personas.
Los uniformes que se diseñan para distintas profesiones como militares, médicos, bomberos,
son vestuarios especiales.
Genera una fuerte identidad en las organizaciones. Además de motivar para tener definida una
imagen, se encuentra la necesidad de seducción que debe desplegar las empresas para definir un
estilo.
Las prendas para realizar determinadas tareas corresponden a la ideología del siglo 21, que
destaca como base de su accionar el cuidado de los recursos humanos para dar máxima
confortabilidad y aumentar la calidad de vida.
Entre los diseñadores están los que se orientaron a confeccionar productos sustentables
originales eligiendo materiales que tienen menor impacto ambiental.
Los vestuarios especiales coinciden con la ideología que responde al cuidado de las personas.
Son especialmente valoradas las prendas lúdicas didácticas.

+ VIDEO: La moda de género y el autoritarismo de “lo que se usa” – Susana Saulquin

Somos esclavos de la moda, no en el mismo sentido pero si por las redes sociales. Creíamos que
nos aviamos liberado del famoso “usar y tirar” y otras cuestiones pero las redes sociales nos
pusieron en primer plano el conectarnos y ser aceptados buscando una estética compartía con el
otro.
La necesidad de ser aceptados y superar nuestras inseguridades.
La obsolescencia programada y la logia de lo efímero aparecen por la necesidad porque la
lógica de la moda de usar y tirar en los 30, dinamizaba todo el sistema y era posible generar
buenas ganancias. Pero a principios del siglo 21 hay otra ideología, que es la sostenibilidad. Una
nueva forma de pensar lo sostenible, la necesidad de no usar y tirar ayudando el planeta, la
gente realmente cambio ya que la supervivencia está en juego. Es una restructuración absoluta
de la moda esta nueva ideología. Es un juego de constantemente cambia para tener la ficción de
que siempre hay cosas nuevas.
El jean à respondió una época que fue la sociedad industrial del trabajo. Su funcionalidad se
salteo los ciclos de la moda, es una nueva tipología. No es un simple pantalón, es una tipología
que encarna la cultura del trabajo del siglo 20. Permaneció porque se defiende, aunque tiene un
problema es que el denim es puro algodón y es nefasto desde el punto de visto sostenible ya que
también necesitan procesos de teñido muy terribles para el planeta. El algodón es un mono
producto y hemos abandonado textiles como el lino que no son tan contaminantes.
Lo sintético (como uniqlo) ha logrado hacer todo el proceso encerrados evitando grandes
impactos ecológicos. Si bien lo artificial ayuda en un montón de aspectos a nivel comodidad, la
gente de la moda sigue un poco re4hacia hacia estos textiles y ahí es donde debe entrar la ética,
es decir que siempre la moda siguió por la estética, la ética mediante la sustentabilidad y el
cuidado de las personas.
Las influencers à crearon un nuevo paradigma, dinamizan el sistema de la moda y sirve pero
tienen la “tentación” de estar siempre amparadas y protegidas por ciertas marcas. En el mundo
de la moda, la ética debe ocupar un rol fundamental.
Las canas à el poder femenino. La mujer puede desafiar las canas. Es un avance de la sociedad
en términos de edades y un truco de la moda para dispersar los centros de influencias y abarbar
más edades ya que la moda siempre está buscando sobrevivir y volver a reinar.
Géneros à la moda respondió aceptando el no-gender donde el cuerpo humano no es lo
principal.
Pasarela alta costura/ Street-style à lo importante es el consumidor, ya no pesa tanto el
productor. Los productores hacen todo dependiendo de lo que el consumidor quiera.
Tendencias à Susana se guía por la intuición que le permite verlos ciclos y la dinámica de la
moda. Cuando algo se exagera es cuando marcan un cambio muy fuerte.

25/08 VICTIMAS DE LA MODA - Guillaume Erner

La moda está de moda hace mucho tiempo, las tendencias no son patrimonio de la aristocracia si
no que se han democratizado.
María Antonieta cambiaba de vestidos varias veces al día pero su debilidad eran los peinados y
por eso no confiaba que cualquiera le toque su pelo exceptuando un delicado ingles que se
permitía el lujo de seleccionar a sus clientes y rechazar en ocasiones a otras procedentes de la
alta sociedad. Ella era una autentica fashonista apasionada por las formas y colores. La
ocupación de modisto no era considerada, de hecho la definición apareció recién en 1870 en
Francia, pero otras profesiones como ser arquitecto o cocinero eran de mayor prestigio. A partir
de ahí, el sastre es el que le da su firma al vestido.
En la actualidad, todo el mundo aplaude las creaciones, vestidos y también cosméticos de
famosos diseñadores. El modisto pasó a conquistar el protagonismo de la escena.
La firma/marca ocupa un lugar central en el sistema de la moda, incluso parece ser lo mejor de
todo.
Tanto para los modistos como para todos, las tendencias continúan siendo un misterio. Los más
sabios saben que nunca se tiene razón yendo contra la sociedad ya que es el verdadero árbitro de
la elegancia, la verdadera responsable de esa inseguridad temida por Dior y Chanel “la calle es
peligrosamente creativa”.
La moda es caprichosa y con mucho carácter.
Las thongs y la pashmina han pasado de un estatus must have a ser un símbolo de vulgaridad.
Reúnen tres ingredientes necesarios para la transformación de un objeto banal en un producto
estrella: la arbitrariedad, la distinción y la imitación. Arbitrario porque las thongs han llegado
allí donde miles de zapatos han fracasado, su éxito fue su precio o su nostalgia de la playa.
La moda no se aplica solo en el vestir, si no que influye igualmente en las marcas. Para
fabricarla, las marcas han tenido que someterse a sus reglas, convertirse en tendencia para más
adelante dejar de serlo.
Las marcas de moda están a merced de la moda, por más que inviertan en publicidad y apelen a
la gran tradición del lujo, tienen que habérselas con la parte más cambiante de nuestra sociedad:
las tendencias.
Hay marcas que han sido atacadas por la soberbia del capitalismo, convirtiéndose en símbolos
de la sociedad de consumo. Sus métodos de producción como el desarrollo de sus técnicas de
comercialización están bajo sospecha ya que el descubrimiento de las condiciones de trabajo de
ciertas fábricas que producen ropa de marcas de prestigio en países del tercer mundo, han
conmocionado profundamente a la opinión pública.
Ninguna marca ni ningún diseñador nos obligan a vivir con temor en el respeto de las
tendencias. Solo hay una persona con la fuerza suficiente para obligarnos a sentir la moda:
nosotros mismos.
1/09 RAYMOND M - HERRAMIENTAS
“El futuro esta aquí, solo que no ha llegado a todos”
Las tendencias son: patrones o anomalías que pueden inducirnos a adoptar nuevas formas de
hacer cierta cosa o de expresarnos.
Muchas de las tendencias futuras están hoy en día en la calle, utilizadas por innovadores o
adoptadores témpanos.
Un captador de tendencias necesita de ciertas habilidades: técnicas y procedimientos que hay
que seguir a fin de identificar los cambios (abiertos a ideas nuevas), y con capacidad de
percepción.
Pieza: cualquier cosa. Un objeto singular o nuevo que se cruza en nuestro campo visual.
Análisis transcultural: no perder de vista ni las diferentes culturas ni los diferentes sectores con
el fin de hallar indicios.
Brailleo cultural: consiste es se hiper observador y estar alerta a la novedad.
Puede que lo primero que hagamos es identificar la tendencia, pero aun con eso siempre interesa
buscar el QUIEN, al INNOVADORS. Sin el quien es difícil determinar la importancia o la
relevancia cultural del que, y si tiene posibilidades o no de tornarse una tendencia.
Quien = los pacientes cero
Que= la tendencia o innovación después de recibir un nombre
Donde= el lugar donde comienza una tendencia. Puede ser un lugar real, conceptual o mental.
Por qué= tener en cuenta las causas. Porque un tendencia decide seguir donde y cuando lo hace.
Cuando= el momento adecuado para buscar una tendencia. Es en momentos como estos y en
lugares con elevados índices de conectividad social, en los que se originan ideas, y naturalmente
tendencias.
Análisis transcultural: modo en que los captadores sobrevuelan las culturas y los diferentes
sectores industriales a fin de averiguar si una tendencia habitada en un sector está comenzando a
surgir en otro.
La regla de las tres veces: para poner a prueba la validez de una idea o una tendencia. Su
nombre se debe a que consiste en identificar, dentro de la misma industria o sector, tres
ejemplos de un producto (o pieza) que contengan características significativas en común.

8-09 La sociedad da la espalda a la propiedad: usuarios de todo; dueños de nada

cambio en los hábitos de consumo de los ciudadanos transformaron la economía y las empresas,
por necesidad bien por convencimiento, los ciudadanos relegan la adquisición de objetos en
favor del arrendamiento de servicios.
Los hábitos de consumo de la sociedad están cambiando, las cosas ya no se compran, ni se
acumulan; ahora se alquilan, como y cuando uno quiere.
Las plataformas digitales perpetúan este fenómeno, impacta de lleno en el modelo económico,
las empresas tradicionales deben adaptarse con celeridad para seguir siendo competitivas. Y a
los Gobiernos, que no pueden dilatar por más tiempo la regulación de la denominada economía
de las plataformas. La nueva sociedad del alquiler, de la suscripción y del pago por acceso es la
nueva forma de vida. Ellos muestran menos apego a la propiedad, son más digitales y tienen
más conciencia medioambiental.
(Aunque en demasiadas ocasiones es la necesidad —por la precariedad laboral y salarial—
quien guía sus decisiones de consumo. Se alquilan viviendas y coches).
iTunes, Netflix y Amazon Estos gigantes son los que han marcado el camino, La mayoría se
centra en movilidad (coche, moto, patinete...) y turismo (alquiler de casas a turistas)
“Es un fenómeno imparable en todos los ámbitos de la sociedad y del consumo”, Cualquier dato
de penetración y número de usuarios se va a incrementar de forma exponencial en el futuro, ya
que son mercados todavía inmaduros con un perfil de cliente early adopters, millennials o
generaciones jóvenes totalmente digitales. Poco a poco irán entrando perfiles de usuarios de
mayor edad, La gente no necesita tener un automóvil que usa menos del 5% del

tiempo. Necesita ir de A a B. Lo mismo ocurre con electrodomésticos, productos electrónicos,

ropa e incluso edificios.
El coche pierde tirón
Precisamente el coche es el mejor ejemplo del cambio. La sensación de bienestar, éxito y estatus
social asociada a comprar un vehículo pierde valor. El número de personas de entre 18 y 25
años que se han sacado el carné de conducir ha caído más de un 40% en la última década. “La
probabilidad de adquirir un automóvil crece cuando lo hace el tamaño familiar, su nivel de
ingresos y el número de ocupados del hogar”
Una que despunta es la suscripción o el uso por meses sin compromisos a largo plazo, “Se
esperan más de 16 millones de vehículos en 2025 bajo este modelo de pago en Europa y que el
10% de los nuevos coches ya se ofrezcan bajo esta modalidad de uso y no de compra para esta
fecha” Pero existen otras muchas formas de acceder a un coche sin préstamos ni
mantenimientos. Es el carsharing y lo hay por minutos o por horas.
A una velocidad de vértigo, la vida bajo demanda se va abriendo paso. “Veremos muchos más
productos convertirse en servicios”
La precariedad en los trabajos y salarios, la falta de ahorros, la tecnología, el cambio de
mentalidad con respecto a las generaciones más adultas, la pérdida de apego a la propiedad, la
falta de espacio en las viviendas, la concienciación medioambiental... El caso es que la
acumulación de objetos ya no es un símbolo de éxito.
El nuevo consumo está muy ligado
que apuesta por la economía circular, el reciclaje y la reutilización”. Se tiene muy en cuenta la
subutilización de los productos: “Se puede ganar mucha eficiencia al pasar de una propiedad a
un modelo de alquiler”, además hay una nueva sensibilidad a la hora de consumir. “Lo duradero
ha cedido paso a lo efímero, lo perdurable cansa y aburre y se impone el consumo acelerado de
bienes”
“las nuevas generaciones quieren vivir la experiencia. No quieren el coche, quieren el viaje”
Vivienda: ¿obligación o devoción?
En el caso de la vivienda no está tan claro. El alquiler es muchas veces la única opción posible y
no una apuesta consciente.
tras la elección del alquiler “se esconde una situación de absoluta precariedad laboral, y eso se
ve más claro en el terreno de las viviendas, “Estas formas de consumo hacen de la necesidad
virtud, intentando presentar como algo positivo lo que, en muchos casos, es la representación de
una imposibilidad, el 50% de los que alquilan lo hace porque su situación económica les impide
comprar una casa (falta de ahorros, contrato temporal...). Después, están los argumentos
relacionados con las virtudes que siempre se han atribuido al alquiler: más libertad y
flexibilidad (34%) y movilidad laboral (38%). Solo un 22% asegura que la compra no entra en
sus planes.
Nike ha sacado una suscripción mensual para zapatillas infantiles. Los padres recibirán el par
que elijan cada 30, 60 o 90 días y pagar entre 20 y 50 dólares mensuales (entre unos 18 y 45
“con la mayor concienciación ambiental de la población

euros). Por ahora el programa Nike Adventure Club solo está disponible en Estados Unidos. La
compañía donará las zapatillas usadas que estén en buen estado a una ONG o las reciclará.
A medida que las empresas se modernizan y se vuelven más eficientes, bajan los costes de
producción y esto repercute en precios más bajos para los consumidores, explican en Capital
Group. “Una economía de alquiler de servicios (muebles, inmuebles, ocio...) es menos
inflacionista por el ahorro que supone supeditar el uso al tiempo, por ajustar el gasto a la
utilización, sin tiempos muertos o desuso”
Efectos económicos
Los efectos van más allá. Es probable que a la larga también afecte a la productividad gracias a
la introducción de tecnologías que permiten un mejor aprovechamiento del tiempo y los
recursos. Se minimizan costes fijos, reducen al máximo personal y se maximiza la utilización de
tecnología. Es la amenaza que entraña la digitalización y robotización, a la que ineludiblemente
nos dirigidos, se necesita una regulación suficientemente flexible que entienda las nuevas
necesidades del mercado y que, a la vez, proteja los derechos de los trabajadores
A muchos jóvenes no se les pasa por la cabeza comprar un coche teniendo la opción de
suscribirse a un Fiat 500 híbrido por tres meses —a razón de 249 euros mensuales— para
después alquilar una scooter por 150 euros al mes. Si llueve puede que decidan pagar por los
servicios de Uber o Cabify (coche con conductor). Y si hace sol es más que probable que se
decanten por coger un patinete o una bici porque justo están aparcadas bajo su casa, ya han
integrado en sus vidas el pago por escuchar música, ver cine y leer libros. Por el camino se
pierde toda la privacidad. Todo lo que el usuario hace, dice o piensa en la sociedad del alquiler
queda registrado en algún lugar. "Vivimos en la era de los datos y la información, que además
se encuentra en constante movimiento, ya que cada vez tendemos a aumentar nuestra presencia
en comunidades online. Este tipo de aplicaciones recaba una gran cantidad de información
personal, además de la geolocalización, que puede poner en riesgo la seguridad de los usuarios
puesto que, en caso de vulnerabilidad, un cibercriminal tendría acceso a una gran cantidad de
datos sensibles, como credenciales bancarias, contraseñas y ubicación".
Muchos usuarios caen en el error de pensar que no ocurre nada por ceder sus datos o no tienen
en cuenta toda la información personal que comparten cuando aceptan las políticas de
privacidad al registrarse en un servicio o descargar una aplicación. Ahora bien, "las empresas
pueden utilizar todos esos datos personales, como el correo electrónico, la dirección de
facturación, el método de pago o preferencias y gustos, para comercializarlos a terceros o
realizar otros análisis de mercado, obteniendo así un rédito de ellos. De esta forma, los usuarios
ceden sus datos a las empresas sin obtener nada a cambio
28/09: Edelkoort Li - Yarn (entrevista El Espartano)

¿Desde qué instancia se involucra con el mundo de la tendencia y la moda?

La tendencia está virtualmente en todas partes del planeta,

es como un área invisible alrededor de nuestro mundo.

Mi herramienta más importante es la intuición. La intuición da direcciones, el cerebro las

procesa para comprender, para saber qué camino tomar y luego el corazón comienza a hacer
un proceso emocional para descubrir los sentimientos que surgen de dichas elecciones.

¿Qué significa ser humanitaria en el mundo de las tendencias?

Ahora tengo una manera muy diferente de dirigirme al público.

para que creen valor y sus productos no se transformen en algo desechable. Hay mucha más
moralidad involucrada.

¿Cómo reciben sus clientes esta propuesta?

(Manifiesto Anti-Moda),

agradecieron, porque era lo que estaban pensando y no podian decir. Desde ese momento,
creo tener una importancia dite-

rente en este campo. Soy vista más como una defensora de un nuevo mundo, una
investigadora de nuevas formas.

¿Cómo vincula la tendencia con la vida cotidiana?

La tendencia no se reduce a la moda, el fashionismo es solo una pequeña parte.

La mayoria de las ideas que descubro tardan entre diez y veinte años en tomar fuerza. Pero, al
mismo tiempo, por ejemplo, este verano puedo volver a decir todo lo que dije dos años atrás:
"Hay que trabajar en las mangas, sino no van a poder vender esta camisa porque la

predilección por las mangas es un detalle que está haciendo feliz a la gente".

¿En este contexto, qué lugar le asigna al mundo de las alfombras?

Y vemos también el regreso de las alfombras. Necesitamos calidez, confort y experiencias
sensoriales porque vivimos en las pantallas todo el tiempo. Por lo tanto, cuanto más vivamos
“en" las pantallas, más necesidad tendremos de abrazar cosas.

¿Por qué se refiere a la moda como un sistema en crisis?

Lo que se hace ahora es ropa, no moda. Nadie piensa en la cadena.

¿Existe algún lugar en el mundo donde vea una diferencia en este aspecto?

Hay muy poco interés en la ropa ahora, incluso por parte del público. Si bien la gente quiere
usar la remera, el jean y los zapatos correctos, eso es más una categoría de producto y no
transforma realmente quién uno es.

¿Cuales son los limites, si existen, de sus intereses y preocupaciones?

El factor climático constituye una gran preocupación. Cada vez somos testigos de

más desastres naturales. El precio que tenemos que pagar por esos daños es
desproporcionado y creo que no vamos a tener suticiente dinero para hacernos cargo.
Además, hay peligros inminentes de los humanos hacia los humanos mismos, lo cual no es
nada nuevo.

amenaza de la inteligencia artificial y la robotización que quitarán el sustento y el trabajo a la

mayoría de la gente.

Sí, estamos muy acostumbrados a eso…..

Vemos movimientos muy erráticos. Desafortunadamente, no estamos en una página muy

buena de la historia.

No alcanza con sentarse y pensar necesitamos comprometernos más.

Como referente de futuras tendencias, ¿qué rol le da al diseño, especialmente en

Latinoamérica?

Hay muchos temas que necesitamos

tratar, no solo la situación de la mujer sino todas las situaciones en el mundo de la gente, de
los cambios, de la demanda, de la fibra, del color. ¡Incluso el color debe emanciparse!

28/09 ANTI-FASHION MANIFESTO

-Educación
Los institutos de moda, las academias y universidades por el mundo enseñan a los estudiantes a
ser diseñadores protagonistas, individuales, a que sean descubiertos por las marcas de lujo.
Estas instituciones omiten la idea del mundo en el que vivimos hoy: estamos constantemente
trabajando en conjunto e intercambiando ideas, pensamientos. Como resultado, la industria de la
moda sigue estancada en el siglo XX. Celebran el individualismo, lo avalan. Por lo tanto,
decimos que la moda está pasada de moda, en este sentido. El mundo en el que vivimos hoy es
interdisciplinario. Como el tiempo es acotado, el proceso de diseño es comprimido, y
consecuentemente, las jóvenes elites crean ropa y no moda. No tienen en cuenta las siluetas ni
superar las tendencias dominantes. Las marcas necesitan diseñadores estrella, tanto como el
equipo de futbol necesita jugadores estrella. Diseñadores que no saben crear lo que alguna vez
llamamos moda.
-Materialización
A los estudiantes de moda ya no se les enseña las creaciones de los distintos textiles y
conocimientos básicos de los mismos. Esto se debe a los recortes del gobierno hacia las
instituciones de moda. Los jóvenes estudiantes por lo tanto, al no saber nada, llegan hasta
comprar telas online, promoviendo un mundo de dos dimensiones sin la sensualidad de la
textura, característica principal de las telas. Esta ignorancia hacia los textiles es también por
parte de los periodistas. Esto es de suma importancia ya que actúan como comunicadores. Las
industrias textiles están intentando sobrevivir. Sin ellas perdemos todo conocimiento sobre el
hilado, los tejidos, el acabado y la estampación. Las marcas deciden ir por el precio sobre la
calidad, comprando textiles provenientes de lugares low-cost. Resulta difícil inspirar y estimular
las mentes creativas de los diseñadores. Además, vivimos en un mundo donde posiblemente el
denim, nylon y jersey esté para el resto de nuestras vidas. Si las industrias de textil caen, esto
traerá como consecuencia la muerte de la moda tal como la conocemos.
-Manufactura
La manufactura de la ropa pasó por un rápido proceso de reestructuración, donde ha visto pasar
del mundo occidental a explotar países de bajos ingresos. Para conseguir tratos más baratos, las
marcas les han confiado la confección de sus prendas a personas viviendo en condiciones
precarias con salarios mínimos. A los consumidores les atraen los bajos precios, pero muchas
veces no se ponen a pensar el porqué del precio tan bajo de esa prenda. Lo peor sin embargo es
el simbolismo. Los precios implican que las ropas deben ser usadas y tiradas en un corto
periodo de tiempo. Esto nos enseña que la moda no tiene valor. La cultura de la moda está
destruida.
-Marketing
La perversión del mkt últimamente ha ayudado a generar la muerte de las industrias de la moda.
El mkt se ha ido convirtiendo gradualmente en una amenaza para las marcas. El mkt ha
trabajado duro para para expandir los productos, como un virus. La manera en la que la
industria de la moda se expandió es increíble. Sin embargo, la saturación está alejando
lentamente a los consumidores globales que viajan de demasiada similitud y sobreexposición. A
veces los productos huelen a mkt, es decir, huelen mal, y empiezan a molestar a la clientela. El
mkt ha tomado control sobre las grandes empresas y manipula la creación, producción,
presentación y ventas. Todos los aspectos son vistos desde una única perspectiva. Los
diseñadores son presionados para producir múltiples colecciones y variaciones de un solo tema.
Dando resultados negativos por parte de los mismos. Los consumidores son invitados a comprar
incluso antes, por ejemplo, mostrando cashmere en mayo y trajes de baño en noviembre.
-Diseñadores
Grandes nombres en la industria de la moda lograron cambiar y reescribir la manera en que las
mujeres viven y se comportan a través de la silueta. En el pasado, la moda era diseñada por los
costureros, y estilistas. Excéntricos para los avant-garde, ponible para las masas, entre otras.
Hoy en día solo tenemos diseñadores, y como consecuencia se gen Los grandes diseñadores
nacidos en los 80 trajeron el vintage, sentido de una excitante nostalgia para las futuras décadas.
Por esta razón, podemos ver al vintage continuamente por las pasarelas. Las últimas
generaciones de diseñadores se apoyan en encontrar los detalles del vintage y mezclar todos los
periodos entre sí (60, 70s, 40s, etc) para crear increíbles híbridos en el proceso. Liberando las
creaciones de ropa para el futuro sin las limitaciones del conocimiento. Los diseñadores de la
actualidad son capaces de crear una imagen con apps y ads. Los diseñadores textiles inventan y
crean imágenes basadas en jacquards, folklore y textiles del pasado. Nos dan una sensación de
color y una visión de los vestidos de hoy en día. Mantienen la cultura de la moda como lo fue
alguna vez. Sin embargo, una nueva liga de mujeres diseñadoras reclaman un guardarropa
práctico para el trabajo, ir a bailar, viajar como madre de varios hijos. Por lo tanto, diseñan
“ropa que trabajan tanto como nosotras”. Otras diseñadoras, van por el lado opuesto. Van por el
lado de lo que sería una revolución silenciosa, creando ropa para personas con un estilo innato.
-Presentación
Showroom lleno de gente y hace calor. Café y copas de champagne sobre las mesas, es difícil
concentrarse. La ropa es rápidamente cambiada y mostrada por estilo y color. La invitación es
muy personalizada. El fashion show dura 40 minutos después de estar esperando unos 30
minutos o más. Artistas son contratados para transformar el podio en un escenario de arte
conceptual. Los consumidores sponsorean el arte sin saberlo. Artistas, músicos y actrices llegan
tarde para tener una nota extra, tanto para ellos como para las marcas. Las modelos más top son
introducidas para las principales siluetas para que el editor entienda el mensaje, el cual necesitan
ya que trabajan todo mediante smartphones. Las emociones reales son difíciles de comunicar.
Todos miran a través de sus teléfonos. No deberían mostrarse las ropas de una manera diferente
y más directa?
-Publicidad
El poder de la imagen es tan fuerte que la comunicación es reducida a fotografias. Las fotos son
divididas en 3 categorías. Las marcas usan actores, actrices y modelos en grupos, o un famoso
fotógrafo. Los lugares también son de gran importancia. Sin embargo, es difícil percibir a las
modelos cuando están ocultas por los enormes bolsos que dominan las imágenes. Todas las
fotos de las revistas, todas las mismas. La misma ropa, más o menos, son usadas en las
editoriales. Una nueva marca tiene pocas chances de ser destacada. Las publicidades del
maquillaje ocupan gran parte de las revistas, gastando mucho papel. Llegando al punto de tener
que cortar y tirar esas hojas para que sea más fácil el transporte de la revista. Lo online entonces
será la solución. Los productos promocionados por los bloggers es la última tendencia para
hablar sobre la marca.
-Prensa y blog
Vivimos en un mundo donde muchas personas escriben acerca de la ropa. Sin embargo, son
pocos los periodistas que realmente estudiaron la historia de la moda, la cultura en general.
Profesionales a veces son reemplazados por generaciones más jóvenes. Artículos que son
opiniones en vez de críticas de un punto de vista profesional. La propuesta de hoy en día son los
likes en las redes sociales. Negación absoluta de lo que es realmente original. Mucho es
sacrificado por las stories, it girls, it shoes. Todo cada vez con menos contenido. Ahora que
apareció el blogging, la profesión de los periodistas se encuentra en peligro. Los bloggers son
quienes dan las primicias, crean el buzz. Esto pone más presión a las revistas en el futuro. Si
bien las publicaciones son sin sentido y no tienen coherencia entre sí, algunas dan esperanza y
guían el camino. Por ejemplo, Net-a-Porter magazine. Les hablan a sus lectores como mejores
amigos, llevándolos a todos los puntos del estilo y la cultura. Delicadamente llevándolos al
consumo de cultura de ropa.
-Venta al por menor
Desde que comenzó nuestro siglo no vimos un nuevo concepto para la compra. Como
consecuencia, luchamos contra formatos anticuados, que no corresponden con los consumidores
de hoy en día. El exceso de mercancía está acabando con el gusto del consumidor. Por lo que
pueden reinventarse y reavivar un espacio de multimarcas. La compra se vuelve entretenida y
divertida de nuevo. Los clientes están cansados de los mismos temas y fallan en reconocerse a sí
mismos en las ofertas. Porque al fin y al cabo cuantos abrigos te podes comprar? Las líneas
parecen ser muy anticuadas en un mundo donde el co-branding está tomando protagonismo.
Algunas marcas pequeñas muestran sus acotadas colecciones de otras ideas creativas de sus
amigos, encantando al joven público a tener ropa extraordinaria ordinaria. Las líneas de mono
producto van a ser la mayor tendencia. Nacerán los shoppings, resultados de una colección de
tiendas monolíticas. Una nueva manera de vender ropa, no moda.
-Consumidores
Los consumidores de hoy y mañana elegirán por sí mismos, creando y diseñando sus propios
guardarropas. Se compartirán la ropa entre sí. Rentarán ropa, transformarán ropa y encontrarán
inspiraciones en la calle. Construirán sus guardarropas y mezclarán los básicos del año pasado
con los must del actual, la ropa de la abuela y la ropa del padre. Solo se divertirán con la ropa.
Personas tomando a la belleza y expresión individual en sus propias manos, utilizando la piel,
cuerpo y pelo como una manera de diseñar un carácter. Los humanos tendrán una manera
excéntrica de caminar, un estilo innato de bailar e intereses generales en los deportes activos,
música y juegos. La ropa se transformará en el nombre del juego en los años que vienen. Serán
la respuesta a nuestras plegarias. Dominarán las tendencias futuras. Por lo tanto, celebremos la
vestimenta. La búsqueda de tendencias cambiará también. Tomando sus ideas de los cambios
sociales y encontrando ideas creativas desde el lifestyle y el comportamiento del consumidor.
Concentrándose en textiles y colores a favor de anécdotas. Analizando la ropa desde un punto
de vista antropológico.
-All about men
Los hombres están cada vez más interesados tanto en la moda y accesorios, como en los
cosméticos y fragancias. Las escasas posibilidades de excéntrico y avant-gardistas diseños en el
guardarropa masculino, hacen las mínimas variaciones revolucionarias. Por lo tanto, el
incremento en el gusto por la moda crece, llevando a los hombres a conocer otros tipos de
comportamientos. Y al parecer si disfrutan esta nueva posición. El mundo de la moda está cada
vez más relacionado con los hombres.
-After thought
Recientemente las exhibiciones de moda han traído una gran cantidad de visitantes, nostálgicos
por los días de la creación y couture. Por ejemplo, Costume Exhibition en el MET. Atrajo la
mayor cantidad de prensa que ninguna otra exhibición en la institución. Esta idea creciente de
curar la cultura de la ropa, se siente como una carga en las casas de moda, en su opinión mucho
tiempo es invertido en la promoción. Por esta razón, hacen el acto de la exhibición
gradualmente imposible. Museos acuden a vestimentas que satisfagan el interés del público,
organizando shows alrededor del denim, activewear, streetwear, obligados a cambiar de la moda
a la ropa.

RESUMEN “El cuerpo y la moda” Joanne Entwistle.

Sobre la literatura de la moda:
La moda es tratada como un aspecto de la industria, de la fabricación, de la comercialización, del
diseño y la estética, del consumo del estilo de vida. Ha llamado la atención de teóricos de distintos
campos que actúan bajo puntos de vistas muy distintos. El grado de interés que ha despertado la
moda entre las múltiples disciplinas hace que el relativo silencio de la sociología sea aún más
inquietante.

La antropología ha tratado la indumentaria con más seriedad, como una característica universal de
la cultura humana, aunque centre más su atención en la vestimenta no occidental. El análisis de la
ropa occidental, concretamente el desarrollo de la moda, ha sido desarrollado por una serie de
disciplinas, algunas estrechamente relacionadas con la sociología. Una rama principal es la historia
de la indumentaria, que se desarrolló a raíz de la historia del arte como medio para datar las pin-
turas. Esta rama de la literatura investiga el desarrollo de los estilos y las técnicas del vestir, por lo
general de la alta costura y de las modas de élite, y es muy descriptiva. De esta literatura han
surgido los estudios culturales y sociales como los de Breward que intentan realizar un análisis del
contexto cultural de la moda, y los de Taylor y Wilson (1989), que examinan los estilos de vestir
desde la era victoriana hasta la actualidad.

En la literatura podemos observar tres visiones, definidas no por la disciplina sino por los tipos de
preguntas que formulan y por el enfoque teórico y metodológico que han seguido. La primera
comienza con preguntas como: ¿por qué se lleva ropa?, interrogantes que suelen conducir a
respuestas simplistas. Un segundo criterio dentro de la literatura aborda un análisis más sofisticado
al explorar la relación de la moda con la «modernidad». Estas perspectivas teóricas, aunque
amplias de miras, no ofrecen una explicación sobre cómo se experimenta y practica la moda en el
vestir cotidiano. Proporcionan una explicación teórica de la moda cuya consecuencia es el descuido
del vestir como prácticar. El tercer criterio no se preocupa tanto de las explicaciones teóricas como
de examinar las prácticas específicas del vestirse en una cultura. Este interés en la práctica se
puede hallar en algunas de las recientes obras antropológicas donde se examina la importancia
cultural, los significados y prácticas relacionadas con el adorno, así como en la psicología social, que
observa lo que hace la gente y lo que quiere transmitir con su forma de vestir en la vida cotidiana.

CRITERIOS TEÓRICOS LOS «POR QUÉ» Y SUS RESPUESTAS

Las primeras explicaciones sobre la moda y el vestir, y de hecho también muchas contemporáneas,
solían empezar con preguntas como: ¿por qué llevamos ropa? También planteaban preguntas sobre la
naturaleza de la moda: ¿por qué el sistema de la moda se basa en el cambio continuo?, ¿por qué
cambian las modas de esta forma?

El análisis o resultado neto de este tipo de preguntas es la reducción de la moda a simples causas y
efectos y a explicaciones exageradamente deterministas y reductoras.

Explicaciones teóricas del vestir y del adorno

Como respuesta a por qué nos adornamos, la antropología ha propuesto varias explicaciones
distintas: protección, modestia, exhibicio nismo y comunicación, cada una de ellas más inclusiva
que la anterior.

Malinowski, que planteó la pregunta más limitada: ¿por qué llevamos ropa? Una respuesta es que
los seres humanos tienen necesidades básicas, de las cuales una de las más fundamentales es la de
proteger el cuerpo de los elementos. Sin embargo, esta teoría es problemática: en algunas culturas
las personas no llevan ropa y, de hecho, tal como observa Rouse (1989), muchas de ellas pueden
sobrevivir en temperaturas extremas sin la protección de la ropa.
Polhemus y Proctor (1978) y Rouse (1989) observan, pues, que esta explicación no tiene en cuenta
el hecho de que muchos estilos de vestir, no son prácticos y con frecuencia son incómodos.

La segunda explicación que se ha expuesto es la de la modestia: la ropa se lleva para cubrir los
órganos sexuales. Sin embargo, las pruebas antropológicas muestran que no existe un concepto
universal de modestia, sino un alto grado de variabilidad cultural, lo cual hace que este principio
resulte problemático para basarse en él.

La literatura psicológica también se ha preguntado la razón por la que llevamos ropa y el trabajo de
Flügel no rechaza las dos teorías de la protección y de la modestia, pero propone una tercera que
puede ser más significativa,*"el propósito de adornarse y exhibirse." El autor adapta la visión
psicoanalítica de Freud y prosigue sugiriendo que la ropa expresa dos tendencias contradictorias, la
de la modestia y la de la ostentación, y también arguye que la ropa en sí misma (como la corbata
masculina) puede simbolizar el órgano sexual.

Una cuarta explicación para el adorno, que surge de una propensión universal humanaba
comunicarse mediante símbolos, se ha convertido en el marco teórico dominante, aceptado por los
antropólogos sobre el vestir y por los teóricos dedicados exclusivamente a la moda.

Explicaciones teóricas sobre la moda:

Esta literatura pretende explicar la moda como un sistema único de vestir y comprender por qué
existe este sistema, quizá también recurriendo a la pregunta de por qué las modas cambian como
lo hacen.

En la “teoría de la clase ociosa” de Veblen, en esta teoría de la moda hay dos preguntas implícitas,
la primera es ¿por qué existe un sistema de la moda? Explica la moda en términos de las
características que él considera específicas de la clase de ocio, la nueva clase burguesa que adopta
la moda como instrumento en la batalla por la posición social. La nueva burguesía emergente
exhibe su riqueza a través de un conspicuo consumo, derroche y ocio. Puesto que la moda carece
de utilidad, los miembros de esta clase la adoptan como medio para demostrar su distanciamiento
de la función: sólo los ricos y los que tienen tiempo libre se pueden permitir desechar la ropa antes
de que esté gastada.

La segunda pregunta propuesta por Veblen es: ¿por qué cambian las modas incesantemente?
Sugiere que la necesidad del consumo y el derroche conspicuo pueden explicar la necesidad de que
la moda siempre cambie. Sin embargo, esto no basta, puesto que deja por explicar no sólo el
motivo para realizar y aceptar los cambios en el estilo, sino la razón por la que es necesaria la
conformidad con la moda. Por el contrario, prosigue diciendo que derrochar es inherentemente
ofensivo y ello hace de la futilidad y el gasto de la moda algo aborrecible y feo. Por consiguiente,
sugiere que el movimiento de la moda y su seguimiento por parte de las personas se pueda explicar
como nuestro intento de huir de la futilidad y la fealdad de la moda, acogiendo cada nuevo estilo
como una liberación de la anterior aberración que imperaba hasta la fecha, que también se rechaza
en toda su futilidad y despilfarro.

Según Veblen, los vestidos de las mujeres muestran esta dinámica más que los de los hombres,
puesto que el único papel de la dama burguesa de la casa es demostrar su gran dominio en pagar,
su pecuniaria fuerza de apartarse por completo de la esfera laboral. El traje femenino estuvo muy
relacionado con la moda y por consiguiente fue un medio importante por el que la clase burguesa
podía alardear de consumir y de ser elegantemente despilfarradora. Veblen condena estos rasgos
del vestido de moda y lo denomina vestido basado en principios utilitarios y racionales que evocan
los principios de muchos reformadores del vestir.
Hay varios problemas con la teoría de Veblen. Su explicación de la moda y del cambio en la moda se
basa en la idea de la emulación . Su análisis de la mujer burguesa carece de cualquier sentido de acción:
la moda es concebida como una fuerza muy determinante y negativa en la vida de la mujer victoriana.

La exposición de Steele empieza por considerar el papel del exhibicionismo erótico en la moda,
arguyendo que la imagen tradicional de la mujer victoriana como reprimida social y sexualmente «se ha
de revisar por completo» Por el contrario, propone la visión de que «las modas victorianas giraban en
torno a un ideal de belleza femenina en el que el erotismo desempeñaba un papel importante»

Kunzle como Steele ven a la mujer victoriana como un sujeto activo y apoyan su tesis con las pruebas
históricas de lo que hacía la mujer victoriana en su práctica diaria.

Wilson toma partido por la propuesta de Veblen y de Baudrillard sobre la moda como algo banal y
un despilfarro.

Otro problema con Veblen, según Wilson, es su explicación causal de los cambios de la moda. Su
teoría de que la moda está en constante cambio en un intento de escapar de la fealdad y encontrar
la belleza es limitadora y demasiado determinista.

¿por qué existe semejante sistema del vestir aparentemente «irracional» y por qué
cambian las modas como lo hacen?
Hay tres teorías en particular que han influido bastante como entornos explicativos:

La teoría de la emulación o «filtrado descendente»:

Veblen (1953) y Simmel (1971) son los defensores más famosos de la teoría de la moda como
emulación, según la cual los estilos comienzan en la cima de la jerarquía social con una clase de
élite que opta por una forma de vestir distintiva. Las clases inferiores intentan emular la posición
de esta clase; el estilo se va adoptando gradualmente y de esta forma la moda «filtra en sentido
descendente». Cuando un estilo ha sido adoptado por la clase trabajadora, la élite, para mantener
su distinción y posición, ya ha cambiado de estilo, así que las modas están sometidas a un
constante cambio.

Georg Simmel (1971) declara que la moda expresa una tensión entre la uniformidad y la
diferenciación: expresa el deseo contradictorio de encajar y conectar con un grupo y a la vez
destacar para afirmar la identidad individual. Según Simmel, adoptar estilos nuevos y extremos de
vestir es un medio por el que la élite se diferencia del resto, pero dada su alta posición social, las
cosas que eli-gen llevar se vuelven deseables y son copiadas por las clases inferiores en su intento
de emular su standing. Una vez el estilo se ha «filtrado hacia abajo» a las clases inferiores ya no
sirve para diferenciar a \ajet-set, que tiene que cambiar y adoptar otro, con frecuencia un estilo
más extremo, para poder mantener su posición social.

La emulación ha sido atacada por una serie de teóricos (Campbell, 1989; Partington, 1992;
Polhemus, 1994; Wilson, 1985). Rouse (1989) señala tres críticas principales a este criterio:

la primera, el cambio no tiene lugar porque las clases inferiores empiecen a llevar la ropa de los
ricos.

la segunda, en algunas ocasiones las modas de la clase trabajadora y de otros grupos sociales bajos
como el de los jóvenes de color ha influido en sentido inverso.
 la tercera, que la teoría de la «filtración descendente» depende de un intervalo de tiempo entre
los estilos que llevan los ricos para que posteriormente sean adoptados por las clases más bajas, lo
cual dado el volumen de producción actual, ya no es el caso.

La teoría del Zeitgeist

En esta visión se considera que la moda responde a los cambios sociales y políticos. Es una
explicación de las que han pasado a formar parte del «folclore» cotidiano, que se evidencia en la
comúnmente citada idea de que las faldas bajan en las épocas de depresión económica, como en
los años treinta, y suben en los momentos de bonanza económica, como en los sesenta. Las
guerras tienen mucha importancia en esta línea de pensamiento.

Sin embargo, hay muchos problemas con este criterio, uno de ellos es que tiende a simplificar en
exceso la moda: tal como observa Wilson: «Tales afirmaciones son demasiado obvias para ser
totalmente ciertas y la historia que representan incorrectamente es más compleja»

Por el contrario, Bell sugiere que el vestido no suele reflejar el clima social: aunque se puedan
establecer algunas conexiones durante parte del tiempo, la conexión no «es del tipo de causalidad
mecánica». Bell también continúa diciendo que, si concedemos rienda suelta a la teoría del
Zeitgeist, ésta se convierte en una hipótesis casi sobrenatural, de proporciones más metafísicas que
sociales.

La teoría del «cambio de la zona erógena».

Laver (1969, 1995) dice que hay una única regla que rige la moda de las mujeres, o sea, el
«principio de seducción»: los vestidos femeninos están pensados principalmente para resaltar su
atractivo sexual para los hombres. Por otra parte, los trajes masculinos no cambian con la misma
rapidez que los de las mujeres y se rigen por el «principio de jerarquía»: en ellos se trata de resaltar
su posición social.

La rapidez con la que cambian las modas de las mujeres, Laver la explica mediante su teoría del
«cambio de la zona erógena» En distintas ocasiones, los vestidos femeninos muestran una parte
concreta de su cuerpo, pero a fin de mantener el deseo del hombre, esa zona ha de ir cambiando
continuamente. Así, por ejemplo, el autor comenta que en los años veinte los hombres se cansaron
de las piernas de las mujeres y en los años treinta cambiaron la atención a la espalda, provocando
de ese modo una innovación en la moda femenina.

Sin embargo, aunque indudablemente exista un vínculo entre el vestir y la sexualidad, la solución
de Laver (1969), que sitúa el erotismo como la causa principal de los cambios en la moda femenina,
es inadecuada.
Según Wilson, es muy difícil determinar qué zona erógena muestra la ropa. La autora también
sugiere que hay una serie de ejemplos de vestidos femeninos, como las prendas que se usan para
el trabajo, que procuran «encubrir» la sexualidad, lo cual demuestra que el erotismo y el
exhibicionismo no explican toda la moda.

Polhemus y Proctor, por ejemplo no puede explicar la moda femenina de los pantalones de soldado
para las mujeres a finales de los noventa; estas prendas evidentemente no parecen tener ningún
rasgo erótico, ni dejar al descubierto ninguna parte del cuerpo.
Problemas con las explicaciones que responden a los «porqués»

Entre los problemas se encuentra el hecho de que la literatura es demasiado simplista y

metodológicamente inocente. Habla de las historias de la moda como algo evidente por derecho
propio y expone la narrativa del cambio como una única fuerza motivadora: competitividad por la
posición social (Veblen, 1953), «el cambio de la zona eró-gena» (Laver, 1969), el «impulso
neurótico» o «el sonrojo perpetuo en el rostro de la humanidad» (Flügel, 1930). Da como fruto la
organización de la historia de la moda en términos de narrativas unilineales y limitadoras.

Otro problema es que, muchas veces, se describe la moda como algo «feo» e «irracional» o hasta
trivial o banal, produciendo de ese modo teorías muy moralistas. Puesto que la literatura sobre la
moda tiende a centrarse en la mujer, y han producido explicaciones simplistas, moralizadoras y
condescendientes sobre la implicación de la mujer en el vestir:

- Laver (1969) crea mujeres víctimas pasivas de la «mirada masculina»

- Veblen al hablar sobre la relación de las mujeres con la moda las presenta como «esclavas
exquisitas» y víctimas de la irracionalidad de la moda.

Sin embargo, el problema general y más importante con todo estetipo de preguntas es que terminan
en una macroteoria que intenta explicar el sistema de la moda de un modo que lo comprenda todo,
pero se ha demostrado que cada teoría tiene sus limitaciones porque intentan hallar una explicación
única del adorno o de la moda. Este tipo de criterio sobre el vestir y el sistema de la moda reduce a una
sola causa y efecto, lo que en realidad es un fenómeno complejo.

En contra de estas teorías, el argumento que aquí se expone es que la ropa se ha de entender
como una práctica contextuada resultado de las complejas fuerzas sociales y de las negociaciones
individuales en la vida diaria.

Un criterio del vestir que adopta el entorno de la práctica contextuada se opone al crudo
reduccionismo y rechaza cualquier in-tento de aislar la moda como una fuerza determinante y
omnipotente.

En lugar de ello, el sistema de la moda establece parámetros en torno al vestir, pero dentro de
estos parámetros hay muchas prácticas de vestir que dependen de una serie de distintas
estructuras sociales.

Considerar el vestir desde esta perspectiva implica investigar experiencias e interpretaciones

prácticas de la moda, así como de los factores que la mediatizan. Ello contrarrestaría la tendencia a
generalizar sobre todos los vestidos, propia de la «gran teoría».

Vestir y moda como comunicación

Una explicación de todas las formas de adorno, tradicionales y modernas, es que éstas surgen de la
tendencia humana a comunicarse mediante símbolos. La antropología ha proporcionado las pruebas
que indican que todas las sociedades humanas modifican el cuerpo mediante alguna forma de adorno y
que eso, junto con el lenguaje, se propone como una tendencia universal.

La idea de que el vestido es comunicativo ha sido adoptada por teóricos como Barnard (1996), Davis
(1992), Lurie (1981), Polhemus y Proctor (1978), Rouse (1989) y Wilson (1985), y utilizada para explicar
el propósito de la moda en las sociedades modernas. De ello se deduce que si la ropa es un aspecto
expresivo o comunicativo de la cultura humana, es porque de algún modo ha de ser significativa.
Un criterio claramente discernible sobre el tema del significado en la moda y en el vestir es el que ha
surgido del estructuralismo y la semiótica, puesto que posee un campo de trabajo más nebuloso que
explora los aspectos comunicativos de la moda y el consumo dentro de la modernidad y la
posmodernidad

Un ejemplo del criterio de la moda como comunicación es el que lleva al uso de la analogía entre
moda y lenguaje, considerando el modo en que la moda funciona «como un lenguaje»

La naturaleza lingüística de la moda y el vestir es tenida en cuenta por teóricos como Davis (1992),
Polhemus y Proctor (1978) y Rouse (1989), pero llevada a extremos en la obra de Lurie (1981). Ella
sugiere que la moda tiene una «gramática» y un «vocabulario» como los lenguajes hablados, lo que
hace que el vestir teóricamente sea más amplio que el lenguaje oral, incluyendo el peinado, la
postura corporal, la forma de andar, etc.

5-10 FASHION THEORY (HACIA UNA TEORIA CULTURAL DE LA MODA) Valerie

Steele MODA, MUERTE Y TIEMPO
La moda es la hermana de la muerte ya que ambas son hijas de la caducidad.
La asociación entre moda y muerte es un elemento central del estilo gótico, pero la muerte está
aliada a la moda en un sentido más general. "La moda debe morir, y morir sin demora, para que
pueda empezar a vivir", declaró Coco Chane!. "Cuanto más efimera es una moda, más perfecta
es. No se puede proteger lo que ya está muerto". El diplomático Paul Morand, trazó una
comparación explícita entre la moda y Némesis, la diosa de la destrucción. El impulso
destructivo de la moda gira en torno al cambio, lo que se usaba ayer ya no se usa hoy. Aunque
la moda es la medida moderna del tiempo, también está dotada de una existencia ajena al ciclo
orgánico del nacimiento, la muerte y la caducidad. Por mucho que el cuerpo humano envejezca
y muera, la moda, mediante la celebración de la novedad y el artificio, promete renovación
estacional y eterna juventud.
"La moda se burla de la muerte" observó el filósofo Walter Benjamín, porque el tiempo de la
moda es el tiempo del ahora. Y sin embargo, la muerte habita en el corazón de la moda, porque,
a diferencia del cuerpo que vive y muere, la moda no está ni viva ni muerta. La esencia de la
moda es el fetichismo, porque el sex appeal deriva de lo inorgánico (vestimenta, joyas). Hasta el
rostro está cubierto de cosméticos. La persona viva deviene en una suerte de maniquí , "un
cadáver engalanado". Tal como el vampiro, la moda es una muerta viva. Esto no equivale a
decir que Chane! fuera una diseñadora gótica, sino simplemente que estaba al tanto del
parentesco entre la muerte y la moda. Chane! era una diseñadora modernista, creía en la función
"idealizadora" de la moda. Sin embargo, la moda puede concebirse de otras maneras .
Yaen 1938, la archirrival de Chane!, Elsa Schiaparelli, había colaborado con Salvador Dalí en el
diseño del vestido esqueleto. Este modelo de rayón negro y con un motivo de huesos delineados
en traapunto, se inspiró en el fenómeno circense del hombre esquelético. Los bocetos indican
que el concepto original fue de Dalí. Schiaparelli lo presentó en París como parte de su
colección “Circus”. Los accesorios del vestido esqueleto eran un sombrero en forma de caracol
y un largo velo negro estilo "tienda de circo". En otra colaboración de Schiaparelli con Dalí, el
vestido de lágrimas, la técnica del trampantojo creaba la ilusión de que la tela estaba desgarrada.
Ambos vestidos, entonces, interrogaban la relación entre el cuerpo y la vestimenta , la superficie
y la profundidad, una ropa que no es una mera segunda piel, sino una piel arrancada.
Durante alrededor de cien años, desde la era de Worth, a mediados del siglo XIX, hasta el auge
de Yves Saint Laurent, en la década de 1970, los diseñadores de moda buscaron posicionarse
como artistas creadores de obras singulares que aspiraban a cierto ideal de belleza. Este fue sin
duda un rasgo de los diseñadores modernistas, como Chane! y Schiaparelli. A fines del siglo xx,
la moda alcanzó un nuevo estadio, que irrumpió espectacularmente en 1981 con las colecciones
parisinas de Comme des Garons y YohjiYamamoto. Las prendas que integraban
estas colecciones radicales eran de aplastante color negro o añil, demasiado grandes,
asimétricas y parecían "dañadas". Los periodistas occidentales se horrorizaron ante lo que
percibían como una moda alegórica de la mortalidad, la decadencia y el duelo. Sin embargo,
lejos de significar la muerte, las colecciones de Comme des Garons y Yamamoto ayudaron a
acabar con el dominio de la muerte sobre la moda. He ahí, al menos, la intrigante hipótesis de la
académica alemana Barbara Vinken. La moda siempre "trató de negar la muerte", sostiene
Vinken , "pero ahora nos enseña a vivir bellamente con la muerte. A través de la moda, uno se
prueba su propia mortalidad, en un acto que deja al descubierto la irreductible individualidad de
cada persona ante la muerte". En su dificil pero fascinante conferencia, "La moda, arte de morir,
arte de vivir" (2007 ), Vinken argumento que la moda, al igual que el arte, ha evolucionado dia-
lécticamente. Vinken sostiene que ciertos diseñadores contemporáneos han inaugurado un tipo
radicalmente nuevo de moda autorreflexiva después de la moda. En sus propias palabras, "la
moda actual deconstruye la moda de cien años".
Como ya señalamos, Benjamín dijo que la moda siempre ha convertido a la mujer viviente en
una suerte de maniquí, "un cadáver engalanado". Ícono de lo siniestro desde hace tiempo, el
maniquí es tan significativo para la moda como para el gótico, porque es una abstracción del
cuerpo físico con "la exterioridad sin alma del muñeco", tal como lo expresa Vinken. Sin
embargo, el maniquí también desempeña un papel nuevo y distinto en lo que Vinken denomina
"posmoda", porque ahora "todos los trucos del modisto se exponen a la luz del día". "La
fascinación de la moda por el muñeco inanimado queda al descubierto y en consecuencia se
vuelve reversible"
En lugar de disimular su arte, la moda ahora hace gala de su artificialidad. Consideremos a Rei
Kawakubo, de Cornrne des Ganons. Kawakubo no solo pone en tela de juicio la construcción
social de la mujer como el sexo bello, sino que además interroga la idea de la moda en su
totalidad. La moda ha dejado de ser una superficie falsa que procura crear la impresión de una
muñeca naturalmente hermosa, para ejemplificar, en cambio, un nuevo tipo de encarnación. En
su ostensible búsqueda de un ideal alternativo de belleza, Kawakubo desnaturaliza todas
nuestras presunciones. El volumen del vestido puede comprimirse o estirarse, o distorsionarse
de cualquier otra manera, porque las formas mutables implican cuerpos imposibles. Por
ejemplo, la famosa colección "Dress becornes Body becomes Dress", presentada por Comme
des Garons en 1997 , fue objeto de duras críticas en los medios hegemónicos, a título de que las
prendas "deformaban" a las usuarias. La agobiante negrura de la moda vanguardista japonesa
también marcó un punto de inflexión. La mayor parte de la prensa occidental especializada
tachó el porte de feo y deprimente. El Wvmen 's Daily lo denominó "look mendiga de
Hiroshima". Hasta los japoneses tildaban de "cuervos" a quienes vestían la ropa de Kawakubo y
Yamamoto. Sin embargo, en el transcurso de unos pocos años, el color negro pasó a ser un
elemento central para la escena artística urbana de vanguardia, y luego para la moda en general.
Pero cabe señalar que las connotaciones del negro habían experimentado un drástico golpe de
timón, cuyo rumbo las alejó de la "elegancia" en una dirección más apocalíptica. "El espíritu
samurái es negro", dijo Yohji Yamamoto. "El samurái debe

ser capaz de arrojar su cuerpo hacia la nada, que tiene la negrura por imagen y el negro por
color". A lo largo de los años, tanto Yamamoto como Kawakubo han destacado de manera
sistemática la importancia del color negro en sus creaciones. Yamamoto produce desde hace
tiempo una línea de ropa con la etiqueta "Noir " y también sacó una línea gótica durante un
breve período. La revista Dazed & Confused (agosto de 2007) destacó los elementos góticos de
sus diseños en un dosier fotográfico de moda, cuya estilista convirtió a los modelos en una
suerte de vampiros neovictorianos y cuasipunks.
5-10. La entrevista a JW Anderson sobre la importancia de la artesanía, cómo compensar
creatividad y ventas y sobre qué debemos hacer realmente para ser sostenibles.
F. Javier Girela
El diseñador Jonathan W. Anderson es quizá uno de los genios de este siglo, no solo por los
premios que acumula, sino porque es de los que, dejan los galardones en la estantería y
continúan trabajando. Lo hace desde su vanguardista firma homónima, JW Anderson, que
maneja desde 2008; también desde los talleres de la casa española Loewe, y aborda infinidad de
colaboraciones para el mass market demostrando que la creatividad no está reñida con la venta.
Sus Converse se agotan en cuestión de segundos y sus colecciones cápsula con Uniqlo llevan
más de año y medio de absoluta bonanza.
Muchos le adjudican el mérito de ser uno de los artífices de la redefinición de la masculinidad
en el siglo XXI gracias a sus diseños, pero más allá de las medallas, prefiere no centrarse en
ellas para poner todos sus esfuerzos en su mayor obsesión: la artesanía, los tiempos pausados,
pasó 18 meses redefiniendo el nuevo concepto de su exitoso Loewe, trabajar en equipo y
otorgar a cada miembro la importancia y el reconocimiento merecido. ¿Cómo se trabaja a la
antigua usanza en plena era de la rapidez, la moda de usar y tirar y las carnívoras redes sociales?

Cuando diseñas, sueles decir que simplemente haces lo tuyo, pero ¿qué es lo tuyo?
Cada marca para la que trabajo es como una versión de mí mismo, de lo que quiero ver en mi
armario. Loewe es la versión artesanal, de mi obsesión por la artesanía. JW Anderson soy yo
desde una perspectiva más vanguardista.
Cuando hago colaboraciones como esta con Uniqlo, pienso en qué quiero llevar en el día a día,
que suele ser algo despreocupado, cómodo; pero en este caso no puede resultar únicamente una
visión de una de las partes, somos dos partes que nos encontramos en el medio.
Has descrito tu propia marca, JW Anderson, como una agitadora social. Loewe como algo
cultural. ¿Cómo definirías tu colaboración con Uniqlo?
De Uniqlo me encanta su desarrollo del lifewear y su filosofía. Para mí, quita un poco la
ansiedad por comprar esa ropa de usar y tirar. Nuestra colaboración no tiene pretensiones, quizá
es un poco más vanguardista que su colección habitual, pero se mezcla a la perfección con la
versión más pragmática de lo que es Uniqlo. Lo que más me gusta de todo, sin embargo, es que
es para todo el mundo.
¿Cómo son de importantes estas colaboraciones para ti? ¿Cómo consigues evolucionarlas para
que la gente siga queriendo comprarlas?
Desde que empecé con mi marca he hecho colaboraciones, y para mí lo más importante es crear
un producto bien pensado, que abarque a un público amplio y que ese público se identifique
realmente con él. En el caso de Uniqlo hay una evolución clara. Llevo un año y medio
trabajando con ellos, pero siempre hay algo en esta colección que te hace querer volver a por
más.
 ¿Qué opinas cuando la industria que dice que eres uno de los responsables del cambio de la
estética de nuestro tiempo, especialmente en moda masculina?
Prefiero no pensar en ello, es una de esas cosa que dices “si consideras que has alcanzado el
éxito, para qué seguir haciendo esto”. Creo que es una gran responsabilidad, pero a veces tienes
que ignorar lo que la gente piensa y simplemente creer en tus propias ideas y tu trabajo.
¿Cómo combinas la creatividad con las ventas?
Siempre me tomo las colaboraciones como un proceso de aprendizaje, para aprender sobre lo
que es correcto para ambas partes. Tienes que trabajar para que ambas partes funcionen, no
puedes quedarte solo con tu visión. Tienes que entender lo que estás creando.
Siempre haces hincapié en la importancia de la artesanía, la tradición, el trabajo en equipo y los
tiempos calmados como motores de la creatividad, ¿cómo balanceas tu proceso creativo en la
rapidez del mundo en el que vivimos?
No entiendo muy bien cuando dicen que el mundo va muy rápido, la única locura que vivimos
hoy en día es que tenemos mucha más información y no sabemos cómo racionalizarla. Creo que
este mundo es tan rápido como cada uno quiera que sea, todo depende de cómo abordes las
cosas. Deberíamos ser más felices con lo que tenemos, poder pararnos a mirar las cosas y
disfrutar de ellas.
Desde que creaste su propia marca hasta ahora, has vivido todos los cambios de la era digital, de
los blogs a Instagram, de las revistas a las

páginas web ... ¿Cómo han afectado todos estos cambios a tu trabajo, desde el proceso creativo
hasta las estrategias de marketing?
Hoy en día tenemos otras herramientas y nuevas tecnologías que nos han llevado a cambiar,
pero la diferencia no es mucho mayor que cuando surgieron otros medios de comunicación,
como los periódicos, la radio o la televisión. Como humanos evolucionamos y, en último
término, nuestras formas de comunicación también lo hacen, pero para mí no hay mucha
diferencia respecto al pasado.
Actualmente dos de los principales temas de conversación e información en la industria de la
moda son la sostenibilidad y la moda circular, ¿cómo los aborda?
Durante el último año me han hecho muchas preguntas alrededor de esto y estoy muy cómodo
con lo que estamos haciendo en todas las marcas con las que trabajo. Sin embargo, la
sostenibilidad no se debe tomar en ningún caso como una estrategia de marketing. Es
responsabilidad social y cultural tanto de cada compañía, independientemente de si son de
moda, coches o de cualquier otra cosa, como de cada uno de nosotros de manera individual.
Hay que ir paso a paso, El grupo LVMH lleva invirtiendo en sostenibilidad desde hace más de
30 años y todas las marcas con las que trabajo han hecho una inversión enorme en desarrollar
medidas sostenibles. El problema es que pretendemos atajar el problema de la noche a la
mañana, y no podemos pretender cambiar la situación actual de repente cuando se han estado
desarrollando, desde la Revolución Industrial, durante siglos. Va a llevar tiempo.
Además, estamos tratando con gente que no es realista con las medidas que están tomando los
gobiernos y no solo eso, sino con la manera en la que consumimos,
porque ninguno de nosotros somos 100% sostenibles en nuestro día a día. Es algo a día de hoy
muy complicado. Por eso, tenemos que ponernos objetivos realistas, no tiene sentido señalar y
afear ciertas marcas por hacer o no hacer esto o aquello. Tenemos que dejar a un lado esta
agresión y encontrar soluciones, proponer medidas racionales y objetivos realistas. No vale solo
con hablar de sostenibilidad, hay que ser responsables y abordarla, y la responsabilidad es de
todos.
¿Las marcas deben ser altavoces socio-políticos de su tiempo?
Todas las marcas tienen una responsabilidad social y cultural, deben ser transparentes con lo
que fabrican y con lo que hacen. Llevar a cabo acciones culturales, de caridad, sostenibilidad...
En cambio, en términos de política, considero que ninguna marca debería tomar partido, porque
cada persona tienen una perspectiva política diferente.
¿Alguna vez dejarás de hacer este trabajo?
Espero en algún momento parar y jubilarme, me gustaría ver el trabajo de las siguientes
generaciones y ver cómo destacan. Lo dejaré cuando sea el momento, hoy por hoy me emociona
lo que hago, me encanta mi trabajo, me siento muy honrado y privilegiado por hacer lo que
hago.

12/10: Un recorrido histórico sobre la moda, según el periodismo – Nelson best k

Si bien parecía que los nuevos medios dejarían a los periodistas practicamente sin trabajo.
nasa exactamente lo contrario. Quienes forman parte de los medios de moda se han
transformado ellos mismos en celebridades, en gran parte gracias a los blogs.

MEDIADORES DE LA MODA. Su renombre

esta relacionado tanto con la posicion profesional como con la autenticidad visual de como se
percibe su liderazdo dentro de la narrativa colectiva de la moda.

Anna Konig observo un énfasis cada vez mayor en los aspectos internos de la industria v un
aleiamiento de la conversación exclusiva sobre las prendas a una conversacion sobre los
propios mediadores de

la moda.

La llegada del término fashionista y el foco cada vez mayor en los fashion insiders -todos,
desde Business of Fashion (otoño de 2013) hasta Vogue (abril del

2015) publicaron una lista de los jugadores clave de la industria entalizan el capital cultural de
quienes pertenecen a esa elite.

los periodistas de moda ahora cumplen un papel en

la historia. Y si bien cada país tiene sus héroes locales (véase Business of Fashion's500, por
ejemplo), hay varios personajes internacionales…

Anna Wintour

En 2011, el periodista Joshua Levine publicó en el Wall Street Journal que la autoridad y la red
creada por Anna Wintour excede la de cualquier editor de revista y la convierte en una pieza
clave de la industria: fue ella quien recomendó a Bernard Arnault, de LVMH, que contratara a
Marc Jacobs como diseñador de

Louis Vuitton, por ejemplo, así como ha ayudado a jóvenes diseñadores a obtener respaldo
financiero, tanto a título personal como a través del CFDANogue Fashion

Jessica Parker, pertenecen a la red global de Wintour y se han convertido en personajes

obligados de la alfombra roja de la Gala del MET, de la cual Wintour es

presidenta desde 1995. El evento, que se ha ampliado más allá de los límites de la moda,
compite con los Premios Óscar en materia de cobertura, y en 2010 llegó a recaudar nueve
millones de dólares. En 2014, en reconocimiento a los aportes de Wintour, el Costume
Institute del Metropolitan Museum fue rebautizado como Anna Wintour Costume Center.

La influencia de Wintour en el mundo de la moda siguió creciendo cuando ella misma

supervisó el lanzamiento de Vogue.com y asumió la responsabilidad editorial en el desarrollo
de ventas en línea de Style.com, de Condé Nast. Su presencia en los desfiles de moda
inmediatamente otorga estatus y su ausencia se hizo notar en los primeros desfiles de
Alexander McQueen.

Sobre todas las cosas, Wintour ha tenido la habilidad de crearse a sí misma como una marca
global que ha hecho crecer la autoridad de Vogue.