Estética 1

Origen de la palabra estética: proviene del griego “AISTHESIS”, que signi ca sensación o
sensibilidad. Es una rama de la losofía que se dedica a analizar la naturaleza y la
percepción de la belleza, el arte y el gusto.
- Heidegger: lósofo alemán del siglo XX que plantea, en lugar de ver la estética
simplemente como el estudio de la belleza o el arte, creía que se trataba de cómo las
personas experimentan el mundo a través de sus sentidos; cómo sentimos,
experimentamos y comprendemos todo el mundo que nos rodea de manera sensible.
Heidegger pensaba que el arte contemporáneo tenía el poder de hacer que las personas
re exionaran y cuestionaran su comprensión del mundo.
- Jimenez: poeta español. Jimenez ve al arte como un espejo. Cuando miramos una obra
de arte, es como si nos viéramos a nosotros mismos y al mundo en el que vivimos. El arte
no solo muestra cosas bonitas o interesantes, sino que nos ayuda a entender quiénes
somos y cómo nos sentimos. Es como una foto que captura no solo una imagen, sino
también pensamientos y emociones.
Lenguaje del arte
El arte sigue ciertas normas o reglas que se pueden ver como un “lenguaje”, pueden ser
realistas, simbólicos (las imágenes representan ideas o conceptos que van mas allá de la
realidad) o expresivos (emoción). Por ejemplo: el arte bizantino tiene un enfoque simbólico
ya que al hablar de cuestiones religiosas, no estaría hablando de una realidad tangible.
No hay una única de nición de arte, al igual que la sociedad cambia con el tiempo, las
técnicas, estilos y temas. Es un re ejo de la sociedad; nos muestra qué es importante para
esas personas, cómo ven el mundo, qué creen y qué valoran.
Grecia
- Grecia Arcaica (s. 7-6 a.c): es la etapa previa a la "época clásica" de Grecia, marcada por
el surgimiento de las ciudades-estado (polis).
Durante este tiempo, los aristócratas a menudo encargaban esculturas para conmemorar
sus logros, especialmente si eran atletas olímpicos. Las esculturas se caracterizaban por
ser frontales, siendo diseñadas para ser vistas desde un solo punto de vista, además, las
guras a menudo se esculpían con una sonrisa que no expresaba felicidad en si, sino mas
bien por un convencionalismo artístico. Aunque al inicio del periodo arcaico las guras
seguían patrones rígidos y estereotipados (racionalismo técnico), con el tiempo se
movieron hacia un estilo más realista pero aún idealizado. Además estas esculturas se
presentaban desnudas representando la perfección, fuerza y el ideal humano.
Estas esculturas imponían respeto y mostraban el poder y la posición de quien las
encargaba.

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 Estética 2
- Grecia Clásica (s. 5-5 a.c): representa una época de orecimiento en el arte, la losofía y
la política.

Apolo

Esculturas: ya no son frontales, apariencia más natural. A pesar de que se busca una
mimesis con la realidad, sigue siendo una versión ideal de la misma.
Techné: palabra griega que puede traducirse como “arte”, “técnica” o “o cio”. No es solo
el acto de hacer algo, sino el conocimiento y habilidad detrás de ese acto; se re ere
tanto a la habilidad manual como la habilidad mental. La “techne”además de tener un
sentido educativo y moralizante, está montada en la idea de destreza/habilidades que
mejoran la calidad de vida de la polis. Todos en la antigua Grecia, desde escultores hasta
médicos y poetas, usaban algún tipo de techné. Lo hacían para ayudar a la gente y
mejorar la vida en sus ciudades. Por ejemplo, un médico usa su techné para curar a las
personas, y un poeta usa su techné para escribir poemas que hagan que la gente piense y
sienta.
Arte clásico: uso de cánones y proporciones especí cas, como la proporción áurea.
Representación de guras jóvenes, como Apolo. Uso del contraposto (pose relajada) y
expresiones faciales sin ningún tipo de sentimiento.
Importancia de las leyes matemáticas que a la representación realista o emotiva.
Platón: lósofo griego que veía al arte como algo que debía enseñarse y guiar a las
personas moralmente. El veía al arte como una imitación (mímesis) de la realidad, y
dado que él creía que nuestro mundo sensible ya es una imitación del mundo de las Ideas/

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 Estética 3
Formas, el arte se convierte en una imitación de una imitación, alejando al individuo aún
más de la verdad.
✦ Subjetividad: Platón creía que el arte apela a las emociones y sentimientos más que a la
razón, lo que podría llevar a las personas a ser irracionales o a tomar decisiones
incorrectas. Por lo tanto, descon aba de cualquier cosa que se basara en la subjetividad o
en la interpretación individual.
✦ Ilusionismo: dado que el arte imita la realidad, puede crear ilusiones que alejan a las
personas de la verdad objetiva. Platón temía que las artes, especialmente las dramáticas,
pudieran engañar o manipular a las personas al presentarles una versión distorsionada
de la realidad.
✦ Reglas aplicadas al arte:
- Educar y moralizar a la sociedad.
- No despertar pasiones y emociones extremas, puede desestabilizar el orden social.
- Ser supervisado y regulado para asegurarse de que cumpla estas normas.
Platón decía que estas reglas eran necesarias ya que el arte in uye directamente en las
emociones y percepciones de cada uno, teniendo gran poder. Si no se regula, las personas
podían alejarse de la verdad y la virtud.
Alegoría de la caverna: una historia que Platón usa para decir que hay una verdad más
profunda más allá de lo que simplemente vemos o percibimos, y que debemos buscar esa
verdad más profunda para entender realmente el mundo. En esta alegoría, Platón describe
una escena en la que personas están atrapadas dentro de una caverna desde su nacimiento,
encadenadas de tal manera que solo pueden mirar una pared frente a ellas, sin poder ver lo
que sucede detrás de ellas. Estas sombras representan la realidad ilusoria que la mayoría
de las personas experimentan. Solo cuando alguien se libera y ve la luz del mundo exterior,
puede comprender la verdad más profunda.
Las sombras que en la cueva representan el mundo sensible; es el mundo que ves a tu
alrededor. Todo lo que puedes tocar, ver, oler, escuchar y saborear. Es el mundo de las cosas
físicas y cambiantes. Como una manzana que con el tiempo se pudre.
El mundo exterior, bajo la luz del sol, representa el mundo inteligible o el mundo de las
ideas; el mundo de las ideas o "formas" perfectas. No puedes tocarlo o verlo, pero es donde
existen las versiones ideales y eternas de las cosas. Usando el ejemplo anterior, en este
mundo existiría la idea perfecta e inmutable de una “manzana".
Metáfora del espejo: Platón nos dice que el mundo sensible (el que percibimos con nuestros
sentidos) es como un re ejo en un espejo de la realidad verdadera o una imagen del mundo
real. Entonces, el mundo que percibimos funciona como espejo. Es decir, lo que vemos en el
mundo físico es solo una "imagen re ejada" o "copia" imperfecta de las formas eternas y
perfectas que existen en el mundo inteligible.
Visión de Platón sobre las artes: - Pintura: falsa, ya que es una ilusión de la realidad.
- Música: perfecta porque se basa en números y armonía.
- Literatura: debe enseñar virtudes y evitar temas inapropiados.
-Grecia Helenística (s. IV-I a.c): cambio en el arte
y losofía.

Características del arte:

Hay un enfoque en los detalles expresivos,
como el sufrimiento y emoción, rompiendo con las
típicas caras neutras.
Las esculturas se representan en grupos.
Hay una representación más libre de la forma
humana.
Las esculturas muestras movimiento y
emociones.
El arte juega con diferentes tamaños y

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 Estética 4
proporciones de las guras, generando un impacto visual y emocional.
Aristóteles y el arte:
Aristóteles valora la experiencia como parte esencial del conocimiento. Según él, las cosas
reales son una combinación de forma y materia; todo lo que vemos y tocamos tiene dos
partes: la forma (lo que parece) y la materia (de lo que está hecho). La forma da "forma" o
estructura a la materia.
Aristóteles clasi ca las diferentes “cosas” o entidades en el mundo según su naturaleza o
características; observó que hay diferentes "tipos" o "clases" de cosas en el mundo, y cada
tipo tiene sus propias características y comportamientos:
1) Física //corruptible//: se re ere a las cosas que existen en el mundo físico y que
pueden cambiar o descomponerse; por ejemplo loa humanos, animales, plantas.
2) Física //incorruptible//: son cosas que existen en el mundo físico pero que no cambian
en su esencia, son eternas y están en constante movimiento, como los astros o cuerpos
celestes.
3) Metafísica: la categoría más elevada y se re ere a lo que es eterno e inmutable, no se
mueve ni cambia. Ejemplo: la idea de la belleza; es una idea o concepto abstracto que va
más allá de cualquier manifestación física concreta.
Identi ca 3 formas de literatura:
- Tragedia: es la forma más alta del arte para Aristóteles. Su propósito es educar y
moralizar, preparando a las personas para la vida. A través de la tragedia, las personas
experimentan la "catarsis", una puri cación o liberación emocional.
- Tragedia según Aristóteles:
❖ Una tragedia es una imitación (mímesis) de una acción importante y completa, con un
cierto magnitud. Es decir, no retrata la vida cotidiana, sino momentos críticos y
signi cativos en la vida de sus personajes.
❖ Debe tener una estructura ordenada y coherente, siguiendo las unidades de acción,
tiempo y lugar.
❖ La tragedia debe provocar sentimientos de piedad y terror en el espectador. A través de
estos sentimientos, se produce una puri cación o catarsis de tales emociones en el
público.
❖ La trama generalmente gira en torno a un cambio de fortuna para el protagonista,
generalmente de la felicidad al desastre debido a algún tipo de error o fallo de juicio
(hamartia).
❖ Los personajes principales, especialmente el protagonista, suelen ser individuos de
estatus elevado o nobleza, y su caída es especialmente trágica.
Cuál es la función del sujeto o espectador: la principal función de la tragedia en el
espectador, según Aristóteles, es la catarsis, que se re ere a esa parte de la tragedia
permite al espectador experimentar emociones intensas de piedad y terror a través de la
historia del drama. Estas emociones, al ser experimentadas en el contexto seguro del
teatro, permiten al espectador puri car o liberar esas emociones, llevándolo a un estado de
equilibrio y renovación emocional.
Componentes cruciales de la tragedia:
- Fábula o Argumento: historia o trama principal que se cuenta en la tragedia. Es el hilo
conductor de todos los eventos y acciones que suceden.
- Carácter: se re ere a los personajes y sus personalidades en la tragedia; a través de sus
acciones y decisiones que avanza el argumento.
- Pensamiento: es el "mensaje" o las re exiones que la obra quiere transmitir al público.
- Lenguaje y canto: estilo y modo de expresión utilizado. En la tragedia griega, el canto era
un componente esencial, y el coro cantaba ciertas partes de la obra, añadiendo ritmo y
emoción.
- Inclusión del receptor en la idea de la obra total: la reacción y la emoción del público son
fundamentales para que la tragedia logre su propósito, especialmente el de la "catarsis" o
liberación emocional.

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 Estética 5

Estructura y patrones recurrentes de la tragedia:

/ Personaje noble: suele centrarse en un personaje principal que pertenece a la nobleza o
tiene un alto estatus social. Este personaje enfrenta circunstancias que lo llevan a una
caída o desgracia.
/ Hamartía: "error" o "falla" del personaje principal.
/ Peripecia: giro inesperado en la trama, cambio repentino que altera la dirección de la
fábula.
/ Anatema: condena o maldición que recae sobre el personaje noble debido a su hamartía.
/ Ironía trágica: el público sabe algo que el personaje principal no sabe.
/ Anagnórisis: cuando el personaje principal se da cuenta de su error o "hamartía" y
comprende la verdadera naturaleza de su situación.
- Comedia
- Epopeya: poema ligada a eventos cruciales reales o no de cada cultura
Aristóteles Platón

Arte: techne es hacer más episteme Arte: mundo sensible. Doxa (opinión), el arte
(conocimiento). Actividad humana que exige subjetivo; inspirado por los dioses y debe aspirar
conocimiento a través de la experiencia, por al mundo inteligible.
repetición de actos.

La mímesis es como imitar algo, no es algo malo, Imitación que realizan los artistas es una doble
es “dar forma” falsedad que aleja del mundo de las ideas: el arte
es una imitación (mímesis) de la realidad, una
imitación de la imitación

Algo puede sonar verdadero, incluso si es dicho
de una manera diferente: el arte no solo imita la
realidad externa, sino que también puede
representar la realidad interna, como las
emociones y pasiones humanas.
Dado que el arte imita el mundo sensible y no el
mundo de las ideas, puede ser engañoso y
alejarnos de la verdad.

El arte tiene un valor educativo y puede ayudar El arte apela a las emociones y puede distraer a
a las personas las personas de la búsqueda racional de la
verdad.

Como percibe Platón y Aristóteles, la concepción de la realidad.

- Platón:
1. Mundo de las Ideas/Formas: la realidad verdadera y eterna se encuentra en el "mundo de
las Ideas" o "Formas". Estas Ideas son perfectas, inmutables y eternas.
2. Mundo sensible: el mundo que percibimos con nuestros sentidos (todo lo que vemos,
tocamos, etc.) es imperfecto y está en constante cambio. Es solo una copia o re ejo del
mundo de las Ideas.
3. Conocimiento verdadero: el verdadero conocimiento se obtiene a través de la razón y la
re exión sobre estas Ideas o Formas, no meramente con ando en nuestros sentidos.
- Aristóteles:
1. Formas en la Materia: Aristóteles creía que las "formas" no existen en un reino separado.
En lugar de eso, están en los objetos mismos. Por ejemplo, la "formalidad" de un caballo (lo
que lo hace ser un caballo) está en cada caballo individual, no en un reino aparte.
2. Conocimiento a través de la Experiencia: Aristóteles valoraba la observación y la
experiencia empírica. Creía que comenzamos a conocer desde lo que percibimos y luego
utilizamos la razón para analizar y comprender más profundamente.
3. Mundo Real es el Sensible: el mundo que podemos ver y tocar, el mundo sensible, es la
realidad. No hay necesidad de un mundo separado de formas perfectas, como pensaba
Platón.

Resumen del Arte en Grecia:

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- Arte en Grecia Arcaica: Era un tiempo donde los líderes querían mostrar su poder. Por
eso, las esculturas eran muy serias, frontales, con cuerpos perfectos y caras sin emociones.
Como un jefe diciendo: "Soy el que manda aquí”.
- Arte en Grecia Clásica: las ciudades griegas se volvieron más poderosas y hubo más
cultura. La gente comenzó a cambiar cómo veían el poder. Las esculturas siguieron siendo
de cuerpos perfectos, pero con más movimiento y naturalidad.
- Arte en Grecia Helenístico: v. Grecia se expandió a otros lugares como Egipto. Las
esculturas ya no eran solo de atletas perfectos, sino también de jóvenes y otros tipos de
personas. Además, había más expresiones y emociones en el arte.

Joseph Kosuth y Platón:

Para Kosuth, el arte debería cuestionar su propia naturaleza y propósito. Crítica el arte
tradicional que se basaba solo en tratar de copiar cómo se ven las cosas en la vida real. En
lugar de imitar o representar el mundo, el arte debería centrarse en cuestionar y analizar
ideas.
Contraste en Kosuth y Platón:
๏ Enfoque sobre la Imitación: mientras que Platón veía el arte como una imitación de la
realidad (y por lo tanto, dos veces alejado de la verdad), Kosuth veía la representación
tradicional en el arte como innecesaria y defendía que el arte debería ser principalmente
conceptual, centrado en ideas más que en imitaciones visuales.
๏ Función del Arte: el arte tenía el potencial de alejar a las personas de la verdad y debía
ser supervisado en una sociedad ideal. Kosuth, por otro lado, veía el arte como una
herramienta para cuestionar ideas y conceptos, incluida la naturaleza misma del arte.

BIZANCIO (330 d.c): cuando el emperador romano Constantino I trasladó la

capital del Imperio Romano desde Roma a Bizancio, una ciudad que luego fue renombrada
como Constantinopla en su honor.
El Arte Bizantino re eja las creencias y valores del cristianismo, mostrando una realidad
donde lo espiritual es más importante que lo físico y donde las historias y enseñanzas
cristianas son centrales.
ARS (Techné): habilidades que bene cian a la sociedad y tienen un propósito cristiano. No
buscan expresar emociones o ideas abstractas, sino que se basan en reglas especí cas para
crear algo bueno y útil. Son sobre "hacer correctamente”.
Durante la Edad Media, con la dominación de la Iglesia Cristiana en Europa, el concepto de
"ars" adquirió connotaciones más espirituales y divinas. El arte, también, se trataba de
enseñar a las personas a ser buenas y acercarlas a Dios. Así que, cuando alguien creaba
algo, no solo se pensaba en lo bien que estaba hecho, sino también en si ayudaba a las
personas a ser mejores y más virtuosas.
Artes liberales: disciplinas más académicas y exactas, como la gramática y la astronomía.
Artes mecánicas: son más sobre hacer y construir cosas, como la arquitectura.
San Agustín de Hipona y el Arte Bizantino:
Durante la vida de Agustín, el Imperio Romano estaba en declive, especialmente en su
parte occidental. Las invasiones bárbaras estaban debilitando al imperio y generando una
sensación de inestabilidad e incertidumbre.
Ve la realidad dividida en dos: el mundo físico, lleno de pecados, y el mundo espiritual, al
que se accede a través de la fé. Dios se muestra poderoso pero sin cuerpo físico,
enfatizando que lo espiritual es más importante que lo físico.
El arte se usaba para contar historias cristianas porque muchas personas no podían leer; el
arte contaba con su propio lenguaje: - Simbólico: todo tiene un signi cado y muestra
aspectos de Dios.
- Narrativo: las imágenes cuentan historias.
Características del arte:
- Formas planas: guras planas, sin relieve
- Sin gravedad: las guras parecen otar
- Frontalidad: las guras se muestran de frente
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- Solemnidad: las guras son serias y majestuosas.
- Jerarquía: las guras más grandes e importantes son las de mayor jerarquía.
- Colores especiales: el oro y colores brillantes
- Animales presentes: como palomas, que tienen signi cados religiosos.
- Ausencia de sombra
- Repetición
Lenguaje Bizancio:
➡ Íconos: El arte bizantino es famoso por sus imágenes llamadas "íconos". Son como retratos
de Jesús, María y los santos. La gente no solo los miraba; los usaban para rezar y sentirse
más cerca de Dios.
➡ Estilo diferente: el arte bizantino no intenta parecer "real". En lugar de hacer que las
personas parezcan personas reales, las pintan de una manera especial para mostrar que
son sagradas o divinas.
➡ Tamaño importa: las guras más grandes son de mayor jerarquía.
➡ Mucho oro; para mostrar algo especial o sagrado, como un recordatorio del cielo.
Arte cristiano: tiene formas y símbolos que todo el mundo tiene que reconocer, tienen
signi cados especí cos en la fe cristiana. La iglesia es la que decide y controla que signi can estas
formas y como deben interpretarse; todo esta regulado y supervisado por la Iglesia justamente para
que las imágenes y las ideas se alineen con las enseñanzas cristianas.
La Iglesia no solo tenía poder religioso sino también político; en el arte, esto se muestra colocando
a las guras religiosas en el centro y arriba, pero también incluyendo guras políticas en lugares
importantes.

La belleza y la proporción se encuentra en la proporción y en los números, como la música que es

vista como el arte más elevado.
Arquitectura: estilo románico, construcciones simyples y robustas. Muros gruesos, pocas ventanas,
lo que proporciona mucho más espacio para decorar con imágenes religiosas.
Música: forma de acercarse a Dios. Considerada divina porque sigue patrones y reglas que la hacen
“perfecta”.
Santo Tomás de Aquino y Aristóteles:
Mientras que Aristóteles defendía el uso de la razón para llegar al conocimiento, Santo Tomás
argumentó que la razón y la fe no se contradicen, sino que se complementan. Según Tomás, se puede
usar la razón para comprender aspectos de la fe.
Santo Tomás de Aquino y la Arquitectura Gótica:
Vivió durante el nal de la Edad Media, 1200 - 1300 aprox.
Creía que las personas podían usar tanto la fe como la razón para entender al mundo y llegar a Dios.
La escolástica es un movimiento losó co y teológico que se basa en el uso del razonamiento lógico
para analizar y resolver cuestiones losó cas o teológicas, formulando argumentos y
contraargumentos.
Arquitectura Gótica:
Son altas, como si quisieran llegar al cielo o a Dios, la sociedad burguesa buscaba mejoras constantes.
- Arbotantes: estructuras externas que ayudan a sostener el edi cio, permitiendo paredes delgadas y
ventanas más grandes.

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- Bóvedas de Crucería: son techos con un diseño especial que distribuye el peso hacia los lados del
edi cio, permitiendo paredes con grandes vitrales que dejan entrar mucha luz.
- Rosetones: ventanas circulares con diseños orales, interés renovado por la naturaleza.
- Esculturas: no están planas en las paredes, sobresalen, expresan movimiento y emociones.
- Gárgolas: esculturas que funcionan como desagües y decoración.
- Ojivas: arcos apuntados.

Dualismo Gótico:
Valores Burgueses: apreciación por la vida La religión como eje central en la vida de las
terrenal, riqueza y el individuo personas

Espacio al público de la ciudad Planta en Cruz: no solo funcional, sino simbólico

Las catedrales se adaptan y evolucionan con el La Arquitectura Gótica trajo los arbotantes y
tiempo bóvedas de crucería para alcanzar cierta
habilidad técnica y el deseo de alcanzar nuevas
altura

La supresión de la frontalidad y la búsqueda de La desmaterialización a través de vitrales busca

movimiento buscan representar el mundo de elevar la mente y el espíritu hacia lo celestial
una manera más realista y dinámica

Busca entender el mundo a través de la Busca encontrar un signi cado más profundo y
observación y el análisis espiritual en el mundo natural

En el año 1300, la pintura gótica mostraba dos cosas importantes:

- Las pinturas muestran escenas de la Biblia o de la vida de los santos
- A su vez, esas pinturas empezaron a parecerse más a la vida real, con personas y paisajes que
parecen más naturales.

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 Estética 9

Modernidad (s. XVI - s. XX): se produce un cambio de paradigma; desde una visión donde el
Dios es el centro de todo hacia una visión donde el ser humano es el centro; el
antropocentrismo es quien coloca al ser humano en el centro de todo. Se entiende que los
humanos no solo interpretan el mundo, sino que también tienen la capacidad de darle
forma y crear su propia realidad. Con esto surge la necesidad de comprender el mundo
dandole prioridad a la ciencia como herramienta para entender “la verdad”.
Este período se distingue por tener valores como el progreso, la libertad y la igualdad, a
su vez, el individualismo burgués aumentó en la modernidad.
De nición de arte: es muy difícil de nir el arte ya que no hay una única característica que
se pueda encontrar en todas las cosas que llamamos "arte". Además, el arte cambia
constantemente según el tiempo y la cultura.
Críticas a la Modernidad:
- Las personas se desconectaron de la naturaleza orgánica del mundo.
- La razón y la lógica predominan sobre los sentimientos y las emociones (conexión con la
naturaleza)
Renacimiento
1300
Florencia, 1300: un movimiento cultural que busca revivir los valores y las artes de la
antigua Grecia y Roma.
El arte y la cultura de este tiempo estaban marcados por la tensión entre las tradiciones
religiosas (especialmente el cristianismo) y las emergentes fuerzas burguesas; el arte
re ejaba una combinación de la estética y las convenciones del arte bizantino (con sus
representaciones planas e icónicas) y el estilo gótico (más tridimensional y naturalista).
La fe estaba vinculado a lo religioso, representada de esta manera. Mientras que la razón
esta más vinculado a la clase burguesa.
A medida que avanza el Renacimiento, vemos un interés renovado en los valores y estéticas
de la antigua Grecia y Roma. Esto incluye la idea de "mimesis", o imitación de la
naturaleza. Sin embargo, esta adopción de estilos clásicos se mezcló con la in uencia
romana de ostentación y demostración de riqueza.
Estos burgueses se hicieron más y más poderosos y quisieron que la pintura (y otros tipos
de arte) mostrara sus valores e ideas:
1. Valoración de lo terrenal: los burgueses querían arte que mostrara la vida cotidiana, el
mundo real, y las personas reales.
2. Retratos: encargaban retratos de ellos mismos, mostraban su riqueza, educación y
posición social.
3. Racionalidad: los burgueses valoraban la razón y pensamiento lógico, el arte era más
detallado, preciso y realista; se implemento la perspectiva para mostrar el espacio de
forma más realista.
4. Énfasis en lo individual: se centra un poco más en las emociones y personalidades
individuales. No son solo guras en una historia, sino personas con personalidad y
sentimientos propios.
Proceso de desacralización:
Signi ca que el arte dejó de ser solo sobre temas religiosos o sagrados, comenzó a explorar
y celebrar muchas otras cosas sobre la vida y el mundo. Los artistas querían entender y
mostrar el mundo tal como es, por eso estudiaron la naturaleza, los animales y el cuerpo
humano.
Cambio en el arte:
Anteriormente, las artes eran consideradas mecánicas (escultura o pintura) o liberales
(poesía y música, más libertad de expresión), en esta etapa, esto comenzó a cambiar.
En lugar de simplemente retratar guras de manera simbólica o icónica, ahora se busca
representar el mundo de una manera más realista; buscaron retratar volumen, peso y
dimensiones espaciales reales, aunque el contenido seguía siendo mayormente religioso.

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Estética 10
Los artistas no solo representaban el mundo tal como lo veían, sino que lo hacían con una
técnica meticulosa y una atención al detalle.
Artistas principales:
Simone Martini: re eja una mezcla de tradiciones. Incorpora elementos del estilo bizantino
pero también muestra una atención a la representación realista.
Giotto: reintrodujo la técnica del claro oscuro, que da a las guras una sensación
tridimensional al jugar con las sombras y la luz.

Lamentación, Capilla de los Scrovegni:

rompe con muchas convenciones del arte
bizantino al incluir guras con volumen,
profundidad y emociones realistas.
En esta escena, se muestra una especie de
“duelo” por la muerte de Cristo.

1400: comienzo de la modernidad.

Durante este tiempo, hubo un constante tira y a oja entre la fe (religión) y la razón
(pensamiento lógico y cientí co). Los burgueses eran una clase emergente de ciudadanos
ricos y poderosos; a menudo nanciaban el arte (como mecenas) y querían que re ejara su
importancia y estatus.
Características del Arte:
- Humanismo: se centró en el valor del ser humano, representación realista del mismo y su
entorno.
- Volumen y espacio: los artistas lograron un dominio avanzado en representar volumen,
espacio e identidad, además de texturas muy avanzadas y detallistas.
- Perspectiva: espacios más realistas, profundidad y tridimensionalidad.
Artistas y sus características:
/ Masaccio: expresiones más realistas y especialidad en sus pinturas, implementó la
superposición para crear una sensación de profundidad.
/ Masolino da Panicale: fusiono escenas bíblicas con fondos de Florencia contemporánea,
haciendo estas escenas más cercanas al público de ese entonces.
/ Piero della Francesa: introdujo los puntos de fuga en sus obras, estableciendo una
perspectiva y profundidad, realismo y detalle.
/ Fra Angélico: representaba escenas bíblicas sumando la perspectiva y énfasis en la
naturaleza.
/ Filippo Lippi: guras religiosas en contextos contemporáneos.
/ Botticelli: representaciones icónicas de guras mitológicas y religiosas.
Humanismo: entre los años 1400 y 1600, en Italia. Desarrolló principalmente el
concepto de “Hombre Universal”: idea de que una persona debería ser capaz de hacer
muchas cosas bien, no solo una.
Características del Humanismo:
- Las personas son valiosas y especiales al igual que la religión.
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 Estética 11
- El hombre universal aprende sobre todo.
- Ser buena persona, empático

1500:
Se sigue reconociendo al hombre como la gura central del universo, ya no solo como un
observador pasivo si no un agente activo. Además, se empleó la lógica y la ciencia para
descubrir las leyes que rigen el universo.
Arte: ya no era solo una manifestación estética o religiosa, sino también un re ejo de la
búsqueda humana de la comprensión y el dominio del mundo.
1) Recuperación de valores clásicos: los artistas buscaron perfección estética al igual que
Grecia Clásica y Roma.
2) Los artistas no solo eran creadores, eran investigadores que buscaban entender el
mundo.
3) Perspectiva y Anatomía: los artistas comenzaron a emplear técnicas avanzadas para
representar el espacio y el cuerpo humano de manera realista y tridimensional.
Ejemplos de artistas:
1) Leonardo da Vinci:

Hombre de Vitruvio: representación icónica de las proporciones

humanas basada en las especi caciones del arquitecto romano
Vitruvio.

Estas obras muestran un dominio del

retrato, la perspectiva y la técnica del
claroscuro.

La dama del Armiño La Gioconda

La última cena: uso de la

perspectiva y el enfoque a una
gura en particular

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Estética 12
2) Miguel Ángel: dominio de la escultura y pintura; seguía las leyes de la anatomía pero la
exageraba en ciertos aspectos para aumentar el impacto emocional.

1600:
Contexto filosófico:
René Descartes: - Padre del racionalismo
- Del teocentrismo al antropocentrismo
- Cuestionaba todo y se basa en la duda para hallar la verdad: “Pienso, luego existo”.
Arte Barroco:
Estilo ornamentado, dramático; se usaba para evocar emoción y pasión (la Iglesia Católica
para contrarrestar la Reforma Protestante); buscan conmover y cautivar al espectador.
Objetivo: volver a traer a los eles hacia las Iglesias a través de la belleza y el poder
emocional del arte. Busca representar la grandeza divina evocando al placer material y
sensorial.

Concilio de Trento

1700:
Contexto artístico:
Rococó: re nado y ornamental que re eja la vida lujosa de la nobleza y la corte,
contrarresta con las difíciles condiciones de la vida del pueblo. Se ve en palacios como
Versalles.

Neoclasicismo: inspirado en el arte y la cultura

clásica de Grecia y Roma, pero con un toque
moderno. Representa ideales heroicos in uenciado
de las campañas de Napoleón. Se crea la Academia,
que establece normas sobre lo que es el arte
correcto.

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 Estética 13

Contexto losó co y político:

1. Ilustración: movimiento losó co y cultural que promueve la razón, la ciencia y el
pensamiento individual, oponiéndose a la autoridad tradicional, especialmente de la Iglesia
y la monarquía. Fomenta un orden político basado en la razón y la justicia.
2. Cambios políticos: Revolución Francesa, marca la caída del poder absoluto de la
monarquía. Ideas de separación de poderes y de una república democrática se difunden;
pensadores como Rousseau es fundamental.
3. Tecnología: la imprenta facilita la difusión de nuevas ideas y permite que más personas
tengan acceso a la educación y la cultura; las ideas de revolución y cambio se extienden
más allá de Europa, in uenciando movimientos en América y otras regiones.
El siglo XVIII estuvo marcado por un profundo cambio, desde la cultura y el arte hasta la
política y la estructura social. Se puso énfasis en la razón, el individualismo y los derechos
del hombre.

1800:
Contexto filosofico: kant.
- Pensar fuera del sentido común.
- Giro Copernico: el sujeto ya no es un receptor pasivo, construye activamente su realidad.
- Límite en el conocimiento humano: lo que está más allá de la experiencia.
- Distingue lo bello de lo sublime (inmenso e inmensurable).
Immanuel Kant fue un lósofo que vivió en la época de la modernidad. En este tiempo, las
personas comenzaron a pensar de manera diferente sobre el mundo, centrándose en el
individuo y la relación con la realidad.
Kant habló de la estética (cómo entendemos la belleza). Según el, todos podemos estar de
acuerdo en lo que es bello, existe cierta idea universal de belleza. A su vez, la belleza es
subjetiva porque cada uno percibe de una manera diferente lo que es la belleza.
Kant y la modernidad: En la modernidad, la gente empezó a creer que cada persona tiene su
propia experiencia y perspectiva. Por eso, aunque todos podemos estar de acuerdo en que
algo es bello, cada uno de nosotros lo sentirá a su manera.

Sapere Aude:
Signi ca “Atrévete a saber”, no es de Kant, sino más antigua pero se popularizo por el. Se
empezó a usar en una época en la que la gente comenzó a valorar la razón y el conocimiento
por encima de las tradiciones y la autoridad, esta frase se convirtió en una especie de lema.
Para Immanuel Kant, "sapere aude" era un llamado a la emancipación del pensamiento. No

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quería que la gente simplemente aceptara ciegamente lo que las autoridades, ya fueran
religiosas o políticas, les decían.
Kant no solo animaba a las personas a pensar por sí mismas, sino también a actuar
basándose en su propio juicio. Si esas personas usan su propia razón, también deben
atreverse a construir un mundo basado en esa razón. Esto signi ca que las personas tienen
el poder y la responsabilidad de formar y mejorar la sociedad mediante el uso de su
capacidad de razonar.
- Fenómenos: son las cosas tal y como las percibimos. Es decir, todo lo que experimentamos
a través de nuestros sentidos. Cuando ves una manzana roja, estás viendo un fenómeno. El
sujeto racional puede conocer los fenómenos. Todo nuestro conocimiento empírico (basado
en la experiencia) se deriva de los fenómenos. El mundo de los fenómenos esta
estructurado por nuestra propia capacidad de percibir el mundo.
- Noumenos: lo que las cosas realmente son en su esencia, pero que no podemos conocer
directamente. El sujeto racional no puede conocer directamente los noumenos; que son
necesarios para pensar en el mundo. Aunque no podamos conocerlos directamente, dan
lugar a los fenómenos que sí podemos percibir y conocer.
➡ Lo sublime según Kant: una experiencia estética que nos sobrepasa y nos hace sentir
pequeños o insigni cantes frente a algo inmenso o poderoso, algo que nos provoca una
sensación de asombro, incluso de temor, conectado con lo nouménico.
➡ Lo bello según Kant: aquello que es armonioso, equilibrado y que nos produce placer al
percibirlo. Es una experiencia que sentimos como universalmente compartida (todos
deberíamos poder ver la belleza de algo que es objetivamente bello).
➡ Lo feo según Kant: lo opuesto a lo bello. Es lo que causa desagrado o rechazo. Sin
embargo, puede ser intrigante y provocar re exión, especialmente en el arte, donde lo
feo puede ser representado con un propósito.
➡ Lo siniestro según Kant: es desconocido, misterioso y posiblemente amenazante. Está
conectado con lo sublime en el sentido de que ambos tratan con aspectos de la realidad
que están más allá de nuestra comprensión y control directos. Lo siniestro tiene una
dimensión de temor y misterio.
El arte romántico esta ligado a estos conceptos, sobretodo a lo sublime y siniestro. Busca
evocar emociones profundas, explorar los aspectos oscuros y misteriosos de la naturaleza
humana y del mundo.
★ Abyecto: representa una forma de horror o repulsión que desafía los límites de la
representación en el arte. Es algo tan extremo o perturbador que no puede ser
fácilmente representado o comprendido
★ Límites de la subjetividad según Kant:
Aunque cada uno de nosotros tiene su propia perspectiva y emociones, hay ciertas
cosas que todos experimentamos de manera similar debido a nuestra biología común.
Por ejemplo, todos sentimos dolor, alegría, tristeza, etc., porque somos humanos.
Además, todos compartimos la misma capacidad de razonar, cierto “lenguaje común”
para entender al mundo.

Contexto artistico: romanticismo

Movimiento que critica la racionalidad pura y celebra la emoción, la
naturaleza y lo sublime; se encuentra la belleza en lo inmenso y lo
inexplorado, así como en lo temible y lo misterioso. En contra del
Iluminismo.
Las características del Romanticismo son:
‣Individualismo: expresión individual y personal.
‣Emoción y pasión: se priorizan ante la razón y la lógica.
‣Amor por la naturaleza: la naturaleza como fuente de inspiración y
refugio contra los males de la sociedad industrial.
‣Espiritualidad y sobrenaturalidad
‣Valoración del pasado: idealización de tiempos pasados
‣Arte simbólico y emotivo: usa símbolos para representar ideas

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complejas.
‣ La muerte y lo sublime, se convierten en temas recurrentes
‣ Se destacan artistas como Friedrich, Turner y Goya: sus obras re ejan tensión entre el
hombre y la naturaleza.
✓ Lo subjetivo: el enfoque se desplaza del mundo exterior al mundo interior del individuo.
Las experiencias, sentimientos y visiones internas del artista o escritor se convierten en
el centro de la obra.
✓ Tensión Ontológica: tensión entre lo real y lo ideal; entre el mundo tal como es y el
mundo que debería ser o como lo imaginamos.
✓ Necesidad de lo feo: reconocimiento de lo oscuro y lo sublime porque son partes de la
experiencia humana. Permite una exploración honesta de la condición humana.

1850: cambio signi cativo en la representación y comprensión del mundo en el arte y la

losofía. Se movieron hacia una descripción más real y menos idealizada de la sociedad y la
vida cotidiana.
Contexto filosófico:
Marx:
- Crítica al capitalismo y sus desigualdades: capitalismo = su propia caída.
- Cree que la historia esta in uenciada por las clases y tensiones entre capitalistas y
trabajadores.
- Destaca la naturaleza destructiva de la modernidad.
- Revolución como solución para abordar injusticias como el capitalismo.
Baudelaire:
- De ne la belleza como una mezcla de lo eterno y transitorio
- Le da voz a lo marginal y olvidado de la sociedad.
- Modernidad: hermosa y eterna, inquietante y efímera.
Contexto artistico:
Realismo:
- La realidad tal como es.
- Retrata personas comunes, sus luchas y su vida cotidiana.
- Re eja cambios en la sociedad; urbanización e industrialización.
- Muestra desigualdades y las di cultades de la vida moderna

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