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I.E.D.

TÉCNICO INDUSTRIAL DE TOCANCIPÁ / ÁREA DE FILOSOFÍA 1


CONSTRUCCIÓN DE PENSAMIENTO CRÍTICO Y AUTONOMÍA PARA LA RESPONSABILIDAD SOCIAL Y POLÍTICA
PROFESOR: CÉSAR ARDILA HERNÁNDEZ

IED. TÉCNICO INDUSTRIAL DE TOCANCIPÁ


ÁREA DE FILOSOFÍA GRADO UNDÉCIMO
TEMA: Pensándonos en la pos pandemia
PROFESOR: César Ardila Hernández
ESTUDIANTE:
GRUPO: 1101, 1102, 1103, 1104, 1105, 1106
21/07/2021

Guía de aprendizaje en casa//filosofía grado undécimo semestre 2/2021

Nota: En procura del fin que se persigue, el cual fue explicado en el primer encuentro presencial, el trabajo propuesto en la presente guía – secuencia, puede
desarrollarse en tríos conformados por un compañero que no esté asistiendo a los encuentros presenciales y dos que si estén asistiendo. La conformación de dicho
equipo debe ser previamente autorizada por el profesor. Para la entrega del trabajo deben crear una carpeta de drive y compartirla con el profesor, el linK de acceso
debe ser enviado con los apellidos y nombre del o de los integrantes del grupo a la siguiente dirección electrónica: filosofiadevida.2021@gmail.com
(no enviar los trabajos a este correo, solo el enlace para ingresar a su carpeta de trabajo)

Desempeños a alcanzar: Realizo una reflexión de los valores y la estética en el ser humano.
Presento una postura filosófica a través del desarrollo de las competencias (interpretativa,
argumentativa, propositiva) resolviendo una pregunta orientadora.

Preguntas problematizadoras: ¿Cuál es la diferencia entre una obra de arte y otras


producciones culturales? ¿Qué es la belleza? ¿Existe una relación entre la belleza y el arte? ¿Qué
relación hay entre la creatividad y la creación de arte? ¿En qué consiste la experiencia estética?
¿La experiencia estética puede ser limitada o determinada por posturas ideológicas?

Actividad inicial o de diagnóstico: (Tiempo de desarrollo: 21 al 30 de julio de 2021)


Defina:
1. ¿Qué es belleza?
2. ¿Qué es feo?
3. ¿Qué es objetivo y subjetivo?
4. ¿Qué es abstracto?
5. ¿existe alguna relación entre belleza y verdad?

Exploración: (Tiempo de desarrollo: del 02 al 13 de agosto de 2021)


Lee el siguiente texto, responde las preguntas y desarrolla los ejercicios que se proponen al
final del mismo. Debes esforzarte por lograr la mejor interpretación y una argumentación bien
elaborada.

Filosofía del arte, el arte expresa el pensamiento filosófico imperante. El arte es una forma de
conocimiento que expresa emociones, sentimientos, estados de ánimo, ideas y formas de pensar
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según el momento histórico en el que se vive. Cada etapa histórica influye en la cosmovisión del
hombre y cada forma de ver el mundo condiciona a la historia e influye en el arte. El arte abarca
distintos medios como la pintura, la escultura, el grabado, el dibujo, las artes decorativas, la
arquitectura, la música, la literatura. El arte puede tener un carácter utilitario, estético o bien
puramente expresivo. El análisis de símbolos, motivos y temas suele ser el aspecto abordado de
mayor interés. En el mundo antiguo, las pirámides de Egipto representan las creencias de una
cultura que parecía priorizar la vida más allá de la muerte. El arte griego y romano es una expresión
del realismo filosófico y se destacó por su pintura y escultura relacionada con la mitología, los
dioses y los gobernantes. La arquitectura greco romana expresaba la opulencia de las clases
privilegiadas que simbolizaban el poder, como por ejemplo la tumba de Artemisa II, hermana y
esposa del rey Mausolo de Caria.
Para los griegos el arte significaba saber hacer; Aristóteles lo define como la capacidad para
producir cualquier objeto, orientados por la razón, que hoy en día se denomina técnica. Kant
distingue entre el arte mecánico y el estético; este último puede ser placentero, por puro placer y
bello cuando procura placer intelectual. Durante la filosofía escolástica, en la Edad Media, el arte
se circunscribió a los temas religiosos ya que los sistemas filosóficos dominantes partían del
dogma. El Renacimiento, fue un momento cultural caracterizado por el antropomorfismo y por la
vuelta al espíritu de la antigüedad clásica, se caracteriza por su arte realista.
El Renacimiento italiano es el que expresa en forma más completa los ideales de esa sociedad
durante esa época. El Impresionismo que surge después del Renacimiento, fue un movimiento
artístico de rebelión contra las leyes tradicionales del academicismo con respecto a los rigores que
existían sobre el contorno definido, el conocimiento de la anatomía, la perspectiva y la importancia
del claroscuro. Frente a este intelectualismo realista, el sensualismo impresionista se basaba en la
intuición personal y en la expresión de las emociones, con exclusión de todo conocimiento teórico.
Alrededor de 1900 casi toda la pintura occidental era impresionista, ese cambio de estilo no se
limitó a la pintura, sino que se extendió a la escultura, la música y la literatura. La revolución
plástica que representó el Impresionismo sentó las bases para el surgimiento de producciones
artísticas posteriores más audaces.
El cubismo a principios del siglo XX, fue la revolución estética más importante desde el
Renacimiento. El Relativismo Cultural influye en el arte y surge Pablo Picasso como exponente
máximo del cubismo, que desarrolla un sistema representativo basado en el hecho que la visión
humana tiene distintos puntos de vista y se desarrolla en el tiempo. El cubismo presenta los objetos
tal como son concebidos por la mente y como existen en sí, y no tal como son vistos. Salvador Dalí
es otro extraordinario artista plástico que expresa con gran brillo y originalidad la relatividad del
tiempo y las diferencias en la forma humana de ver el mundo.

Algunas características de la obra de arte: El filósofo alemán Theodor Adorno creía que es
imposible definir el arte, por ello señala que "Ha llegado a ser evidente que nada en el arte es
evidente", y agrega: "Todas las obras de arte, y el arte mismo, son enigmas". Encontrar una
definición de arte es difícil, porque existen diferentes visiones al respecto, algunas de las cuales
son opuestas. Sin embargo, podemos reseñar algunas características de la obra de arte que nos
permitan diferenciar qué es y qué no es arte. La obra de arte es una expresión estrictamente humana,
las obras de arte son producciones pensadas. Por ser producciones que parten del pensamiento,
tienen valor intelectual.
La obra de arte es una creación original, es única e irrepetible y por lo tanto la obra de arte
tiene perfección técnica en su ejecución. El arte tiene mucha relación con el mundo de la imagen,
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que para muchos es un mundo irreal y de fantasía. Algunos consideran que la obra de arte, aunque
parte de la realidad, está por encima de ella, y que aun las obras pictóricas más realistas son formas
diferentes de la realidad. Es decir, la obra de arte tiene sus propios mundos, que en ocasiones son
extraños al mundo de la "realidad" y por tal razón hay que comprender sus códigos para poder
disfrutar de ella. Pero también, la obra de arte permite experimentar y percibir sensaciones; porque
ella genera en las personas sentimientos, pensamientos o reflexiones cuando estamos frente a ella.
Algunas de las sensaciones que experimentamos son propuestas por el autor de la obra, otras parten
de nuestra relación con la obra y dependen de múltiples factores como, por ejemplo, el lugar de
exposición o de cuánto sabe el espectador sobre el tema que trata la obra.

Teniendo en cuenta esto, se puede decir que una de las características de la obra de arte es
suscitar emociones de todo tipo. Esta acción de suscitar permite conectar al ser humano de hoy con
el de hace 15 mil años, con aquel que dibujó ciervos en la Cueva de Altamira durante el paleolítico
superior, o con el que contempló las obras de Picasso a mediados del siglo pasado. Para algunos
de nosotros el arte es belleza, lo cual quiere decir que todo lo bello es arte. Sin embargo, en la
historia de la humanidad podemos encontrar obras de arte
que carecen de belleza. Por ejemplo. Saturno devorando a su
hijo, de Francisco de Coya. Es por ello que se puede afirmar que
algunas obras de arte tienen belleza pero otras carecen de ella,
aunque, de todos modos, suscitan otro tipo de impresiones
y de sentimientos. La actitud estética permite que la
sensibilidad juegue con la razón y con la voluntad, las cuales
admiran lo que produce la imaginación. Esta admiración está por encima del interés, de la utilidad
o del consumo.
La actitud estética es desinteresada, o, en palabras de Aristóteles y Kant, "es un interés
desinteresado que hace posible la contemplación de la obra estética". Esta actitud no es pasiva sino
activa porque, por medio de la sensibilidad, la razón y la voluntad se entregan al disfrute de la obra
de arte abriendo nuevas vías de comunicación por medio de la imaginación. La actitud estética une
de manera armoniosa la razón y la sensibilidad para que disfruten de manera libre, es decir, sin
interés y fines preestablecidos, de la obra artística.

Ex1. ¿Por qué el arte expresa el pensamiento filosófico imperante?


Ex2. Elabora un mini colash juntando obras de las épocas: mundo antiguo, Renacimiento. Y
Modernidad.
Ex3. Escribe la pregunta filosófica que planteaste y elegiste en el periodo anterior, analiza y
escribe un texto en el que establezcas si hay alguna relación entre el tema de trabajo que iniciamos
y tu pregunta filosófica

Estructuración: (Tiempo de desarrollo: del 17 de agosto al 17 de septiembre de 2021)


Para lograr un mejor proceso es necesario conocer conceptos y aspectos esenciales que te
permitirán estructurar los contenidos del tema identificando y profundizando sobre datos
importantes e ideas esenciales que pueden contribuir en la configuración de una postura frente al
sentido de la vida y la existencia en general, al tiempo que puede permitir descubrir horizontes de
sentido y respuesta a interrogantes de la vida. Por ello debes tener siempre presente lo aprendido
en el periodo anterior y la pregunta personal que te planteaste o elegiste como guía y objetivo de
investigación en este proceso.
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Lee con toda atención el texto seleccionado, analice con toda atención las ideas expuestas,
las imágenes que lo ilustran y luego responde y desarrolla los ejercicios que se presentan.

Características de la experiencia estética: La experiencia estética se caracteriza por ser: 1-


Profunda, que implica, que no se trata de cualquier sentir, sino de aquel que transforma nuestra
visión de la realidad, de tal manera, que las cosas adquieren otro sentido después de vivir la
experiencia estética. 2- Ahistórica, es decir, no tiene tiempo porque, cuando vivimos una
experiencia estética, el tiempo es lo de menos. 3- Vivir la belleza significa encontrarse con la
eternidad, pasar del ayer al hoy y de éste al mañana sin darnos cuenta. 4-Intensa y breve, lo que
explica que la disfrutemos sólo si tenemos desarrollada la facultad del gusto estético. Es un
momento que nos puede cambiar la vida. 5- Descentrada, es decir, nos saca del mundo ordinario.
Cuando participamos de una experiencia estética estamos tan inspirados de ella que nos olvidamos
del mundo y de nosotros mismos.
El sentir estético abre la posibilidad de su experiencia y ésta permite desarrollar una actitud
estética, que no es otra cosa que la relación que los seres humanos tenemos con los objetos estéticos.
Esta relación se puede asumir de dos formas: como placer que disfrutan nuestros sentidos frente a
un objeto bello, y como goce con algo bello. En la forma de placer, la experiencia estética es
limitada y cae en lo que podemos denominar satisfacción de los sentidos, que se manifiesta en el
agrado que sentimos frente a algo. En la segunda forma, podemos hablar de una experiencia estética
relacionada con la "elevación del espíritu” de la que habla Platón. En otras palabras, una
experiencia que está más allá de la satisfacción de los sentidos, de lo físico, y que tiene que ver con
la formación de nuestro ser. Esta forma es la que desarrolla actitud estética, que supone razón y
sensibilidad.

Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central, mural realizado por Diego Rivera en 1948
https://uploads5.wikiart.org/images/diego-rivera/dream-of-a-sunday-afternoon-in-alameda-park-1948.jpg!Large.jpg

La estética es la rama de la filosofía que tiene por objeto el estudio la esencia y la percepción
de la belleza. La estética estudia las razones y las emociones estéticas, así como las diferentes
formas del arte. La Estética, así definida, es el dominio de la filosofía que estudia el arte y sus
cualidades, tales como la belleza, lo eminente, lo feo o la disonancia. Baumgarten usara la palabra
"estética" como "ciencia de lo bello, misma a la que se agrega un estudio de la esencia del arte, de
las relaciones de ésta con la belleza y los demás valores. La estética es la ciencia que estudia e
investiga el origen del sentimiento puro y su manifestación, que es el arte, según Kant en su "Crítica
del juicio". Se puede decir que es la ciencia cuyo objeto primordial es la reflexión sobre los
problemas del arte.
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Si la Estética es la reflexión filosófica sobre el arte, uno de sus problemas será el valor que
contiene el arte; y aunque un variado número de ciencias puedan ocuparse de la obra de arte, sólo
la Estética analiza filosóficamente los valores que en ella están contenidos. Según el análisis que
hace la estética del arte, realizaremos un ejercicio de percepción sobre la pintura llamada “El Grito”
del pintor Edward Munch. El simbolismo de la imagen se percibe en el rostro agitado del
protagonista en primer plano, que es casi una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para
que no le estalle. El empleo de los colores, violentos, arqueados en agresivas bandas de color, es
puramente simbólico y trata de transmitir al espectador el agitado estado de ánimo del autor. Esta
sensación se refuerza con la presencia de dos testigos mudos, lejanos, anónimos, dos figuras negras
que se recortan al fondo de una violentísima perspectiva diagonal que agrede la visión de quien la
contempla. Las formas se retuercen y los colores son completamente arbitrarios, tan sólo intentan
expresar el sentimiento del autor y no una verdad racional. Este cuadro resalta el gesto más
expresivo del arte contemporáneo para significar el gran desaliento que el hombre moderno sentía
ante el fin de siglo XIX y la transición al siglo XX. De acuerdo al texto podemos concluir los
siguientes pensamientos: La Estética es la rama de la filosofía que estudia la percepción de la
belleza. La estética reflexiona filosóficamente sobre los problemas del arte como los valores.

Immanuel Kant: Crítica del juicio: "Para discernir si algo es bello o no, nos referimos a la
representación, no por el entendimiento al objeto con vistas al conocimiento, sino por la
imaginación (tal vez unida al entendimiento) al sujeto y al sentimiento de agrado o desagrado
experimentado por éste". Lo estético: no se funda en conceptos, no se puede medir: "No puede
haber ninguna regla de gusto objetiva que determine por conceptos lo que sea bello, puesto que
todo juicio de esta fuente es estético, es decir, que su motivo determinante es el sentimiento del
sujeto y no un concepto del objeto". No hay ciencia sino crítica de lo bello. La sensación sensorial
es incomunicable. La comunicación viene de lo común (u ordinario) a todos.
Si según Kant no hay reglas para determinar la belleza. ¿Cómo es posible que hablemos de
cosas que son bellas y otras que no lo son? ¿Por qué dice que no hay ciencia de lo bello? Un ejemplo
de la influencia que ejercieron en el arte algunos filósofos alemanes como Kant y Marx, o el
movimiento neo-medievalista literario, abanderado por el poeta Wordsworth, son los pilares
culturales de la expresión artística. En todos ellos, el valor del individuo es el que prima. Esto
conduce indirectamente a revalorizar todo el arte de los estilos anteriores, puesto que ya no se
depende de las normas establecidas para el período vigente -como ocurría en el Neoclasicismo-
sino que lo importante es el efecto que una obra de arte ejerce sobre la sensibilidad del sujeto, que
varía de uno a otro.
El valor del pensamiento subjetivista responde también a la crisis de valores religiosos
(cristianismo) y racional (Ilustración); en el arte, el peso de este posicionamiento es tremendo,
puesto que cualquier objeto o tema es digno de reflexión artística, siempre que el sujeto o el pintor
sientan aludida su sensibilidad. El mejor ejemplo está en los primeros cuadros románticos entre los
que se destacan los paisajes. El paisaje puede ser ahora dramático, sereno, noble o sublime. Los
elementos que protagonizan el paisaje ya no son mitologías, narraciones bíblicas o gestas heroicas,
sino el propio paisaje: la luz y el color conforman la atmósfera, cuya presencia inunda los lienzos.
La vaporosidad y la libertad de ejecución se ven reforzadas gracias a la técnica de la acuarela, como
fue el caso de Turner. Se pone más Naturaleza que referencias reales, lo que lleva en ocasiones a
un simbolismo criptográfico, sólo descifrable por algunos conocedores.”
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Turner. El peregrinaje de Childe Harold a Italia, hacia 1832. Tate (https://masdearte.com/media/reb_turner.jpg)

El pensamiento relativista hizo revalorizar el arte que dependía de normas establecidas,


causando que el efecto que este ejerce sobre la sensibilidad del sujeto se convierta en el elemento
más importante. Las pinturas del artista Ingles Turner, es un ejemplo de los cambios que se dieron
por la influencia de filósofos como Kant.

Campo Santo, Venecia Autor: Joseph M. William


Turner Fecha: 1842 h. Museo: Toledo Museum of
Art Características: 62,2 x 92,7 cm. Material: Óleo
sobre lienzo Estilo: Romanticismo Inglés

En esta escena podemos observar el cementerio de la


isla de San Michele, al norte de Venecia, con lo que posiblemente el maestro londinense pretendía
simbolizar la decadencia de la ciudad desde la dominación francesa desde 1797. El colorido
empleado por Turner es bastante brillante, destacando los tonos azules del mar y del cielo,
combinando con las nubes blancas y los reflejos de las embarcaciones en el mar. Al fondo, muy
difuminadas, podemos observar las siluetas de los edificios de la Ciudad de los Canales, cuyo
romanticismo cautivó al maestro de las atmósferas. El crítico John Ruskin consideró este lienzo
como "la más perfecta de las últimas obras de Venecia".

Aumento mi vocabulario: El término arte puede tener numerosas interpretaciones acorde con
la filosofía y perspectiva que cada individuo tenga. En siglo IV a.C. Mario Villorino clasificó a las
artes en: Artes animi, o artes materiales: Poesía, música, astrología, gramática, retórica,
jurisprudencia y filosofía. Artes corporis: Lanzamiento, salto, velocidad, levantamiento de pesas,
etc. Quizá la máxima representación de artes corporis que podríamos tener hoy en día es el
fisicoculturismo. Artes animi et corporis: Agricultura, gimnasia, arquitectura, escultura, etc.

Es1. Describa lo que observas en el mural “sueño de una tarde dominical”


(En los siguientes ejercicios debes seleccionar la respuesta y argumentar la razón de la misma):
Es 2. Generalmente se dice que el concepto Verdad no se aplica a la creación artística pues
el artista crea a partir de su subjetividad mientras que la verdad es un predicado que produce un
conocimiento objetivo. Según Gadamer esta posición está equivocada, pues para él, es posible
hablar de una verdad en el arte porque al comprender el sentido o significado de la creación artística
se produce un conocimiento y por lo tanto se puede hablar de una verdad en sentido artístico.
Gadamer defiende lo que él llama el "derecho a la verdad en el arte", diciendo que, aunque la
verdad en el arte no es universal, sí es comunitaria y en esto radica su carácter objetivo. Así,
Gadamer defiende un concepto de verdad estética que
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A. critica el carácter subjetivo en la obra de arte mostrando que la verdad en el arte depende de
su carácter universal
B. da importancia a la universalidad de la creación artística, pues ésta es la que brinda
conocimiento objetivo
C. si bien no está restringida únicamente al mundo privado del artista, es relativa al contexto
comunitario en el que la obra es interpretada
D. niega el contexto en el que la obra debe ser interpretada pues el arte depende de un
conocimiento objetivo y universal.
Es3. Para Platón, mediante la creación artística se puede ver cómo se relacionan el mundo de
las ideas y el mundo sensible. Según él, lo sensible siempre es generado como reflejo de lo
inteligible. Por lo tanto, debe existir un alma que cumpla la función de diseñador, en este sentido
el artista es un mediador entre la idea y el producto final. Así, de acuerdo con Platón
A. la obra de arte adquiere sentido en la medida que el artista logra una representación adecuada
de la idea
B. la idea se refiere a la obra de arte gracias a la mediación del artista que es un alma creadora
C. lo inteligible es generado por la idea y la función del artista es generar dicha relación
D. la obra de arte como producto final no hace parte del mundo sensible.
Es4. Para Kant, los juicios estéticos pretenden la universalidad. Según este filósofo, cuando los
seres humanos discuten sobre estética, buscan una razón última que fundamente la verdad de sus
juicios. Esta razón última es la que soporta la idea de objetividad y universalidad en la estética. De
esta forma, el autor considera que la belleza no está presente en el objeto como una propiedad,
tampoco considera que el juicio estético dependa totalmente del observador. Por lo tanto, el acuerdo
en los juicios estéticos es posible, porque
A. la belleza es una propiedad de los objetos y cuando los observadores la descubren llegan a
acuerdos sobre ella
B. los juicios estéticos dependen de las propiedades de los objetos y esto es independiente de las
discusiones sobre estética
C. diferentes observadores pueden diferir en sus juicios sobre los objetos de creación artística
D. existe una universalidad en dichos juicios que se evidencia en la búsqueda común de un acuerdo
sobre lo bello (Tiempo Otoñal Irazema Ríos – Rostro de

Es5. Qué sentido le da a la Estética el contexto de estas tres


imágenes.
Es6. Busque el original del “Grito” de Edward Munch (para
colorear), reprodúzcalo en tu documento de trabajo y coloréalo
de forma creativa. https://artelista.s3.a

Es7. Escribe lo que percibes de la imagen del cuadro el “grito” mazonaws.com/obra

Es8. ¿Qué relación tiene la imagen, con lo expuesto al comienzo del texto frente a la Estética?
Es9. Complete las frases, según lo leído:
a. Los pintores de finales del siglo XVIII y el siglo siguiente cambiaron el estilo en sus obras
porque:
b. La relación que tiene el hecho que a Turner lo hayan llamado el maestro de la atmosfera
(palabra subrayada) con los nuevos elementos protagonistas del paisaje de esta época, es
porque estos reemplazaron:
Es10. Busque las imágenes de los cuadros “el nacimiento de Venus” de Botticelli, recórtalos
y pégalos en tu documento de trabajo; luego compáralos con el “paisaje” de Turner y escribe tres
diferencias en el estilo de la pintura y explique por qué se da esta diferencia.
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Es11. Para distensionarte. Los mándalas son dibujos circulares
compuestos por formas geométricas que se utilizan en el hindobudismo
como soporte de la meditación. Un mándala, rueda o círculo en
sánscrito, es una imagen con un centro y con una simetría organizada
habitualmente en 4 ejes, los 4 puntos cardinales, aunque pueden ser 2
o 3. Aplique color al mándala de la muestra expresando tu creatividad
ES12. Nuevamente vuelve a recordar tu pregunta personal y
analízala a la luz de lo trabajado y aprendido en esta secuencia

Práctica: (tiempo de desarrollo: del 13 de septiembre al 08 de octubre)


En esta fase debes ir leyendo y desarrollando, en tu documento de trabajo, los ejercicios que
se proponen y van apareciendo luego de cada fragmento de texto.

P1. En el siguiente texto interprete el concepto de belleza en la filosofía de Platón y relaciónelo


con el arte:
Estética de platón. Concepto de belleza Las formas, los colores y las melodías constituían tan
solo una parte de la belleza, pues abarcaban con este concepto, no solo los objetos materiales sino
también elementos psíquicos y sociales, caracteres y sistemas políticos, la virtud y la verdad.
Entendía la belleza ampliamente: abarcaba con ella no solo los valores que solemos llamar estéticos
sino también los morales y cognoscitivos. Este concepto de lo bello difería muy poco del concepto
del bien.
La belleza como orden y medida: La concepción pitagórica de Platón, veía la esencia de la
belleza en el orden, en la medida, en la proporción, en el acorde y en la armonía; concebía la belleza
primero como una propiedad dependiente de la disposición (distribución, armonía) de los
elementos y, como una propiedad cuantitativa, matemática que podía expresarse por numerosos
(medida y proporción). Platón explica que son la medida y la proporción, quienes deciden sobre la
belleza de las cosas y les proporcionan unidad. Según Platón la belleza abarcaba los valores
estéticos, morales y cognoscitivos. Auguste Renoir, pintor de vida: Renoir, pintor impresionista,
destaca, sobre todo por la representación de la vida y la búsqueda de la belleza interior que lleva a
cabo en sus retratos. Normalmente en los rostros de mujeres o niñas donde consigue expresar la
inocencia, la armonía del ser y una bondad expansiva. Aunque Platón no gustaba de la pintura por
parecerle un engaño, se identifica con Renoir porque él también buscaba en su pintura relacionar
el concepto de belleza con el bien.

P2. Completa el párrafo. Según Platón lo bello no solo abarcaba


_________________________ si no también _______________________________________. El
concepto más cercano a belleza según Platón era ______________________. Según el texto
valores estéticos se refiere a _______________________Y cuando nombra valores morales y
cognoscitivos se refiere a _________________ _______________

P3. Analizar: Escribe otras (2) semejanzas entre las teorías de Platón sobre la belleza y las
representaciones de las pinturas de Renoir.
P4. Escribe sinónimos de las palabras subrayadas en el primer párrafo del texto “Estética de
platón”.
P5. Explique el significado de “concepción pitagórica de Platón” que se encuentra en el
segundo párrafo. Contextualízalo con la realidad de hoy.
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Para que te relajes un poco: Como se explicó al final de la


estructuración, los mándalas no son solo un dibujo con fines
estéticos y decorativos sino que por medio de ellos la cultura
oriental busca la armonía interior.
P6. Copia este mándala y píntelo eligiendo el significado para
cada color, elabore un cuadro de convenciones, asigne significado
también a las formas, escriba el mensaje que quieres trasmitir.
(Color Significado Mensaje).

P7. Lee el siguiente fragmento, luego completa las frases.


El concepto de arte según Platón: Su teoría del arte no está muy estrechamente unida con su
teoría de lo bello. La mayor belleza la reconoce en el universo y no en el arte. Se sirve del concepto
griego del arte, que comprendía tanto la pintura y la escultura como las artes útiles; era arte todo lo
que el hombre produce con habilidad y para algún fin. Conforme a tal entendimiento del arte,
incluía en él también la técnica, pero no la poesía, ligada está a la inspiración. La parte idealista y
la moralista de Platón, comprendía la poesía como un fenómeno psicológico excepcional. Introdujo
el concepto de mímesis ya que para él las imágenes son imitaciones de objetos reales, aunque sin
desempeñar la misma función que sus originales. Para Platón, todas las creaciones artísticas son
conjeturas ya que su carácter imitativo las aleja de la realidad de las formas, y les confiere incluso
un sentido peyorativo, por su apariencias engañosas, ya que los artistas no representan las cosas
como son, sino como parecen. El arte antiguo que comprende la pintura, la escultura y las artes
útiles, producen objetos con habilidad para algún fin. Según el concepto griego asumido por Platón.

a. Según Platón la belleza no se debe buscar en el arte porque:


b. Según el contexto, mimesis significa:
c. Según el contexto, La palabra conjetura quiere decir:
d. Según el contexto, el significado de peyorativo es:… y se
refiere a…

P8. Según el concepto de Platón, analice la siguiente obra:


Nombre de la obra: "Obelisco roto", 1963-1967. Esta es una obra
del artista norteamericano Bainett Newmann, como se puede
observar en ella, él no busca Imitar la realidad. "Obelisco roto", 1963-1967 https://uploads2.wikiart.org/images/barn

(Tomado de: https://www.coursehero.com/f


A continuación se presenta un escrito en el que se hace un análisis del estilo de este artista.
“Newmann siente aversión hacia lo ilusorio, lo ficticio, lo voluptuoso y hacia el virtuosismo
habilidoso. En este aspecto, también Platón se mostraba receloso hacia el arte mimético, existen
numerosas y fuertes concomitancias con la teoría de Platón. Ambos repudian un arte mimético,
pues éste es incapaz de superar a la propia naturaleza, es más, nos hace caer en el engaño y en la
ilusión, en definitiva nos impide la aspiración a la revelación de la verdad”. (Sánchez Pérez Rosana.
Platón en el arte del siglo XX. Universidad de Grana& España)
P9. Responde: Según el texto
a. Newmann siente aversión hacia lo ilusorio y lo ficticio porque para él esto
significaba…
b. Newmann coincide con Platón en…
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El concepto de arte según Aristóteles: El arte es una actividad humana, lo cual lo distingue de
la naturaleza; los productos del arte, son contingentes, mientras que los de la naturaleza son de
necesidad. La contraposición entre arte y naturaleza no estaba muy clara, ya que el filósofo estaba
firmemente convencido de que el arte aspira siempre a un fin, del mismo modo que lo hace, la
naturaleza, siendo esta finalidad un elemento que los acerca. La producción basada sobre el
instinto, sobre la experiencia o sobre la práctica, no es arte; solamente quien conoce los medios y
los fines de la producción está en la capacidad de dominar el arte a fondo. La capacidad de producir
es una habilidad. Al determinar el arte como habilidad, lo asemejo a la ciencia; la ciencia atañe a
la existencia y el arte a la creación. El arte como habilidad borraba la frontera entre arte y ciencia.
El arte puede hoy carecer de reglas con tal de que el producto sea satisfactorio. La relación entre el
arte y la materia de que se sirve, así como entre el arte y las que son sus condiciones: el arte necesita
siempre de la materia, pero se sirve de 10 diferentes formas; el arte cambia la forma de la materia.
En su división de las artes, pone como punto de partida la relación entre arte y naturaleza.
El arte, imita o realiza lo que la naturaleza es incapaz de hacer por si sola. La imitación fue
uno de los conceptos principales de su teoría, y la base de su división artística. La imitación es para
el hombre una actividad natural, basada en sus tendencias innatas y que le proporciona satisfacción.
El concepto de imitación en el arte no lo concebía como el mero hecho de copiar; el artista al imitar
la realidad, la puede presentar no solo tal y como es sino que también puede embellecer o afear. La
teoría aristotélica de la imitación se aparta también del naturalismo al exigir que el arte represente
únicamente las cosas y acontecimientos que tienen un significado general y que son típicos.

P10. Responde las siguientes preguntas:


a. ¿Cuál es la diferencia que encuentra Aristóteles entre el arte y la naturaleza?
b. ¿Qué consideraba él, respecto a dichas diferencias?
c. ¿Cuáles son las diferencias entre ciencia y arte?
d. Según Aristóteles ¿Qué puede hacer el artista además de imitar?

La belleza según Sócrates. Al aprender a valorar la belleza en el alma, más que lo estético, (es
decir, no quedarse en la belleza de un solo cuerpo), el hombre tiene que ser guiado a la belleza del
conocimiento en todas sus formas, y de esta manera, ya no se va a seguir dedicando a un solo
cuerpo o actividad, sino que, al contemplar la belleza en su totalidad, producirá pensamientos muy
buenos en la abundancia de la filosofía. Por otra parte, y según Sócrates, todos estos son medios
para llegar a contemplar la belleza en su plenitud, puesto que la belleza es eterna e inmutable y
nunca es otra cosa que no sea belleza, en ningún aspecto, en ninguna parte y bajo ningún criterio;
no es física, ni es razón o conocimiento, no está en ninguna parte, sino que es absoluta y única.
Hay belleza estética que participan de ella, pero si mueren no le afectan para nada, porque la belleza
plena es inmutable.
Sócrates, pese a ser un adversario de los sofistas en cuanto al relativismo ético, tiene muchos
puntos comunes a ellos en Estética. Para empezar, Sócrates distingue la pintura y la escultura del
resto de "technés" por su carácter representativo. Además, Sócrates es partidario de algo parecido
a una estética "espiritual", pues, para él, el arte no sólo representa el cuerpo sino también el alma,
así como defiende un "funcionalismo estético" según el cual la belleza reside en que se adapte a su
fin, en su utilidad. En este sentido, Sócrates, como los sofistas, defiende una postura relativista,
pero el relativismo socrático viene de lo funcional. Por último, Sócrates hace una distinción entre
lo bello por sus proporciones (euritmia) y lo bello por su utilidad.
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P11. ¿Según el texto, para Sócrates además de lo estético hacia dónde debe guiar la belleza?
P12. Identifica y consulta sobre las palabras desconocidas y construye un glosario con ellas.

El arte de la antigua Grecia: Es el estilo elaborado por los antiguos artistas griegos,
caracterizado por la búsqueda de la «belleza ideal», recreando el «mundo ideal» del modelo
platónico, o mediante la «imitación de la naturaleza» en el sentido de la mímesis aristotélica. En el
Arte Griego encontramos ya los conceptos estéticos que van a predominar en la cultura occidental.
La belleza está en la armonía de las medidas y proporciones, en la simetría, siendo el cuerpo
humano el fundamento esencial de toda belleza y toda proporción, antropocentrismo. Aunque es
un Arte que se apoya en la naturaleza, la trasciende, tendiendo a la creación de un mundo
idealizado. El arte necesariamente representa el alma y el cuerpo según Sócrates quien se mostraba
partidario de una ética espiritual.
El arte es el punto culminante del sistema filosófico de Schilling. Para él, el arte es la
manifestación más elevada y acabada de lo absoluto. Nuestro autor también compara y asemeja el
producto estético con el natural porque dice que en ambos late una fuerza creadora que produce
inconscientemente. El arte es naturaleza porque imita lo esencial de la misma, que es su principio
activo capaz de engendrar vida. Y a su vez la naturaleza también es arte; Schilling la llama “la
poesía originaria, aún no consciente del espíritu” Habíamos afirmado que el absoluto es la identidad
de sujeto y objeto, del yo y el no-yo, por lo tanto debe de haber en la realidad un fenómeno
semejante, que una en el hombre o yo empírico conciencia e inconsciencia, necesidad y libertad, y
esta es la actividad estética.
Esta actividad estética realiza la unidad que en la realidad empírica existe por separado: “la
actividad inconsciente que ha creado la naturaleza y la conciencia que se manifiesta en el querer
libre”. Esta realización de la unidad no es más que una vuelta al origen, a la unidad perdida, que es
el absoluto. La actividad estética es el momento culminante, más pleno de la existencia humana,
gracias a ella el universo, en cada una de sus obras, se reconcilia consigo mismo. Esta unificación
sólo la logra el artista, el genio: porque su tarea consiste proyectar una idea sobre el material del
que parte e ir modelándolo hasta impregnarlo de tal manera de su propia subjetividad que ese objeto
que está frente a él deja de ser una cosa para adquirir intención y finalidad, características propias
del sujeto. Schilling nos dice que entre la actitud artística y la filosófica yace un suelo común, que
es la imaginación, que tanto el arte como la filosofía empiezan su actividad a partir de una tensión
interior o angustia.

P13. Responde las siguientes cuestiones a partir del texto:


a. ¿A que llama Schilling “la poesía originaria, aún no consciente del espíritu”?
b. ¿Por qué este filósofo considera el arte algo tan elevado?
c. ¿Qué relación encuentra Schilling entre la naturaleza y el arte?
d. ¿Para Schilling qué es naturaleza?
e. ¿Según lo que dice el autor en el escrito cual es la función del artista?
f. Con sus propias palabras explique qué quiere decir la frase del texto que dice: La tarea del
artista consiste en anular la oposición entre sujeto y objeto proyectar una idea sobre el material.
g. ¿Qué encuentra en común este autor entre la filosofía y el arte?
P14. Lee con atención el siguiente fragmento: El “motor” del arte es la imaginación, sobre la
cual Schilling resalta la palabra alemana, magníficamente evocadora, “Einbildungskraft” el
excelente término alemán Einbildungskraft significa propiamente la potencia de esemplasía sobre
la cual, de hecho, reposa toda creación. Esla fuerza por la cual un ideal es al mismo tiempo algo
real, el alma al mismo tiempo un cuerpo – la fuerza de individuación que es propiamente creadora.
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De este modo, la imaginación, en tanto fuerza creadora de la forma, es también fuerza de la
naturaleza como fuerza del arte.
P15. Mediante un gráfico represente la idea más importante del anterior fragmento de texto.

Estética de Hegel: Hegel estudia el arte como modo de aparecer de la idea en lo bello. En sus
lecciones sobre estética define primero el campo en el que esta ciencia debe trabajar. Realiza para
ello una distinción entre lo bello natural y lo bello artístico. Lo bello artístico es superior a lo bello
natural porque en el primero está presente el espíritu, la libertad, que es lo único verdadero. Lo
bello en el arte es belleza generada por el espíritu, por tanto partícipe de éste, a diferencia de lo
bello natural que no será digno de una investigación estética, precisamente por no ser partícipe de
ese espíritu que es el fin último de conocimiento.
La verdadera tarea del arte es llevar a la conciencia los verdaderos intereses del espíritu y es
por esto que, al ser pensado por la ciencia, el arte cumple su finalidad. Hegel distingue tres formas
artísticas: la forma artística Simbólica, la forma artística Clásica y la forma artística
Romántica. Estas marcan el camino de la idea en el arte, son diferentes relaciones entre el
contenido y la forma. La forma artística Simbólica es un mero buscar la forma para un contenido
que aún es indeterminado. La figura es deficiente, no expresa la idea. El hombre parte del material
sensible de la naturaleza y construye una forma a la cual le adjudica un significado. Se da la
utilización del símbolo y éste, en su carácter de ambiguo, llenará de misterio todo el arte simbólico.
La forma es mayor que el contenido.
Hegel relaciona esta forma artística con el arte de la arquitectura, ésta no muestra lo divino
sino su exterior, su lugar de residencia. Se refiere a la arquitectura de culto, más específicamente
a la egipcia, la india y la hebrea. La forma artística Clásica logra el equilibrio entre forma y
contenido. La idea no solo es determinada sino que se agota en su manifestación.
El arte griego, la escultura, es el arte de la forma artística clásica. Las esculturas griegas no
eran, para los griegos, representaciones del dios sino que eran el dios mismo. El hombre griego fue
capaz de expresar su espíritu absoluto, su religión, en el arte. A esto se refiere Hegel cuando habla
del carácter pasado del arte. El arte, en su esencia, pertenece al pasado siempre, porque es en él
en donde la cumple, es en el arte griego en donde el Arte logra su fin último, la representación total
de la idea.
La forma artística Romántica. En esta hay una desigualdad entre forma y contenido, dejan de
encastrar de manera perfecta, pero ahora es la forma la que no es capaz de representar el espíritu.
El contenido rebasa la forma. Las artes de esta forma artística son la pintura, la música y la poesía.
La idea va de lo más material, la pintura, a lo menos material, pasando por la música, que tiene
como materia el sonido, y llega a la poesía, que es el arte universal del espíritu ya que tiene como
material la bella fantasía. La poesía atravesará todas las demás artes.

P16. Según el planteamiento de Hegel,


a. ¿Cuál es la diferencia entre lo bello natural y lo bello artístico?
b. ¿Cuándo el arte cumple su finalidad?
c. Según el texto “estética de Hegel” explique con tus palabras qué quiere decir cada termino
o frase que aparece en negrilla.

Para Schopenhauer la música ocupa un lugar privilegiado entre las artes, separada de las
demás. No pretende, como la arquitectura manifestar las ideas, demostrando como se muestran
directamente en ciertos materiales naturales. Pero tampoco busca hacerlas aparecer por medio de
la representación de cosas particulares en otro medio. Porque hablando con propiedad, no le
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interesa reproducir en absoluto las ideas. Parece que a Schopenhauer le ha impresionado el hecho
de que en música la gran mayoría de las obras puramente instrumentales no tienen un tema
específico: dicho de otra forma, no parece razonable o apropiado investigar de que o acerca de que
tratan, del mismo modo que se puede decir de un cuadro con figuras o fruta, o de un drama o novela
que tratan de cierta clase de situación o personaje.
Como en cierto momento lo formula Schopenhauer: todo el que se entrega plenamente a la
impresión de una sinfonía, parece ver que todos los acontecimientos posibles de la vida y del
mundo se realizan en él; sin embargo, al reflexionar no puede encontrar parecido entre la música y
las cosas que han pasado por su mente. Pero ¿no suscita esto un curioso problema?, porque ¿cómo
puede decirse que una pieza de música, como una sonata, le parece al oyente que es profundamente
expresiva o elocuente, y al mismo tiempo no le parece eso o que de algún modo describe algo al
margen de ella misma? Schopenhauer concedía que la música es compuesta, con mucha frecuencia,
con vistas a reproducir en el auditorio los fenómenos del mundo perceptible, como si pudiera fungir
como una especie de cuadro con sonidos. Llamó a esta música imitativa y su ejemplificación la
encontraba en obras tales como las Estaciones de Haydn; pero sostuvo que todas las composiciones
de este tipo revelaban una mala interpretación de la naturaleza esencial de la música y que habían
de ser rechazadas enteramente. Se puede aplicar la misma objeción cuando las palabras de una
canción o del libreto de una ópera se convierten en lo principal, dándose a la música un papel
subordinado o meramente expresivo: “si la música mantiene muy unida a las palabras y trata de
formarse según los acontecimientos, está intentando hablar un lenguaje que no es el suyo”.

P17. ¿Por qué para Schopenhauer la más perfecta de las formas de arte era la música?

La música instrumental que no trata temas específicos por tener un lenguaje distinto a las
palabras se diferencia de la pintura en que esta suele tratar de clases de situaciones o personajes,
Según afirma Schopenhauer.
P18. Escribe tu punto de vista sobre lo que dice Schopenhauer acerca de lo que nos hace
sentir la música instrumental.

Nombre de le obra: La noche estrellada. Autor: Vincent Van


Gogh Óleo sobre tela, Moma, Museo de Arte Moderno de Nueva
York. En Noche estrellada (1889) se puede apreciar el universo
de Van Gogh, con estrellas que estallan y proporcionan una gran
sensación de movimiento. Se aprecia aquí lo místico y lo
sobrenatural que da cuenta de una experiencia más allá de los
sentidos, en que el artista va poniendo en la tela la visión que
tiene ante sus ojos, y lo ejecuta situando trabajadas y gruesas
pinceladas. Noche estrellada es, al mismo tiempo, una visión
La noche estrellada. Vincent Van Gogh
íntima y un paisaje. Hay una quieta aldea en el valle en que
http://www.supercoloring.com/sites/defau 1 destaca una iglesia, y en el cielo aparecen planetas y estrellas en
unos estallidos apocalípticos próximos al Juicio Final. Van Gogh pintó este cuadro en el Sanatorio
de Saint Rémy después de sufrir una crisis mental.
P19. Ahora que conoces el significado de esta obra y su autor, cópiala en tu documento de
trabajo y aplíquele los colores que crea más adecuados.

Estética según Marcuse: Desde que el Arte abandonó su fase mágica, desde que dejó de ser
algo "práctico" para convertirse en una "técnica" entre otras; vale decir, desde que se volvió una
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rama de la división social del trabajo, el Arte adquirió una Forma completamente propia y común
a todas las artes. Esta Forma correspondía a una nueva función del Arte en la sociedad: la de aportar
el "descanso", la elevación, la pausa en la terrible rutina de la vida; la de presentar algo "más
elevado", "más profundo", acaso "más verdadero" y mejor que satisficiera las necesidades
insatisfechas en el trabajo y el entretenimiento cotidianos y, por consiguiente, algo placentero. (Me
estoy refiriendo a la función social, histórica del Arte; no aludo a lo que el Arte significa para el
artista, ni a las intenciones o metas de éste, que son de un orden bien distinto).
Dicho en palabras más brutales: el Arte no es (o no se supone que sea) un valor de uso
destinado al consumo en el curso de las ocupaciones cotidianas de los hombres; su utilidad es de
una naturaleza trascendente, una utilidad para el alma o el espíritu que no se relaciona con el
comportamiento normal de los hombres y que realmente no lo transforma excepto, precisamente,
durante el recreo cultural, ese breve período de elevación: en la iglesia, el museo, la sala de
conciertos, el teatro, ante los monumentos y las ruinas del grandioso pasado. Tras la pausa, la vida
real continúa. La armonización de lo bello y de lo verdadero. Eso que se creía plasmación de la
unidad esencial de la obra de arte se tornó una identidad de los opuestos cada vez más imposible
porque la verdad se ha revelado como algo cada vez más incompatible con la belleza. La vida, la
condición humana han militado cada vez más en contra de la sublimación de la realidad bajo la
Forma del Arte.
El resultado es más evidente en aquellas obras que son una acusación intransigente, "directa",
a la realidad. El artista condena, pero su veredicto anestesia el terror. Dicho en palabras más
brutales, la precondición del Arte es una mirada radical a la realidad, y una mirada que se aparta
de ella: una represión de su inmediatez y de la inmediata reacción ante ella. Es la œuvre misma lo
que es y lo que impone dicha represión; y en tanto represión estética ella es "satisfactoria",
disfrutable. En este sentido, el Arte es en sí mismo un "final feliz"; la desesperanza se vuelve
sublime; el dolor, bello.

P20. Responde según el texto:


a. Según Marcuse ¿Cuándo el artista anestesia el terror?
b. ¿Por qué razón el arte ya no debe sublimar la realidad?

Transferencia. (Tiempo de desarrollo: del 18 al 29 de octubre de 2021)


Según Marcuse, el arte en la sociedad aporta descanso
elevación y pausa en la rutina de la vida, solucionando las
necesidades insatisfechas en el trabajo y en el
entretenimiento cotidiano. Leonardo dibujó el esbozo del
cuadro de la mona lisa o Gioconda y después aplicó el óleo
diluido en aceite esencial. La técnica se conoce como
Sfumato, la cual consiste en prescindir de los contornos y
envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa que
difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión
La mona lisa. http://1.bp.blogspot.com/-9 1
total en la atmósfera, lo cual da una sensación de tres
dimensiones.

T1. Pinte o copia y coloree el dibujo aplicando tu propio estilo y demostrando la relación del arte
con la verdad según los planteamientos de Gadamer.
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Gadamer y el concepto de verdad en el arte. Gadamer Reivindica el valor de verdad inherente
a la experiencia estética. En la obra de arte se nos da una suerte de verdad y existe una ganancia
cognitiva evidente; la propia experiencia ya ha moldeado nuestro ser y hemos sumado
aprendizajes que antes de la experiencia estética singular no estaban presentes. A su vez, la obra
de arte y la experiencia que deviene de su disfrute también puede dar lugar a conocimientos de
orden moral. En este sentido, Gadamer reivindica el valor artístico de la alegoría frente a la habitual
reivindicación del valor simbólico del arte. La alegoría tiene, entre otras, una función moral:
pretende indirectamente conducir a una determinada noción acerca de lo bueno. Gadamer, al igual
que su mentor Heidegger, prioriza la capacidad que tiene la poesía como herramienta para "traer
la verdad", para "desocultar", su innegable valor para recrear nuevos mundos y fabricar lenguaje.
En este sentido considerará que la poesía, en el orden de las artes, juega un papel primordial.

Hermenéutica: El hermeneuta es, por lo tanto, aquel que se dedica a interpretar y desvelar el
sentido de los mensajes, haciendo que su comprensión sea posible y todo malentendido evitado,
favoreciendo su adecuada función normativa. Alegoría: del griego allegorein «hablar
figuradamente», es una figura literaria o tema artístico que pretende representar una idea valiéndose
de formas humanas, animales o de objetos cotidianos.
Salvador Dalí, ¿genio o loco? Esta pregunta se la hacen miles de personas, pero sólo los
entendidos del arte pueden confirmar que Dalí era un genio en un mundo de locos. El arte de Dalí
escondía cuadros dentro de cuadros pero también escondía símbolos a los ojos de los demás, como
por ejemplo los relojes que parecen derretirse, que podrían interpretarse como un símbolo sobre la
"Teoría de la relatividad" descubierta por Albert Einstein. Otro de sus símbolos más utilizados fue
el huevo, donde Dalí lo presentaba simbolizando los conceptos de vida prenatal intrauterina, y
también a veces interpretado como símbolo de la esperanza y el amor. Sus elefantes de patas
estrechas y extremadamente largas ocultaban significados, el obelisco que siempre portaban
representaba al órgano masculino, sobre esto Dalí dijo..."con sus aguzadas patas contrastando la
idea de ingravidez, definida sin la menor preocupación estética, estoy creando algo que me inspira
una profunda emoción y con la que intento pintar honestamente".
Kierkegaard: En Estética y ética en la formación de la personalidad destaca tres momentos
esenciales en la vida de todo individuo: la estética, la ética y la religión, a partir de una elección de
vida. Veamos: En muchas circunstancias, los individuos se encuentran abocados a tomar una
decisión y elección que va a afectar su radical forma de vida; esta elección, en mayor o en menor
grado, depende de lo que ella signifique. Una vida estética es para el momento, para lo que se es
en dicho lapso. Su característica, como la ha entendido Baudelaire en su obra “El pintor de la vida
moderna” por medio de la figura del dandy, es una subsistencia para el presente fugaz, del cual
extrae su belleza, su encanto y eternidad. Kierkegaard la define de la siguiente forma, “La estética
en un hombre es aquello por lo cual ese hombre es, inmediatamente, lo que es”.
Nos encontramos ante un hombre cuya existencia es lo inmediato y de un saber limitado, de lo
pragmático, de lo que sirve y puede ser desechable; evitando una carga pesada para su vivir, no
hay una constitución o construcción de sí mismo, como se presenta en la ética. Este tipo de vida
estética procura lo suave, lo transitorio y la velocidad, características de las sociedades
postmodernas; evita el menor sufrimiento posible, que está bien, pero que raya en la indiferencia o
en la pasividad ante el otro, se refugia en el goce, evita la explicación, el concepto o la
confrontación consigo mismo y desde luego con el otro. Su lema es, “Hay que gozar de la vida”.
Que en su realización hay que buscarla no en el sujeto, sino en el mundo, en las cosas.
Ontológicamente es determinado por lo inmediato, por un exagerado narcisismo, por una
negación de la muerte, manifestado en una preocupación perversa por la salud y el cultivo de
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cuerpos bellos. Frente a esta posición estética de la vida, Kierkegaard en el siglo XIX, propone una
actitud ética, la cual se define por su vitalidad, por ser de carne y hueso, por ser parte de la
naturaleza humana. Una posición estética de la vida, según Kierkegaard, fomenta exageradamente
la transitoriedad, la velocidad de la vida, la comodidad la indiferencia con el otro, el cuidado del
cuerpo, y un exagerado narcisismo.
Definición: a continuación encontrará la definición de algunas palabras que en la lectura están
subrayadas El pragmatismo: Movimiento filosófico desarrollado especialmente en Estados
Unidos e Inglaterra, pero con repercusión y desarrollo parcial en otros países. El pragmatismo
consiste en reducir "lo verdadero a lo útil" negando el conocimiento teórico en diversos grados;
para los más radicales sólo es verdadero aquello que conduce al éxito individual, mientras que para
otros, sólo es verdadero cuando se haya verificado con los hechos. Dandy: El dandismo constituye
también una metafísica, una postura particular respecto a la cuestión del ser y del aparecer, así
como a la modernidad. Baudelaire identifica el dandismo como la última hazaña posible, una
búsqueda de distinción y de nobleza, de una 'excelencia' de la apariencia. A menudo identificado,
sin razón, como una simple frivolidad. La ontología es la parte
de la metafísica que estudia el ser en general y sus propiedades
trascendentales. Puede nombrarse como el estudio del ser en tanto
lo qué es y cómo es. La ontología define al ser y establece las
categorías fundamentales de las cosas a partir del estudio de sus
propiedades, sistemas y estructuras.

T2. Busca y copia en tu documento de trabajo este


cuadro de Dalí, coloréalo y descubre su interpretación.
T3. Escribe que qué relación tienen las imágenes con
las palabras subrayadas y los planteamientos de
Kierkegaard.
T4. Para analizar: En las imágenes aparecen símbolos
en el cuerpo del toro relacionados con la situación de una
persona que está fumando
a. Escribe por qué se representa a las personas que fuman con una venda en los
ojos.
b. ¿Qué significado puede tener el toro que se dirige
furioso hacia estas personas?
c. ¿Qué significa la imagen que lleva el toro en su lomo?
(amplía la imagen)
d. En general ¿Qué me transmite el mensaje?
T5. Elabore un mapa conceptual sobre las diferentes https://docplayer.es/docs-images/71/6442 1
artes que existen en la actualidad.
T6. Redacte un texto argumentativo donde exponga de forma coherente las
conclusiones que has logrado desde este trabajo en relación con la pregunta filosófica
que te planteaste desde el primer semestre.
T7. A partir de las conclusiones anteriores crea una expresión artística mediante la
cual expreses e ilustres las ideas filosóficas que subyacen dichas conclusiones.
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Nota: En procura del fin que se persigue, el cual fue explicado en el primer encuentro presencial, el trabajo propuesto en la presente guía – secuencia, puede
desarrollarse en tríos conformados por un compañero que no esté asistiendo a los encuentros presenciales y dos que si estén asistiendo. La conformación de dicho
equipo debe ser previamente autorizada por el profesor. Para la entrega del trabajo deben crear una carpeta de drive y compartirla con el profesor, el linK de acceso
debe ser enviado con los apellidos y nombre del o de los integrantes del grupo a la siguiente dirección electrónica: filosofiadevida.2021@gmail.com
(no enviar los trabajos a este correo, solo el enlace para ingresar a su carpeta de trabajo)

Observa los siguientes videos:

https://www.youtube.com/watch?v=PxliXM5zTJA
https://www.youtube.com/watch?v=xT2RpvtUjWY
https://www.youtube.com/watch?v=_TJ6AROy8Hg
https://www.youtube.com/watch?v=w7VjwbVGqno
https://www.youtube.com/watch?v=abzInGOMm7E
Fuentes utilizadas:

https://masdearte.com/especiales/turner-un-elemento-mas-de-la-intensidad-cosmica/

https://www.artehistoria.com/es
http://www.iedterceramixta.edu.co/noticias/guias-de-filosofia-grado-10-aprendizaje-en-casa-docente
https://www.todocuadros.com.co/imagenes/pintores/munch/munch-el-grito.jpg

http://1.bp.blogspot.com/-9g-
7wdf766E/VZCbk_mKIdI/AAAAAAAAQrw/THQym2QykHY/s1600/leonardo-da-vinci-mona-lisa.gif

http://www.supercoloring.com/es/dibujos-para-colorear/noche-estrellada-de-vincent-van-
gogh?version=print
https://www.google.com/url?sa=i&url=https%3A%2F%2Fwww.wikiart.org%2Fen%2Fbarnett-
newman%2Fbroken-
obelisk&psig=AOvVaw3cNobaqFejXx4Zax0UTs2t&ust=1626910501855000&source=images&
cd=vfe&ved=0CAsQjRxqFwoTCPD76qzo8vECFQAAAAAdAAAAABAD
https://talleresdefilosofiadecimoyonce.blogspot.com/
http://pensamientoyaccionfilosofica.blogspot.com/2013/02/guia-nro-1-grado-11-epistemologia-de-la.htmlActividades

http://www.filosofia.org/enc/ros/filos.htm

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