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Nota: En procura del fin que se persigue, el cual fue explicado en el primer encuentro presencial, el trabajo propuesto en la presente guía – secuencia, puede
desarrollarse en tríos conformados por un compañero que no esté asistiendo a los encuentros presenciales y dos que si estén asistiendo. La conformación de dicho
equipo debe ser previamente autorizada por el profesor. Para la entrega del trabajo deben crear una carpeta de drive y compartirla con el profesor, el linK de acceso
debe ser enviado con los apellidos y nombre del o de los integrantes del grupo a la siguiente dirección electrónica: filosofiadevida.2021@gmail.com
(no enviar los trabajos a este correo, solo el enlace para ingresar a su carpeta de trabajo)
Desempeños a alcanzar: Realizo una reflexión de los valores y la estética en el ser humano.
Presento una postura filosófica a través del desarrollo de las competencias (interpretativa,
argumentativa, propositiva) resolviendo una pregunta orientadora.
Filosofía del arte, el arte expresa el pensamiento filosófico imperante. El arte es una forma de
conocimiento que expresa emociones, sentimientos, estados de ánimo, ideas y formas de pensar
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según el momento histórico en el que se vive. Cada etapa histórica influye en la cosmovisión del
hombre y cada forma de ver el mundo condiciona a la historia e influye en el arte. El arte abarca
distintos medios como la pintura, la escultura, el grabado, el dibujo, las artes decorativas, la
arquitectura, la música, la literatura. El arte puede tener un carácter utilitario, estético o bien
puramente expresivo. El análisis de símbolos, motivos y temas suele ser el aspecto abordado de
mayor interés. En el mundo antiguo, las pirámides de Egipto representan las creencias de una
cultura que parecía priorizar la vida más allá de la muerte. El arte griego y romano es una expresión
del realismo filosófico y se destacó por su pintura y escultura relacionada con la mitología, los
dioses y los gobernantes. La arquitectura greco romana expresaba la opulencia de las clases
privilegiadas que simbolizaban el poder, como por ejemplo la tumba de Artemisa II, hermana y
esposa del rey Mausolo de Caria.
Para los griegos el arte significaba saber hacer; Aristóteles lo define como la capacidad para
producir cualquier objeto, orientados por la razón, que hoy en día se denomina técnica. Kant
distingue entre el arte mecánico y el estético; este último puede ser placentero, por puro placer y
bello cuando procura placer intelectual. Durante la filosofía escolástica, en la Edad Media, el arte
se circunscribió a los temas religiosos ya que los sistemas filosóficos dominantes partían del
dogma. El Renacimiento, fue un momento cultural caracterizado por el antropomorfismo y por la
vuelta al espíritu de la antigüedad clásica, se caracteriza por su arte realista.
El Renacimiento italiano es el que expresa en forma más completa los ideales de esa sociedad
durante esa época. El Impresionismo que surge después del Renacimiento, fue un movimiento
artístico de rebelión contra las leyes tradicionales del academicismo con respecto a los rigores que
existían sobre el contorno definido, el conocimiento de la anatomía, la perspectiva y la importancia
del claroscuro. Frente a este intelectualismo realista, el sensualismo impresionista se basaba en la
intuición personal y en la expresión de las emociones, con exclusión de todo conocimiento teórico.
Alrededor de 1900 casi toda la pintura occidental era impresionista, ese cambio de estilo no se
limitó a la pintura, sino que se extendió a la escultura, la música y la literatura. La revolución
plástica que representó el Impresionismo sentó las bases para el surgimiento de producciones
artísticas posteriores más audaces.
El cubismo a principios del siglo XX, fue la revolución estética más importante desde el
Renacimiento. El Relativismo Cultural influye en el arte y surge Pablo Picasso como exponente
máximo del cubismo, que desarrolla un sistema representativo basado en el hecho que la visión
humana tiene distintos puntos de vista y se desarrolla en el tiempo. El cubismo presenta los objetos
tal como son concebidos por la mente y como existen en sí, y no tal como son vistos. Salvador Dalí
es otro extraordinario artista plástico que expresa con gran brillo y originalidad la relatividad del
tiempo y las diferencias en la forma humana de ver el mundo.
Algunas características de la obra de arte: El filósofo alemán Theodor Adorno creía que es
imposible definir el arte, por ello señala que "Ha llegado a ser evidente que nada en el arte es
evidente", y agrega: "Todas las obras de arte, y el arte mismo, son enigmas". Encontrar una
definición de arte es difícil, porque existen diferentes visiones al respecto, algunas de las cuales
son opuestas. Sin embargo, podemos reseñar algunas características de la obra de arte que nos
permitan diferenciar qué es y qué no es arte. La obra de arte es una expresión estrictamente humana,
las obras de arte son producciones pensadas. Por ser producciones que parten del pensamiento,
tienen valor intelectual.
La obra de arte es una creación original, es única e irrepetible y por lo tanto la obra de arte
tiene perfección técnica en su ejecución. El arte tiene mucha relación con el mundo de la imagen,
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que para muchos es un mundo irreal y de fantasía. Algunos consideran que la obra de arte, aunque
parte de la realidad, está por encima de ella, y que aun las obras pictóricas más realistas son formas
diferentes de la realidad. Es decir, la obra de arte tiene sus propios mundos, que en ocasiones son
extraños al mundo de la "realidad" y por tal razón hay que comprender sus códigos para poder
disfrutar de ella. Pero también, la obra de arte permite experimentar y percibir sensaciones; porque
ella genera en las personas sentimientos, pensamientos o reflexiones cuando estamos frente a ella.
Algunas de las sensaciones que experimentamos son propuestas por el autor de la obra, otras parten
de nuestra relación con la obra y dependen de múltiples factores como, por ejemplo, el lugar de
exposición o de cuánto sabe el espectador sobre el tema que trata la obra.
Teniendo en cuenta esto, se puede decir que una de las características de la obra de arte es
suscitar emociones de todo tipo. Esta acción de suscitar permite conectar al ser humano de hoy con
el de hace 15 mil años, con aquel que dibujó ciervos en la Cueva de Altamira durante el paleolítico
superior, o con el que contempló las obras de Picasso a mediados del siglo pasado. Para algunos
de nosotros el arte es belleza, lo cual quiere decir que todo lo bello es arte. Sin embargo, en la
historia de la humanidad podemos encontrar obras de arte
que carecen de belleza. Por ejemplo. Saturno devorando a su
hijo, de Francisco de Coya. Es por ello que se puede afirmar que
algunas obras de arte tienen belleza pero otras carecen de ella,
aunque, de todos modos, suscitan otro tipo de impresiones
y de sentimientos. La actitud estética permite que la
sensibilidad juegue con la razón y con la voluntad, las cuales
admiran lo que produce la imaginación. Esta admiración está por encima del interés, de la utilidad
o del consumo.
La actitud estética es desinteresada, o, en palabras de Aristóteles y Kant, "es un interés
desinteresado que hace posible la contemplación de la obra estética". Esta actitud no es pasiva sino
activa porque, por medio de la sensibilidad, la razón y la voluntad se entregan al disfrute de la obra
de arte abriendo nuevas vías de comunicación por medio de la imaginación. La actitud estética une
de manera armoniosa la razón y la sensibilidad para que disfruten de manera libre, es decir, sin
interés y fines preestablecidos, de la obra artística.
Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central, mural realizado por Diego Rivera en 1948
https://uploads5.wikiart.org/images/diego-rivera/dream-of-a-sunday-afternoon-in-alameda-park-1948.jpg!Large.jpg
La estética es la rama de la filosofía que tiene por objeto el estudio la esencia y la percepción
de la belleza. La estética estudia las razones y las emociones estéticas, así como las diferentes
formas del arte. La Estética, así definida, es el dominio de la filosofía que estudia el arte y sus
cualidades, tales como la belleza, lo eminente, lo feo o la disonancia. Baumgarten usara la palabra
"estética" como "ciencia de lo bello, misma a la que se agrega un estudio de la esencia del arte, de
las relaciones de ésta con la belleza y los demás valores. La estética es la ciencia que estudia e
investiga el origen del sentimiento puro y su manifestación, que es el arte, según Kant en su "Crítica
del juicio". Se puede decir que es la ciencia cuyo objeto primordial es la reflexión sobre los
problemas del arte.
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Si la Estética es la reflexión filosófica sobre el arte, uno de sus problemas será el valor que
contiene el arte; y aunque un variado número de ciencias puedan ocuparse de la obra de arte, sólo
la Estética analiza filosóficamente los valores que en ella están contenidos. Según el análisis que
hace la estética del arte, realizaremos un ejercicio de percepción sobre la pintura llamada “El Grito”
del pintor Edward Munch. El simbolismo de la imagen se percibe en el rostro agitado del
protagonista en primer plano, que es casi una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para
que no le estalle. El empleo de los colores, violentos, arqueados en agresivas bandas de color, es
puramente simbólico y trata de transmitir al espectador el agitado estado de ánimo del autor. Esta
sensación se refuerza con la presencia de dos testigos mudos, lejanos, anónimos, dos figuras negras
que se recortan al fondo de una violentísima perspectiva diagonal que agrede la visión de quien la
contempla. Las formas se retuercen y los colores son completamente arbitrarios, tan sólo intentan
expresar el sentimiento del autor y no una verdad racional. Este cuadro resalta el gesto más
expresivo del arte contemporáneo para significar el gran desaliento que el hombre moderno sentía
ante el fin de siglo XIX y la transición al siglo XX. De acuerdo al texto podemos concluir los
siguientes pensamientos: La Estética es la rama de la filosofía que estudia la percepción de la
belleza. La estética reflexiona filosóficamente sobre los problemas del arte como los valores.
Immanuel Kant: Crítica del juicio: "Para discernir si algo es bello o no, nos referimos a la
representación, no por el entendimiento al objeto con vistas al conocimiento, sino por la
imaginación (tal vez unida al entendimiento) al sujeto y al sentimiento de agrado o desagrado
experimentado por éste". Lo estético: no se funda en conceptos, no se puede medir: "No puede
haber ninguna regla de gusto objetiva que determine por conceptos lo que sea bello, puesto que
todo juicio de esta fuente es estético, es decir, que su motivo determinante es el sentimiento del
sujeto y no un concepto del objeto". No hay ciencia sino crítica de lo bello. La sensación sensorial
es incomunicable. La comunicación viene de lo común (u ordinario) a todos.
Si según Kant no hay reglas para determinar la belleza. ¿Cómo es posible que hablemos de
cosas que son bellas y otras que no lo son? ¿Por qué dice que no hay ciencia de lo bello? Un ejemplo
de la influencia que ejercieron en el arte algunos filósofos alemanes como Kant y Marx, o el
movimiento neo-medievalista literario, abanderado por el poeta Wordsworth, son los pilares
culturales de la expresión artística. En todos ellos, el valor del individuo es el que prima. Esto
conduce indirectamente a revalorizar todo el arte de los estilos anteriores, puesto que ya no se
depende de las normas establecidas para el período vigente -como ocurría en el Neoclasicismo-
sino que lo importante es el efecto que una obra de arte ejerce sobre la sensibilidad del sujeto, que
varía de uno a otro.
El valor del pensamiento subjetivista responde también a la crisis de valores religiosos
(cristianismo) y racional (Ilustración); en el arte, el peso de este posicionamiento es tremendo,
puesto que cualquier objeto o tema es digno de reflexión artística, siempre que el sujeto o el pintor
sientan aludida su sensibilidad. El mejor ejemplo está en los primeros cuadros románticos entre los
que se destacan los paisajes. El paisaje puede ser ahora dramático, sereno, noble o sublime. Los
elementos que protagonizan el paisaje ya no son mitologías, narraciones bíblicas o gestas heroicas,
sino el propio paisaje: la luz y el color conforman la atmósfera, cuya presencia inunda los lienzos.
La vaporosidad y la libertad de ejecución se ven reforzadas gracias a la técnica de la acuarela, como
fue el caso de Turner. Se pone más Naturaleza que referencias reales, lo que lleva en ocasiones a
un simbolismo criptográfico, sólo descifrable por algunos conocedores.”
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Aumento mi vocabulario: El término arte puede tener numerosas interpretaciones acorde con
la filosofía y perspectiva que cada individuo tenga. En siglo IV a.C. Mario Villorino clasificó a las
artes en: Artes animi, o artes materiales: Poesía, música, astrología, gramática, retórica,
jurisprudencia y filosofía. Artes corporis: Lanzamiento, salto, velocidad, levantamiento de pesas,
etc. Quizá la máxima representación de artes corporis que podríamos tener hoy en día es el
fisicoculturismo. Artes animi et corporis: Agricultura, gimnasia, arquitectura, escultura, etc.
Es8. ¿Qué relación tiene la imagen, con lo expuesto al comienzo del texto frente a la Estética?
Es9. Complete las frases, según lo leído:
a. Los pintores de finales del siglo XVIII y el siglo siguiente cambiaron el estilo en sus obras
porque:
b. La relación que tiene el hecho que a Turner lo hayan llamado el maestro de la atmosfera
(palabra subrayada) con los nuevos elementos protagonistas del paisaje de esta época, es
porque estos reemplazaron:
Es10. Busque las imágenes de los cuadros “el nacimiento de Venus” de Botticelli, recórtalos
y pégalos en tu documento de trabajo; luego compáralos con el “paisaje” de Turner y escribe tres
diferencias en el estilo de la pintura y explique por qué se da esta diferencia.
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Es11. Para distensionarte. Los mándalas son dibujos circulares
compuestos por formas geométricas que se utilizan en el hindobudismo
como soporte de la meditación. Un mándala, rueda o círculo en
sánscrito, es una imagen con un centro y con una simetría organizada
habitualmente en 4 ejes, los 4 puntos cardinales, aunque pueden ser 2
o 3. Aplique color al mándala de la muestra expresando tu creatividad
ES12. Nuevamente vuelve a recordar tu pregunta personal y
analízala a la luz de lo trabajado y aprendido en esta secuencia
P3. Analizar: Escribe otras (2) semejanzas entre las teorías de Platón sobre la belleza y las
representaciones de las pinturas de Renoir.
P4. Escribe sinónimos de las palabras subrayadas en el primer párrafo del texto “Estética de
platón”.
P5. Explique el significado de “concepción pitagórica de Platón” que se encuentra en el
segundo párrafo. Contextualízalo con la realidad de hoy.
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El concepto de arte según Aristóteles: El arte es una actividad humana, lo cual lo distingue de
la naturaleza; los productos del arte, son contingentes, mientras que los de la naturaleza son de
necesidad. La contraposición entre arte y naturaleza no estaba muy clara, ya que el filósofo estaba
firmemente convencido de que el arte aspira siempre a un fin, del mismo modo que lo hace, la
naturaleza, siendo esta finalidad un elemento que los acerca. La producción basada sobre el
instinto, sobre la experiencia o sobre la práctica, no es arte; solamente quien conoce los medios y
los fines de la producción está en la capacidad de dominar el arte a fondo. La capacidad de producir
es una habilidad. Al determinar el arte como habilidad, lo asemejo a la ciencia; la ciencia atañe a
la existencia y el arte a la creación. El arte como habilidad borraba la frontera entre arte y ciencia.
El arte puede hoy carecer de reglas con tal de que el producto sea satisfactorio. La relación entre el
arte y la materia de que se sirve, así como entre el arte y las que son sus condiciones: el arte necesita
siempre de la materia, pero se sirve de 10 diferentes formas; el arte cambia la forma de la materia.
En su división de las artes, pone como punto de partida la relación entre arte y naturaleza.
El arte, imita o realiza lo que la naturaleza es incapaz de hacer por si sola. La imitación fue
uno de los conceptos principales de su teoría, y la base de su división artística. La imitación es para
el hombre una actividad natural, basada en sus tendencias innatas y que le proporciona satisfacción.
El concepto de imitación en el arte no lo concebía como el mero hecho de copiar; el artista al imitar
la realidad, la puede presentar no solo tal y como es sino que también puede embellecer o afear. La
teoría aristotélica de la imitación se aparta también del naturalismo al exigir que el arte represente
únicamente las cosas y acontecimientos que tienen un significado general y que son típicos.
La belleza según Sócrates. Al aprender a valorar la belleza en el alma, más que lo estético, (es
decir, no quedarse en la belleza de un solo cuerpo), el hombre tiene que ser guiado a la belleza del
conocimiento en todas sus formas, y de esta manera, ya no se va a seguir dedicando a un solo
cuerpo o actividad, sino que, al contemplar la belleza en su totalidad, producirá pensamientos muy
buenos en la abundancia de la filosofía. Por otra parte, y según Sócrates, todos estos son medios
para llegar a contemplar la belleza en su plenitud, puesto que la belleza es eterna e inmutable y
nunca es otra cosa que no sea belleza, en ningún aspecto, en ninguna parte y bajo ningún criterio;
no es física, ni es razón o conocimiento, no está en ninguna parte, sino que es absoluta y única.
Hay belleza estética que participan de ella, pero si mueren no le afectan para nada, porque la belleza
plena es inmutable.
Sócrates, pese a ser un adversario de los sofistas en cuanto al relativismo ético, tiene muchos
puntos comunes a ellos en Estética. Para empezar, Sócrates distingue la pintura y la escultura del
resto de "technés" por su carácter representativo. Además, Sócrates es partidario de algo parecido
a una estética "espiritual", pues, para él, el arte no sólo representa el cuerpo sino también el alma,
así como defiende un "funcionalismo estético" según el cual la belleza reside en que se adapte a su
fin, en su utilidad. En este sentido, Sócrates, como los sofistas, defiende una postura relativista,
pero el relativismo socrático viene de lo funcional. Por último, Sócrates hace una distinción entre
lo bello por sus proporciones (euritmia) y lo bello por su utilidad.
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P11. ¿Según el texto, para Sócrates además de lo estético hacia dónde debe guiar la belleza?
P12. Identifica y consulta sobre las palabras desconocidas y construye un glosario con ellas.
El arte de la antigua Grecia: Es el estilo elaborado por los antiguos artistas griegos,
caracterizado por la búsqueda de la «belleza ideal», recreando el «mundo ideal» del modelo
platónico, o mediante la «imitación de la naturaleza» en el sentido de la mímesis aristotélica. En el
Arte Griego encontramos ya los conceptos estéticos que van a predominar en la cultura occidental.
La belleza está en la armonía de las medidas y proporciones, en la simetría, siendo el cuerpo
humano el fundamento esencial de toda belleza y toda proporción, antropocentrismo. Aunque es
un Arte que se apoya en la naturaleza, la trasciende, tendiendo a la creación de un mundo
idealizado. El arte necesariamente representa el alma y el cuerpo según Sócrates quien se mostraba
partidario de una ética espiritual.
El arte es el punto culminante del sistema filosófico de Schilling. Para él, el arte es la
manifestación más elevada y acabada de lo absoluto. Nuestro autor también compara y asemeja el
producto estético con el natural porque dice que en ambos late una fuerza creadora que produce
inconscientemente. El arte es naturaleza porque imita lo esencial de la misma, que es su principio
activo capaz de engendrar vida. Y a su vez la naturaleza también es arte; Schilling la llama “la
poesía originaria, aún no consciente del espíritu” Habíamos afirmado que el absoluto es la identidad
de sujeto y objeto, del yo y el no-yo, por lo tanto debe de haber en la realidad un fenómeno
semejante, que una en el hombre o yo empírico conciencia e inconsciencia, necesidad y libertad, y
esta es la actividad estética.
Esta actividad estética realiza la unidad que en la realidad empírica existe por separado: “la
actividad inconsciente que ha creado la naturaleza y la conciencia que se manifiesta en el querer
libre”. Esta realización de la unidad no es más que una vuelta al origen, a la unidad perdida, que es
el absoluto. La actividad estética es el momento culminante, más pleno de la existencia humana,
gracias a ella el universo, en cada una de sus obras, se reconcilia consigo mismo. Esta unificación
sólo la logra el artista, el genio: porque su tarea consiste proyectar una idea sobre el material del
que parte e ir modelándolo hasta impregnarlo de tal manera de su propia subjetividad que ese objeto
que está frente a él deja de ser una cosa para adquirir intención y finalidad, características propias
del sujeto. Schilling nos dice que entre la actitud artística y la filosófica yace un suelo común, que
es la imaginación, que tanto el arte como la filosofía empiezan su actividad a partir de una tensión
interior o angustia.
Estética de Hegel: Hegel estudia el arte como modo de aparecer de la idea en lo bello. En sus
lecciones sobre estética define primero el campo en el que esta ciencia debe trabajar. Realiza para
ello una distinción entre lo bello natural y lo bello artístico. Lo bello artístico es superior a lo bello
natural porque en el primero está presente el espíritu, la libertad, que es lo único verdadero. Lo
bello en el arte es belleza generada por el espíritu, por tanto partícipe de éste, a diferencia de lo
bello natural que no será digno de una investigación estética, precisamente por no ser partícipe de
ese espíritu que es el fin último de conocimiento.
La verdadera tarea del arte es llevar a la conciencia los verdaderos intereses del espíritu y es
por esto que, al ser pensado por la ciencia, el arte cumple su finalidad. Hegel distingue tres formas
artísticas: la forma artística Simbólica, la forma artística Clásica y la forma artística
Romántica. Estas marcan el camino de la idea en el arte, son diferentes relaciones entre el
contenido y la forma. La forma artística Simbólica es un mero buscar la forma para un contenido
que aún es indeterminado. La figura es deficiente, no expresa la idea. El hombre parte del material
sensible de la naturaleza y construye una forma a la cual le adjudica un significado. Se da la
utilización del símbolo y éste, en su carácter de ambiguo, llenará de misterio todo el arte simbólico.
La forma es mayor que el contenido.
Hegel relaciona esta forma artística con el arte de la arquitectura, ésta no muestra lo divino
sino su exterior, su lugar de residencia. Se refiere a la arquitectura de culto, más específicamente
a la egipcia, la india y la hebrea. La forma artística Clásica logra el equilibrio entre forma y
contenido. La idea no solo es determinada sino que se agota en su manifestación.
El arte griego, la escultura, es el arte de la forma artística clásica. Las esculturas griegas no
eran, para los griegos, representaciones del dios sino que eran el dios mismo. El hombre griego fue
capaz de expresar su espíritu absoluto, su religión, en el arte. A esto se refiere Hegel cuando habla
del carácter pasado del arte. El arte, en su esencia, pertenece al pasado siempre, porque es en él
en donde la cumple, es en el arte griego en donde el Arte logra su fin último, la representación total
de la idea.
La forma artística Romántica. En esta hay una desigualdad entre forma y contenido, dejan de
encastrar de manera perfecta, pero ahora es la forma la que no es capaz de representar el espíritu.
El contenido rebasa la forma. Las artes de esta forma artística son la pintura, la música y la poesía.
La idea va de lo más material, la pintura, a lo menos material, pasando por la música, que tiene
como materia el sonido, y llega a la poesía, que es el arte universal del espíritu ya que tiene como
material la bella fantasía. La poesía atravesará todas las demás artes.
Para Schopenhauer la música ocupa un lugar privilegiado entre las artes, separada de las
demás. No pretende, como la arquitectura manifestar las ideas, demostrando como se muestran
directamente en ciertos materiales naturales. Pero tampoco busca hacerlas aparecer por medio de
la representación de cosas particulares en otro medio. Porque hablando con propiedad, no le
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interesa reproducir en absoluto las ideas. Parece que a Schopenhauer le ha impresionado el hecho
de que en música la gran mayoría de las obras puramente instrumentales no tienen un tema
específico: dicho de otra forma, no parece razonable o apropiado investigar de que o acerca de que
tratan, del mismo modo que se puede decir de un cuadro con figuras o fruta, o de un drama o novela
que tratan de cierta clase de situación o personaje.
Como en cierto momento lo formula Schopenhauer: todo el que se entrega plenamente a la
impresión de una sinfonía, parece ver que todos los acontecimientos posibles de la vida y del
mundo se realizan en él; sin embargo, al reflexionar no puede encontrar parecido entre la música y
las cosas que han pasado por su mente. Pero ¿no suscita esto un curioso problema?, porque ¿cómo
puede decirse que una pieza de música, como una sonata, le parece al oyente que es profundamente
expresiva o elocuente, y al mismo tiempo no le parece eso o que de algún modo describe algo al
margen de ella misma? Schopenhauer concedía que la música es compuesta, con mucha frecuencia,
con vistas a reproducir en el auditorio los fenómenos del mundo perceptible, como si pudiera fungir
como una especie de cuadro con sonidos. Llamó a esta música imitativa y su ejemplificación la
encontraba en obras tales como las Estaciones de Haydn; pero sostuvo que todas las composiciones
de este tipo revelaban una mala interpretación de la naturaleza esencial de la música y que habían
de ser rechazadas enteramente. Se puede aplicar la misma objeción cuando las palabras de una
canción o del libreto de una ópera se convierten en lo principal, dándose a la música un papel
subordinado o meramente expresivo: “si la música mantiene muy unida a las palabras y trata de
formarse según los acontecimientos, está intentando hablar un lenguaje que no es el suyo”.
P17. ¿Por qué para Schopenhauer la más perfecta de las formas de arte era la música?
La música instrumental que no trata temas específicos por tener un lenguaje distinto a las
palabras se diferencia de la pintura en que esta suele tratar de clases de situaciones o personajes,
Según afirma Schopenhauer.
P18. Escribe tu punto de vista sobre lo que dice Schopenhauer acerca de lo que nos hace
sentir la música instrumental.
Estética según Marcuse: Desde que el Arte abandonó su fase mágica, desde que dejó de ser
algo "práctico" para convertirse en una "técnica" entre otras; vale decir, desde que se volvió una
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rama de la división social del trabajo, el Arte adquirió una Forma completamente propia y común
a todas las artes. Esta Forma correspondía a una nueva función del Arte en la sociedad: la de aportar
el "descanso", la elevación, la pausa en la terrible rutina de la vida; la de presentar algo "más
elevado", "más profundo", acaso "más verdadero" y mejor que satisficiera las necesidades
insatisfechas en el trabajo y el entretenimiento cotidianos y, por consiguiente, algo placentero. (Me
estoy refiriendo a la función social, histórica del Arte; no aludo a lo que el Arte significa para el
artista, ni a las intenciones o metas de éste, que son de un orden bien distinto).
Dicho en palabras más brutales: el Arte no es (o no se supone que sea) un valor de uso
destinado al consumo en el curso de las ocupaciones cotidianas de los hombres; su utilidad es de
una naturaleza trascendente, una utilidad para el alma o el espíritu que no se relaciona con el
comportamiento normal de los hombres y que realmente no lo transforma excepto, precisamente,
durante el recreo cultural, ese breve período de elevación: en la iglesia, el museo, la sala de
conciertos, el teatro, ante los monumentos y las ruinas del grandioso pasado. Tras la pausa, la vida
real continúa. La armonización de lo bello y de lo verdadero. Eso que se creía plasmación de la
unidad esencial de la obra de arte se tornó una identidad de los opuestos cada vez más imposible
porque la verdad se ha revelado como algo cada vez más incompatible con la belleza. La vida, la
condición humana han militado cada vez más en contra de la sublimación de la realidad bajo la
Forma del Arte.
El resultado es más evidente en aquellas obras que son una acusación intransigente, "directa",
a la realidad. El artista condena, pero su veredicto anestesia el terror. Dicho en palabras más
brutales, la precondición del Arte es una mirada radical a la realidad, y una mirada que se aparta
de ella: una represión de su inmediatez y de la inmediata reacción ante ella. Es la œuvre misma lo
que es y lo que impone dicha represión; y en tanto represión estética ella es "satisfactoria",
disfrutable. En este sentido, el Arte es en sí mismo un "final feliz"; la desesperanza se vuelve
sublime; el dolor, bello.
T1. Pinte o copia y coloree el dibujo aplicando tu propio estilo y demostrando la relación del arte
con la verdad según los planteamientos de Gadamer.
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Gadamer y el concepto de verdad en el arte. Gadamer Reivindica el valor de verdad inherente
a la experiencia estética. En la obra de arte se nos da una suerte de verdad y existe una ganancia
cognitiva evidente; la propia experiencia ya ha moldeado nuestro ser y hemos sumado
aprendizajes que antes de la experiencia estética singular no estaban presentes. A su vez, la obra
de arte y la experiencia que deviene de su disfrute también puede dar lugar a conocimientos de
orden moral. En este sentido, Gadamer reivindica el valor artístico de la alegoría frente a la habitual
reivindicación del valor simbólico del arte. La alegoría tiene, entre otras, una función moral:
pretende indirectamente conducir a una determinada noción acerca de lo bueno. Gadamer, al igual
que su mentor Heidegger, prioriza la capacidad que tiene la poesía como herramienta para "traer
la verdad", para "desocultar", su innegable valor para recrear nuevos mundos y fabricar lenguaje.
En este sentido considerará que la poesía, en el orden de las artes, juega un papel primordial.
Hermenéutica: El hermeneuta es, por lo tanto, aquel que se dedica a interpretar y desvelar el
sentido de los mensajes, haciendo que su comprensión sea posible y todo malentendido evitado,
favoreciendo su adecuada función normativa. Alegoría: del griego allegorein «hablar
figuradamente», es una figura literaria o tema artístico que pretende representar una idea valiéndose
de formas humanas, animales o de objetos cotidianos.
Salvador Dalí, ¿genio o loco? Esta pregunta se la hacen miles de personas, pero sólo los
entendidos del arte pueden confirmar que Dalí era un genio en un mundo de locos. El arte de Dalí
escondía cuadros dentro de cuadros pero también escondía símbolos a los ojos de los demás, como
por ejemplo los relojes que parecen derretirse, que podrían interpretarse como un símbolo sobre la
"Teoría de la relatividad" descubierta por Albert Einstein. Otro de sus símbolos más utilizados fue
el huevo, donde Dalí lo presentaba simbolizando los conceptos de vida prenatal intrauterina, y
también a veces interpretado como símbolo de la esperanza y el amor. Sus elefantes de patas
estrechas y extremadamente largas ocultaban significados, el obelisco que siempre portaban
representaba al órgano masculino, sobre esto Dalí dijo..."con sus aguzadas patas contrastando la
idea de ingravidez, definida sin la menor preocupación estética, estoy creando algo que me inspira
una profunda emoción y con la que intento pintar honestamente".
Kierkegaard: En Estética y ética en la formación de la personalidad destaca tres momentos
esenciales en la vida de todo individuo: la estética, la ética y la religión, a partir de una elección de
vida. Veamos: En muchas circunstancias, los individuos se encuentran abocados a tomar una
decisión y elección que va a afectar su radical forma de vida; esta elección, en mayor o en menor
grado, depende de lo que ella signifique. Una vida estética es para el momento, para lo que se es
en dicho lapso. Su característica, como la ha entendido Baudelaire en su obra “El pintor de la vida
moderna” por medio de la figura del dandy, es una subsistencia para el presente fugaz, del cual
extrae su belleza, su encanto y eternidad. Kierkegaard la define de la siguiente forma, “La estética
en un hombre es aquello por lo cual ese hombre es, inmediatamente, lo que es”.
Nos encontramos ante un hombre cuya existencia es lo inmediato y de un saber limitado, de lo
pragmático, de lo que sirve y puede ser desechable; evitando una carga pesada para su vivir, no
hay una constitución o construcción de sí mismo, como se presenta en la ética. Este tipo de vida
estética procura lo suave, lo transitorio y la velocidad, características de las sociedades
postmodernas; evita el menor sufrimiento posible, que está bien, pero que raya en la indiferencia o
en la pasividad ante el otro, se refugia en el goce, evita la explicación, el concepto o la
confrontación consigo mismo y desde luego con el otro. Su lema es, “Hay que gozar de la vida”.
Que en su realización hay que buscarla no en el sujeto, sino en el mundo, en las cosas.
Ontológicamente es determinado por lo inmediato, por un exagerado narcisismo, por una
negación de la muerte, manifestado en una preocupación perversa por la salud y el cultivo de
I.E.D. TÉCNICO INDUSTRIAL DE TOCANCIPÁ / ÁREA DE FILOSOFÍA 16
CONSTRUCCIÓN DE PENSAMIENTO CRÍTICO Y AUTONOMÍA PARA LA RESPONSABILIDAD SOCIAL Y POLÍTICA
PROFESOR: CÉSAR ARDILA HERNÁNDEZ
cuerpos bellos. Frente a esta posición estética de la vida, Kierkegaard en el siglo XIX, propone una
actitud ética, la cual se define por su vitalidad, por ser de carne y hueso, por ser parte de la
naturaleza humana. Una posición estética de la vida, según Kierkegaard, fomenta exageradamente
la transitoriedad, la velocidad de la vida, la comodidad la indiferencia con el otro, el cuidado del
cuerpo, y un exagerado narcisismo.
Definición: a continuación encontrará la definición de algunas palabras que en la lectura están
subrayadas El pragmatismo: Movimiento filosófico desarrollado especialmente en Estados
Unidos e Inglaterra, pero con repercusión y desarrollo parcial en otros países. El pragmatismo
consiste en reducir "lo verdadero a lo útil" negando el conocimiento teórico en diversos grados;
para los más radicales sólo es verdadero aquello que conduce al éxito individual, mientras que para
otros, sólo es verdadero cuando se haya verificado con los hechos. Dandy: El dandismo constituye
también una metafísica, una postura particular respecto a la cuestión del ser y del aparecer, así
como a la modernidad. Baudelaire identifica el dandismo como la última hazaña posible, una
búsqueda de distinción y de nobleza, de una 'excelencia' de la apariencia. A menudo identificado,
sin razón, como una simple frivolidad. La ontología es la parte
de la metafísica que estudia el ser en general y sus propiedades
trascendentales. Puede nombrarse como el estudio del ser en tanto
lo qué es y cómo es. La ontología define al ser y establece las
categorías fundamentales de las cosas a partir del estudio de sus
propiedades, sistemas y estructuras.
https://www.youtube.com/watch?v=PxliXM5zTJA
https://www.youtube.com/watch?v=xT2RpvtUjWY
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Fuentes utilizadas:
https://masdearte.com/especiales/turner-un-elemento-mas-de-la-intensidad-cosmica/
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newman%2Fbroken-
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https://talleresdefilosofiadecimoyonce.blogspot.com/
http://pensamientoyaccionfilosofica.blogspot.com/2013/02/guia-nro-1-grado-11-epistemologia-de-la.htmlActividades
http://www.filosofia.org/enc/ros/filos.htm