ELEMENTOS-MATERIALES-Y-TECNICAS.

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Expresión Plástica

1º Grado en Educación Infantil

Facultad de Ciencias de la Educación

Universidad de Cádiz

Reservados todos los derechos.

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
 TEMA 1: ELEMENTOS, MATERIALES y TÉCNICAS

¿QUÉ ES EL ARTE?
Es un artificio. Se utiliza en principio para designar todo aquello que el hombre hace de manera artificial,
es decir, no natural para diferenciarlo de la acción de la naturaleza que sí es natural.
ARTE (arquitectura, escultura, pintura, literatura, música, danza y cine)
ELEMENTOS DEL ARTE
Punto: unidad más simple de la representación visual. (redondez → forma más corriente).
Línea: unión de muchos puntos, tiene enorme energía y es el elemento básico del dibujo. Trabajando las
líneas ayudamos a desarrollar la psicomotricidad fina.
Encaje: líneas principales de dibujos. Una vez claro la obra, la empezamos en un soporte, cuadro, lienzo o
material definitivos y haremos un “encaje”. Es una estructura simple y sobre ella iremos añadiendo
elementos. Con ello dejamos la estructura bien hecha, la base, en la que nos aseguramos de que está bien
proporcionada y centrada en un papel. Si está mal hecho, es el momento de arreglarlo.
Boceto o apuntes: dibujo básico, en “sucio” para reflejar de manera muy primaria una idea que tenemos
sobre algo que tenemos que dibujar.
Dibujo de la figura humana: la figura humana, es uno de los temas más repetidos.
La composición es ordenar los diferentes elementos o formas en un cuadro (o dibujo, o escultura). Si la
composición se hace bien, la obra queda equilibrada y armónica. Si no se ordenan bien los elementos, la
composición queda desequilibrada (nos “raya”, si usamos una expresión actual).
Ley de la Frontalidad: esto refiere a la costumbre que había en el arte egipcio y en el arte antiguo en general
de representar a las figuras para ser vistas totalmente de frente, sobre todo en las esculturas (o en todo caso
de perfil en las pinturas), de manera que verlas desde un lado o desde detrás no tenía ningún sentido y
además la figura apoya el peso en las dos piernas con una actitud rígida. Esto hacía que las figuras fueran
muy hieráticas y poco naturales, y daba muy poco juego a la postura, acción y composición.
Contraposto: para romper lo anterior (la Ley de Frontalidad), los griegos inventaron el contraposto, que
utilizaron sobre todo en la escultura. Consiste en hacer que la figura apoye su peso en una pierna solo, de
manera que la cadera se inclina, y para mantener el equilibrio, los hombros se inclinan también, pero hacia
el otro lado. Esto es algo que los humanos hacemos de manera natural. Esto hace que las esculturas tengan
una actitud más natural, y también inicia las opciones a poses y movimientos menos frontales que dan más
juego, y terminan realizando esculturas cuya postura permite que se rodeen y que todos los puntos de vista
alrededor de ellas tengan sentido y sean interesantes (por ejemplo, el discóbolo).
Perspectiva: La perspectiva es el método que estudia y nos ayuda a representar las tres dimensiones que
tiene la realidad. A que, cuando hacemos un dibujo o una pintura, realmente parezca que hay espacio, que
hay volumen y que representa objetos tridimensionales. Podemos decir que hay dos tipos de perspectiva:

- Lineal: Es la que hemos estudiado en las asignaturas de Dibujo Técnico, y mediante

sistemas cónicos, con líneas de fuga, línea de horizonte y otros elementos, dibujamos
linealmente el espacio.
- Aérea: este concepto de perspectiva surge en el Renacimiento de la mano de Leonardo Da
Vinci. Leonardo une dos cosas: sus estudios de óptica (de cómo el ojo humano percibe las
cosas en la distancia), y la invención del óleo, que es un tipo de pintura que permite
difuminar los contornos antes de que se seque. La perspectiva aérea da una mayor
sensación de realidad e incluso parece que se ve el aire.

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 Luz y Sombra: son muy importantes en el arte. Son en realidad las que permiten que exista lo que vemos, es
lo que da volumen, tridimensionalidad. Además, se puede usar como un elemento expresivo. Cuando
estudiamos la luz y la sombra, hemos de tener en cuenta que en la realidad que nos rodea no suele existir una
luz (blanco) absoluta ni una sombra u oscuridad (negro) total. En realidad, nos movemos en una enorme
variedad de grises. Por eso, normalmente en el arte no se suelen usar el blanco y el negro puros a no ser que
se quiera hacer algo con una expresión muy intencionada
Claroscuro: es cuando en un cuadro (o dibujo, o fotografía, etc.) utilizamos una iluminación muy
contrastada y extrema que provoca luces muy fuertes y sombras muy fuertes y muy pocos grises

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intermedios.
Mancha: la aplicación propia de la pintura. Es decir, la manera correcta de pintar no es como la hemos
aprendido de niños (dibujando el contorno de un objeto y luego coloreando el interior). Esto en la realidad
no existe, los objetos no tienen contorno. Los artistas pintan manchas (sin contorno) de color, de sombras y
de luces, que luego cuando las vemos nos dan la sensación del objeto que se quiere representar.
Respecto a la manera de representar la realidad podemos hacerlo de las siguientes maneras:

- Ideación: Vemos un objeto y luego sin tenerlo delante y sin verlo ya, lo dibujamos tal
como recordamos que era.
- Realismo: con el objeto delante y observándolo, lo dibujas de la manera más exacta
posible.
- Estilización: en base al dibujo que hemos hecho de manera realista, simplificamos las
formas, eliminamos detalles y dibujamos lo esencial, obteniendo lo que sería un dibujo
estilizado, como un logotipo.
- Abstracción: en base al dibujo estilizado, simplificamos muchísimo más, reduciendo el
dibujo a formas esenciales, como formas geométricas o manchas. El dibujo resultante ha
partido de un objeto real, pero ya no lo vemos en el dibujo, ahora vemos un dibujo
abstracto que no nos recuerda a nada real.
- Motivos decorativos: a la hora de diseñar motivos decorativos, estos se agrupan en dos
tipos, centrales y cenefas:
o Centrales: son un solo motivo que puede tener simetría axial, simetría radial o ser
asimétrico.
o Cenefas: las cenefas son diseños longitudinales que pueden estar formados por:
▪ Un motivo único.
▪ Un motivo que se repite de manera igual, es decir una serie sencilla.
▪ Dos o más motivos que se repiten de manera cíclica, es decir, una serie
compleja.

CÍRCULO CROMÁTICO.
Es una herramienta que nos sirve para estudiar los colores. En él,
colocamos los colores de la misma posición, es decir, los cálidos
(amarillo, naranja y rojo), fríos (verde, naranja y morado). Se podría
dividir el círculo en 2 mitades; fríos y cálidos.
Tono: echar negro y blanco para poner más claro u oscuro el color.
Gama: del “rojo”, aquellos colores que podemos obtener si mezclamos el
rojo con cualquier otro color/es y en diferentes cantidades.
El color, elemento sencillo de comprender, es un elemento expresivo desde el punto de vista psicológico;
influyen en el estado de ánimo (azul-relajante, verde-sedante, rojo-excitante, negro-deprimido, amarillo-

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Expresión Plástica
Banco de apuntes de la
 enervante, naranja-optimizadores y blanco-clasificadores. Los colores cálidos se acercan y los fríos se
alejan.
Se trabajará con los alumnos/as de infantil. La simbología y expresividad del color son importantes en la
percepción visual.
- Colores primarios: rojo, amarillo y azul. Son los más puros y brillante y nos lo encontramos en la
naturaleza. No podremos mezclar 2 colores sin que salga 1 primario. Estos son los primeros colores
que aprenden los niños y los primeros con los que trabajaremos.

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- Colores secundarios: verde naranja y morado. Se obtienen mezclando colores primarios.
Mezclas: amarillo + rojo = naranja, azul + amarillo = verde, rojo + azul = morado.

- Colores terciarios: se obtienen mezclando 3 primarios o 2 secundario. Al mezclar más colores,

vamos perdiendo pureza y brillantez y la mezcla tiene a marrón / grisáceo.

- Blanco y negro: “no colores” y no están ni en cálido ni el frío.

- Colores complementarios: son parejas de colores que se llevan muy bien, que son armónicamente
perfectos y tienen un gran contraste. Se forman uniendo 1 color primario con el secundario que está
formado por otros 2 colores primarios. Ej (amarillo complementa a morado → formado por rojo-
azul.). Cada color es complementario del color del que tiene “enfrente” en el CC.

MATERIALES Y TÉCNICAS DEL ARTE.

Lo primero que tenemos que aprender es que los materiales que utilizamos en el arte se dividen en 2
grupos: al agua y al aceite. Y, en segundo lugar, que todas las pinturas se fabrican de la misma manera:
mezclando Pigmento con un Aglutinante.
El Pigmento es una sustancia muy molida, fina y suave, que contiene color, que no se altera con la luz y
su origen puede ser natural o artificial. El Aglutinante es la sustancia, liquida o pastosa, que aglutina el
pigmento (que es polvo), y así lo podamos aplicar. Dependiendo de cuál sea el aglutinante, la pintura
resultante será al aceite o al agua.
Desde la pintura de la pared hasta el maquillaje, todas se fabrican de esta manera. Los pigmentos son una
sustancia en polvo que es la que da el color a la pintura. Desde tiempos prehistóricos se utilizaban como
pigmento sustancias naturales (por ejemplo, el carbón para el negro, las diferentes tierras para el marrón, el
amarillo y el rojo, minerales o piedras trituradas o cocidas para obtener el azul, el blanco, o el verde), pero
actualmente la mayoría se fabrican de manera química e industrial. Por otro lado, el Diluyente será la
sustancia que nos servirá para limpiarnos las manos, los pinceles y para añadirlo a la pintura si queremos
que esté más diluida. Dependiendo del tipo de pintura, el diluyente será uno u otro (agua, alcohol, aguarrás,
disolvente, acetona, etc.). Como hemos dicho, si mezclamos esta sustancia de color en polvo con diferentes
aglutinantes producirá las diferentes pinturas:
Pigmento + cera de abejas: encáustica (lo usaban los egipcios), Pigmento + aceite de linaza: óleo,
Pigmento + colas: acuarelas y temperas, Pigmento + huevo o caseína de leche: temple (se usaba en la Edad
Media), Pigmento + colas sintéticas: acrílico, Pigmento + ceras diversas: lápices de color, plastidecores y
ceras gruesas, pasteles y las tizas de color, apenas llevan aglutinante, por eso son “casi polvo nada más”.
El fabricar diferentes tipos de pinturas, hace que éstas tengan características diferentes y nos den al
aplicarlas resultados distintos. Esto da lugar a las diferentes técnicas de dibujo y pintura:
A) Técnicas de la pintura: temple, óleo, acuarela, tempera, gouache, pastel, encáustica, pinturas
industriales, acrílico, fresco, tizas, ceras, etc.

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 B) Técnicas del dibujo: grafito, Carboncillo, Sanguina, Lápices, tinta, plastidecores, etc.
C) Técnicas mixtas: implica mezclar técnicas, pinturas o materiales, el collage y el reciclaje.
La pintura se aplica sobre un Soporte, que puede ser un lienzo, una tabla de madera, un cartón, papel,
una pared, etc. La elección del soporte depende del tipo de pintura que vamos a usar y de nuestras
necesidades.
Escultura: la escultura puede ser de Bulto Redondo (la podemos rodear y ver por todos lados), o un Relieve
(sobre una superficie y solo se ve de frente), que puede ser Alto, Medio y Bajo, dependiendo de la
“profundidad” del relieve. A la hora de hacer una escultura podemos realizar diferentes acciones: quitar
materia (cuando tallamos un bloque de madera o piedra, solo podemos quitar, no se puede añadir), añadir-
construir (materiales que sí nos permiten añadir e ir construyendo como el trabajo del metal, forja,
soldadura, reciclaje) o modelar (materiales que se transforman según los modelamos como el barro, la
plastilina, la cera, la pasta). El trabajo de la escultura tiene como ventaja pedagógica la manipulación directa
con el material. Se pueden rodear y tocar. Cada técnica tiene sus herramientas específicas.
Grabado: también es una técnica interesante que trabajaremos con nuestros alumnos de Infantil
(Estampación). Consiste en una plancha u objeto en el que “esgrafiar” (arañar creando surcos) marcas o
dibujos o pegar cosas, de manera que tenga relieve, se le aplica alguna pintura y luego se estampa sobre una
superficie (papel o tela) creando así el grabado.
PERCEPCIÓN VISUAL.
La Percepción Visual es un acto complejo y hay que tener en cuenta algunas reflexiones sobre ella. Es
importante entender cómo percibimos el mundo y cómo la perciben nuestros alumnos. Muchas de las fichas
que trabajaremos con ellos están basadas en los principios de la Percepción Visual y tienen como fin educar
el razonamiento del niño.
Debemos trabajar la Alfabetización Visual, enseñar al niño a ver e interpretar las imágenes que le rodean
en la vida, según los códigos visuales establecidos por nuestra sociedad. La percepción visual es
fundamental en nuestro desarrollo porque es la manera de recibir significados y mensajes. Está condicionada
por las cualidades ópticas de lo percibido y por nuestras actitudes y filtros mentales. Es la suma de todo y es
un proceso selectivo. El cerebro tiende a simplificar lo que ve. La percepción lo primero que hace es dividir
forma y fondo. A veces no vemos lo que hay, sino lo que estamos predispuestos a ver. El interés y la
memoria provocan el reconocimiento.
La percepción cambia según el contexto cultural (por ejemplo, a las culturas occidentales nos condiciona
le lectura de izquierda a derecha). También es diferente la percepción de algo por un especialista que por un
profano. Se percibe la forma y el significado: Un mismo significado puede expresarse de diferentes formas y
una misma forma puede expresar diferentes cosas (cuando vemos una manzana, vemos su forma, una fruta,
pero también su significado, el pecado de Adán y Eva o el símbolo de la marca de ordenadores Apple).
Influye la presencia formal de lo que se observa y los filtros mentales a través de los cuales pasa esta
información. En la percepción del arte, primero hay una experimentación sensorial y luego se producen una
serie de proyecciones mentales. Estas están influenciadas por las experiencias vividas, prejuicios y
perjuicios, tendencias psicológicas, el aprendizaje, la educación, el ámbito social. La percepción no es
universal.
El arte es una necesidad para poder comunicarse. El hombre tiene necesidad de crear y contemplar cosas
bellas y necesita poder comprender, interpretar, plasmar y trasformar, en definitiva, dominar, la realidad que
le rodea. Esto está muy presente en la expresión plástica infantil. Por tanto, el arte no desaparecerá nunca,
sino que se transforma conforme vamos creciendo.
Una característica de la imagen es que siempre comunica, implica un mensaje en el que transmite
valores, inquietudes, ideas, sentimientos. La misma imagen es vista de manera diferente por personas de
distintas edades, niveles socioeconómicos y cultura. Cada persona le da un significado distinto, aunque

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 muchas de ellas las hemos codiciado ya de manera colectiva. El conocimiento de un objeto no solo llega por
las sensaciones visuales, sino que el observador, al estar frente a un objeto, añade sensaciones que dependen
de su experiencia personal. A pesar de ello, existe un acuerdo general en la apreciación de la mayoría de las
cosas que observamos. Con respecto a la percepción directa de los objetos, podemos decir que las figuras,
aunque estén incompletas, se perciben completas. Este proceso se llama reintegración. Según la psicología
de la Gestalt, la percepción tiende a complementar los elementos para obtener definición, simetría,
regularidad, continuidad, unidad y forma. Un individuo recibe centenares de estímulos, pero solo es
consciente de una parte de ellos: aquellos que despiertan su atención. El número de elementos que pueden

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percibirse en un instante se llama dimensión de máxima atención. Si hay muchos estímulos, puede
atenderse a todos, aunque haya más de 9 porque organizamos en grupos. La figura es el elemento
dominante, el foco de atención, mientras que el fondo es un elemento más difuso y secundario. Figura y
fondo interactúan dinámicamente y por ello a veces hay ambigüedades.
En la relación figura-fondo los elementos pueden organizarse de acuerdo a los siguientes principios:
A) Continuidad: los elementos que tienen continuidad sobresalen del fondo y se organizan juntos.
B) Proximidad: cuando los elementos estén bastante juntos tienden a agruparse.
C) Semejanza: los elementos similares tienden a agruparse por su forma, medida, color o peso.
D) Contraste: cuando por forma, color, son muy diferentes y los agrupamos.
E) Ilusiones: el entorno que rodea a una figura provoca sensaciones engañosas. La percepción es a veces
engañosa y la organización de figuras en un todo puede conducirnos a juzgar incorrectamente los
elementos que la componen, por lo que atribuimos a una figura u objeto propiedades que no tiene.
Hay muchísimas Ilusiones que no se corresponden con el objeto que percibimos. Estas ilusiones son
estables, el objeto no se modifica, pero nuestro mundo perceptivo le da atributos que no posee.
Los medios de comunicación utilizan las técnicas de la percepción para lograr una participación activa
por parte del receptor. Utilizan muchos estímulos en un solo mensaje, pero refuerzan ciertos aspectos que
llaman la atención. El perceptor retiene ciertos estímulos y elimina otros.

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