1.

Las puertas del Baptisterio: Lorenzo Ghiberti

Concurso (1401) impulsado por el gremio de importadores de tela, por las puertas
orientales del baptisterio, situadas frente al duomo.

Imagen 250. Andrea PISANO: Puertas meridionales del baptisterio de San Giovanni
Las puertas meridionales, hechas en el S.XIV por PISANO, tienen una estructura
estrictamente gótica. Pero, aun así, dentro de lo gótico, el autor era una persona
interesada por la antigüedad y la búsqueda de esa renovación y naturalismo.
Combinación del cuadrado con el rombo, que genera un espacio interior donde vemos
escenas y personajes que configuran un programa iconográfico. 28 paneles con la vida
de San Juan Bautista, patrón de la ciudad. Decoraciones florales en los dinteles y jambas
que enmarcan las puertas.

Imagen 251. Puerta de la Mandorla, Santa Maria del Fiore

Paralelamente al concurso del gremio de las telas, existió una especie de rivalidad con
el gremio de la lana. Este, ya desde 1391, patrocinaba la decoración de la Puerta de la
Mandorla de la catedral de Florencia. Obra en mármol y arenisca gris. Transición del
tardo gótico a esa tendencia que se estaba formando. Aquí trabajaran artistas del propio
renacimiento.
 Imagen 252. Lorenzo GHIBERTI: Puertas “septentrionales” del baptisterio de San
Giovanni
Estructura similar a las de PISANO. Formalmente, sigue el mismo esquema geométrico;
pero la temática es diferente. En este caso se representa la vida de Jesús, además de
las aparici9on de los evangelistas y diversos padres de la iglesia.

Imagen 253. Andrea PISANO: Bautismo de Cristo

Aquí vemos el bautismo de cristo por parte de PISANO. Cierta adaptación a la superficie
marcada en el interior de estas geometrías.

El tema del concurso no era algo habitual, ya que los artistas estaban acostumbrados a
presentar el tema que quisiesen. Esta vez, todos tuvieron que presentar un t4ema
relacionado con el sacrificio de Isaac. Esto permite ser más justos a la hora de decidir el
ganador. Se presentaron siete participantes, de los cuales eran dos orfebres los dos más
destacados; por un lado, BRUNELLESCHI y por el otro, GHIBERTI. Dos artista muy hábiles
en la técnica de la fundición del metal. Estas son las obras que ambos artistas
presentaron al concurso:
 Imagen 144. Filippo BRUNELLESCHI: Sacrificio de Isaac
Interesado en la rama realista, dramática, mayor aproximación a la realidad. Se siente
tan atraído por esta escultura clásica (imagen 255) que la incorpora en su obra, pero
respetando el tema iconográfico. Lo que hace BRUNELLESCHI es construir un espacio,
pero con la existencia de una menor unidad compositiva. Los personajes se encuentran
inscritos en el espacio y si nos damos cuentas; hay menos plasticidad ya que utiliza una
técnica de fundir las piezas individualmente. Da la sensación de que cada elemento es
más autónomo. El espacio nos da una sensación de vacío, no se intuye el espacio. De
alguna manera, aun respetando las formas geométricas de PISANO, rompe con este
marco establecido. Hay una exteriorización de la superficie.

Imagen 254. Lorenzo GHIBERTI: Sacrificio de Isaac

Trabajos graciosos, es decir delicados y agradables. Se movían en un ambiente irreal. En
su caso vemos el torso desnudo de Isaac, torso que se inspira en una famosa pieza del
mundo clásico (imagen 256). Curiosamente, muestra otra concepción. En su caso sí que
hay una descripción de los elementos de este espacio, hay una sucesión de espacios
perfectamente unificado. Unidad compositiva más agradable a la vista. Fundición de una
sola pieza, que condiciona la composición. Des del punto de vista compositiva, es una
obra más clara.
BRUNELLESCHI era representante del busto conservador, por lo tanto, tienen mucho
mérito su evolución artística. Pero resultó que el joven GHIBERTI, gano el concurso por
una mayoría mínima, en el 1403. Estos artistas se movían dentro de las tendencias
propias del tardo gótico, pero introdujeron pequeñas novedades. En la Puerta de la
Mandorla ya se habían introducido diversas novedades.

Imagen
255.
Spinario

Imagen
256. Torso
Belvedere

LORENZO GHIBERTI (FIRENZE, 1378 – FIRENZE 1455)

Tras la resolución del concurso de cambió de temática, las puertas pasaron a representar
escenas del Nuevo Testamento.
Cronograma de los trabajos en las puertas “septentrionales”
- 1401: concurso.
- 1407: nuevo contrato, lo cual implica un proceso lento.
- 1419: conclusión de las escenas, previamente diseñadas en 1416, y los retratos
del marco.
- 1423: decisión de dorar los relieves
- 1424: puertas colgadas.
 Imagen 257.
Lorenzo
GHIBERTI:
Anunciación

Imagen 258.
Lorenzo
GHIBERTI:
San Juan
Evangelista

En el primero vemos una gestualidad excesivamente antinatural y una arquitectura

rígida. Mientras que aquí falta renovación, en el segundo se percibe un cambio en la
gestualidad. Existe un ejercicio de perspectiva, espacio y formas que se adaptan.

Imagen 259.
Lorenzo
GHIBERTI:
Flagelación
de Cristo
Imagen 260.
Lorenzo
GHIBERTI:
Bautismo de
Cristo

En la primera imagen podemos observar una arquitectura clásica, pero con ciertas
proporciones que se le podrían ligar a la tendencia gótica. También percibimos una
búsqueda de la perspectiva. En esta composición se hace una invasión de la forma
geométrica, con la intención de producir un relieve.
 Imagen 261. Lorenzo GHIBERTI: Resurrección
Se puede percibir esa voluntad por buscar la simetría en su obra, en este caos presente
en los árboles del fondo de la composición.

Imagen 262.
Lorenzo
GHIBERTI:
Oración en el
huerto

Imagen 263.
Lorenzo
GHIBERTI:
Cristo en la
tempestad
Cronograma de los trabajos en las puertas del Paraíso
- 1425: encargo de la obra
- 1429: comienzo de los trabajos.
- 1436: conclusión de los paneles.
- 1452: puertas colgadas.

Imagen 264. Lorenzo GHIBERTI: Caín y Abel

Vemos diversas escenas en un mismo panel. Primero, Abel arando el terreno sin que
Caín le preste mucha atención. Mas tarde podemos ver el momento justo donde este
mata a su hermano. Importancia del recurso de la narración continua. Escenas que no
coinciden en el tiempo, pero sí que comparten un espacio.

Imagen 265. Lorenzo GHIBERTI: José

La representación de los personajes es absolutamente naturalista. Sentido de retrato
de las figuras. Diferentes historias relacionadas con la vida del protagonista, espacio
vital. Voluntad de verosimilitud.
 Imagen 266. Lorenzo GHIBERTI: Bautismo de Cristo, Baptisterio de Siena
Nos permite observar cómo GHIBERTI está en constante evolución estética del espacio
unitari9o. la concepción no s estar sometido a un marco de geometría ornamental. Es
una escena de cuadro.

Imagen 267. Lorenzo GHIBERTI: Salomón y la Reina de Saba

Construcción de una perspectiva monofocal bien conseguida. Podemos ver el relieve de
algunas de las figuras.
 Imagen 268.
Lorenzo
GHIBERTI:
David
Imagen 269.
Lorenzo
GHIBERTI: Noé

Imagen 270. Lorenzo GHIBERTI: Autorretrato

 Imagen 271. Lorenzo GHIBERTI: Adán y Eva

Imagen 272. Lorenzo GHIBERTI: Adán y Eva (réplica)

Imagen 273. Lorenzo GHIBERTI: Abraham e Isaac.

Composición más cercana a lo que propuso BRUNELLESCHI en su momento. Sistema
visual muy bien tratado. Las figuras que se encuentran en una zona más alejada, se pude
observar cómo han sido tratadas más sutilmente; es decir el relieve es más pronunciado
en aquellas figuras que se encuentran delante.
La producción de GHIBERTI no se reduce solo a las puertas que hemos visto hasta ahora.

Imagen 274. Or San Michele

Estatuas (grupos escultóricos) encargadas por varios gremios de la ciudad. Ambiente
económico cultural dinámico de la Florencia de la época. Cuanto mejor era la obra y
mejor era el artista, mayor éxito social tenía el gremio.

Imagen 275. Lorenzo

GHIBERTI: San Juan
Baptista

Imagen 276. Lorenzo

GHIBERTI: San Mateo
San Juan Baptista se muestra como una figura emblemática ya que es el patrón de
Florencia. Los nichos son concebidos en una tendencia gótica, todo lo que vemos lo es.
La propia figura de San Juan es una obra del 1412, es decir que corresponde al momento
de sus trabajos en las puertas del baptisterio. La novedad es que utiliza el bronce en vez
del mármol en una figura de gran envergadura. No parece que sea una vestimenta que
caiga por su propio peso, está más o menos detallada de una manera dulce.
Indumentaria anclada en el movimiento gótico.
En el caso de San Mateo, la indumentaria no está en esa línea gótica. La caída de los
pliegues de la túnica es autentica y ciertamente naturalista. El nicho está concebido en
unos términos más clásicos. El arco sigue siendo apuntado, pero la venera es algo que el
Renacimiento empieza a introducir. Se ha conseguido una evolución.

EVOLUCIÓN ESTILÍSTICA DEL ARTE DE LORENZO GHIBERTI

Surgiendo de las tradiciones de la orfebrería gótica, GHIBERTI se dirige hacia esa
idealización del cuerpo humano, propia del arte clásico. Pasa de unos cuerpos abstractos
a otros basados en un ideal de belleza ya establecido pero dotados de naturalismo.
2. Donatello
DONATO DI NICCOLÒ DI BETTO BARDI “DONATELLO”
(Firenze, 1386 – Firenze, 1466)
Se inicia a finales del siglo XIV, pero su labor como maestro es en el arranque del s XV.
Introduce lo popular en la escultura florentina, que implica buscar lo material, tangible,
palpable. En este sentido DONATELLO es muy hábil. Personaje que busca un análisis.
Viaje con BRUNLLESCHI en el 1402 a Roma para conocer los vestigios de la antigüedad.
Observaciones en la estatuaria y los relieves que le permitieron dirigirse a una mirada
mucho más dramática. Se dedica a contemporizar modelos ideales que detecta en la
estatuaria antigua, de alguna manera humaniza y cristianiza. Conduce este protocolo
hacia una moral popular que entra en la sensibilidad del espectador.

Imagen 277. DONATELLO: María Magdalena

Imagen 278.
DONATELLO: San
Jorge

Imagen 279.
DONATELLO: David
En San Jorge vemos un tratamiento del natural muy bueno. DONATELLO es muy hábil en
la construcción del volumen de la escultura teniendo en cuenta el valor de la luz. Hay
esculturas que no se conciben como una masa, sino que el artista la concibe como un
dibujo; en este caso no sucede esto. Se percibe el concepto de solidez, es decir, nos hace
vivir ese cuerpo como si verdaderamente lo fuese. Esta obra fue un encargo del gremio
de armaduras.
El David está en la misma línea que el anterior, pero se deja llevar más por la sensualidad
y enlaza con el gusto dulce de la estatuaria florentina.

Imagen 280. DONATELLO: San Juan Evangelista

MIGUEL ÁNGEL quedó prendado de esta obra,
imprimiéndolo así en su Moisés. Aquí podemos ver
cómo hay masa. Son pliegues reales, que caen por su
peso. Se percibe un interés por el dramatismo y el
naturalismo; y una voluntad por mostrar la
expresividad interior del personaje.

Imagen 281. DONATELLO: Madonna Pazzi

Esta obra se trata de un relieve. Otro concepto
plástico diferente a la estatuaria. Trabajo
frontal, talla en mármol. Desarrolla una técnica
que se le atribuye a él, el schiacciato (trabajo
sutil de la obra que al mismo tiempo crea una
sensación de gran relieve). También utiliza otra
técnica, el sottosquadro (perfora el material por
debajo de la mano u os dedos, por ejemplo).
Observando los trabajos en las puertas, podemos constatar cierto contraste con
GHIBERTI. GHIBERTI ha aprendido de DONATELLO sobre el tratamiento del relieve y se
nota claramente la influencia. Este tiene un concepto del espacio donde proyecta el
relieve fuera del plano. Las figuras de los primeros planos tienen un relieve efectivo, real.
Pero DONATELLO es todo lo contrario, ya que se interesa por la proyección hacia elfondo.

Imagen 282. DONATELLO: El festín de Herodes, Siena

Obra para el Baptisterio de Siena. Crea una escenografía
convincente donde el primer relieve en bronce, que
requiere un trabajo de modelaje y, más adelante, de
fundición. El resultado no es tan delicado y fino como el
trabajo en la piedra, pero aun así podemos ver que
schiacciato es muy laborioso.

Imagen 283. DONATELLO: San Marcos

Movimiento sensual de caderas que puede resultar
forzado, aun que realmente vemos como el cuerpo
se apoya naturalmente. Tratamiento cuidadoso y
coherente, con sentido naturalista. Obra de 1411,
cuatro años antes que la siguiente
 Imagen 284. DONATELLO: San Jorge y el dragón
El caballo, desde el punto de vista anatómico, es maravilloso. Ejercicio de naturalismo
geológico, DONATELLO estudia la formación de las rocas, de las grutas, de las cuevas,
etc. Encargo por parte de los fabricantes de armaduras.

Imagen 285. DONATELLO: San Luis de Toulouse

Des del punto de vista técnico, es muy evidente el trabajo de modelado previo en cera.
Voluntad naturalista en la ropa. El nicho también forma parte de la obra, está
relacionado con los conceptos arquitectónicos de BRUNELLESCHI.
 Imagen 286. GIOTTO: Campanile de Santa Maria del Fiore
Gran obra del obispado de Florencia. Erigida en el siglo XIV, fachada del s. XIX.

Imagen 287.
DONATELLO: Jeremías

Imagen 289.
DONATELLO: Habacuc
 Imagen 288. DONATELLO:
Jeremías (detalle)

Imagen 290. DONATELLO:

Habacuc (detalle)

Pasa de ese equilibrio a analizar, desde una perspectiva realista, aquel arte romano que
él pudo contemplar.

Imagen 291. DONATELLO: Tabernáculo de la Sagrada Forma, Roma

En su segundo viaje, entre el 1430 y el 1433, estudio profundamente la escultura clásica,
ciertas morfologías y expresiones de algunos trabajos. Esto influyó mucho en concebir
ciertas construcciones, como es el caso de esta. Incorpora el concepto del relieve.
DONATELLO lo está diseñando para generar esta tipología del tabernáculo (adoración
de un determinado ritual y donde se guarda el objeto para realizar esos rituales).
 Imagen 292. Lucca DELLA ROBBIA: Cantoría
Cantoría encargada a LUCCA DELLA ROBIA en 1431 (acabo en el 1438) para que los
cantores hiciesen su trabajo. Estructura claramente concebida en termino clásicos, con
una mezcla de rodenes jónico y corintio.

Imagen 293. DONATELLO: Cantoría

Dos años después de empezar a realizar la obra que hemos visto anteriormente, a
DONATELLO se le encargó de realizar una simetría. Lo que hace es potenciar la idea de
friso continuo que incorpora escenas de Vaco. Estas columnas binadas crean una
profundidad entre ellas mismas y la escena que se está mostrando.
 Imagen 294 – 295. DONATELLO: Cantoría (detalle)
Es interesante observar el mosaico de teselas (sin intención de crear figuras) que están
forrando las columnas y el fondo.

Imagen 296. DONATELLO: Púlpito, Prato

realizado por DONATELLO y MICHELOCCIO. Se plantean unas escenas entre columnas
binadas. Mantiene una continuidad de una escena fragmentada. Esta en la línea de la
obra de LUCCA DELLA ROBIA. Concepto de escenas fragmentadas que se pueden aislar,
aunque haya una supuesta escena conjunta de fondo.
 Imagen 297. DONATELLO: Púlpito, Prato (detalle)
Tal como dice Giulio Carlo ARGAN lo que practica el artista es una «antigüedad de
fantasía». Esta idea de no ceñirse exclusivamente, sino la incorporación de esa voluntad
personal de fantasear con esos modelos; es lo que otorga a DONATELLO un carácter
excepcional.

Imagen 298. DONATELLO: Tondi, Sacristía Vieja de San Lorenzo

DONATELLO se enfrenta a estos encargos de Cosme de’ MEDICI, que está en la línea de
la utilización de una perspectiva tanto monofocal como bifocal, y la generación de
volumen.
 Imagen 299. DONATELLO: David
Encargo de los MEDICI para el patio del Palazzo Vecchio. Vemos una evolución entre este
y el David de MIGUEL ANGEL, en términos de expresividad del cuerpo y el conceptode
exteriorizar los sentimientos más viscerales. DONATELLO crea una escultura liberadade
los tópicos. ARGAN habla de la vaguedad melancólica del mito; ya que es ambiguo a lo
que pretende expresar y no tenemos una aproximación de tipo racional, sino que es algo
incluso romántico. La visión posterior tiene mucha riqueza plástica. Supera lo más
estrictamente convencional.

Imagen 300. VERROCCHIO: David

El concepto de VERROCHIO es diferente, porque tiene una intención historicista. En la
vestimenta tenemos escritura que pretende ubicar la escena en un momento especifico
de la Historia. El sí que muestra un personaje realista. Postura absolutamente natural.
Estructura de lectura frontal, el nivel de composición es menor.
Tenemos dos con conceptos humanos, y corporales, completamente opuestos.

Imagen 301. DONATELLO: Amor-Atis

No hay necesidad de mostrar los genitales, pero al ser una representación del amor, el
atributo se tiene que mostrar claramente.

Imagen 302. DONATELLO: Anunciación Cavalcanti

Obra en piedra con sobredorados en oro, que es verdaderamente fascinante. Está claro
que es una obra de inspiración antigua. La talla, en detalles de la mano de los personajes
y los pliegues de las ropas. Inspiración antigua que, en manos de DONATELLO, sugiere el
esplendor y magnificencia. Capacidad de afrontar las emociones y anhelos del alma.
Ambigüedad melancólica de la historia, en este caso. Aquí también hay un elemento
histórico. Desde el punto de visto de la ambientación y los recursos para la luz y sombra,
DONATELLO sigue siendo fascinante.
 Imagen 303. DONATELLO: Gattamelata
Concluida en 1453. Pieza de fundición de grandes dimensiones. Problemas de estática,
ya que los metales fundidos son muy pesados, es muy complicado conseguir la
estabilidad y permanencia. Monumento que rememoró al personaje de Gatamelata.
Ejemplo de humanismo cívico, producto de un pensamiento renacentista.

Imagen 304.
Estatua ecuestre
de Marco
Aurelio, Roma

Imagen 305.
Caballo de San
Marcos, Venezia

Procedentes de Venecia y Roma, estas obras le sirvieron a DONATELLO como modelo

para la suya propia. Podemos muchas influencias.
 Imagen 306. DONATELLO: Altar mayor, Basílica de San Antonio, Padua.
gran altar visto desde la parte trasera, lo que nos muestra que no es solamente una
pieza concebida para ser vista desde la nave.

Imagen 307. DONATELLO: Virgen con el niño y dos santos

Es interesante ver como el naturalismo va dando paso a un cierto expresionismo.
 Imagen 308. DONATELLO: Crucifijo, Padua
Anatomía aproximada al poder de nuestro protagonista, potente. Prefiguración de
MIGUEL ANGEL. Figura central del altar. Figura absolutamente escultórica, cuerpo
potente donde muestra el poder de Jesucristo incluso crucificado.

Imagen 309. DONATELLO: Santa Justina, Padua

 Imagen 310. DONATELLO: Milagro de la curación del pie, Padua
Importante el trabajo de modelado de las composiciones y los personajes. Trabajo de
cincelado imp0ortante que desarrollo en su última parte creativa.

Imagen 311. DONATELLO: Milagro de la mula, Padua

Imagen 312. DONATELLO: Milagro del corazón del avaro, Padua

Estructura arquitectónica muy bien lograda. Los grupos humanos que apare4cen muy
sutilmente organizados y con sentido de relieve. Mayor complejidad en la composición.
Sentido expresivo, no hay tanta individualización. Fuerza de los grupos.
 Imagen 313. DONATELLO: Piedad, Padua
Trabajo de la talla magnifico. Obra en la altura del crucifijo donde hay un estudio
anatómico muy preciso.

Imagen 314. DONATELLO: María Magdalena

Refuerza el poder de la técnica de la talla.
 Imagen 315. DONATELLO: Púlpito, San Lorenzo

Imagen 316. DONATELLO: Lamentación ante Cristo muerto

Imagen 317. DONATELLO: Judith y Holofernes

Tendencias expresionistas de deformación de los cuerpos
Imagen 318. DONATELLO: Sepulcro del Cardenal Rainaldo Brancacci, Sant’Angelo a Nilo

Imagen 319. Francesco di Giorgio MARTINI: Flagelación de Cristo, Perugia

Claramente es una obra influenciada por la plástica de DONATELLO. Desde el punto de vista de
los acabados, es más basta. Mayor aspereza. Intenta captar el concepto del sottosquadro i el
schiacciato.
 Imagen 320. Agostino di DUCCIO: Filosofía
El dulce estilo en Florencia era una manera de
entender el hecho escultórico más agradable,era
más aceptado por la sociedad. Obra de uno de los
escultores que trabajaron en la renovaciónde un
templo. Voluntad del schiacciato.

Imagen 321 – 322. Agostino di

DUCCIO: Ángeles músicos
Más músicos de esta serie decorativa.
Decoración agradable. La persona que
entra en el espacio tiene una sensación
de gran placidez. Aun así, no se
consigue esa plasticidad volumétrica y
existe cierto sentido de planitud.
 Imagen 323. Agostino di DUCCIO: Putti danzantes
No está bien resuelto el volumen, la profundidad. El espacio no de entiende.

Imagen 324. Agostino di DUCCIO: Luna

Cierto nivel de abstracción formal. Desde el punto de vista de la decoración es agradable de
ver,pero no existe esa idea naturalista. Es simplemente una visión que se lleva a cabo por los
artistascontemporáneos a DONATELLO, pero en una línea más dulce.