La escultura. La renovación quattrocentista.

Donatello y otros autores principales, en Florencia y otras regiones

italianas.

“Lo que es la escultura y como se hacen las esculturas buenas y que deben tener para ser
consideradas perfectas” Vasari

Nani di Banco Orsanmichele 1416 Los escultores manejan todo tipo de instrumentos, van
vestidos con sayos. Vemos la personificación de la escultura en el Campanile de la Catedral de
Florencia, Andrea Pisano (1337-1340) acompañado de estos instrumentos y vestido con un
sayo.

Los aristócratas y eruditos se hacían acompañar de algunos artistas para que realizaran las
obras que ellos querían y les aconsejaran. Las personas se reunían para estudiar. Se recuperan
estos grupos de eruditos y estas academias. Habrá controversia entre las artes liberales y las
manuales.

Por ejemplo BaccioBandinelli se retrata con el dibujo del que será su obra Academia 1531.
Hércules y Caco (Florencia), es decir, con la parte intelectual, mientras que la parte manual (la
piedra) queda escondida tras el boceto.

Del proyecto y del diseño hay que pasar a la ejecución material, y si en la arquitectura se podía
pensar que, en una obra compleja, el maestro tenía labores de precisión, pero en la escultura
había que coger el mazo y el cincel. Antes de esculpir debían realizar bocetos. ej es el caballo
de Francesco Sforza.

Vasari decía: “Tienen costumbre los escultores, cuando quieren

trabajar una figura de mármol, hacer para aquella un modelo, que
así se llama, que puede ser por ejemplo una figura de tamaño de
medio brazo , más o menos, según convenga, de barro o de cera o
de yeso…”Algunos de estos modelos citados por Vasari todavía se
conservan, como por ejemplo el de Benedetto da Maiano, para el
retrato de Filipo Strozzi (Louvre piedra, Berlin terracota)
Se hacen también modelos funerarios. Se saca un molde de la mascarilla funeraria y se pasa a
barro y cera, y después a piedra. La escultura sigue un proceso hasta tallar el bloque, pero
después hay que tallar ese bloque y Leonardo da Vinci dice: “El escultor produce su trabajo (…)
una labor mecánica…”.Francesco Laurana, Retrato de BattistaSforza y mascara funeraria de
terracota (Louvre) 1474

De las Canteras de Carrara sacarán el mármol que luego usarán los artistas. El método más
apropiado para realizar las esculturas, es sacarla del mismo bloque y no uniendo las partes.
Miguel Ángel fue el máximo representante de este método. Esclavos de la tumba de Julio
IIson terminar, no son inacabados intencionadamente. En este proceso de elaboración de las
esculturas, hay que aclarar el tema de los non finitos de Miguel Ángel, ya que si hay algo que
caracteriza a M.A. es esta idea de los no acabados, es decir, que el artista no quiso acabar las
obras. A veces tenemos la visión de que Miguel Ángel no quería finalizar sus obras, pero en
realidad son obras inacabadas.No este termino en examen.
En alguna de las obras de Miguel Ángel como PietáRondamini vemos las muescas del cincel o
los pulimentos de la Pietá.

No solo piezas en piedra, sino tambn en bronce como Perseo de Cellini (1545-1554) de
fundición.

Que cosa es la escultura y como se hacen las esculturas buenas y se deben tener para ser
consideradas perfectas.

1. La naturaleza: Similar a la figura que representa a la primera vista, y con su semejanza

se vea, la fiereza, la humildad, bizarría, alegría o melancolía, según la figura.

Los escultores deben aprender la anatomía del cuerpo humano, y también los
movimientos. Además de tener el modelo tenían que conocer y saber dónde iban los
huesos y los músculos. También tiene que conocer la anatomía de los nervios. Los
artistas están metidos en el estudio de la anatomía humana.
EJ. laocconte

2. La proporción: que las figuras tengan una correspondencia de paridad en los

miembros, esto es que no tengan las piernas largas, la cabeza grande, y los brazos
cortos o deformes (…).

Se van a hacer muchos estudios de las proporciones humanas, lo que viene de

Vitrubio. Para ser precisos van a utilizar el “definitor”, que toma todas las medidas de
las esculturas. Pero, como dice Vasari, es el ojo el que dice si algo está bien o está mal.

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 Alberti llegó a realizar un tratado De statua“ me he tomado la molestia de consignar
aquí las principales medidas del hombre (…) y hemos tomado de ellos las proporciones
y medida” PomponioGauroDe sculptura 1504 “solo tienes que mírame a mí: el único
ábaco que poseo” el mismo. Vasaridice que “ se debe emplear el juicio de cada uno”
para determinar la ejecución.

Las proporciones son una preocupación de la época, pero lo sustantivo no será el

ajuste o no a las proporciones de una escultura, sino de la reproducción de la realidad,
de la naturaleza. Otro factor fundamental la imitación de la antigüedad, ya que están
imitando obras realizadas por los antiguos. Por ejemplo la Venus capitolina (s. II) se
utiliza en el Tratado de Anatomía de Juan de Valverde para mostrarnos el interior del
cuerpo humano. Se utiliza la antigüedad para mostrarnos el conocimiento de la
anatomía que se tiene en estos momentos.El Retrato Ecuestre de Marco Aurelio
(capitolio Roma S. II) va a influir en muchas obras del Renacimiento, también los
relieves de la Columna Trajana y la Columna Aureliana.Baco por M.A. Jardín casa de
los Galli por M. Van Heemsckerck.

Las piezas circulaban en el comercio de antigüedades, harán negocios e incluso habrá

gente que se haga rica. Los eruditos están prendados de la antigüedad y estudiarán la
naturaleza y la anatomía.Las piezas, por tanto, estarán muy en relación con las piezas
del mundo antiguo. Por ejemplo Cosme I de Médici se hace retratar como un
auténtico emperador romano. La escultura la realizó B. Cellini.La escultura está
volcada hacia la naturaleza y hacia la obra de los antiguos.
En el Renacimiento se va a progresar en la representación de la perspectiva, esto lo consiguen
los renacentistas y no se lo deben a la antigüedad. Se va a progresar tanto en pintura como en
relieves, a partir de Brunelleschi.

En este relieve de Donatello aparece San Jorge y la princesa luchando contra el dragón y tras
él, la princesa. Es el primer relieve donde aparece la perspectiva pues vemos una línea oblicua
que nos llevaría a un punto céntrico. Incluso la cueva del dragón nos llevaría a un punto
céntrico. Estamos viendo que Donatello en 1417 introduce ya esa noción de perspectiva focal,
3
esto es algo que luego hará en su pintura Masaccio. Además, Donatello, introduce una visión
de espacio que es particular y que se conoce como Schiacciato, es decir, un relieve bajo que
indica la mayor lejanía en los relieves. Así pues lo que está más cerca se sugiere con un bulto
mayor y lo que está más lejos se sugiere en menor medida, esto le permite crear varios planos
y sugiere espacio en profundidad. Vemos el realismo y las preocupaciones de este momento
que se solucionan de esta manera. La perspectiva como sugerencia de un espacio real.
“ El joven debe ante todas cosas aprender la perspectiva para la justa medida de las cosas (…)”
Leonardo Da Vinci

Florencia.

Ghiberti

 Concurso Puerta norte del Baptisterio de Florencia.

Puerta Sur realizada por Andrea Pisano. En 1401 se organiza un concurso para realizar la
Puerta Norte del Baptisterio de Florencia, a este concurso se presentan, entre otros,
Brunelleschi o Ghiberti, de los cuales se han conservado las placas que presentaron a este
concurso.

En la puerta norte Ghiberti sigue con

escenas menos ricas, pero podemos
encontrar las mismas cuestiones que
analizamos en la pieza del concurso.
Podemos ver figuras con posiciones
curvas (convenciones góticas) como los
flageladores de la Flagelación de Cristo
o el ángel y la Virgen de la Anunciación.

Sacrificio de Isaac = G El espinar = B

Manetti “La actitud, la posición del dedo bajo la barbilla y la energía de Abraham (… ) Del angel
y los gestos(…) La elegancia y la actitud que adopta la figura agachándose para quitarse la
espina. ”

Ghiberti gana por la elegancia y el buen acabado de las obras, la interpretación del drama y
clima de la escena de la biblia del Sacrificio de Isaac vs Realidad de Bruneleschi de la derecha.
Sacrificio de Giberthi tiene una curva en la montaña y contra curvas. Bruneleschi ignora el
tetra lóbulo y lo que hace es alinear las figuras, siempre con líneas recta. Se llega a un punto
central que es Abraham.

Vemos elementos clasicistas como las columnas y el entablamento de la estructura de la

Flagelación, o la arquitectura de la Ultima Cena, también vemos elementos como los pliegues
de los ropajes de los personajes representados que son otra concesión al gótico.

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Las escenas con muchas figuras también son muy góticas, se ve que hace muchas concesiones,
pero destaca el alarde que hace cuando dispone esas figuras, sigue convenciones también
mostrando en la Adoración de los Reyes Magos, una disposición de figuras que presentan las
cabezas una sobre otra, siguiendo convenciones góticas.

 Puertas del Paraíso

Se hacen en torno al 1425-1452 y se le concede a Ghiberti hacerlas del modo que le parezca,
por ello ya no presenciamos lóbulos góticos en las enmarcaciones, sino que usa toda la placa
rectangular, abandona la tradición gótica.

Se relatan historias del Antiguo Testamento muy ricas en figuras, busca la imitación de la
naturaleza. También vemos su autorretrato en las orlas que dispone en los bordes y en el
centro.

El relieve es muy reducido en el plano más alejado, llegando casi al bulto redondo en las
figuras y elementos que se disponen en el plano más cercano a nosotros, además, las figuras
del fondo son más pequeñas que las cercanas.
Destaca que en un mismo panel, como el del Sacrificio de Isaac, se representan varios
episodios.

Las demás placas también introducen edificios, el panel de

Isaac y sus hijos Esaú y Jacob vemos un edificio totalmente
clasicista, con pilares, arcos de medio punto, pilastras y
entablamentos, estos edificios sirven al autor para alardear de
cómo hace las perspectivas. En la escena de José en Egipto
introduce un edificio circular, lo que también le sirve para
alardear. También vemos arquitecturas en la Recepción de la
Reina de Saba por Salomón.

Aun así, continuamos viendo figuras muy ricas, con

vestimentas con muchos ritmos curvos típicos del gótico.
También destaca que la Creación de Eva y la de Adán, será la
misma iconografía que luego utilizará Miguel Ángel en la
Capilla Sixtina.

Donatello

Trabajó como broncista para la puerta de Ghiberti y fue muy longevo, destaca que fue el que
destacó rompiendo claramente con el gótico y llegando a destacar en el realismo de sus
figuras, incluso por encima que Ghiberti.

También trabajó con Nani di Banco en dos figuras de la puerta lateral del Duomo.

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  Estatuas para la fachada del Duomo.

Se situarían en las hornacinas de la parte baja, se data en el año 1408 y se

conservan tres de cuatro, realizadas por Nani di Banco (San Lucas), Niccolo
Lamberti (San Marcos) y Donatello (San Juan Evangelista).

Son figuras sedentes, destaca que la de Lamberti presenta bucles que

terminan la ropas y pliegues con composición muy curvilínea (rasgos
góticos), la de Nani di Banco presenta pliegues mucho más naturales, pero
los más naturales son los de Donatello, pues crea pliegues quebrados, muy
rectilíneos, grandes y muy variados.

Además, las dos figuras anteriores tienen una disposición frontal, pero la de Donatello gira las
piernas para la derecha y la cabeza para la izquierda, rompiendo la rigidez y el esquematismo
aportando más naturalismo.

Donatello también logra dar una gran expresión en el rostro del evangelista, que está
captando los evangelios directamente de Dios, esto lo volveremos a ver con el Moisés de
Miguel Ángel.

• El David de Donatello para las exedras del Duomo.

Vemos el David de Nani di Banco que presenta unas líneas compositivas

totalmente curvas, mientras que el David de Donatello presenta líneas
totalmente rectas, incluyendo las que forman ambas piernas y la cabeza
con el cuello, se aparta de los ritmos del gótico.

Es una figura en contraposto, la manera natural de estar una persona en

estado de reposo. La cabeza del David de Nani recuerda a una escultura
antigua, pero la de Donatello recuerda totalmente a la de un niño de 12
años, como se dice en la biblia.

• Hornacina de Or San Michele.

Vemos representado a San Marcos y se data en torno a los años

14111413 y la pagaron los hiladores o linceros.

Presenta una postura en contraposto, con unos pliegues totalmente

rectos que tapan la pierna que se situaría totalmente recta, mientras
que la otra se deja totalmente suelta e introduciendo profundidad al
recogerse hacia el fondo, al contrario que con el David que
simplemente la deja recta también.

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Volvemos a ver el giro que evita la frontalidad de la escultura, la figura mira a la derecha y las
piernas se giran levemente a la izquierda, aparece ligeramente ladeada.

Presenta pliegues totalmente variados, no los pliegues blandos y fluidos del gótico, destaca
pliegues totalmente rectos con otros más ricos, el drapeado es muy rico, llegando a apenas
hacer pliegues en el torso. La comparación con el San Juan Bautista de Ghiberti permite ver
como deja de lado esos drapeados de esquemas curvos a la manera gótica.
El San Jorge que se hace en otra hornacina se data con posterioridad al 1410, lo pagan los
armeros de la ciudad, por ello se escoge a este personaje.

Representa a un personaje al que le falta la espada y el casco, que serían puestos por el gremio
que pagaba la obra, pero se han perdido, vemos que vuelve a estar en contraposto y que
recuerda enormemente al David, pero aún destaca más en las composiciones rectas y
ortogonales (que se ven también reforzadas por la cruz de su escudo), además está totalmente
recto, por lo que ni siquiera presenta el pequeño basculamiento del David. Destaca también la
expresión del rostro, con pequeñas arrugas en la frente que hacen que parezca concentrado.

• San Luis de Toulouse para Or San Michele.

Se data en 1413 y ya presenta una hornacina totalmente clasicista, destaca

el drapeado totalmente natural y muy abundante, está en la línea de las
figuras de los profetas que hará para los nichos de la parte baja del
Campanile.

• Los Profetas del Campanile.

El primero de los profetas se data en 1415 y el último en 1436 (el calabacín

o Habacuc), se exagera la rectitud y variabilidad de los drapeados, con
plegados muy amplios como los del Habacuc, son tan amplios porque de ser más pequeños no
se abrían distinguidos desde abajo.

Son pliegues acartonados y muy amplios, además, los rostros son

muy naturalistas, distintos y acentuando la expresividad, el primer
profeta aparece reflexivo, al contrario que el Jeremías con los labios
apretados dando sensación de intensidad expresiva, con ojos
profundamente hundidos… No usa esquemas generales para la
creación de los rostros.

El Abraham con Isaac de 1421 destaca porque presenta el cuerpo

ladeado y el rostro totalmente ladeado hacia el otro sentido, pero se
va más allá, porque el hecho de que juegue con dos imágenes da
una mayor riqueza, además, desde la parte más a la izquierda se ve todo el torso de Abraham,
el cuchillo en el cuello de Isaac y la carga de leña que aparece bajo él, mientras que de frente
se ve más el rostro y el cuerpo de Isaac, siendo desde la derecha, de donde vemos mucho
mejor la cara de Abraham y el cuerpo de Isaac. Juega para dar más vistas a la escultura.

7
8
 La Anunciación Cavalcanti.

Se hizo para la Santa Croce hacia el año 1435 y fue la que le dio renombre y fama, está en la
nave de la epístola.

Presenta una composición adornado con grutescos, con seis putti que
sujetas festones, y fingen tener miedo de la altura abrazándose uno a
otro para asegurarse, es una composición muy clasicista. Estos niños o
angelotes le prestan la oportunidad de realizar gestos y posiciones muy
complejos, sin ningún tipo de inhibición ni contención.

La Virgen ante el ángel aparece asustada y se mueve tímidamente pero

con dulzura hacia él, parece que se humilla al ver que es un ángel y
muestra humildad y gratitud, todo esto es muy difícil de expresar, por lo
que Donatello utiliza un lenguaje libre y mucho más realista que el
utilizado por Ghiberti, mucho más convencionalista. Representa una
verdadera muchacha que se va pero vuelve, se asombra pero se humilla
y se rebaja pero se ensalza.

 El David de Donatello.

Fue realizado para Cosme de Medici en 1440 y mide 1,58

metros, es una escultura exenta, no como las vistas
hasta ahora.

Se trata de un David en bronce, lo que significa una gran

complicación, Donatello es el gran broncista del
Renacimiento y aprendió en la puerta norte del
baptisterio de Florencia.

Destaca que se trata de un desnudo a pesar de que en la

biblia no se dice nada sobre el tema del desnudo, esto se
debe a que la Antigüedad está ya presente en Donatello.

Es una interpretación fiel del cuerpo humano desnudo que se representa en las copias
romanas de la escultura de Hermes parándose en el camino a descansar con el niño Dionisos
para salvarlo de Era, por ello destaca la curva praxiteliana, el contraposto exagerado.

Respecto del Hermes más próximo al original, la copia romana es la más próxima a la de
Donatello, pues los brazos aparecen más próximos y las piernas aparecen dando menos
profundidad, pero aun así, dobla la pierna introduciendo profundidad y el brazode la espada
aparece un poco retrasado, esto causa que los planos laterales se basen prácticamente en la
pierna, por lo que destacan más los planos frontal y posterior.

9
 

El rostro es a lo Fidias pasado por el tamiz romano, como el de Antinoo del siglo II. Es una obra
de una alta calidad, con bucles y detalles en el sombrero muy complicados de colar por la gran
cantidad de detalles que presenta.

• Amor Attis.

Presenta un metro de alto y se data en 1440,

destaca las posiciones frontal y posterior,
lleva el pantalón bajado porque se castró
cuando Cibeles mata a su enamorada
porque estaba enamorada de él, es un dios
de la naturaleza.

No presenta un contraposto tan exagerado, sale del Dianúmeno de Policleto y presenta los
brazos introduciendo mucho espacio.

• Altar de la Basílica del Santo.

Está en Padua, se data en 1446 y hace este altar pétreo lleno de figuras de bronce con santos
como San Luis de Tolosa, San Prosdócimo, San Daniel, San Francisco, San Antonio y la Virgen,
aparte de gran cantidad de angelotes en relieve y otros bronces más pequeños.

• El Condottiero il Gattamelata (Erasmo di Narmi).

Es un bronce de un caballero en un caballo y destaca la dificultad de

colar una pieza tan grande. Se data en 1443-1450.

Esta claramente basado en el Marco Aurelio de Roma, pero no se

basa directamente en ella sino en la pintura de Paolo Uccello de
Giovanni Acuto de 1436 pintado en el Duomo de Florencia. Además,
también hace un gran basamento que recuerda al sarcófago que
aparece bajo la representación de la pintura de Paolo Uccello.

El caballo del Marco Aurelio tiene un movimiento más enérgico, pues el de Donatello va al
paso, esto se debe a los caballos que se dispusieron en la fachada de San Marcos de Venecia,
son caballos que van más tranquilos pero presentan la cabeza ladeada, por lo que Donatello
simplifica su caballo.

El caballero vuelve a presentar un rostro totalmente individualizado.

10
 Judith y Holofernes.

Se data en 1455 y se encarga para el jardín de la

casa de los Medici. Lo que la hace especial es que
se hace para ser vista desde todos los lados.

La historia cuenta que la ciudad de Betulia está

totalmente sitiada, por lo que la viuda Judith sale
de la ciudad revestida de las mejores galas para
seducir a Holofernes y lo emborracha para cortarle
la cabeza, volviendo a la ciudad con su virtud intacta y con la cabeza de Holofernes. El débil
ante los vicios se vuelve blando frente a lo fuerte de Judith, esto se destaca por el cojín de la
parte baja y por la anatomía tan blanda que presenta Holofernes, además, se ve a Judith
vestida con todas sus mejores galas.

La parte de los relieves del pedestal triangular representa bacanales que refuerzan la idea de
la blandura de Holofernes, lo que permite colocar las piernas colgando y permite introducir
por fin vistas a lo largo del alrededor de la escultura. Hay una gran riqueza de perspectivas
enriquecidas por el vestido de Judith.

Los rasgos de Holofernes se parecen mucho al San Juan Bautista asceta realizado en madera
de 1438 o la figura de María Magdalena casi cadavérica para el baptisterio de Florencia de
1435.

• San Jorge combatiendo al dragón.

Es un relieve para Or san Michele y se data en 1416-1417, es el primer relieve con todas las
características de Donatello, con el schiacciato donateliano y la perspectiva focal. Parece
traspasar la pintura de la capilla Brancacci de Masaccio.

• Madonna delle nuvole o dell´unilità.

Datada en el 1430, otro relieve muy enriquecido por ese relieve

claramente donateliano, a través de ese bulto muy escaso crea
muchísimos planos de profundidad.

Por otra parte, en relación con las expresiones, destaca la

forma en la que está sentada la Virgen con el Niño, que
presenta una gran espontaneidad en esa forma de sentarse.

11
 

Destaca también la gran expresividad englobando al niño sugiriendo que ese niño viene de su
vientre y sin haber conocido hombre, además, María pone la vista más allá del niño y triste,
pues sabe lo que le va a pasar a su hijo.

• El Banquete de Herodes.

Se data en 1437 y se ve la danza de Salomé ante Herodes y

su madre Herodías (que vive en concubinato con Herodes),
tras esta danza se decapita a San Juan Bautista.

Se ve a todo el mundo quieto salvo la figura central con

mucho movimiento y posturas espontáneas de Salomé.
Esta postura de Salomé no es tan exagerada como las
figuras de la cantoría para el Duomo de 1433, recuerda a
las Ménades griegas.

• Cantoría para el Duomo.

Se data en 1433, es algo completamente nuevo y

extremado, se representan niños en posturas muy
diversas y con mucho movimiento. Recuerdan a los
angelitos de la parte baja del altar de Padua, a los de la
Anunciación Cavalcanti o al Tabernáculo del Santo
Sacramento de la capilla de Sixto IV.

Se ve gran cantidad de angelitos o niños corriendo en

posiciones extremas detrás de una logia, el resto de la cantoría se puede poner en contraste
con la que hace Luca della Robbia en 1430-38, con placas de relieves entre dobles pilastras,
con entablamentos, ménsulas y elementos clasicistas, aquí aparecen instrumentistas y niños
cantando en el coro (además, incluye parte del salmo 150). El de Donatello presenta como
precedente el sarcófago de Baco y Ariadna, pues se ve una gran soltura y energía, incluso más
que en los sarcófagos báquicos.

También vemos la cuestión fundamental del espacio, pues coloca columnas (que no son
clásicas) delante de las figuras a representar, además, destaca el conocimiento de lo antiguo
con el uso de las pequeñas teselas doradas. Las figuras se acumulan la una delante de la otra
de una manera tremendamente naturalista. columnas y fondo decorados con teselas de oro.

También hace un Pulpito para la Catedral de Prato con la ayuda de Michelozzo que presenta
las mismas características, pero haciendo aplacados de relieves entre dobles pilastras.
Aparecen ángeles celebrando la presentación del címbulo de la Virgen (la cinta de la Virgen
que indicaba que aún era una muchacha que no había sido madre y que se conservaba en esta
catedral) se data en el año 1434.

Pechinas de la Sacristía Vieja San Lorenzo .

12
Se datan hacia el año 1434 y podemos ver el estudio de las perspectivas complejas mediante
construcciones complicadas con peldaños de escaleras en perspectiva, arquitecturas con
arcos… Con historias de San Juan Evangelista como la Resurrección de Drusila o la Asunción de
San Juan…

La perspectiva es un objeto de alarde de los artistas, es la gran novedad donde más se

experimenta, en el alta de Padua vemos las piezas que narran cuatro milagros de San
Francisco, volvemos a ver arcos en perspectiva, superposición de planos y las rejas
superpuestas que dan sensación de mayor profundidad.

Además, volvemos a encontrar sentimientos intensos, relieves planos, drapeados complejos…

• Puerta de los Apóstoles y de los Mártires.

Son puertas de bronce para la Sacristía Vieja, se data en 1440 y agrupa a las figuras dos a dos
con una relación en la que actúan enérgicamente, gesticulando, introduciendo posiciones
enérgicas y con rostros muy expresivos.

Lucca della Robbia. (1399-1482) [CATEDRAL DE SEVILLA]

13
 

• Cantoría del Duomo.

Se data en 1431, presenta placas como unos

niños de coro cantando que aplica las
técnicas que emplea Donatello, además,
también vemos niños en otras placas con
esas posiciones forzadas, con
gran
movimiento…

Sin lo donatelliano se quedaría con relieves sctiacciato mucho menos ricos en planos y con
figuras mucho más calmadas y simples, que recuerdan más a Nani di Banco y a su relieve de Or
San Michelle del oficio de los canteros y trabajadores de la madera (entre los que están los
escultores).

Los vidriados de cerámica son la gran novedad que introduce Lucca della Robbia, gracias al
éxito, forma un gran taller familiar en que podemos encontrar a su sobrino Andrea y que
seguirá trabajando incluso entrado el siglo XVI y haciendo hasta arquitecturas completamente
revestidas como la cúpula de entrada a la Capilla Pazzi, que incluye tondos con esculturas, y
tondos menos decorados pero muy coloridos para esa cúpula.

• Tondo Capuccini.

Se data en 1475 y utiliza los colores típicos de Lucca, el blanco de

estaño, el azul de cobalto, los verdes de cobre, violetas de manganeso,
marrones y naranjas de óxido de hierro.

• Tabernáculo de Peretola

Es la primera obra de Lucca y se data en 1441, se hizo para Santa

María Nuova de Florencia y aquí comienza a utilizar colores, aunque
no es de terracota sino de mármol.

Las figuras se recortan de un fondo y presentan el mismo relieve en

toda la figura, además, los pliegues son mucho menos novedosos que
los de Donatello. Con expresiones naturales como las de Donatello.

Desiderio da Settignano, Verrocchio o Antonio Rossellino, son autores de la época que

absorben las nociones de Donatello como el schiaciato, la expresión de sentimientos…,
aunque nunca llegan a su nivel.

14
Verrocchio

• David para Lorenzo y Giuliano de Medicis.

Coge el testigo de Donatello, recuerda totalmente al David desnudo de

Donatello, solo que en este caso aparece vestido, pero presenta hasta la
misma postura, mostrando la anatomía del cuerpo humano por debajo del
vestido.

Lo que le falta a esta escultura con respecto a Donatello es el gran

preciosismo y decoración que presentaba la escultura de Donatello. Se data
en 1473-75.

• En la hornacina del San Luis de Tolosa para Or San Michelle.

Se dispone a Santo Tomás metiendo los dedos en el costado de Cristo, por

lo que dispone una figura totalmente oblicua, lo que abre muchos puntos
de vista, se data en 1465.

• Amorcillo con Pez para la fuente de la Villa Careggi.

Se data en el 1478 y hoy está en el Palazzo Vecchio,

destaca, a pesar de su reducido tamaño, porque nos
hace movernos por todo su alrededor sin ser una simple suma de vistas,
pues el pez con su cola nos lleva a la parte trasera del angelote.

Traza una fluidez entre las distintas vistas, conduciéndonos alrededor de

todas las vistas que presenta, es una línea compositiva serpentinata.

• El Condotiero Bartolomeo Colleoni.

Se data en 1481-90, mide cuatro metros y se encuentra en Venecia. Tiene

como modelos el Marco Aurelio y el Gattamelata.

Este caballero es más grande que el de Donatello y se encuentra sobre un

pedestal también más alto, aparte, se dispone en su caballo girando el
torso y con una actitud menos calmada, incluso el caballo es más movido,
porque es el caballo de Marco Aurelio el que le sirve de modelo, tiene la
pata levantada y coge impulso poniendo las patas de atrás rígidas.

Esta obra será superada por Leonardo da Vinci, pero no será completada la
figura para Leonardo Sforza de 6,5 metros.

15
Leonardo da Vinci.

Monumento a Giangiacomo Trivulzio de 1506, con un caballo que carca todo el peso sobre la
grupa al levantar las dos patas delanteras. Esta tumba es del gobernante de Milán que ponen
los franceses cuando los Sforza son expulsados.

Recuerda a la Batalla de Anghiari para el salón de los Quinientos del Palacio Vecchio de
Leonardo, que se llegaron a hacer los cartones en 1503.

Jacopo della Quercia.

El más importante escultor de Siena.

 Fonte Gaia.

Hace relieves muy marcados y con incluso figuras de

bulto redondo. Tiene una gran conexión con Miguel
Ángel, esta obra se data en 1409-19.

También trabaja en Lucca en el altar de la capilla Trenta,

volvemos a ver pliegues muy circulares típicos del
gótico y con composiciones también muy curvos, pero
destacan los volúmenes rotundos como los vistos en las
vestales que fueron violadas y que se asocian a la
Virgen.

También trabaja en San Petronio de Bolonia con los temas como la Creación de Adán y la de
Eva que recuerdan muchísimo a los de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel.

Esta es la época en la que reaparece el tema del retrato gracias a esa mirada a la naturaleza y a
la realidad. Ese realismo es el que da lugar a la aparición del género del retrato. Era muy
frecuente que la gente poderosa se hiciera representar como oferente ante el niño Dios
porque así era una de las maneras de perdonar sus pecados de usura (comprar a cinco y
vender a diez), es la individualización de los rasgos de las personas.

16
Además, sin los retratos antiguos que han llegado de escultura, difícilmente se puede explicar
este género y sus primeros pasos. Los romanos tenían costumbre de hacer retratos de sus
antepasados, como se ve en la escultura de Lucio Junio Bruto.

 Terracota pintada de Donatello (atribuido).

Es el Condotiero Nicolo da Uzzano, se data en 1433 y presenta una

toga totalmente romana, es ahí de donde se parte, de la
antigüedad. Además, interpreta la tipología del busto típicamente
romana.

En este caso, el realismo es superior porque se nota que algunos

han sido sacados de máscaras tomadas a difuntos, esta hondura de
los ojos, la nariz y los pómulos muestran el esqueleto, lo que nos
indica que se trataba de un difunto.

El hecho de que la cabeza esté girada y ladeada se debe a que se define muchísimo mejor que
de frente, es un rasgo típico de estos primeros momentos, además, las representaciones en
relieves y sobretodo de monedas romanas, estaban dispuestas de perfil y también se producía
este fenómeno en la pintura, pues se parte de lo más sencillo . Mino da Fiésole hará muchos
de estos retratos. Antonio Rossellino en el busto de Giovanni Chellini (1430-1456) hace un
busto de frente desde la máscara de un difunto, es una excepción a lo normal.

También se hacen retratos de mujeres, Desiderio da Settigrnano (1460), lo curioso es que no

existen las reproducciones de los peinados ni vestimentas de las mujeres romanas, las
abstracciones en los rasgos de los rostros se explican por su elaboración postmortem.

También vemos que se enriquecen los retratos añadiendo sutiles cambios como, además de
girar la cabeza, la ladea, como podemos ver la Lucrecia Donati de Verrocchio de 1435, además
de ir dejando de lado la tipología del busto para optar por ir agrandándolo hasta mostrar
brazos o manos y con vestidos de la época en vez de antiguos.

Francesco Lurana (1430-1502) Princesa ¿Leonor de Aragón? Louvre. La cabeza se inclina, se

camba la manera de realizar un retrato. Antonio Rossellino retrato de Marietta Strozzi 1460,
Berlín.

Miguel Ángel, escultor. Otros autores en el Cinquecento. Escultura y manierismo. El

Renacimiento y la escultura europea. El foco Francés.

Miguel Ángel

A los trece años ya está aprendiendo la pintura con Ghirlandaio, pero desde los 14 años ya
entra en contacto con la escultura antigua que está bajo el cuidado de Bertoldo, pues es la
colección de los Medicis. Es este momento en el que se desarrolla el ambiente promovido por
Lorenzo el Magnífico y la Academia Platónica, el Renacimiento de segunda generación,

17
además, es el momento también de la quema del monje Savonarola. Miguel Ángel es un
profundo cristiano.
Pasa largos ratos en la cantera para escoger sus bloques de piedra y destaca que su proceso de
ejecución de las obras es comenzar las obras como un relieve para ir descubriendo poco a
poco la figura. Las esculturas de Miguel Ángel que presentan inacabados, el nonfinito, son
figuras que no se acabaron, incluso vemos piezas como la Piedad Rondanini que se elaboran a
partir de otras piezas ya comenzadas. También vemos programas como el de la Sacristía
Nueva que no se han completado y aparte de no presenta todas las figuras que debería,
presentan figuras inacabadas con partes sin eliminar, zonas sin pulir, rostros inacabados…

• La Madonna de la escalera (casa Buonarroti, Florencia)

Se data en 1490 -1492 (con 15 años) y dice Vasari que copio el

estilo de Donatello, con tanto éxito que parece de Donatello
pero con una composición más graciosa.

El relieve se resuelve con el relieve schiacciato, además, el

gesto de la Virgen y la actitud de envolver al Niño con su manto
(como si realmente naciese de su vientre) son también muy
donatelianas, también es donateliana la mirada de la Virgen al
infinito y la postura misma de la Virgen, que es muy
espontánea, también los niños recuerdan a Donatello.

Va más allá de Donatello en la riqueza del significado de la pieza, por esa profundidad del
cristiano que es Miguel Ángel, en este caso, son los elementos añadidos como la piedra
cuadrada sobre la que se sienta la Virgen y las escaleras (que son muy abstractas), son
símbolos que enriquecen la escena porque la piedra representa la firmeza de la sabiduría y el
conocimiento (por oposición a la esfera, asociada a la fortuna, se pone esta figura cuadrada
porque la Virgen es sabedora de lo que sufrirá su hijo) y las escaleras se ponen porque la
Virgen y Cristo son los intermediarios entre el cielo y la tierra, los niños podrían aludir al pasaje
de Jacob del Génesis 28, versículo 11-19, el pasaje de Juan 1:51 “en verdad, veras el cielo
abierto y a los ángeles de Dios subir y bajar sobre el hijo del hombre”.

• La Batalla de los Centauros.

Se data en 1492 y mide 85 x 90 cm, no hay ningún

centauro y no hay nada que recuerde a Miguel Ángel, son
volúmenes redondos y protuberantes, se ve una batalla en
la que los miembros de los hombres se entremezclan.

Esta obra es interesante por el interés de Miguel Ángel por

el estudio del cuerpo humano, uno de los grandes objetos
de análisis de los artistas, esta obra es un gran estudio
anatómico, es equivalente al estudio del grabado de

18
Antonio del Pollaiuolo de 1470, que utiliza a guerreros luchando desnudos para poder
estudiar las distintas posturas
Esto se verá en la pintura de la Batalla de Cascina de 1505 para el Palacio Vecchio que se
enfrenta a la de Leonardo.

Recuerda mucho al sarcófago Ludovisi, un sarcófago romano que presenta los mismos pisos
con figuras arrodilladas y tiradas, figuras a medio levantarse y figuras totalmente levantadas,
pero aquí están todas las figuras en el mismo plano y vestidas, por lo que la fuente directa fue
la copia de un sarcófago romano por parte de Bertoldo de 1492.También este relieve está
enriquecido, pues las figuras están organizadas a pesar del desorden de la batalla, pues
podemos observar líneas compositivas muy claras que trazan toda una serie de triángulos,
círculos, óvalos (atendiendo a la profundidad) y líneas rectas a los lados.

Piedad para el cardenal Bilhères de Lagraulas para la Iglesia de Santa Petronila.

Se data en 1498-99 y mide 1,74 x 1,95 metros. Es una ilustración perfecta del Miguel Ángel
complejo y cristiano.

En primer lugar destaca que la Virgen no es una mujer

mayor y queda retrasada y envuelta en toda una serie
de pliegues riquísimos, Miguel Ángel trata de
representar con esto a una doncella virginal, que no ha
conocido varón, además, la expresión no es patética,
sino que es la Virgen de la anunciación que acepta que
se haga en ella lo que el señor desee.La Virgen recoge
a su hijo y lo ofrece a Dios.La cinta que cruza su pecho
aparece firmada con el nombre del artista y está
cargada de sentido, pues la cinta significa, desde el
mundo romano que es una doncella, que no ha tenido
hijo alguno.

Las ropas abundantísimas con los drapeados tan variados recuerdan a Judith, por lo que
aportan fortaleza y pureza, además, con los pliegues de debajo de Cristo ayuda visualmente a
aportar longitunalidad al cuerpo de Cristo.No se concibe como una mera piedad, sino que
vemos todas las escenas de la Encarnación, Pasión y muerte de Cristo en una sola escena.

La Virgen de Notre Dame de Brujas de 1498 presenta la misma cara y los mismos pliegues,
pero en este caso es una reinterpretación de la Virgen de la escalera.

• Baco del Bargello

Se data en 1496 y aparece entre la colección del jardín de los Galli

sin el brazo de la copa, por lo que se pensó que era una escultura
clásica, pero luego Miguel Ángel mostró el brazo de la copa y dijo
que era obra suya.

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Aparece Baco con un sátiro que lleva las uvas de las que luego saldrá el vino que beberá Baco.
No solo se trata de un dios Baco como los de los antiguos romanos, además de esto, la postura
es la de un borracho, es un Baco ebrio con una musculatura blanda, el sátiro representa al ser
humano, pues se compone de una parte animal (que lleva el hombre a los bajos instintos),
mientras que la parte humana, la cercana a la cabeza es la que ordena y contiene las bajas
pasiones, lo que ya se vio en Judith y Holofernes, en esta escultura se ve la blandura frente a
las pasiones. Contraposto hacia la izquierda y con la cabeza ladeada como si fuera borracho.
Ausencia de la razón ante los vicios de la virtud del cuerpo. Anatomía correcta pero blanda.

• El David

Se data en 1501 y porta la piedra y la honda que servirá para tumbar a

Goliat, es el momento inmediato a la acción.

Se ve una anatomía fuerte, al contrario que la del Baco, no se ve al

jovencito de doce años que fue a enfrentarse con Goliat.

La carga de significado de esta obra está en relación con las ideas

neoplatónicas, se ve la clara relación con la obra del Hércules de Bertoldo
de 1490, es el Hércules de la virtud y la razón frente a lo que simboliza el
Goliat, los vicios, el abandono, la fuerza bruta… Representa la fortaleza de
la virtud, que reside en la razón. Como la indefensa vida rep la fortaleza

• Tumba de Julio II.

La obra original se data en 1505 y presenta un pequeño sarcófago rodeado de muchas

esculturas, aunque el cuerpo estaría en una cavidad interior o túmulo.Esta inmensa tumba era
una tumba que no tenía ningún precedente por su magnitud, magnitud que concordaba con la
iglesia que la albergaría, pues presentaba 12 metros de lado, por el lado largo. Tendrá 30 años
cuando realiza esta obra.

La Tumba de Sixto IV(1484-1493) ya era un túmulo de bronce enorme realizado por Antonio
del Pollaiuolo, pues lo normal son losas labradas con la figura del difunto que se colocaban en
el suelo.Esta tumba dejaba pequeña la tumba de San Pedro.
La actual tumba se data en 1545 y está en San Pietro in Vincoli, no es un túmulo, sino que es
una tipología parietal como la de Inocencio VIII de bronce de Antonio del Pollaiuolo.

La primera tumba presenta Victorias aladas con una figura derrotada a los pies y dispuestas en
hornacinas, también presenta esclavos, parejas sentadas en cada una de las esquinas (el
Moisés) y la imagen elevada por ángeles del difunto.

Con la muerte de Julio II la tumba es ya un túmulo con una parte adosada a la pared, donde
encontramos victorias, esclavos, las figuras emparejadas, el difunto, pero desaparecen figuras
de la parte adosada a la pared y dos figuras de las cuatro que aparecían en las esquinas de
atrás, pero añaden esculturas como una Virgen, de 40 se pasa a 30 figuras en el año 1513.

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Tumba de 1505 hay 40 y pico esculturas que componen 2 pisos más la oro coronación dela
efigie del papa coronado por dos ángeles. Figuras desnudas de los esclavos y en las hornacinas
las imágenes de victorias aladas. Parte superior figuras de la Iglesia y el papa coronándolo.
Desde esta fecha trabaja en la tumba, pero en 1513 muere Julio II y tiene que reducir un poco
la tumba. En el 1516hace un mixto de túmulo y la parietal ya solo hay 6 esclavos, dos victorias,
la Virgen, el Moisés, una figura femenina y el Papa con los ángeles, además que ya es
parietal.En el 1532 ya solo presenta cuatro esclavos, las imágenes de las Victorias se cambian
por luchadores que hoy están en el Palacio Viejo de Florencia, el Papa recostado, la Virgen y
dos figuras recostadas.

El proyecto final presenta a Raquel y Lía en hornacinas, el Moisés y figuras que ya no son de
Miguel Ángel, pues desaparecen hasta los esclavos, además, el Concilio de Trento estaba a
punto de llegar.

- Los esclavos de la tumba (Louvre)

El esclavo “Moribundo y el Rebelde” acabaron en el Louvre y están inacabadas, estos esclavos

que se retuercen junto a las Victorias representan a los esclavos de las pasiones terrenales,
mientras que las Victorias representan la razón frente a los vicios, todo ello representado en la
parte terrestre de la tumba, aunque artistas como Vasari ya digan que son esclavos y victorias
relacionados con las victorias del Papa. Son figuras desnudas, objeto fundamental de sus
obras, estudia mucho el cuerpo desnudo, como en la batalla de Casina.

Estos esclavos podrían venir de obras como la de Benedetto da Maiano de San Sebastián
datada en 1490, con una figura desnuda con postura forzada y maniatada, o el dibujo de
Leonardo da Vinci de 1480 de otro San Sebastián que concuerda mucho con la posición del
esclavo rebelde. El caso del esclavo moribundo tiene precedentes más clásicos como el Apolo
Licio de Praxiteles. Representan la fuerza que hay que hacer para escapar de los vicios, lo que
hace que se refuercen mucho las anatomías, lo que recuerda al torso del Belvedere y al
Laocoonte.

Arriba solo conservamos a Moisés, que aparecería junto a San Pablo, por lo que serían la vida
contemplativa y activa o bien patriarcas de la iglesia. En la parte desnuda vemos anatomías

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potentes, abundantes pliegues, barba muy marcada… Estos rasgos tan fuertes vienen de
grabados como el de 1721 que representan al Zeus de Olimpia de Fidias o de figuras como el
San Juan de Donatello de 1408 para la fachada de la Catedral de Florencia, del que también
recoge la comunicación con Dios en esa expresión. Presenta también los rayos de su rostro
resplandeciente al bajar del monte Sinaí. Tenia que rep que Moises estaba ante Dios

Los esclavos de la Academia y las figuras de los luchadores

que presentan enemigos vencidos siguen con la misma idea
de triunfo ante los vicios. Estos cuatro esclavos acabaron en
la gruta de los jardines de Bóvoli. Los luchadores, que solo se
acaba uno y el otro se conserva en dibujos y su escultura de
Hércules y Caco a modo de modelo, representan a un hombre
victorioso frente a una figura que es la misma que
presentaban las Victorias aladas. En este año 1532 vemos
posturas muy complejas e introduce la imagen fluida y
continua que lleva todo alrededor de la figura, aparece la
composición en línea serpentinata, al igual que en el
Amorcillo con Pez de Verrocchio de 1478. La Venus agachada
romana se tapa agachándose introduciendo así vistas
diferentes desde distintas posiciones. El Hércules y Caco
responden a la misma composición y se encuentra en la Casa
Buonarroti, se data en 1425 y es un modelo.

Lía y Raquel, datadas en 1542, ya no representan la victoria

ante los vicios, ya no hay esclavos, solo hay bustos togados en
relación con la arquitectura. Presentan potentes anatomías,
Lía está inquieta y eso se representa por las líneas continuas,
representan las dos maneras de llegar a dios, la de las obras
(actuar) y la de contemplar a dios, son las dos hijas de
Lamban y a Raquel se la representa con un espejo porque es
la vía contemplativa.

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 1505 1513 1532 1545

 Sacristía Nueva de San Lorenzo.

Se datan las obras de 1520 a 1534 y son un encargo

de León X, son las tumbas de Giuliano duque de
Nemours y Lorenzo duque de Urbino (Il Pensieroso).
Este proyecto también fue cambiando, lo que explica
figuras inconexas como la de la Virgen con Niño, que
iría en medio de una tumba doble.

A la izquierda y a la derecha tendría que haber figuras que representarían los cuatro ríos del
mundo subterráneo, el Aqueronte, el Estigio, el Cocito y el Flegetón, que representarían el
mundo más bajo, submundo, el de la pura materia.

El piso intermedio con las figuras recostadas mostraría el mundo terrestre donde se combatía
entre la virtud y los vicios, representaría el mundo en el que se unen la materia y la forma, lo
material y lo espiritual, el paso del tiempo y la inestabilidad. Ocaso y Alba, Noche y Día, con
posturas que representan el paso del tiempo.

El último piso es el ascenso al mundo superior, por la vía contemplativa o activa,

representadas por los dos difuntos, Lorenzo (armado) sería la vía contemplativa y aparecería
junto al Ocaso y la Aurora, mientras que Giuliano es la vía activa, con una postura parecida a la
del Moisés que da pie a pensar que se está levantando, acompañado luego por el Día y la
Noche.

Las posiciones recuerdan a posiciones que se ven en la Capilla Sixtina con la Creación de Adán,
las figuras con escorzos tremendos que aparecen fuera de las escenas o dibujos que hace de
relieves romanos de Leda (Noche) o incluso recuerda al Torso Belvedere.

Para volver al prestigio de Florencia, a la vuelta de los Medici con Cosme, se hacen obras como
las de este escultor o la de Benvenuto Cellini o las de Giambologna, que se sitúan en la Loggia
dei Lanci, así como fuentes y otras obras como el corredor de la galería de los Uffizi. Es un
tiempo en el que nacen también muchas academias.

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Virgen con el niño 1521-1534 serpentinata, el sentid contrario al niño, a la virgen la retrata en
un sentido y al niño en el otro.

Baccio Bandinelli.

• Hércules y Caco.

Al estar al lado del David de Miguel Ángel, tenía que hacer una obra
que rivalizara con la del David, aparte de con la figura de Cellini,
además, en el retrato de este personaje vemos que se aleja de todas
herramientas manuales para mostrarse con el simple dibujo, pues es
una forma de arte más liberal al mostrar el diseño, luciendo también
la Cruz de Santiago.

Se data en 1543 y fue objeto de muchas críticas y burlas, parece que

Hércules no presta atención a lo que está haciendo, ya no hay lucha,
Caco está totalmente derrotado, esto se debe a que representa un
poder que no necesita demostración, sino que se asume (lo mismo
que pasa en ese momento con los Medici).

Presenta una anatomía con unos músculos extremadamente exagerados, con una agrupación
de músculos exagerada. La postura es extraña, pues no se apoya claramente en una pierna
formando un contraposto, sino que parece que se cae hacia delante, aparte de estas críticas
hay muchas más, estas las dice B. Cellini.Vemos el contraste entre lo rústico y lo fino.

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 • Fontana de Neptuno

Neptuno aparece con una anatomía que no presenta

tantos músculos, esto se debe a que representa a un
dios, de forma deificada, además, si vemos la cara, es
la de Cosme duque de Florencia, tratado como un
dios.

Con una actitud parsimoniosa, no actuante, solo con

la presencia de su inmenso poder, todo en relación
con sirenas, hipocampos… Aun así, Miguel Ángel
critica esta obra diciendo “que bello mármol has
estropeado”
Presenta elementos de la naturaleza como conchas, muchos surtidores, lo que recuerda a las
fuentes de las villas manieristas, además mezcla bronces con mármol, esta fuente sirve para
poner a la moda la ciudad, al igual que se hace en las villas.
Fue continuada por Bartolomeo Ammannati.

Benvenuto Cellini.

• Cosme I de Médici.

Es un busto datado en 1545, la materia prima es el bronce y

podemos claras relaciones entre este busto y el busto romano
de Septimio Severo.

Tiene un tamaño más grande que el natural, esto se debe a

que quería hacerla para entrenarse para hacer obras grandes
como la del Perseo y demostrar así que sabía hacerlas. La
cabeza está en ¾ y presenta más movilidad, además, el
naturalismo es muy acusado y ya no presenta pautas tan
marcadas como las vistas con anterioridad. Vemos que pasa de
lo minucioso y exquisito de las obras pequeñas a las obras
grandes, pero obras grandes en las que aplica el mismo
exquisitismo, preciosidad y minuciosidad que en las obras
pequeñas.
Los rasgos del rostro y los detalles de la coraza con la medusa, los leones y sátiros… son
extremadamente precisos y detallados, a modo del salero de
Francisco I de 1543 que también hizo Cellini, pero en un
tamaño mayor.
• Perseo

Se data en 1554 y presenta esculturas de pequeño tamaño

como el Júpiter, en donde vemos que traslada la técnica
preciosista a obras de mayor tamaño.

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La obra del Perseo con la cabeza de medusa en alto requería un molde muy complejo, pero
aun así consiguió realizar la obra de bronce con una gran cantidad de detalles en el casco, las
cabezas, las alas de los pies… Medusa rep el submundo.

Presenta un contraposto muy acentuado, al igual que la tridimensionalidad, que gana mucho
espacio al sacar la espada perpendicularmente, la pierna doblada, la cabeza de medusa con la
sangre escurriendo…

Además, vemos el contraste entre lo rústico y lo fino, con el cuerpo de medusa sobre finas
telas y cojines.

Giambologna.

• El Monte Apenino.

Se ve claramente el gusto manierista, pues presenta una escultura

que se funde con la roca y además, presenta una gruta y agua.
Está en la Villa Médici en Pratolino.

• Retrato ecuestre de Cosme I.

Presenta un caballo tranquilo, como un poder incontestado e

incontestable.

• El Rapto de las Sabinas.

Datado en 1579-83, es una línea serpentinata con tres figuras, es un

grupo tremendamente complicado con el que quería destacar
disponiendo además un joven enérgico, un anciano y una joven
mujer.

No es un encargo, es una manera de demostrar que sabe hacer lo

mismo que hace en figuras pequeñas de orfebrería pero en obras
grandes, es un ejercicio casi académico, con un poco de todo y con
los gustos de la época.

Cuando la vio Francisco de Médici la vio dijo que la quería poner en

la Loggia dei Lanci, pero no tenía nombre, por lo que alguien le dijo que le
pusiera el nombre de la historia de Perseo en la que raptan a su mujer,
pero es Rafaelo Borghini quien le incita a ponerle el nombre que hoy
tiene.

• Mercurio

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Busca dar la sensación de ligereza, pues este dios se mueve por aire gracias a los vientos, por
eso aparece la figura de Céfiro abajo insuflándole aire.

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