1ºA Arte Europeo del Renacimiento y el Barroco. 2021/2022.

Profesor: Javier Cuevas del Barrio.

ESCULTURA SIGLO XV
1) Nace en Florencia en torno a 1400.

La escultura es la primera de las artes

que despierta al Renacimiento lo que le
dará al arte florentino un carácter
plástico.
2) Interés por la antigüedad clásica
grecorromana: estatuas
conmemorativas, retratos,
monumentos funerarios y dioses
mitológicos.
 Escultura ecuestre
de Marco Aurelio,
176 d.C., Bronce.

Museos Capitolinos,
Roma.

Sirvió de modelo
para el Gattamelata
de Donatello.
Regisole, estatua ecuestre tardoantigua destruída en
1796, Pavía. ¿siglos VI, XI?
Sirvió de modelo para el Colleoni de Verrocchio.
Caballos de San Marcos, ¿siglo IV a.C.? Expuestos en el Hipódromo de
Constantinopla hasta 1204 cuando fueron tomados por los venecianos.
Sirvieron de modelo para el Colleoni de Verrocchio.
3) Antecedentes.

Nicola Pisano, escultor del sigo XIII,

pionero de la escultura
renacentista. Influenciado por los
sarcófagos romanos de la plaza de
los Milagros de Pisa.
Púlpito del Baptisterio de Pisa, Nicola Pisano, 1260.
4) Materiales: mármol (Carrara),
bronce, terracota, barro esmaltado.

La madera se usará más en países

como España o Alemania que en Italia
donde apenas se usó (excepción,
Magdalena de Donatello).
Donatello, San Jorge, 1417.
Mármol. Museo del Bargello,
Florencia.
Puerta del Paraíso,
Ghiberti,
Quattrocento (siglo
XV).
Donatello, David.
1440. Bronce. Museo
del Bargello,
Florencia.
Madonna, Luca della
Robbia.
María Magadalena,
Donatello, 1455.

Museo dell’Opera del

Duomo.
6) Técnicas.

Mármol: tallado directamente (Miguel Ángel) o sacado

de puntos (diversos métodos para fijar una serie de
puntos y pasar la escultura de un material a otro).
Donatello (bloque redondo, método griego). Miguel
Ángel (desde un lado).

Bronce: obra previa en cera o arcilla. Posteriormente se

funde.
Relieve aplanado: schiacciato o stiacciato. Bajorrelieve
con poca espesura.

Cerámica esmaltada: aplicación de esmalte (que

contiene plomo) sobre la arcilla.
 crea un instrumento para
facilitar la copia de esculturas:
definitor.

Leonardo: Puntómetro o la caja

de varillas.

Miguel Ángel talla directa.

Puertas del
Paraíso de
Ghiberti, siglo XV.

Aplicación de la
perspectiva lineal
a través de la
arquitectura y
técnica del
schiacciato.
Relieve del Altar de San Antonio, Padua. Donatello, siglo XV.

Aplicación de la perspectiva lineal a través de la arquitectura y

técnica del schiacciato.
7) Se busca el equilibrio y la serenidad, más que el
movimiento.

Se estudia la perspectiva (empleo de la arquitectura en los

fondos), el espacio y la profundidad.

Conocimientos de anatomía.

Del hieratismo medieval al contrapposto (El Doríforo de

Polícleto y la curva praxiteliana).

Forma serpentinata de Miguel Ángel (Piedad Florentina) o

Giambologna (Rapto de las Sabinas).
Del hieratismo medieval al
contrapposto (El Doríforo
de Polícleto y la curva
praxiteliana).

Doríforo de Policleto,
siglo V a.C.
 Del hieratismo medieval al
contrapposto (El Doríforo de
Polícleto y la curva praxiteliana).

Hermes con el niño Dioniso,

Praxíteles, siglo IV a.C.
Piedad florentina
o Piedad Bandini,
Miguel Ángel.

1547-1553.
Mármol.

Museo
Dell’Opera del
Duomo,
Florencia.
El rapto de las
Sabinas,
Giambologna. 1582.
Mármol. Florencia.
8) Teoría:

- I Commentarii de Ghiberti, 1452-55. Tres libros, influidos por

Vitruvio, Plinio, recoge los conocimientos artísticos de la época. Es
una de las fuentes más antiguas de la historia del arte, escrita un
siglo antes que Las Vidas de Vasari.

- Leon Battista Alberti De Statua (1462), tratado de escultura

escrito en latín. Dimensio (medida): define las proporciones
generales del objeto representado. Finitio (definición): definición
de los detalles particulares del objeto representado. Referencias a
la Antigüedad: Vitruvio y Polícleto.
9) Artistas más importantes:

Lorenzo GHIBERTI

Donato di Niccolò DONATELLO

Luca y Andrea DELLA ROBBIA

Andrea VERROCCHIO.
 Lorenzo Ghiberti,
segundas puertas del
Baptisterio de Florencia,
1403-1424.
 Baptisterio de
Florencia, siglos XI y
XII.
- Concurso en 1401, debido a la
recuperación económica de la ciudad,
realizado por el gremio de los
tejedores.

-Según Ghiberti “acudieron los hábiles

maestros de todas las regiones
italianas”. Filippo Brunelleschi, Jacopo
dell Quercia o Niccolò di Pietro
Lamberti.

-Compitieron realizando una plancha

en forma de cuadríbulo con la escena
del Sacrificio de Isaac, tema extraído
del A.T. al que estaba dedicada
originariamente la iconografía de la
puerta.

- Fue determinante para el triunfo un

nuevo método de trabajo que permitía
realizar el fondo del relieve y las
figuras de una sola pieza ahorrando
costes.
Sacrificio de Isaac, Lorenzo
Ghiberti. Concurso para la
Puerta del Paraíso del
Baptisterio de Florencia.
1401.

La composición espacial está

más adaptada al marco que la
de Brunelleschi.

Dominio del oficio de orfebre,

uso del cincel en telas,
cabelleras y elementos
paisajísticos.

El torso de Isaac se inspira en

modelos romanos y ha sido
considerado “el primer
desnudo del arte moderno”.
 Sacrificio de Isaac,
Brunelleschi. 1401.
Concurso para la
Puerta del Paraíso
del Baptisterio de
Florencia.

Su plancha es más
arcaizante y está más
apegada a los
esquemas de la
pintura trecentista.
- 28 planchas de
bronce de forma
tetralobulada (Andrea
Pisano, primera
puerta).

- Escenas de la vida de
Cristo, que sustituían a
los temas previstos del
A.T., más 8 con los
Padres de la Iglesia y
los Evangelistas.

- Ejecutadas en bronce
dorado con un
excelente acabado.
Andrea Pisano, primera
puerta del Baptisterio de
Florencia, 1330-36.
 En escenas como
Cristo niño entre
doctores la Ley se
aprecia la aplicación
de las leyes de la
perspectiva.

Además vemos la
expresión de los
rostros, el modelado
de los cuerpos bajo los
ropajes y empleo de
escorzos.
Expulsión de los mercaderes del templo.
Adoración de los Reyes Magos.
Lorenzo Ghiberti, tercera
puerta del Baptisterio de
Florencia, conocida como la
“Puerta del Paraíso”, 1425-
52.

Las planchas originales en el

Museo dell’Opera del
Duomo.

10 episodios del A.T. ,

además de sibilas y
profetas entre los que se
encuentra el autorretrato
de Ghiberti.
Autorretrato
de Lorenzo
Ghiberti.
- Denominada “Puerta del Paraíso” por
Miguel Ángel.

- Programa iconográfico debatido por

humanistas como Leonardo Bruni y
Ambrogio Traversi.

- De la forma tradicional del

cuadrilóbulo a la rectangular.

- En cada uno de los diez paneles se

organiza un espacio en perspectiva por
medio de arquitecturas o motivos
paisajísticos en el que desarrolla la
historia.

- Diversos planos de profundidad,

figuras salientes, fondos rayados o
esbozados.

- Empleo del canon de Lisipo.

Puertas del
Paraíso de
Ghiberti, siglo XV.

Aplicación de la
perspectiva lineal
a través de la
arquitectura y
técnica del
schiacciato.
Donatello, David.
1440. Bronce.

Museo del Bargello,

Florencia.
- Liberación del marco arquitectónico.

-Considerada el primer desnudo

moderno.

-Compuesto según un sistema de

diagonales que acentúa su belleza.

-Cabeza cubierta por un sombrero

típico florentino.

-Influencia del estilo de Práxiteles, con

un ligero contrapposto para lograr el
equilibrio de la composición. Se rompe
la ley de la frontalidad.

-Iconografía bíblica (A.T., 1Sam) que

remite a los modelos de héroes de la
Antigüedad.

- El motivo iconográfico hace referencia

a la victoria que Cosme de Medici
(sombrero florentino) obtuvo frente a
Milán (espada-cruz).
Detalle.
Condottiero Gatamelata (Padua), Donatello. 1447-53. Bronce. Inspirada en
Marco Aurelio.
- Estancia de diez años en Padua
(influencia en la escultura de Italia
septentrional).

- Estatua ecuestre del condotiero

(mercenario) Erasmo de Narni,
llamado el Gattamelata.

-Realizada en bronce, se inspira en el

retrato ecuestre de Marco Aurelio.

- Inaugura la estatuaria pública en la

Edad Moderna.

- La innovación consiste en
transformar en emperador a un
condotiero, un jefe militar a sueldo,
vistiéndolo con armadura clásica y
dotándolo de valor moral (rostro
concentrado).
 Escultura ecuestre
de Marco Aurelio,
176 d.C., Bronce.

Museos Capitolinos,
Roma.
Luca della Robbia:

- Discípulo de Donatello.

- Trabaja todos los materiales (bronce,

mármol, etc.)

- Inventor de la cerámica esmaltada

(aplicada a decoraciones arquitectónicas
como los tondos con el Apostolado y los
Evangelistas que ornamentan la Capilla
Pazzi)

- Renueva la tipología de Madonna en el

‘400 florentino.

- Continuó el taller su sobrino Andrea y

los hijos de éste (producción casi
industrial. Gran difusión por Europa)
Tondo de busto,
Luca della Robbia.
Madonna, Luca della
Robbia.
Madonna, Luca
della Robbia.
Hospital de los Santos
Inocentes. Tondos de cerámica
de Luca della Robbia.
Pareja de ángeles portando candeleros, c. 1525-1550.
Terracota con policromía vidriada en azul y blanco.
Taller de Della Robbia. Museo Carmen Thyssen, Málaga.
Condottiero Colleoni, Verrocchio. Segunda mitad del siglo XV.
- Antecedentes: Marco Aurelio,
Regisole y caballos de San Marcos.

- Interés por el caballo (escultura y

pintura –Paolo Uccello).

-Realizado por Verrocchio (segunda

mitad siglo XV) pero fundido por
Alessandro Leopardi.

-Mayor dinamismo que el

Gattamelata.

-Leonardo renovará la estatua

ecuestre representando al caballo
encabritado (sobre los cuartos
traseros) en el proyecto del
monumento para Ludovico Sforza.
Nicolás de Tolentino liderando a los florentino. Tríptico de La batalla de
San Romano, Paolo Uccello, 1438-40.
National Gallery de Londres.
 Escultura ecuestre
de Marco Aurelio,
176 d.C., Bronce.

Museos Capitolinos,
Roma.
Regisole, estatua ecuestre tardoantigua
destruída en 1796, Pavía. ¿siglos VI, XI?
Caballos de San Marcos, ¿siglo IV a.C.? Expuestos en el
Hipódromo de Constantinopla hasta 1204 cuando
fueron tomados por los venecianos.
Proyecto de monumento ecuestre a Ludovico Sforza
realizado por Leonardo, 1482-1493.
David, Verrocchio.
c. 1475. Bronce. Museo
del Bargello, Florencia.
- Encargada por la familia Medici
como metáfora del ascenso de
poder de Florencia.

- Diagonales compositivas que

crean tensión.

-Este David, representado como

un efebo andrógino, se convertirá
en modelo con anterioridad al de
Miguel Ángel.

- Verrocchio tuvo un importante

taller en Florencia por donde
pasaron grandes artistas como
Leonardo.
Sepulcro del papa Sixto IV, Antonio Pollaiuolo, 1484-
1493. Bronce. Vaticano.
 - Avanzado el siglo XV, dos
grandes escultores,
Verrocchio y Antonio del
Pollaiuolo, incorporan
novedades a la tumba
renacentista.

-Es del tipo cama sepulcral

con el yacente muy realista
rodeados por Virtudes y
relieves donatellianos de las
Artes Liberales.

-Completa la decoración un
programa de escolástica
aristotélica que resumía los
intereses del difunto.
ESCULTURA DEL SIGLO XVI
Miguel Ángel:

Vita di Michelangelo, Ascanio Condivi, 1553.

Florencia: primeras obras (Virgen de la escalera

y La batalla de los Centauros) y contacto con la
Academia (Poliziano, Marsilio Ficino, etc.).
Expulsión de los Medici y República teocrática
de Savonarola.

1496: Roma. Piedad vaticana.

1501: regreso a Florencia. Piero Soderini le
encarga el David.
1505: llamado a Roma por el papa Julio II para
el proyecto de su tumba (Condivi: “la tragedia
de la sepultura”)
1520: Clemente VII le encarga las tumbas de la
familia Medici en San Lorenzo.
Piedad vaticana.
Miguel Ángel.
Basílica de San
Pedro del
Vaticano.
1498-1499.

Encargo del
cardenal francés
Jean Bilhères de
Lagraulas.

Firmada en la
banda que
atraviesa el
pecho de la
virgen.
David de Miguel Ángel. 1501-04. Galería de
la Academia, Florencia.

Más de cuatro metros de altura, esculpida a

su regreso a Florencia en 1501.

Bloque de mármol en la Opera del Duomo

de Florencia. De una sola pieza, sin
añadidos.

Emplazamiento original: frente al Palacio de

la Señoría. Simboliza las virtudes
republicanas y cívicas de la república
florentina.

Antecedentes: Donatello y Verrocchio.

Referente antiguo: Apolo del Belvedere.

Copia del David de Miguel Ángel en la Plaza de la Señoría, de
Florencia. Realizada en 1910 por Luigi Arrighetti.
La mirada y las cejas
fruncidas expresan la
terribilità.

Se aprecian en la
cabellera y ojos golpes
de trépano que el
escultor utilizaba en su
primera época.
Apolo del Belvedere.

Copia romana de original

griego.

Descubierto a finales del

siglo XV y expuesto en el
Vaticano a partir de 1511.

Museos Vaticanos.
Importancia del
descubrimiento
del Laocoonte
(1506).
Torso del Belvedere, firmado por Apolonio de Atenas.
Descubierto durante el papado de Julio II en Roma.
Proyecto de tumba de Julio II, Miguel Ángel. 1505-1545.
Moisés de Miguel Ángel, 1513-1515. Iglesia
de San Pietro in Vincoli, Roma.
Moisés entre Raquel y Lea (vida activa y vida contemplativa). Se
desecharon las dos estatuas de los esclavos.
El esclavo rebelde, Miguel Ángel.
Concebida para la tumba de Julio II.
Esclavo de Miguel Ángel.
Tumba de los Médici, Iglesia de San Lorenzo, Florencia. Miguel Ángel.
1520-1534. Encargo del papa León X y el cardenal Juliano de Medici
(futuro Clemente VII)
Tumba de Lorenzo el
Magnífico. En el centro
Lorenzo, “pensieroso”,
flanqueado por la Aurora
y el Crepúsculo.

Faltan la Verdad y la
Justicia en las hornacinas
laterales.
Tumba de Juliano. En el
centro Juliano, con el cetro
principesco y flanqueado
por el Día y la Noche.

Faltan la Tierra y el Cielo en

las hornacinas laterales.
Características de la escultura manierista (segunda mitad del siglo XVI):
-La mayoría son seguidores de Miguel Ángel.

-Se busca el movimiento en la llamada “forma

serpentinata” (Juan de Bolonia).

-Algunos tienden al virtuosismo (Cellini).

-Se trabaja profusamente el bronce.

-Autores: Benvenuto CELLINI, Juan de BOLONIA.

Hércules y Caco.
Baccio Bandinelli.
Plaza de la Señoría,
Florencia. 1525-
1534. Mármol.
Bevenuto Cellini, Perseo
con la cabeza de
Medusa. 1545-1554.
Bronce. Loggia dei Lanzi.
Benvenuto Cellini,
Crucifijo.
1559-1562.
Mármol de Carrara.
Basílica del Escorial.

Destinada originalmente
a la tumba del artista
fue comprada por
Cosme I de Medici
(Palacio Pitti) y
posteriormente
regalada por Francisco I
de Medici a Felipe II
para decorar el Escorial.
Benvenuto Cellini, Salero de Francisco I de Francia. Kunsthistorisches de
Viena. Marfil, oro y esmalte. 1539-1543.
Representación del mar y la tierra.
Juan de Bolonia
(Giambologna), Mercurio.
Perfil abierto y equilibrio.
Bronce. 1564.
Museo del Bargello,
Florencia.
Juan de Bolonia, Neptuno. Diseñada para la Plaza de la Signoria
de Florencia (perdió el concurso con Ammannati), acabó en la
plaza de Neptuno de Bolonia.
Fuente de Neptuno, Bartolomeo
Ammannati, 1563-65).
Plaza de la Señoría, Florencia.
El rapto de las Sabinas, Juan de
Bolonia. 1581-1583. Loggia dei
Lanzi, Florencia.

Adquirida por Francisco I de

Medici.

Forma una línea curva

ascendente que tiende al
alargamiento.
Carlos V dominando al furor,
Leon Leoni (terminada por su
hijo Pompeo Leoni). 1550-
1553. Bronce. Museo del
Prado.

Encargo múltiple de Carlos V

al escultor milanés Leon
Leoni en 1549.

Inspirada en la Eneida de
Virgilio.

Pompeo Leoni se instaló en

Madrid y trabajó para la
Corte (Basílica de San
Lorenzo de El Escorial).
ESCULTURA DEL RENACIMIENTO EN
EUROPA:

Francia, Alemania, Inglaterra.

La primera tipología escultórica del Renacimiento italiano que se
introduce en Francia, España (Fancelli) e Inglaterra (Torrigiano) es
la tumba.

Encargo de obras en Italia: Sepultura de los duques de Orleans,

1502 maestros italianos por encargo de Luis XII.

Llegada de artistas italianos: Guido Mazzoni (Nápoles-Francia),

Antonio y Giovanni Giusti.

Primer Renacimiento francés: decorativismo lombardo.

Posteriormente: Escuela de Fontainebleau (Rosso y Primaticcio)

Benvenuto Cellini (estancia en Francia 1540-1545).
Antonio y Giovanni Giusti, Sepulcro de Luis XII en Saint-
Denis, 1515-1531.
Michel Colombe, Sepulcro de Francisco II y su mujer
Margarita de Foix, Catedral de Nantes, 1502-1507.
Mármol de Carrara.
La figura más importante: Jean Goujon (c. 1510- c.
1565).

Más experto en bajorrelieve que en bulto redondo.

Ilustró la traducción de Vitruvio de Jean Martin (1547).

Trabaja con Pierre Lescot en el Louvre.

Relieve de la fuente de los inocentes, 1547. Jean Goujon.
Relieve en piedra. Louvre, París.
Monumento triunfal de Enrique II.
Decoración escultórica realizada por Goujon. Los
relieves exaltan los valores de la monarquía francesa.
Tribuna de las Cariátides en el interior del Palacio del
Louvre, Jean Goujon. A partir de 1550.
Tumba de Enrique II y
Catalina de Medici,
Abadía de Saint-Denis.

Proyecto de Primaticcio,
dirigido por Germain
Pilon (1565-1573)
Alemania: Spätgothik, o gótico tardío (finales XV –
principios XVI).

Artistas como Riemenschneider, Stoss, Leimberger, etc.

El Renacimiento italiano penetra por las ciudades que

mantienen relación con Italia a través de sus banqueros
y comerciantes.

Núremberg, centro del humanismo alemán y lugar de

nacimiento de Durero, mantendrá continuas relaciones
con Venecia. Taller de los Vischer, maestros muy
italianizados que trabajan el bronce.
Tilman Riemenschneider, La última cena en el Retablo
de la Sangre, iglesia de San Jaime, Rothenburg. 1499-
1505.
Sepulcro del emperador Maximiliano I, Innsbruck. El
conjunto más importante de la escultura del siglo XVI
germano. Taller de los Vischer. 28 figuras de bronce
(parientes del emperador).
Inglaterra:

1534, Acta de Supremacía: Enrique VIII, ruptura con la Santa Sede

y cabeza de la Iglesia de Inglaterra.

Desaparición del arte religioso, al prohibirse cualquier

representación de la divinidad o de los santos.

Pietro Torrigiano (1472-1528):

Nace en Florencia y coincide con Miguel Ángel, Cellini y la corte

de Lorenzo el Magnífico.

Viaja por toda Europa.

Primer artista que mostró en Inglaterra el Renacimiento italiano e

introdujo nuevos materiales.
Tumba de Enrique VII e Isabel de York, Westminster. 1512-1519.
Pietro Torrigiano. Bronce dorado sobre base de mármol negro.
Sepulcro de Margarita de Beaufort, Westminster. Pietro
Torrigiano. 1511. Bronce y mármol negro.